Earticle

이 연구는 무형유산 이수자가 전승의 주체를 넘어 교육의 주체로 전환되는 과정에서 나타나는 교수 행 위의 변화와 재맥락화 원리를 구명(究明)하고자 한다. 무형유산의 신체적 수행성과 교육연극의 체화된 학습 원리 간 방법론적 친화성에 주목하여, 국립무형유산원에서 2023년부터 2025년까지 3년간 실행한 교육연극 기반 교수법 연수를 질적 실행연구 방법으로 분석하였으며, 이수자의 정체성과 교수 실천에 미치는 영향을 살펴보았다. 연구 결과, 이수자들은 교육연극의 ‘보호’와 ‘이중성’ 기제를 활용하여 전승 지식을 학습자의 삶과 소통 가능한 교육 담론으로 번역하는 ‘재맥락화의 행위자’로 변화하였다. 태평무 등 전통무용 사례 분석과 참 여자 심층 인터뷰를 통해, 교육연극을 적용한 가상 상황과 역할이 전통의 역사적 맥락을 학습자의 생활 세계에 연결하며 무형유산의 재맥락화 과정에서 심미적 경험을 조직하는 주요 장치임을 확인하였다. 이론적으로 Bernstein의 재맥락화 이론, Dewey의 경험 이론, Bolton의 교육연극 이론을 통합하여 무형 유산 교육의 틀을 구축하였다. 실천적으로는 ‘전통 맥락 열기 - 역할과 상황 구성 - 행위 탐색과 상호작용 - 성찰과 재맥락화’로 구성된 4단계 순환 모형(TPRP)을 제안하였다. 이 모형은 이수자 역량 강화와 일반인 대상 교육 프로그램 설계에 적용 가능한 가이드라인을 제공한다. 이 연구는 무형유산 교육이 독립적인 문화예술교육 영역으로 자리매김할 수 있는 이론적 토대를 마련하 였으며, 이수자의 교육적 정체성 변화에 관한 실천적 시사점을 제공한다.

This study investigates the transformation of teaching practices and the principles of recontextualization that emerge as Intangible Cultural Heritage (ICH) practitioners transition from subjects of transmission to subjects of education. Focusing on the methodological affinity between ICH's embodied performance and educational drama's experiential learning principles, a qualitative action research was conducted analyzing the educational drama-based teaching method training at the National Intangible Heritage Center from 2023 to 2025. The findings reveal that practitioners evolved into "agents of recontextualization," translating transmission knowledge into educational discourse by utilizing the mechanisms of "protection" and "duality" in educational drama. Analysis of traditional dance cases such as Taepyeongmu and in-depth interviews confirmed that fictional situations and roles serve as crucial devices for organizing aesthetic experiences in the ICH recontextualization process. Theoretically, this study integrates Bernstein's recontextualization theory, Dewey's experience theory, and Bolton's educational drama theory. Practically, it proposes a four-stage cyclical model (TPRP): Opening the Context - Structuring Role & Situation - Action & Interaction - Reflection & Recontextualization. This model provides practical guidelines for both practitioner training and public educational programs. This study establishes a theoretical foundation for ICH education as an independent cultural arts education domain and offers practical implications for practitioners' educational identity transformation. While this research primarily examines performing arts cases, the structural principles of the TPRP model demonstrate potential for broader application across diverse ICH domains, warranting further validation through subsequent studies.

본 연구는 교육연극에서 형성되는 앎의 성격을 마이클 폴라니의 암묵지 이론을 중심으로 규명하는 데 목적을 둔다. 이를 통해 교육연극을 단순한 교수·학습의 보조적 수단이 아닌, 고유한 앎이 생성되고 조 직되는 핵심적인 교육의 장(場)으로 재조명하고자 하였다. 이를 위해 먼저 폴라니의 암묵지 이론을 토대로 암묵지의 개념을 검토하고, 부발식–초점식 인식 구조와 착화(indwelling) 개념을 이론적으로 고찰하였다. 이러한 이론적 탐색을 바탕으로 학습자는 교육연극을 수행하는 과정에서 역할, 규칙, 신체 감각, 관계 맥락 등 다양한 요소들에 부발식으로 의존하면서 장면 전체의 의미를 초점식으로 통합하여 구성한다는 것을 규명하였다. 특히 학습자는 역할이라는 인식론적 도구에 자신의 존재를 착화하는 과정에서 명시적 언어로 완전히 환원될 수 없는 관계적 통찰로서의 암 묵지를 형성한다. 이처럼 교육연극에서 형성되는 암묵지는 명시적 언어로 환원될 수 없는 맥락적 판단의 앎이자, 신체에 체화된 수행적 앎이며, 수행 속에서 지속적으로 갱신되는 생성적 앎이라는 성격을 지닌다. 본 연구는 교 육연극 수행 과정에서 작동하는 인식 구조를 이론적으로 해명함으로써 교육연극의 교육적 위상을 실천 적 차원에 국한하지 않고 인식론적 차원으로 확장하여 새롭게 정립하였다는 데 그 의의가 있다.

This study aims to elucidate the nature of knowing formed in educational drama, centering on Michael Polanyi’s theory of tacit knowing. It seeks to reposition educational drama not merely as an auxiliary means of teaching and learning, but as a pivotal educational field in which distinctive forms of knowing are generated and organized. To this end, the study first examines the concept of tacit knowing based on Polanyi’s theory and theoretically explores the subsidiary–focal structure of knowing as well as the concept of indwelling. Grounded in this theoretical framework, the study demonstrates that, in the course of educational drama performance, learners subsidiarily rely on various elements—such as roles, rules, bodily sensations, and relational contexts—while focally integrating and constructing the meaning of the entire scene. In particular, by indwelling in the role as an epistemological tool, learners form tacit knowing as relational insight that cannot be fully reduced to explicit language. Tacit knowing formed in educational drama is thus characterized as contextual judgment irreducible to explicit articulation, embodied in performative engagement, and continuously renewed within the dynamics of practice. The significance of this study lies in its theoretical elucidation of the epistemic structure operative in educational drama performance, thereby extending the educational status of educational drama from a merely practical dimension to an explicitly epistemological one.

이 연구의 목적은 2025 꿈의 극단 ‘춘천’이 경계선 지능 학습자를 대상으로 시행한 인형극 교육 프로그 램의 효과에 관해 탐구하는 데 있다. 이를 위해 참여 관찰의 질적 연구 방법론을 통해서 경계선 지능 학 생에게 어떤 변화가 일어났는지를 살펴보았다. 경계선 지능 학습자는 일반적으로 지능지수(IQ)가 70~84의 범주에 속하는 학생으로 지적장애에 해당 하지 않지만, 평균 지능에 도달하지 못하는 인지능력으로 인해 소속되어 있는 사회에 적응하지 못하여 지원과 보호가 필요한 사람을 지칭한다. 2025 꿈의 극단 ‘춘천’에서는 2025년 5월말부터 11월말까지 6개월 동안 경계성 지능 학습자에게 인형극 을 교육하였고, 그 결과 프로그램에 참여한 학생의 변화를 관찰할 수 있었다. 경계성 지능 학습자의 변화 양상을 요약하면, 첫째, 사회성과 공감 능력, 배려 능력 증진, 둘째, 정서 안정과 자신감 신장, 셋째, 연극 놀이에서 인형극 체험 활동으로 이어진 다양한 예술 경험의 확대, 넷째, 행복감 증진이 있다. 2025 꿈의 극단 ‘춘천’이 인형극 교육을 통해서 경계선 지능 학생에게 선물한 것은 평생 경험하기 어려 운 ‘행운’ 그 자체였다. 앞으로 사회적인 공론화 과정을 통해서 많은 학생들이 이런 효과를 계속 경험하 면서 살아갈 수 있도록 후속 연구를 확대하길 기대한다.

The purpose of this study is to explore the effects of a puppetry education program implemented by the 2025 Dream Theater “Chuncheon” for students with borderline intellectual functioning (BIF). To this end, this study examined the changes experienced by the participants through a qualitative research methodology using participant observation. Students with borderline intellectual functioning generally have an intelligence quotient (IQ) ranging from 70 to 84. Although they do not meet the criteria for intellectual disability, their cognitive abilities fall below the average level, which often makes it difficult for them to adapt to society and increases their need for educational support and protection. From late May to late November 2025, the Dream Theater “Chuncheon” provided a six-month puppetry education program for students with borderline intelligence. As a result, meaningful changes were observed among the participating students. These changes can be summarized as follows: first, improvement in social skills, empathy, and consideration for others; second, increased emotional stability and self-confidence; third, expansion of diverse artistic experiences, evolving from theatrical play to hands-on puppetry activities; and fourth, enhancement of overall happiness and well-being. Through puppetry education, the 2025 Dream Theater “Chuncheon” offered students with borderline intelligence a rare and valuable opportunity that would be difficult to experience in their lifetime. Future studies are expected to expand follow-up research so that more students may continue to benefit from these positive effects through broader social awareness and public discourse.

이 연구의 목적은 영국 참여기반 유스씨어터 공동창작 사례인 󰡔하이 타임즈 앤 더티 몬스터즈(High Times and Dirty Monsters)󰡕를 분석하여, 접근성이 제도적 준수의 대상이 아니라 예술현장의 참여적 실 천을 통해 어떻게 규범으로 형성되는지를 탐색하는 데 있다. 본 프로젝트는 청소년 주체성과 당사자성 을 중심에 두는 20 스토리즈 하이 유스씨어터(20 Stories High)와, 접근성을 공연미학의 핵심 원리로 통 합해 온 그래이아이 극단(Graeae Theatre Company)의 협업으로 진행되었다. 더 나아가 이들의 협업은 참여자의 경험을 작품으로 구현하는 데에 그치지 않고, 장애청소년의 발화에 기반한 <접근성 매니페스토> 공표, 그리고 예술계의 변화를 촉구하는 실천 도구의 개발·공유로 확장되었다는 점에서 특히 주목 된다. 사례분석 결과, 접근성은 공연 이후에 덧붙이는 기술적 보완이 아니라 창작의 조건이자 참여자의 발화 구조를 조직하는 원리로 작동했으며, 장애청소년은 접근성 요구의 수혜자가 아니라 규범 형성의 주체로서 재위치하였음을 확인하였다. 이에 본 연구는 현재 국내에서 진행되고 있는 접근성 논의가 법·제도 및 행정 기준이나 관객 서비스 차원으로 환원되어 온 기존 관점을 넘어서서, 당사자 발화와 참 여 경험에서 출발해 규범화로 나아가는 상향식 실천 관점에서 접근성을 재사유할 필요성이 있음을 제안 한다.

This article explores the UK participatory youth theatre co-creation project High Times and Dirty Monsters to illuminate how accessibility comes to function as a norm generated through practice, rather than remaining an externally imposed requirement of institutional compliance. The project was developed through collaboration between 20 Stories High, whose work foregrounds youth agency and experience-led making, and Graeae Theatre Company, which has advanced an “aesthetics of access” by integrating access features into the formal, sensory, and relational dimensions of performance. The collaboration is noteworthy not only for the production itself but also for its extension into sector-facing interventions: disabled young people’s collective articulation of the Access Manifesto and the subsequent development and circulation of practical tools intended to support wider change in arts organisations. Methodologically, the article adopts a qualitative case-study approach, analysing project documentation and records, public statements, media interviews, and the manifesto and its related resources. The analysis shows that accessibility operated as creative infrastructure: it shaped rehearsal design, communication practices, and the conditions through which participants’ expression could be realised and recognised within the work. In this sense, accessibility was not treated as an add-on or post-production adjustment but as a constitutive condition of creation that organised both process and form. The case further demonstrates a shift in agency. Disabled young people were positioned not as passive recipients of access provision but as actors who articulate expectations, define standards, and contribute to the production of norms. By tracing the movement from co-creation to public declaration and resource-making, the article reframes accessibility as a bottom-up mode of norm formation grounded in participant voice and lived experience. It concludes by arguing that arts and cultural policy debates should move beyond legal/administrative standards and audience-service models, and instead attend to how norms of accessibility are made, contested, and stabilised through participatory artistic practice.