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최근 문화예술 분야에서 장애인 문화예술 활동의 활성화를 지지하는 ‘접근성’이라는 용어가 활발하게 사용되고 있다. 하지만 예술현장에서 그간 장애인 접근성을 대변하기 위해 활용되어 온 배리어프리, 유 니버설 디자인, 인클루시브 디자인 같은 관련 용어들이 여전히 혼재되어 사용되고 있는 가운데, ‘접근성’ 에 대한 종합적이고 일관된 정책적·학술적 정의나 개념 설정은 아직까지 충분히 이루어지고 있지 않은 상황이다. 일종의 암묵적 합의는 이루어져 있다고 해도, 문화체육관광부 내에 ‘장애인문화예술과’가 설 립(2023.12)되는 등 본격적인 장애예술 정책 지원 확대가 이루어지는 가운데 이는 시급히 개선될 필요가 있다. 이러한 배경에서 이 연구는 문화예술 분야 ‘장애인 접근성’과 관련된 그동안의 논의를 모두 세 가 지 층위에서 접근하여 개념적 고찰을 시도한다. 먼저 법·제도적 차원과 문화정책 담론 차원에서의 ‘접 근성’ 논의를 짚어보고, 마지막으로 장애인 접근성과 연계 하에 문화예술계에서 사용되는 배리어프리, 유니버설 디자인, 인클루시브 디자인 등 세 개의 관련 용어들을 분석함으로써 향후 ‘접근성’ 개념이 장애 예술 정책과 관련하여 어떻게 이해되고 활용되어야 할 것인지를 검토하고자 한다. 이를 통해 장애인 접 근성 개념을 포괄적으로 이해하는데 필요한 핵심적인 방향성을 문화정책 관점에서 제언하고, 장애인 접 근성과 관련된 이론적 토대 형성에 기여하고자 한다.

In recent years, there has been a growing prominence of the term ‘access’ in the arts and cultural sector as a means to advocate for the inclusion of people with disabilities. However, terms including barrier-free, universal design, and inclusive design, which also represent accessibility for the disabled, are used interchangeably in the cultural field. This terminological inconsistency highlights the absence of a comprehensive and consistent policy discussion, as well as an academic conceptualization of ‘access’. Despite a certain level of implicit consensus, there is an urgent need for improvement or clarification, especially in light of recent significant policy developments for disability arts, including the establishment of ‘the Culture and Arts Division for Disability Arts’ under the Ministry of Culture, Tourism and Sports in Korea(December 2023). Against this backdrop, this study attempts to conceptualize the discourse on ‘disability access’ within the cultural field from three distinct levels. Firstly, it examines the historic discussions of access at the legal and institutional levels. Secondly, it investigates the the concept of access from the perspective of cultural policy discourse. Thirdly, it explores how the concept of ‘access’ should be understood and applied in disability arts policy-making by analyzing related terms, such as barrier-free, universal design, and inclusive design. Through this comprehensive analysis, the study proposes key directions for interpreting the concept of access from a cultural policy perspective, theryby contributing to the establishment of a theoretical foundation for the discourse for the discourse on access in the arts.

최근 초고령사회로의 급속한 이행 및 외로움과 사회적 고립이 시대적 화두로 대두되면서, 노년세대를 위한 문화예술활동 지원의 필요성이 다각적으로 강조되고 있다. 지난 20여 년간 노인 대상 정책사업이 문화예술교육 및 생활문화 분야에서 부분적으로 추진되어 오긴 했으나, 노년 문화예술활동을 위한 정책 지원의 의미와 방법론에 관한 보다 종합적이고 심도 깊은 논의는 상대적으로 미진했다. 이런 배경에서 본 연구의 목적은 한국문화원연합회가 지난 17년간 운영해왔던 ‘어르신 문화활동 지원’ 사업을 연구대상 으로 삼아, 노인 대상 사업에서 발견되는 문제점을 살펴보고, 초고령화 시대를 겨냥한 노년 문화예술활 동 정책지원의 방향성을 탐색하는 데 있다. 사례분석 결과를 바탕으로 기존 노인 대상 사업의 문제점을 ‘노년세대에 대한 평면적 인식’, ‘문화향유기회 확대라는 사업목적의 모호성’, ‘공급자 중심 정책모델의 한계’, ‘참여자수·만족도로 관습화된 성과측정의 한계’ 등 네 가지 측면에서 논의한다. 이를 바탕으로 결론에서는 향후 노년 문화예술활동 정책지원에 있어 주요하게 재검토되어야 하는 부분들을 네 가지 관 점에서 제언한다. 이들은 각각 ‘개인성’을 고려한 노년세대에 대한 입체적 이해의 중요성, ‘관계문화의 형성’ 관점에서 이해하는 문화예술활동의 의미 포용, 참여자의 경험에서 출발하는 ‘자산기반형 정책모 델’로의 전환, 사업성과로서 ‘문화안전망’ 개념의 채택으로 요약될 수 있다.

With the rapid transition towards an super-aging society and the increasing societal focus on loneliness in Korea, the importance of cultural and artistic activities for the elderly has never been more emphasized. While many government schemes targeting the elderly in the fields of arts education and culture-into-life have been attempted over the past two decades, there has been relatively limited discussion on the significance of cultural activities for the elderly from the cultural policy-making point of view that reflects the contemporary trends of super-aging phenomenon and expansion of loneliness amongst the elderly. Against this backdrop, this study attempts to explore the ‘Cultural Activities for the Elderly' project, which has been initiated by the Korean Cultural Center Federation for the past 17 years, and illuminate its underlying problems. Drawing upon research findings, the study argues that there are four key issues; superficial perception of the target audience, ambiguity of policy objective, constraints of the provider-centered model, and limitation of conventional performance measures. In the conclusion, it presents the following four policy implications for cultural policy support for the elderly in the age of super-aging; the importance of appreciating individuality of participants, embracing the broadened meaning of cultural activities from the perspective of ‘relational culture’, converting to ‘an asset-based policy model’, and adopting the the concept of ‘cultural safety net’ as a performance measure.

본 연구는 연극놀이의 교육적 가치를 뇌과학의 관점에서 고찰을 시도한 연구이다. 연극놀이는 놀이적 성격과 연극성으로 인해 학생들의 성장에 중요한 역할이 되고 있다. 다만, 연극놀이의 가치를 뇌과학적 지점에서 설명한다면, 보다 이론적으로 과학적으로 논의가 가능할 것이라고 사료하여, 본 논문을 통해 과학적인 방법으로 뇌과학적인 입장에서 연극놀이의 교육적 가치를 고찰해 보았다. 교육학자들은 교육 의 질을 높이기 위해 두뇌 연구에 이미 눈을 돌려왔고, 다양한 학문과 활발한 교류와 융합을 가능하게 하고 있으며, 역동적으로 작용하는 두뇌의 학습기제에 기반을 둔 교육을 모색하고 있다. 특히, 연극놀이 의 교육적 가치를 몰입, 내재적인 동기유발, 메타인지, 창의성 증진으로 정리하여 이를 뇌과학적인 작동 기제를 통해 고찰해 보았다. 또한 연극놀이의 교육적 가치와 이에 관여하는 요인의 뇌과학적 이해를 바 탕으로 교육적 시사점을 도출해 보았다. 본 고찰 논문을 통해 앞으로 연극놀이 분야에서 뇌과학적인 연 구가 접목된 연구설계가 활발해지길 바라며, 이는 향후 연극놀이, 교육연극 분야에 새로운 지식을 발굴 하는 데 큰 역할을 할 수 있을 것이라 사료된다.

The purpose of this study is to examine the educational value of dramatic play from the perspective of brain science. Due to its playful nature and theatricality, dramatic play plays a significant role in students’growth. However, explaining the value of dramatic play from a brain science standpoint allows for a more theoretical and scientific discussion. Through this paper, this researcher examined the educational value of dramatic play from a scientific perspective rooted in brain science. Educators have already turned their attention to brain research to enhance the quality of education, enabling active exchanges and integration of various disciplines. They are seeking education based on the dynamic mechanism of learning in the brain. In particular, the educational value of dramatic play, immersion, intrinsic motivation, meta-cognition, and the enhancement of creativity were analyzed through the brain scientific mechanisms involved. Furthermore, educational implications were derived based on a brain scientific understanding of the educational value of dramatic play and the factors involved. Through this review paper, this researcher hope to encourage more research designs that integrate brain scientific approaches in the field of dramatic play and drama education, as this could play a significant role in uncovering new knowledge in this area in the future.

최근 장애인 접근성 관련 법·제도 변화가 확산되는 가운데, 문화예술계 현장에서는 ‘접근성 매니저’라는 용어 및 관련 직무에 관한 관심이 급속도로 부상하고 있다. 2023년 한국고용정보원은 ‘접근성 매니저’를 신직업 중 하나로 소개한 바 있으며, 한국장애인문화예술원이 최근 발간한 󰡔문화시설별 접근성가이드󰡕에 서도 ‘접근성 매니저’의 개념과 역할이 중요하게 언급되었다. 하지만 문화예술계 현장에서는 이미 2019-2020년부터 ‘접근성 매니저’라는 타이틀을 걸고 접근성 실천의 확산을 주도해 온 활동가들이 존재했 다. 이후 ‘접근성’에 관한 예술계의 관심이 급속히 상승하면서 접근성 매니저라는 용어는 접근성 PD, 접근성 디렉터, 접근성 코디네이터 등 다양한 용어와 함께 혼재되어 사용되어왔다. 이러한 현실에도 불구하고, 접근성 매니저의 개념, 역할 및 역량 등에 대한 종합적인 논의는 아직까지 분명하게 제시된 바가 없다. 즉, 뚜렷한 이론적 배경이나 학문적 검토가 부재한 상황에서, 한편으로는 전문인력으로서 ‘접근성 매니저’ 양성의 필요성이, 다른 한편으로는 문화예술계의 미래 신직업 관점에서 ‘접근성 매니저’의 전망이 강조되고 있는 것이다. 이러한 상황을 타개하기 위해서 본 연구는 접근성 및 접근성 매니저와 관련한 기존 문헌의 분석을 통해 접근성 매니저의 역할 및 활동에 관한 논의를 검토하고, 국내에서 활발하게 접근성 의제를 고민하고 실천해 온 ‘접근성 매니저’ 활동가들을 대상으로 심층 인터뷰를 진행하여 향후 접근성 실천 확산을 위해 고려해야 하는 주요 이슈들을 다각적으로 도출하고자 한다. 실제 ‘접근성 매니저’로 활동해온 전문가들 의 생생한 목소리를 바탕으로 최근 문화예술 현장 및 정책의 화두로 부상하고 있는 ‘접근성’ 및 ‘접근성 매니저’ 관련 쟁점을 파악하는 것은 중요한 의의가 있다. 연구 결과를 바탕으로, 결론부에서는 국내 문화예술 계 접근성 실천의 확산을 위해서는 ‘접근성 매니저’라는 용어의 뉘앙스에 담겨있는 독립적·개별적 ‘전문인 력’ 양성 그 자체보다는 ‘접근성 매니지먼트’라는 보다 포괄적인 범주 내에서 ‘접근성’에 대한 인식 공감 및 접근성 실천 토대를 위한 법·제도적 환경 조성이 시급함을 강조한다.

Recently, as legal and institutional changes related to access or accessibility for people with disabilities have been gaining momentum, the term ‘accessibility manager’ and related roles have rapidly emerged as points of interest in the cultural and artistic fields. In 2023, the Korea Employment Information Service introduced ‘accessibility manager’ as one of the new occupations, and the Korea Disability Arts and Culture Center’s recently published Accessibility Guide for Cultural Facilities also highlighted the concept and role of accessibility managers. However, even before this recognition, activists in the cultural and arts sector had been promoting accessibility practices under the title of ‘accessibility manager’ since around 2019– 2020. In the absence of a solid theoretical foundation or academic review, the need for training ‘accessibility managers’ as specialized professionals is being raised. Simultaneously, the potential of this role as a future-oriented occupation in the cultural and artistic fields is gaining attention. To address this situation, this study aims to examine existing literature on accessibility and accessibility manager to explore the role and scope of activities of accessibility managers. More importantly, thorough analyses on the in-depth interviews with activists, who have been addressing accessibility issues in South Korea, are presented to both identify and illuminate key issues that need to be considered for further expansion of accessibility practices. Based on the vivid voices of professionals who have worked as ‘accessibility managers,’ this study investigates the key topics surrounding ‘access/accessibility’ and the role of ‘accessibility managers,’ which have become focal points in recent cultural and policy discussions. The research findings emphasize that instead of prioritizing the independent development of ‘accessibility managers’ as individual professionals, it is more crucial to foster a shared understanding of accessibility and to establish a legal and institutional framework for accessibility practices within the broader category of ‘accessibility management.’ Finally, policy recommendations are proposed to support these efforts and ensure the continued spread of accessibility practices in South Korea’s cultural and arts sectors.

영화 ‘죽은 시인의 사회’를 소재로 하여 이 영화가 담고 있는 교육적 메시지를 분석, 검토하였다. 이 영화 의 내용을 토대로 하여 영화 제목에 포함된 ‘죽은 시인’에 초점을 맞추어 몇 가지 논의를 전개하였다. 영 화의 핵심인 ‘죽은 시인’은 바로 니체의 ‘죽은 신’의 기조와 같음을 확인하고, 영화의 주인공들이 바로 추 구하는 바, 즉 교육적으로 지향하는 인간상이 ‘위버멘쉬’임을 확인할 수 있었다. 또한 영화 속의 동굴이 지니는 의미를 플라톤과 니체의 철학에 비추어 분석한 결과, 영화의 내용이 니체의 영원회귀에 부합함 을 알 수 있었다. 영원회귀는 곧 교육적 지향점이 정태적인 성취상태에 있는 것이 아니라 자기극복 의지 에 있음을 알 수 있다. 영화가 담고 있는 이러한 내용은 기존의 교육모형으로 설명할 수 없으며, 새로운 교육모형이 요구한다. 그 결과 ‘생성모형’을 제시하였다.

Discussing the stories in the movie Dead Poet’s Society, some points have been examined for educational implications. First of all, ‘dead poet’ has been analyzed in parallel with the Nietzsche’s ‘dead God’. This shows us the notion of ‘educative person’ quite different from that of ‘educated person’, which had been established since Plato. The contrast concept of ‘cave’ between Plato and Nietzsche gives us the grounding reason for this. Some students in the movie are to be seen as Zarathustra by Nietzsche so that we can need to establish another model of ‘education’. For the already established model such as ‘moulding’ and ‘growing’ can never be adequate for the main educational points in Dead Poet’s Society. The new model can be dubbed as ‘outgoing’ though the concept of it has not been fully examined.

이 논고에서는 바흐찐의 카니발 이론을 토대로 한국의 가면극이 갖는 카니발적인 미학을 다룬다. 이를 위해 우선 카니발의 세계와 바흐찐의 카니발 이론에 대해 살폈다. 다음으로 바흐찐의 카니발 이론과 한 국 가면극 연구의 문제에 대해 논의했는데, 이는 바흐찐의 카니발 이론을 통해 한국 가면극을 분석하는 작업에 있어서 유의해야 할 점에 대한 담론이다. 여기에서는 한국 가면극의 바탕이 될 수 있는 축제적 장소로 난장과 파시를 제시했다. 또한 한국 가면극의 웃음은 풍자의 웃음이 아니라 해학의 웃음임을 밝 혔다. 마지막으로 한국 가면극의 카니발적인 미학에 대해 논의했다. 구체적으로 카니발의 전도된 세계, 그로테스크 이미지, 언어 등을 현존하는 두 계통의 한국 가면극을 대표하는 <봉산탈춤>과 <하회별신굿 탈놀이>와 비교 고찰했다. 본고의 논의를 통해 한국의 가면극을 더욱 다종다양하고도 세밀하게 이해할 수 있는 기회가 마련되기를 소망한다.

This thesis deals with the Carnival aesthetics of Korean Mask Dance Drama based on Bakhtin's carnival theory. To this end, we first looked at the world of Carnival and Bakhtin's Carnival theory. Next, we discussed Bakhtin's Carnival theory and the problem of Korean Mask Dance Drama research, which is a discourse on what should be noted in analyzing Korean Mask Dance Drama through Bakhtin's Carnival theory. In this part, ‘Nanjang’ and ‘Passi’ were presented as the festivals underlying Korean Mask Dance Drama. Also, the characteristic of the laughter of Mask Dance Drama is based on humor, not on satire. Finally, we discussed the Carnival aesthetics of Korean Mask Dance Drama. Specifically, the inverted world, grotesque image, and language of the Carnival were compared with Bongsan Tarchum and Hahoebyulsinguttarnori, which represent the two existing Korean Mask Dance Drama. Through the discussion of this paper, I hope that there will be an opportunity to understand Korean Mask Dance Drama in more diverse and detailed ways.

2015 개정교육과정 시행으로 교육연극이 학교현장에 안착될 것을 기대했다. 교육연극의 저변확대에 긍 정적인 기여도 하였지만, 연극과 수업을 분리시키는 현상도 수반되었다. 이에 본 연구는 2015, 2022 개 정교육과정 분석을 통해 교육연극의 위상을 살펴보고, 교육연극을 일상의 교실수업으로 확장할 수 있는 방안을 모색하는 것이 그 목적이다. 본 연구에서는 학교현장에서 교육연극의 확장 가능성을 두 가지 방향으로 제안하였다. 첫째, 교육연극을 국어과 연극단원 성취기준에 국한하지 말고, 타교과의 성취기준과 연계하는 것이다. 내면의 성찰, 대인관계, 사회적 이슈, 기후환경문제 등은 도덕과와 사회과의 주요한 성취기준이며, 이는 연극의 극적체험을 통해 학습효과를 고양시킬 수 있다. 둘째, 교과별로 분절된 학습주제를 교육연극으로 하는 수업재구성을 제안하였다. 본 연구에서 제시한 교육연극수업은 교과를 연계하여 학습주제를 재구성한 프로젝트수업이 대부분이다. 본 연구의 시사점은 다음과 같다. 첫째, 교육연극은 교육과정상의 성취기준과 교과서의 연극단원이라는 외형적인 제약에 벗어나야 한다. 둘째. 일반교과의 학습주제와 연결망을 구축해야 한다. 극적체험이 문 화예술로서 의미있는 활동인 만큼 학생들은 여러 가지 학습주제에서 교육연극을 접할 수 있도록 수업을 재구성해야 한다. 셋째, 교육연극은 연극단원으로 연극의 기법을 배우는 것이 아니라, 새로운 상황을 상 상하고, 공감하고 그리고 몸으로 표현하는 교실 수업으로 뿌리내려야 한다. 넷째, 교육연극의 지평은 지 자체 예술지원사업과 연계하여 전문가와의 협력수업으로 넓혀갈 수 있다.

The purpose of this study is to examine the direction of educational drama through an analysis of the revised educational curricula in 2015 and 2022. It aims to explore ways to expand educational drama into classroom teaching. The study proposes two directions for the expansion of educational drama in school. First, it suggests that educational drama should not be confined to achievement criteria within the Korean language subject but should be linked to the achievement criteria of other subjects as well. Second, the study proposes integrating and restructuring learning topics from various subjects into educational drama. The implications of this study are as follows: First, Educational drama should break away from the formal constraints of achievement criteria in the educational curriculum and textbook-based theater units. Second, Building connections with learning topics in general subjects is essential. Since dramatic experiences are meaningful cultural activities, students should encounter educational drama in various learning topics through the restructuring of lessons. Third, Educational drama should not be limited to learning dramatic techniques but should be rooted in classroom teaching that encourages students to imagine, empathize, and express through their bodies.

본 연구는 오늘 날 사회적으로 대두되고 있는 문화예술교육의 의의와 목적을 바탕으로 특히 연극과 연 기 분야에서 실제 활용 가능한 시민연극(Applied Theatre) 프로그램을 개발하고자 한다. 문화예술교육을 통해 참여자는 기본적인 예술체험 뿐 아니라 그 과정을 통해 자신의 실제 삶에 반영될 수 있는 예술 또는 사회적 관점을 확장할 수 있다. 이에 본 연구에서는 참여자가 수동적인 입장에서 벗어나 주체적으로 참 여할 수 있는 프로그램의 사례를 제시한다. 러시아의 연기교육자 스타니슬라브스키의 시스템을 기반으 로 한 연기훈련방법인 에쮸드를 활용하여, ‘연기와 나의 이야기’ 프로그램을 진행한 후, 그 결과를 도출 한다. 비전공자인 참여자들은 프로그램의 전 과정을 통해 자신의 삶을 바탕으로 ‘경험’과 ‘성찰’ 그리고 ‘자아정체성’을 확인할 수 있는 기회를 마주한다. 본 연구는 이러한 프로그램 체험을 통해 참여자가 수동 적인 체험자의 위치에서 머무는 것이 아니라, 프로그램 과정 동안 발견한 관점을 실제 자신의 삶에 적용 할 수 있도록 ‘시민연극(Applied Theatre)’ 프로그램으로써의 의미를 발견하고자 한다. 이를 통해 예술을 통한 삶의 미약한 변화를 시도한다.

This study aims to develop a practical Applied Theatre program in the field of drama and acting, based on the significance and objectives of contemporary arts & culture education. Through arts & culture education, participants not only undergo basic artistic experiences but also expand their perspectives on art and society, which can be relevant to their real-life contexts. Thus, this study presents an exemplary case of a program that enables participants to transcend their passive roles and actively engage in the process. By utilizing the Etude, an acting training method founded on System of Stanislavski who is a drama education from Russia, the 'Acting and My Story' program is conducted, and its outcomes are analyzed. Non-professional participants encounter opportunities to explore their lives through 'experience,' 'reflection,' and 'self-identity' throughout the program. This study aims to discover the significance of the 'Applied Theatre' program, allowing participants to apply the perspectives they have gained during the program to their actual lives instead of remaining passive experiencers. Through this endeavor, the study seeks to facilitate subtle transformations in life through the medium of art.

최근 수 년에 걸쳐 디지털교육 전환을 중심으로 하는 미래교육정책이 강력하게 추진되고 있다. 4차산업 혁명, COVID-19 팬데믹, 2022개정교육과정을 거치며 각급 교육현장에는 디지털, 에듀테크, AI를 강조하는 정책과 지침들로 지배되고 있다. 마치 미래교육 = 디지털 교육 = 에듀테크와 AI라는 공식이 대세가 된 형국이다. 미래사회를 준비하는 디지털 리터러시와 디지털 인재양성이라는 대세와 필요성에도 불구 하고, 첨단 정보기술에 몰입한 현 정책의 내용과 방향성, 방식에 우려와 불안의 목소리들도 늘어가고 있 다. 무엇보다 교육의 본질에 대한 방향성의 사회적 합의가 불명확하고, 인문학이나 예술교육과 같은 미 래사회를 대비하는 인간에 대한 성찰이나 미래 시대를 살아갈 인간들을 위한 다양하고 풍성한 영역들은 배제되어 보인다. 이에 본 연구는 현행 미래교육 담론 및 정책 추진의 방향을 비판적으로 검토하고, 디지털 몰입 정책에 밀려나 우리 학교 현장에서 소외되어 있는 예술교육의 개념과 가치를 고찰하였다. 이어 예술교육의 핵 심 갈래의 하나인 교육연극의 예시를 통해 예술교육이 어떻게 미래를 살아갈 인간들에게 필요한 배움을 제공할 수 있는가를 논의하였다. 미래교육은 ‘미래에 변하는 것’을 대비하는 것뿐만 아니라 ‘미래에도 변 하지 않는 것’들에 대한 깊은 질문과 성찰이 필요하며, 그 방안의 하나로 예술교육이 미래교육 담론의 한 축을 담당하여 보다 풍성하고 균형잡힌 미래교육정책에 기여할 것을 제안한다.

In recent years, future education policies centered on digital education conversion have been strongly promoted. Going through the 4th Industrial Revolution, the COVID-19 pandemic, and the 2022 revised curriculum, educational settings at each level are dominated by policies and guidelines that emphasize digital, edutech, and AI. It is as if the formulas of future education = digital education = edutech and AI have become mainstream. Despite the trend and necessity of digital literacy and digital talent development to prepare for the future society, there are increasing voices of concern and anxiety about the content, direction, and method of current policies immersed in cutting-edge information technology. Above all, the social consensus on the direction of the nature of education is unclear, and reflection on humans in preparation for the future society, such as humanities and arts education, and diverse and rich areas for humans who will live in the future seem to be excluded. Therefore, this study critically reviewed the current future education discourse and policy direction, and examined the concept and value of arts education, which has been marginalized in our schools due to the digital immersion policy. Then, through the example of drama education, one of the key branches of arts education, the study discussed how arts education can provide necessary learning to humans who will live in the future. Future education requires deep questions and reflections on "what does not change in the future" as well as preparing for "what changes in the future," and as one of the measures, it is suggested that arts education plays a role in future education discourse and contributes to a richer and more balanced future education policy.

본 연구는 2015년 성남교육지원청에서 기획한 ｢교육과정연계 교육연극수업 시범학교 운영｣이라는 사업 과 연계한 것으로, 2017년에 단위학교(중원초)에서 교육연극수업을 확대 운영한 과정에 초점을 둔 것이 다. 이 사업은 지역 유관기관(성남시청과 성남문화재단)과 협력하여 3년차 안정적으로 지속 운영하고 있으며, 2017년 현재 학교현장의 참여도가 높아지고 있는 상황이다. 본 연구의 목적은 학교수업의 수동적인 학습환경을 개선하기 위해, 교육연극수업을 활용하여 수업의 변화를 도모하는 것이다. 대상은 중원초등학교 6학년 4개반(학생 100명)이며, 수업에 참여한 교사는 6학년 담임 4명과 수업컨설턴트(필자)이다. 교육연극수업의 운영형태는 3가지였다. 첫째, 예술강사와 교사의 협력수업(1학기 역사수업), 둘째 교사와 예술강사가 함께 한 교육연극 프로젝트 수업으로 그림자극 공연 을 하였고, 셋째 교사주도 교육연극수업을 2학기에 진행하였다. 저학년의 경우 교육연극수업이 놀이수업형태로 이루어질 수는 있지만, 그것을 교육연극수업의 전부라 고 인식해서는 안 된다. 교육연극수업의 궁극적인 목표는 학생들이 수업 속으로 감정이입 되어 자신이 만든 상황 속에 몰입되고, 그 과정에서 내면화를 이루어내는 것이다. 놀이 이외 ‘학습’으로 연결되어야 한다. 이것이 학습을 삶으로 연계시키는 과정이기도 하다. 교육연극수업은 교육과정과 연계하여 일반교과 속에서 재구성될 때, 비로소 수업을 변화시킬 수 있다. 예술강사와 일반교사가 협력수업을 할 때 수업의 예술성을 가장 상승시킬 수 있다. 연극 전문가와 수업 전문가가 협력할 때 시너지 효과가 발생하지만, 교육연극수업을 할 때 항상 예술강사를 동반할 수 없는 것이 현실적인 조건이다. 대안적인 방안으로는 예술강사 지원 확대와 교사연수를 심화하는 방안을 제안 하고 싶다. 본교의 교육연극수업 실천사례를 통하여 학생들의 수업몰입과 참여도가 일반수업보다 적극적임을 알 수 있었다. 학생들에게 지식의 습득과정을 암기형식으로 강요할 것이 아니라, 공감하고 생각할 수 있는 수업환경을 만들어가는 것이 의미있는 수업의 단초라고 본다. 교육연극수업을 실천하면서 어려웠던 점은 교육연극수업에 맞도록 수업을 기획하는데는 심도 깊은 수 업 전문성이 요구된다는 점과 현실적으로 예술강사 지원이 한정되어 교사의 부담이 가중된다는 점 등이 있었다.

This article examines the process of promoting the educational drama linked with curriculum run by the Seongnam Office of Education(S.O.E), and focuses on the actual operating process and scenes of drama class at the school. In 2015, the S.O.E designed a project, the 'operation of model schools for the educational drama linked with curriculum'. The 3rd year's program of that project is running smoothly in cooperation with related organizations(Seongnam City, Seongnam Cultural Foundation) of the region, and the participation of schools is also increasing. This article explores the application of educational drama in order to improve passive learning environment and the possibility of change in teaching. The subject of this study was 100 students(4 classes of 6th grade), 4 teachers in charge of the 6th grade, and the teaching consultant, myself of Joogwon Elementary School, Seongnam-si, Gyeonggi-do. The educational drama was designed and performed into 3 types. The educational drama was performed into a co-teaching class with arts instructors during the 1st semester. The shadow puppetry as part of educational drama project was played in september. And, during the 2nd semester. drama class lead by teachers was performed. In the case of lower grades, the educational drama could be taken as a playing-class, but that's not all. The final goal is to draw empathy with the class and the rolls of the students, and make the students be internalized. The learning should be done besides playing. This is the process that leads learning into the life. The educational drama can change teaching only when it is linked with curriculum and reconstituted to every subjects. The artistic value was revealed at most when arts instructors and teachers in charge of teaching cooperate in harmony. However, synergy occurs when drama experts and teachers cooperate each other, it's not impossible to be with drama experts on every teaching. Therefore, even though it lacks dramatic effects, ultimately we should aim at the educational drama lead by teachers at each schools. The finding show that the immersion in classes and participation of students in this study was higher than those of normal classes. I suggest that it is important to provide the students not with the forced memorization but with the circumstances of sympathy and thinking as the learning activities. The difficulty in practicing educational drama class was that teacher's professionalism is needed to design the class fitting to it and teachers groan under the heavy burden of shortage of arts instructors on the spot.