Earticle

우리나라 문화예술교육은 양적인 급성장을 거듭하여 왔다. 그리고 이제 질적 제고에 대한 담론들이 형 성되고 있는 실정이다. 그렇기에 질적 향상을 불러오는 데 결정적으로 기여하는 현장 전문가의 전문성 향상에 대한 관심이 지속될 수밖에 없다. 특히 2016년 이후 신규 학교 예술강사들에게 제공되는 교육 프 로그램이외의 의무연수가 폐지되면서 제도적 차원의 교육적 지원을 통한 역량강화의 필요성이 대두되 고 있다 하겠다. 본 연구는 비수도권 지역인 부산을 배경으로 부산지역 교육연극전문가의 전문성 강화를 위한 프로그램 개선방안과 개발 방향을 교육연극전문가들과의 심층 인터뷰를 통해 탐색하였다. 특히 본 연구는 교육연 극 전문가의 전문성 강화를 위한 교육프로그램 개발 적용 연구를 본격적으로 진행하기 전 특히 부산 지 역 현장 전문가의 목소리를 담아내는데 주목하고 있다. 현재 부산지역 예술강사들은 부산문화재단, 부산예술강사지원센터, 부산교육청이나 부산소재 다양한 연수원들을 통해 전문성 강화 교육을 받을 수 있다. 그러나 모두 단기 연수 형식이며 교육연극 자체에 대한 집중도가 떨어지는 경향이 있음과 동시에 그 횟수마저 제한적이라는 취약점으로 인해 교육연극 전 문가들에게 그리 선호되는 교육 통로는 아닌 것으로 보인다. 인터뷰에 응한 부산의 교육연극전문가들은 보다 체계적이고 현장 중심적인 전문성 강화 교육프로그램을 지역에서 실질적으로 참여 가능한 방식으로 접할 수 있기를 바라고 있었다. 그렇기에 향후 부산지역의 문화예술교육 기관과 협력하며 지역 문화예술교육 발전을 선도함과 동시에 교육연극전문가들을 위한 전문성 강화 교육을 실시하며 전문가들의 교류를 촉진할 수 있는 지역의 구심 점이 필요하다 하겠다. 더불어 타 지역과 활발히 소통·교류하면서도 자체적으로 지역의 내실을 갖출 수 있어야 할 것이다. 이를 위한 관련 예산편성과 제도 마련 또한 촉구된다.

This study is aimed to suggest the direction of retraining program design for drama teaching expert based on the experts’ voice. This study establishes the improvement plan of drama teaching expert retraining program which may be applied to Busan metropolitan city or non-capital cities of Korea. We conducted in-depth interviews with six experts. We asked personal background and career, retraining programme experience, opinion on the Busan drama teaching experts’ professional capability, and wishes on the support for drama teaching experts in non-capital cities of Korea. There is the need on systematic retraining program rather than one-off event or short-term program which can improve inner qualities and external skills as drama experts. There is the need on diverse and creative retraining program which is designed on the basis of drama experts’ interest. It is necessary to improve the accessibility of retraining program for drama experts in Busan metropolitan city. The emphasis on local based bottom-up support system can be stated especially in non-capital areas. It is required to prepare more opportunities to stimulate drama expert exchanges within Busan metropolitan city and, at the same time, to build collaboration system with other cities in Korea.

‘아동중심교육사상’은 교육현장에서 교육연극/연극교육이 확장되는 데, 지배적인 이론적 기반이 되었 다. 교육연극/연극교육은 ‘아동중심교육’에 힘입어 교육적 타당성을 획득하였는데, 다양한 연극 활동을 포용하고, 연극놀이의 면모를 제대로 파악하기 위해서는 ‘아동중심교육’을 새롭게 고찰할 필요가 있다. 재고찰의 가능한 경로중의 하나가 ‘아동중심교육’의 원천이라 할 수 있는 루소의 『에밀』 을 다른 관점에 서 바라보는 연구들에 대한 탐색이다. 교육학적 측면에서 혹은 정치 사회학적 관점에서 ‘에밀’을 탐구한 연구들은, 『에밀』 의 어느 한 부분을 강조하기보다 전권에 이르는 통합적 해석을 하려는 의도에서, 새로 운 해석을 시도한다. 이 연구들은 강조하는 내용에 있어 차이를 보이나, ‘사고의 능동성’ 차원에서 유사 하다. 이러한 사실은 적어도 『에밀』 이 ‘아동중심교육’외에 다른 방향에서 해석 가능함을 보여준다. 만약, ‘사고의 능동성’을 교육연극/연극교육의 교육적 가치를 설명하는 이론적 틀로 삼는다면, 교육연극/연극 교육의 다양한 연극 활동을 설명하고 변화시킬수 있게 된다. 연극놀이의 규칙, 규율의 의미를 설명할 수 있고, 주관적 생각을 공유하는 수준에서 그쳤던 ‘생각 나누기’는 생각을 서로 충돌시켜 의미를 확장하는 ‘생각 충돌하기’의 수준으로 변화시킬 수 있다. 교육연극/연극교육을 적절하게 설명하고 변화를 도모하 기 위해, 그동안 지배적인 이론적 틀로써 사용되었던 ‘아동중심교육’은 교육적 힘의 가치를 설명하는 이 론과 더불어 탐색 될 필요가 있다. 『에밀』 의 해석은 이러한 시도 중의 하나다.

‘Child-centered Education’ expanded educational drama/theater education in the field of education, which became the dominant theoretical foundation. Educational drama/theatre education gained educational validity thanks to 'child-centered education'. In order to embrace various theatrical activities and properly understand the aspects of dramatic play, it is necessary to reconsider 'child-centered education'. One of the possible ways of reconsideration is to explore studies that view Rousseau's Emile, the source of 'child-centered education', from a different perspective. Studies exploring Emile from an pedagogical or political sociological perspectives attempt a new interpretation, with the intention of making an integrated interpretation of the whole process of Emile, rather than emphasizing any part of Emile. These studies differ in their emphasis, but they are similar in terms of the 'active thinking'. This fact shows that at least Emile is interpretable in other directions than child-centered education. If 'active thinking' is used as a theoretical framework for explaining the educational value of educational drama/theater education, various theatrical activities of educational drama/theater education can be explained and changed. The meaning of the rules and discipline of drama games can be explained, and 'sharing thoughts', which used to be at the level of sharing subjective thoughts, can conflict thoughts and change them to the level of expanding meaning. In order to properly explain and promote educational drama/theater education, 'child-centered education', which has been used as a dominant theoretical framework, needs to be explored along with a theory explaining the value of educational power.The interpretation of Emile is one of these attempts.

본 연구는 청소년의 문화다양성 이해 증진을 위해 미디어아트 융복합 예술교육 프로그램을 개발하고 그 효과를 분석하는 것을 목적으로 한다. 이를 위하여 문화다양성과 미디어아트의 개념과 예술교육 관련 문헌과 사례를 살펴보고, 소통, 일상성, 가치·예술·기술의 융합이라는 연계성을 근거로 문화다양성과 미디어아트의 융합 예술교육의 필요성을 설명하였다. 문화다양성의 12가지 핵심가치 중 ‘존중’, ‘인권 및 평등’, ‘공존’, ‘사회적 정의’네 가지 가치와 ‘인지’, ‘사회정서’, ‘실천’, ‘표현’이라는 네 가지 문화다양성 역 량을 반영하여 교육 프로그램을 개발하고, 중학교 학생을 대상으로 시범 운영하였다. 설문과 참여관찰, 활동소감을 통해 문화다양성 역량과 핵심가치에 근거하여 효과성을 분석하였다. 본 연구의 분석 결과는 다음과 같다. 첫째, 본 교육 프로그램은 청소년의 문화다양성에 대한 핵심가치 인식에 긍정적으로 작용하며, 타인에 대한 존중과 배려, 공동체 의식, 사회적 실천을 위한 방법들을 배우 는 계기가 되었다. 둘째, 참여 학생들의 문화다양성 역량이 향상된 것으로 나타났는데, 특히 ‘표현’영역 과 ‘실천’영역에서 긍정적인 응답이 높게 나타났다. 본 연구를 통해 다름의 가치와 소통이 중요한 시대에 그간 많이 시도되지 않았던 가치-예술-기술을 연계한 사회참여적 예술교육 프로그램의 개발 가능성을 발견하였으며, 본 연구를 시작으로 보다 다면적 차원에서 기술과 예술, 그리고 사회적 가치가 결합된 융 합 예술교육이 지속적으로 개발, 연구되기를 기대한다.

The purpose of this study is to develop a media art convergence education program for middle school students and analyze its effects to improve their understanding of cultural diversity. For this, the concept of cultural diversity and media art as well as previous studies on art education were examined, and the necessity of convergence between cultural diversity and media art was explained based on the linkages of 'communication', everyday life', and 'convergence of value, art, and technology'. The education program was developed based on four core values of cultural diversity( respect, human rights and equality, coexistence, and social justice) and four cultural diversity competencies(cognition, social sentiment, practice, and expression) and implemented towards middle school students. The study’s effectiveness was analyzed based on cultural diversity competencies and core values through collecting data from surveys, participatory observations, and notes about students’ activity impressions. As a result, this study shows three findings as follows. First, the four cultural diversity competencies of participating students were improved. Second, it also played a positive role in students’perception of core values for cultural diversity, and it served as an opportunity to learn respect and consideration for others, community consciousness, and efforts for social practice. Third, it is significant to explore the possibility of developing a social participatory art education program linking value·art·technology that has not been attempted much so far in an era where the recognition of different values and communication is increasingly significant. Starting with this study, it is hoped that the study for developing convergence on art education program, which combines technology, art, and social values, will be able to continue at a more multifaceted level.

본 연구는 장기화되는 팬데믹 상황으로 인해 변화하는 문화예술교육 환경 속에서 특별히 온라인 공연연 계 -예술교육의 질을 제고하기 위한 쟁점을 연구하는 것에 목적을 둔다. 현재 온라인 공연 및 예술교육 사례들이 늘어가는 가운데 다양한 환경에서‘공연의 창작성과 예술교육의 심미적 교육 수행을 지켜나갈 수 있는지에 대해 혼선이 야기되고 있다. 그런 가운데 공연을 하나의 프리텍스트로 하여 공연에 대한 이 해와 감상에 있어 참여자(관객)의 자발적 참여를 이끄는 공연연계-예술교육이 주목되는 바이다. 이러한 공연연계-예술교육이 질적 담보를 위해 어떻게 수행하고 있는지 살펴보고 질적 향상을 위한 구체적인 정책적, 실천적 방안을 제시해보고자 한다. 이에 본 연구는 선행연구 분석과 현장 동향을 살핀 후, 맥신 그린(Maxine Greene)의 ‘심미적 교육’과 ‘수 월성과 협력’ 이론에 기반하여 현상학적 질적 연구방법으로서 재단 및 교육청이 후원하고 민간 극단이 주관한 프로그램 참여자를 중심으로 ‘공연연계-예술교육’에 관한 예술강사, 교육행정가의 FGI(Focus Group Interview)를 2회 진행했다. FGI를 통해 온라인 공연연계-예술교육의 현황 및 내용 진단 후 공연연 계-예술교육의 질적 성숙을 위한 과제와 대안을 제시하였다. ‘공연연계-예술교육’은 공연예술생태계와 맞물려 공존·상생되어야 하므로, 이러한 실천방향 모색을 위한 공연연계-예술교육의 쟁점을 진담함으로 질적 도약에 기여하기를 기대하기 때문이다. 마지막으로 연구의 한계점과 추후 연구방향을 담았다.

The purpose of this study is to derive issues for the qualitative maturity of 'performance-linked arts education' in a changing arts education environment due to a prolonged pandemic situation. As confusion is caused in the creativity of performances and aesthetic education amid the increasing number of online performance-linked arts education cases, issues and suggestions are needed through research. In response, with a previous research analysis Maxine Greene’s theory of 'Aesthetic Education' , 'Excellence' and ‘Cooperation' was based for this study. And as a qualitative research method, this study conducted two sessions of focus group interviews(FGI) to arts instructors and educational administrators' on performance-linked arts education programs sponsored by foundations and education offices and organized by private theater companies. Through FGI, tasks and alternatives for qualitative maturity of performance-linked arts education in pandemic era after diagnosing the current status and contents of online programs were suggested. Because 'performance-linked culture and arts education' must coexist in conjunction with the performing arts ecosystem, this study is expected to contribute to the qualitative leap by in the issues and suggestions of performance-linked art education to find such a direction of practice. Finally, the limitations of the study and future research directions were included.

본 연구는 희곡의 문학성과 연극성의 균형을 갖춘 희곡교육을 어떻게 가능케 할까? 라는 고민에서 출발 하였다. 그 방안으로써 세계적 명성을 지닌 영국 RSC 극단이 수년간의 실행연구와 모범 사례를 기반으 로 구축한 ‘리허설 룸 접근법’이 예술과 교육의 균형을 이룬 희곡교육의 체계적 교육방법론이라는 측면 에 주목하였다. 이에 RSC ‘리허설 룸 페다고지’의 이론적 배경, 교육방법론인 ‘리허설 룸 접근법’의 특성, 그리고 리허설 룸 접근법의 구체적인 수업 사례를 소개하고 이를 분석하고자 하였다. 이를 통해 희곡교 육 활성화를 위한 RSC 교육방법론의 시사점을 고찰하였다. 본 연구가 희곡이 지닌 문학성과 연극성을 살린 다양한 희곡교육 모델을 구축할 수 있는 근거가 되기를 바란다. 또한 이와 같은 새로운 희곡교육 방법론을 토대로 희곡을 탐구함으로써 아동ㆍ청소년들이 희곡이 가진 고유한 특성을 통해 다른 문학 장 르에서 학습할 수 없었던 새로운 배움과 경험을 누리며 희곡문학을 향유하는 주체가 될 수 있길 기대한다.

This study stemmed from the concern that how to teach dramatic literature with a balance between the literary and theatrical aspects of plays. As one of the measures, the ‘Rehearsal Room Approaches’ built by RSC, which achieved worldwide fame, through years of direct teaching and learning and experience, focused on the aspect of a systematic educational methodology that can provide dramatic literature education with a balance between education and art. Therefore, the study introduced and analyzed that the theoretical rationale for‘Rehearsal Room Pedagogy’ of RSC , the contents and characteristics of ‘Rehearsal Room Approaches’, and its specific activities. Drawing the analysis, the implications of RSC Rehearsal Room Approaches for revitalizing dramatic literature education were considered. It is hoped that this study will contribute to establishment of a variety of dramatic literature education models that can balance the literary and theatricality of plays. In addition, by exploring plays through the Rehearsal Room Approaches, I hope that young people can enjoy dramatic literature through the unique characteristics of plays, enjoying experiences that could not be learned in other literary genres.

본 연구는 참여자가 주체가 되어 스스로의 삶 속 경험의 일부를 재현하거나 재구성함으로 행동의 원리 와 의도, 표현 방법, 인물로서의 ‘나’를 발견하고 주체성을 확립할 수 있는 예술교육 프로그램의 필요성 에서 출발하였다. 이를 위해, 예술교육의 흐름과 동향을 검토하고, 특히 현대 예술교육의 이론적 기반을 제시한 듀이를 중심으로 예술교육의 주요 개념 및 논의를 고찰하였다. 이와 연계하여 국내 연극교육의 현황과 변화하는 연극 패러다임 수용을 위한 대안의 하나로서 ‘시민연극(Applied Theatre)’ 접근의 가능 성을 살펴보았다. 이를 바탕으로, 그동안 주로 배우 연기훈련으로만 알려진 에쮸드(Etude)를 활용하여 참여자 주체적 시민연극 프로그램 구조화를 위한 방향성을 고찰하였다. 본 연구는 그동안 전통적 연극 교육에서 소홀하였던 교육연극이나 시민연극 등 다양한 연극적 접근에 대한 시각을 넓히고, 이를 연극 및 예술교육 패러다임 변화의 관점에서 고찰하였다는 데 의미가 있다. 특히 연기훈련 방법으로만 인식 되어온 Etude를 활용하여 배우는 물론 일반인들이 연극을 통해 자신의 경험과 사고를 촉진할 수 있는 ‘참여자 주체적 시민연극 프로그램’ 개발의 가능성을 제시하였다는 점에서 의의가 있다.

This study began from the necessity of arts education programs in which participants could become the willing subject in recreating or reconstructing experiences of their lives so that they can understand principles and intentions of activities, find ways of expressions, and discover ‘themselves’ by establishing their ownership. To do this, the study reviewed the current trend of arts education and discussed the major concepts and issues of arts education, especially focusing on Dewey, who had provided the theoretical basis of contemporary arts education. In connection with this, the study examined the possibility of ‘Applied Theatre’ approach as one of the alternatives in the light of the status quo of Korean theatre education field and to embrace the changing paradigms in theatre and arts education. Based on this argument, the study examined and proposed the possibilities for a structuralization of ‘participant-oriented Applied Theatre’ programs using Etude, which has only been known as actor training program. This study is meaningful because it not only broadened the perspective on diverse theatrical approaches such as educational drama and applied theatre that have been neglected in traditional, mainstream theatre education but also considered them in relation with paradigm shifts in theatre and arts education. In particular, it is also meaningful because it explores the possibility of the development of ‘participant-oriented Applied Theatre program’ that both actors and non-actors can promote thoughts and experiences using Etude which has been only considered as actor training methods not for wider populations.

본 연구는 연극만들기에 참여한 중학생이 경험하는 동기를 발견하고 그 동기의 특징과 의미를 이해하는 데 목적이 있다. 이를 위해 중학교 3학년 학생들과 총 17차시의 연극만들기 수업을 진행하였으며 참여 학생 중 8명의 학생을 선별하여 그들이 경험한 동기를 반 매넌(Van Manen)의 해석학적 현상학 방법으 로 연구하였다. 연구 결과, 연극만들기에 참여한 중학생의 동기 경험은 인간의 기본심리욕구인 자율성, 유능성, 관계성의 충족에 의한 동기와 연극이라는 예술이 가지는 순간성이나 관객이라는 독특한 특성에 의해 발현 또는 유지되었다. 이러한 학생들의 동기는 그들이 왜 연극만들기를 하며 어떻게 구현할 수 있 는지를 고민하는 과정에서 발생했으며 여기서 발현된 내재 동기는 학생들의 삶에서 또 다른 예술 향유 의 경험으로 연결되는 자원이 된다는 점에서 의미가 있다. 본 연구는 학생들이 연극만들기를 하면서 경 험하는 동기를 발견함으로써 그들이 연극을 만드는 이유를 제시하고 청소년의 연극만들기가 나아가야 할 방향을 제시하였다는 데 의의가 있다.

This study identifies the motivation of middle school students participating in playbuilding to understand the characteristics and significance of the motivation. To this end, 17 playbuilding sessions were conducted with middle school seniors, and eight of them were selected to study their motivation using Van Manen's hermeneutic phenomenological approach. As a result, it was found that the motivational experience of the research subjects was expressed or maintained by the motivation coming from the satisfaction of basic human psychological needs, including autonomy, competence, and relationship, and the unique characteristics of the art of play, audience and improvisation. This motivation of the students occurred in the process of contemplating why they were building the play and how they could implement it. In addition, the intrinsic motivation expressed here is meaningful in that it becomes a resource that leads to another experience of enjoying art in the students' lives. By exploring the motivation that students experience while building plays, this study has significance in presenting the reasons why they create plays and the direction of playbuilding for teenagers.