Earticle

최근 문화예술 분야에서 장애인 문화예술 활동의 활성화를 지지하는 ‘접근성’이라는 용어가 활발하게 사용되고 있다. 하지만 예술현장에서 그간 장애인 접근성을 대변하기 위해 활용되어 온 배리어프리, 유 니버설 디자인, 인클루시브 디자인 같은 관련 용어들이 여전히 혼재되어 사용되고 있는 가운데, ‘접근성’ 에 대한 종합적이고 일관된 정책적·학술적 정의나 개념 설정은 아직까지 충분히 이루어지고 있지 않은 상황이다. 일종의 암묵적 합의는 이루어져 있다고 해도, 문화체육관광부 내에 ‘장애인문화예술과’가 설 립(2023.12)되는 등 본격적인 장애예술 정책 지원 확대가 이루어지는 가운데 이는 시급히 개선될 필요가 있다. 이러한 배경에서 이 연구는 문화예술 분야 ‘장애인 접근성’과 관련된 그동안의 논의를 모두 세 가 지 층위에서 접근하여 개념적 고찰을 시도한다. 먼저 법·제도적 차원과 문화정책 담론 차원에서의 ‘접 근성’ 논의를 짚어보고, 마지막으로 장애인 접근성과 연계 하에 문화예술계에서 사용되는 배리어프리, 유니버설 디자인, 인클루시브 디자인 등 세 개의 관련 용어들을 분석함으로써 향후 ‘접근성’ 개념이 장애 예술 정책과 관련하여 어떻게 이해되고 활용되어야 할 것인지를 검토하고자 한다. 이를 통해 장애인 접 근성 개념을 포괄적으로 이해하는데 필요한 핵심적인 방향성을 문화정책 관점에서 제언하고, 장애인 접 근성과 관련된 이론적 토대 형성에 기여하고자 한다.

In recent years, there has been a growing prominence of the term ‘access’ in the arts and cultural sector as a means to advocate for the inclusion of people with disabilities. However, terms including barrier-free, universal design, and inclusive design, which also represent accessibility for the disabled, are used interchangeably in the cultural field. This terminological inconsistency highlights the absence of a comprehensive and consistent policy discussion, as well as an academic conceptualization of ‘access’. Despite a certain level of implicit consensus, there is an urgent need for improvement or clarification, especially in light of recent significant policy developments for disability arts, including the establishment of ‘the Culture and Arts Division for Disability Arts’ under the Ministry of Culture, Tourism and Sports in Korea(December 2023). Against this backdrop, this study attempts to conceptualize the discourse on ‘disability access’ within the cultural field from three distinct levels. Firstly, it examines the historic discussions of access at the legal and institutional levels. Secondly, it investigates the the concept of access from the perspective of cultural policy discourse. Thirdly, it explores how the concept of ‘access’ should be understood and applied in disability arts policy-making by analyzing related terms, such as barrier-free, universal design, and inclusive design. Through this comprehensive analysis, the study proposes key directions for interpreting the concept of access from a cultural policy perspective, theryby contributing to the establishment of a theoretical foundation for the discourse for the discourse on access in the arts.

최근 초고령사회로의 급속한 이행 및 외로움과 사회적 고립이 시대적 화두로 대두되면서, 노년세대를 위한 문화예술활동 지원의 필요성이 다각적으로 강조되고 있다. 지난 20여 년간 노인 대상 정책사업이 문화예술교육 및 생활문화 분야에서 부분적으로 추진되어 오긴 했으나, 노년 문화예술활동을 위한 정책 지원의 의미와 방법론에 관한 보다 종합적이고 심도 깊은 논의는 상대적으로 미진했다. 이런 배경에서 본 연구의 목적은 한국문화원연합회가 지난 17년간 운영해왔던 ‘어르신 문화활동 지원’ 사업을 연구대상 으로 삼아, 노인 대상 사업에서 발견되는 문제점을 살펴보고, 초고령화 시대를 겨냥한 노년 문화예술활 동 정책지원의 방향성을 탐색하는 데 있다. 사례분석 결과를 바탕으로 기존 노인 대상 사업의 문제점을 ‘노년세대에 대한 평면적 인식’, ‘문화향유기회 확대라는 사업목적의 모호성’, ‘공급자 중심 정책모델의 한계’, ‘참여자수·만족도로 관습화된 성과측정의 한계’ 등 네 가지 측면에서 논의한다. 이를 바탕으로 결론에서는 향후 노년 문화예술활동 정책지원에 있어 주요하게 재검토되어야 하는 부분들을 네 가지 관 점에서 제언한다. 이들은 각각 ‘개인성’을 고려한 노년세대에 대한 입체적 이해의 중요성, ‘관계문화의 형성’ 관점에서 이해하는 문화예술활동의 의미 포용, 참여자의 경험에서 출발하는 ‘자산기반형 정책모 델’로의 전환, 사업성과로서 ‘문화안전망’ 개념의 채택으로 요약될 수 있다.

With the rapid transition towards an super-aging society and the increasing societal focus on loneliness in Korea, the importance of cultural and artistic activities for the elderly has never been more emphasized. While many government schemes targeting the elderly in the fields of arts education and culture-into-life have been attempted over the past two decades, there has been relatively limited discussion on the significance of cultural activities for the elderly from the cultural policy-making point of view that reflects the contemporary trends of super-aging phenomenon and expansion of loneliness amongst the elderly. Against this backdrop, this study attempts to explore the ‘Cultural Activities for the Elderly' project, which has been initiated by the Korean Cultural Center Federation for the past 17 years, and illuminate its underlying problems. Drawing upon research findings, the study argues that there are four key issues; superficial perception of the target audience, ambiguity of policy objective, constraints of the provider-centered model, and limitation of conventional performance measures. In the conclusion, it presents the following four policy implications for cultural policy support for the elderly in the age of super-aging; the importance of appreciating individuality of participants, embracing the broadened meaning of cultural activities from the perspective of ‘relational culture’, converting to ‘an asset-based policy model’, and adopting the the concept of ‘cultural safety net’ as a performance measure.

본 연구는 연극놀이의 교육적 가치를 뇌과학의 관점에서 고찰을 시도한 연구이다. 연극놀이는 놀이적 성격과 연극성으로 인해 학생들의 성장에 중요한 역할이 되고 있다. 다만, 연극놀이의 가치를 뇌과학적 지점에서 설명한다면, 보다 이론적으로 과학적으로 논의가 가능할 것이라고 사료하여, 본 논문을 통해 과학적인 방법으로 뇌과학적인 입장에서 연극놀이의 교육적 가치를 고찰해 보았다. 교육학자들은 교육 의 질을 높이기 위해 두뇌 연구에 이미 눈을 돌려왔고, 다양한 학문과 활발한 교류와 융합을 가능하게 하고 있으며, 역동적으로 작용하는 두뇌의 학습기제에 기반을 둔 교육을 모색하고 있다. 특히, 연극놀이 의 교육적 가치를 몰입, 내재적인 동기유발, 메타인지, 창의성 증진으로 정리하여 이를 뇌과학적인 작동 기제를 통해 고찰해 보았다. 또한 연극놀이의 교육적 가치와 이에 관여하는 요인의 뇌과학적 이해를 바 탕으로 교육적 시사점을 도출해 보았다. 본 고찰 논문을 통해 앞으로 연극놀이 분야에서 뇌과학적인 연 구가 접목된 연구설계가 활발해지길 바라며, 이는 향후 연극놀이, 교육연극 분야에 새로운 지식을 발굴 하는 데 큰 역할을 할 수 있을 것이라 사료된다.

The purpose of this study is to examine the educational value of dramatic play from the perspective of brain science. Due to its playful nature and theatricality, dramatic play plays a significant role in students’growth. However, explaining the value of dramatic play from a brain science standpoint allows for a more theoretical and scientific discussion. Through this paper, this researcher examined the educational value of dramatic play from a scientific perspective rooted in brain science. Educators have already turned their attention to brain research to enhance the quality of education, enabling active exchanges and integration of various disciplines. They are seeking education based on the dynamic mechanism of learning in the brain. In particular, the educational value of dramatic play, immersion, intrinsic motivation, meta-cognition, and the enhancement of creativity were analyzed through the brain scientific mechanisms involved. Furthermore, educational implications were derived based on a brain scientific understanding of the educational value of dramatic play and the factors involved. Through this review paper, this researcher hope to encourage more research designs that integrate brain scientific approaches in the field of dramatic play and drama education, as this could play a significant role in uncovering new knowledge in this area in the future.

이 논고에서는 바흐찐의 카니발 이론을 토대로 한국의 가면극이 갖는 카니발적인 미학을 다룬다. 이를 위해 우선 카니발의 세계와 바흐찐의 카니발 이론에 대해 살폈다. 다음으로 바흐찐의 카니발 이론과 한 국 가면극 연구의 문제에 대해 논의했는데, 이는 바흐찐의 카니발 이론을 통해 한국 가면극을 분석하는 작업에 있어서 유의해야 할 점에 대한 담론이다. 여기에서는 한국 가면극의 바탕이 될 수 있는 축제적 장소로 난장과 파시를 제시했다. 또한 한국 가면극의 웃음은 풍자의 웃음이 아니라 해학의 웃음임을 밝 혔다. 마지막으로 한국 가면극의 카니발적인 미학에 대해 논의했다. 구체적으로 카니발의 전도된 세계, 그로테스크 이미지, 언어 등을 현존하는 두 계통의 한국 가면극을 대표하는 <봉산탈춤>과 <하회별신굿 탈놀이>와 비교 고찰했다. 본고의 논의를 통해 한국의 가면극을 더욱 다종다양하고도 세밀하게 이해할 수 있는 기회가 마련되기를 소망한다.

This thesis deals with the Carnival aesthetics of Korean Mask Dance Drama based on Bakhtin's carnival theory. To this end, we first looked at the world of Carnival and Bakhtin's Carnival theory. Next, we discussed Bakhtin's Carnival theory and the problem of Korean Mask Dance Drama research, which is a discourse on what should be noted in analyzing Korean Mask Dance Drama through Bakhtin's Carnival theory. In this part, ‘Nanjang’ and ‘Passi’ were presented as the festivals underlying Korean Mask Dance Drama. Also, the characteristic of the laughter of Mask Dance Drama is based on humor, not on satire. Finally, we discussed the Carnival aesthetics of Korean Mask Dance Drama. Specifically, the inverted world, grotesque image, and language of the Carnival were compared with Bongsan Tarchum and Hahoebyulsinguttarnori, which represent the two existing Korean Mask Dance Drama. Through the discussion of this paper, I hope that there will be an opportunity to understand Korean Mask Dance Drama in more diverse and detailed ways.

본 연구는 존 듀이의 ‘미적 경험’ 이론을 바탕으로 교육연극의 예술적 특성을 밝히는데 목적이 있다. 첫 째, 듀이 철학의 핵심 개념인 ‘프래그머티즘’, ‘경험’, ‘하나의 경험’, ‘질성’을 살펴보고 교육연극과의 연관 성을 확인했다. ‘경험’의 두 원리인 ‘계속성’과 ‘상호작용’의 원리, 그리고 ‘하나의 경험’의 속성인 ‘통합성’ 과 ‘완결성’은 교육연극의 구성과 소통방식에 도 내재되어 있었다. 둘째, 듀이가 ‘미적 경험’의 본질적 특 성으로 제시한 ‘상상력’, ‘몰입’, ‘소통’이 교육연극의 질적 특성과 일치하며 이것이 교육연극에서 어떻게 구현되는지 알아보았다. 상상력은 ‘마치~처럼’의 사고를 가능하게 하며, ‘지금, 여기’감각의 근거가 된 다. 몰입은 ‘살아보기’를 통해 자신과 다른 존재를 받아들임으로써 자기 초월을 가능하게 한다. 소통은 창조적인 상호 참여를 통해 리더와 참여자를 교육연극의 공동 주체로 만든다. 마지막으로 비올라 스폴 린, 위니프레드 워드, 도로시 헤스코트, 세실리 오닐 등 교육연극 선구자들의 사례를 통해 듀이의 미적 경험이 교육연극에서 실제로 어떻게 구현되는지 고찰했다. 스폴린과 워드는 환경의 적극적인 조절을 통 해, 헤스코트와 오닐은 허구 세계에서의 직접적인 상호작용을 통해 ‘개인과 세계와의 활발한 상호작용 을 통해 완성되는 미적 경험’이 드라마에서도 적용된다는 것을 보여주었다. 본 연구를 통해 교육연극은 교육과 연극의 단순한 결합이 아닌, 새로운 학문이자 예술양식으로서 그 자체로 독특한 질성을 내포함 을 확인했다. 본 연구가 교육연극의 예술적 정체성을 공고히 하는 하나의 근거를 마련하는 데 기여할 것을 기대한다.

This study aims to elucidate the artistic identity of educational drama based on John Dewey's theory of "aesthetic experience." First, it examines key concepts in Dewey's philosophy—‘pragmatism’, ‘experience’, ‘an experience’, and ‘quality’— and confirms their relevance to educational drama. The two principles of experience, ‘continuity’ and ‘interaction’, along with the attributes of ‘an experience’—’integration’ and ‘consummation’—are inherent in the structure and communication methods of educational drama. Second, it investigates how imagination, immersion, and communication, which Dewey identified as essential characteristics of aesthetic experience, align with the qualitative features of educational drama and how they manifest in practice. Imagination enables ‘as if’ thinking and grounds the sense of ‘here and now’. Immersion facilitates self-transcendence by accepting different identities through ‘living through’. Communication transforms leaders and participants into co-subjects of educational drama through creative mutual participation. Finally, the study examines how Dewey's aesthetic experience was actually implemented in educational drama through cases of pioneers including Viola Spolin, Winifred Ward, Dorothy Heathcote, and Cecily O'Neill. Spolin and Ward demonstrated through active environmental adjustment, while Heathcote and O'Neill through direct interaction in fictional worlds, that aesthetic experience completed through active interaction between individual and world applies equally to drama. This research confirms that educational drama is not merely a combination of ‘education’ and ‘drama’, but a distinct scholarly discipline and art form with its own unique quality. This study is expected to contribute to establishing a foundation that solidifies the artistic identity of educational drama.

영화 ‘죽은 시인의 사회’를 소재로 하여 이 영화가 담고 있는 교육적 메시지를 분석, 검토하였다. 이 영화 의 내용을 토대로 하여 영화 제목에 포함된 ‘죽은 시인’에 초점을 맞추어 몇 가지 논의를 전개하였다. 영 화의 핵심인 ‘죽은 시인’은 바로 니체의 ‘죽은 신’의 기조와 같음을 확인하고, 영화의 주인공들이 바로 추 구하는 바, 즉 교육적으로 지향하는 인간상이 ‘위버멘쉬’임을 확인할 수 있었다. 또한 영화 속의 동굴이 지니는 의미를 플라톤과 니체의 철학에 비추어 분석한 결과, 영화의 내용이 니체의 영원회귀에 부합함 을 알 수 있었다. 영원회귀는 곧 교육적 지향점이 정태적인 성취상태에 있는 것이 아니라 자기극복 의지 에 있음을 알 수 있다. 영화가 담고 있는 이러한 내용은 기존의 교육모형으로 설명할 수 없으며, 새로운 교육모형이 요구한다. 그 결과 ‘생성모형’을 제시하였다.

Discussing the stories in the movie Dead Poet’s Society, some points have been examined for educational implications. First of all, ‘dead poet’ has been analyzed in parallel with the Nietzsche’s ‘dead God’. This shows us the notion of ‘educative person’ quite different from that of ‘educated person’, which had been established since Plato. The contrast concept of ‘cave’ between Plato and Nietzsche gives us the grounding reason for this. Some students in the movie are to be seen as Zarathustra by Nietzsche so that we can need to establish another model of ‘education’. For the already established model such as ‘moulding’ and ‘growing’ can never be adequate for the main educational points in Dead Poet’s Society. The new model can be dubbed as ‘outgoing’ though the concept of it has not been fully examined.

본 연구는 참여자가 주체가 되어 스스로의 삶 속 경험의 일부를 재현하거나 재구성함으로 행동의 원리 와 의도, 표현 방법, 인물로서의 ‘나’를 발견하고 주체성을 확립할 수 있는 예술교육 프로그램의 필요성 에서 출발하였다. 이를 위해, 예술교육의 흐름과 동향을 검토하고, 특히 현대 예술교육의 이론적 기반을 제시한 듀이를 중심으로 예술교육의 주요 개념 및 논의를 고찰하였다. 이와 연계하여 국내 연극교육의 현황과 변화하는 연극 패러다임 수용을 위한 대안의 하나로서 ‘시민연극(Applied Theatre)’ 접근의 가능 성을 살펴보았다. 이를 바탕으로, 그동안 주로 배우 연기훈련으로만 알려진 에쮸드(Etude)를 활용하여 참여자 주체적 시민연극 프로그램 구조화를 위한 방향성을 고찰하였다. 본 연구는 그동안 전통적 연극 교육에서 소홀하였던 교육연극이나 시민연극 등 다양한 연극적 접근에 대한 시각을 넓히고, 이를 연극 및 예술교육 패러다임 변화의 관점에서 고찰하였다는 데 의미가 있다. 특히 연기훈련 방법으로만 인식 되어온 Etude를 활용하여 배우는 물론 일반인들이 연극을 통해 자신의 경험과 사고를 촉진할 수 있는 ‘참여자 주체적 시민연극 프로그램’ 개발의 가능성을 제시하였다는 점에서 의의가 있다.

This study began from the necessity of arts education programs in which participants could become the willing subject in recreating or reconstructing experiences of their lives so that they can understand principles and intentions of activities, find ways of expressions, and discover ‘themselves’ by establishing their ownership. To do this, the study reviewed the current trend of arts education and discussed the major concepts and issues of arts education, especially focusing on Dewey, who had provided the theoretical basis of contemporary arts education. In connection with this, the study examined the possibility of ‘Applied Theatre’ approach as one of the alternatives in the light of the status quo of Korean theatre education field and to embrace the changing paradigms in theatre and arts education. Based on this argument, the study examined and proposed the possibilities for a structuralization of ‘participant-oriented Applied Theatre’ programs using Etude, which has only been known as actor training program. This study is meaningful because it not only broadened the perspective on diverse theatrical approaches such as educational drama and applied theatre that have been neglected in traditional, mainstream theatre education but also considered them in relation with paradigm shifts in theatre and arts education. In particular, it is also meaningful because it explores the possibility of the development of ‘participant-oriented Applied Theatre program’ that both actors and non-actors can promote thoughts and experiences using Etude which has been only considered as actor training methods not for wider populations.

본 연구의 목적은 2022 개정 교육과정에서 강조하는 창의융복합 수업의 구현을 위해 생성형 AI, 특히 Google Gemini의 맞춤형 AI인 Gems를 활용하여 ‘역할극 Gems’ 프로그램을 개발하고, 이를 통한 영어 말하기 학습의 효과적인 지도방안을 제시하는 것이다. 개발한 ‘역할극 Gems’ 모델은 G(Get into the Role), E(Embody Language), M(Master the Scenario), S(Showcase Creativity)의 네 단계로 구성된다. 이 모델은 AI가 학습자의 근접발달영역(ZPD)에서 협력적 비계(scaffolding) 역할을 수행한다는 이론적 토대에 기반하며, 의사소통 중심 교수법과 체화된 인지 이론(Embodied Cognition Theory)을 융합한다. 본 프로그램은 부산 지역의 실생활 문제를 소재로 한 장소 기반 학습(Place-Based Education)을 통해 학습자의 실제적 의사소통 능력을 향상시키고, AI 기반 개인화 학습을 통해 창의적 문제해결 능력을 함 양하도록 설계되었다. ‘Gems’ 프로그램은 초등 고학년 학습자의 영어 말하기 유창성 및 정확성 향상뿐 만 아니라, 협력적 소통 및 창의융복합 역량 개발에 매우 효과적인 교육 모델이 될 것으로 기대된다. 이 는 AI를 활용한 글로컬라이제이션(Glocalization) 교육의 구체적 모델을 제시하는데 학술적, 실천적 의의를 지닐 것이다.

The purpose of this study is to develop the role-play program 'Gems,' utilizing generative AI, specifically the customized Google Gemini AI named Gems, to realize the creative convergence classroom emphasized in the 2022 Revised Curriculum, and to propose effective instructional strategies for English speaking learning through this program. The developed role-play 'Gems' model is structured in four stages: G (Get into the Role), E (Embody Language), M (Master the Scenario), and S (Showcase Creativity). This model is theoretically underpinned by the AI's role in providing collaborative scaffolding within the learner's Zone of Proximal Development (ZPD), integrating the Communicative Language Teaching approach with Embodied Cognition Theory. The program is designed to enhance learners' authentic communication skills through Place-Based Education, utilizing real-life issues from the Busan area as content, and to foster creative problem-solving abilities through AI-based personalized learning. The 'Gems' program is expected to be a highly effective educational model, not only for improving speaking fluency and accuracy in upper-grade students but also for developing their collaborative communication and creative convergence competencies. This study holds significant academic and practical implications by proposing a concrete model for Glocalization education utilizing AI.

최근 장애인 접근성 관련 법·제도 변화가 확산되는 가운데, 문화예술계 현장에서는 ‘접근성 매니저’라는 용어 및 관련 직무에 관한 관심이 급속도로 부상하고 있다. 2023년 한국고용정보원은 ‘접근성 매니저’를 신직업 중 하나로 소개한 바 있으며, 한국장애인문화예술원이 최근 발간한 󰡔문화시설별 접근성가이드󰡕에 서도 ‘접근성 매니저’의 개념과 역할이 중요하게 언급되었다. 하지만 문화예술계 현장에서는 이미 2019-2020년부터 ‘접근성 매니저’라는 타이틀을 걸고 접근성 실천의 확산을 주도해 온 활동가들이 존재했 다. 이후 ‘접근성’에 관한 예술계의 관심이 급속히 상승하면서 접근성 매니저라는 용어는 접근성 PD, 접근성 디렉터, 접근성 코디네이터 등 다양한 용어와 함께 혼재되어 사용되어왔다. 이러한 현실에도 불구하고, 접근성 매니저의 개념, 역할 및 역량 등에 대한 종합적인 논의는 아직까지 분명하게 제시된 바가 없다. 즉, 뚜렷한 이론적 배경이나 학문적 검토가 부재한 상황에서, 한편으로는 전문인력으로서 ‘접근성 매니저’ 양성의 필요성이, 다른 한편으로는 문화예술계의 미래 신직업 관점에서 ‘접근성 매니저’의 전망이 강조되고 있는 것이다. 이러한 상황을 타개하기 위해서 본 연구는 접근성 및 접근성 매니저와 관련한 기존 문헌의 분석을 통해 접근성 매니저의 역할 및 활동에 관한 논의를 검토하고, 국내에서 활발하게 접근성 의제를 고민하고 실천해 온 ‘접근성 매니저’ 활동가들을 대상으로 심층 인터뷰를 진행하여 향후 접근성 실천 확산을 위해 고려해야 하는 주요 이슈들을 다각적으로 도출하고자 한다. 실제 ‘접근성 매니저’로 활동해온 전문가들 의 생생한 목소리를 바탕으로 최근 문화예술 현장 및 정책의 화두로 부상하고 있는 ‘접근성’ 및 ‘접근성 매니저’ 관련 쟁점을 파악하는 것은 중요한 의의가 있다. 연구 결과를 바탕으로, 결론부에서는 국내 문화예술 계 접근성 실천의 확산을 위해서는 ‘접근성 매니저’라는 용어의 뉘앙스에 담겨있는 독립적·개별적 ‘전문인 력’ 양성 그 자체보다는 ‘접근성 매니지먼트’라는 보다 포괄적인 범주 내에서 ‘접근성’에 대한 인식 공감 및 접근성 실천 토대를 위한 법·제도적 환경 조성이 시급함을 강조한다.

Recently, as legal and institutional changes related to access or accessibility for people with disabilities have been gaining momentum, the term ‘accessibility manager’ and related roles have rapidly emerged as points of interest in the cultural and artistic fields. In 2023, the Korea Employment Information Service introduced ‘accessibility manager’ as one of the new occupations, and the Korea Disability Arts and Culture Center’s recently published Accessibility Guide for Cultural Facilities also highlighted the concept and role of accessibility managers. However, even before this recognition, activists in the cultural and arts sector had been promoting accessibility practices under the title of ‘accessibility manager’ since around 2019– 2020. In the absence of a solid theoretical foundation or academic review, the need for training ‘accessibility managers’ as specialized professionals is being raised. Simultaneously, the potential of this role as a future-oriented occupation in the cultural and artistic fields is gaining attention. To address this situation, this study aims to examine existing literature on accessibility and accessibility manager to explore the role and scope of activities of accessibility managers. More importantly, thorough analyses on the in-depth interviews with activists, who have been addressing accessibility issues in South Korea, are presented to both identify and illuminate key issues that need to be considered for further expansion of accessibility practices. Based on the vivid voices of professionals who have worked as ‘accessibility managers,’ this study investigates the key topics surrounding ‘access/accessibility’ and the role of ‘accessibility managers,’ which have become focal points in recent cultural and policy discussions. The research findings emphasize that instead of prioritizing the independent development of ‘accessibility managers’ as individual professionals, it is more crucial to foster a shared understanding of accessibility and to establish a legal and institutional framework for accessibility practices within the broader category of ‘accessibility management.’ Finally, policy recommendations are proposed to support these efforts and ensure the continued spread of accessibility practices in South Korea’s cultural and arts sectors.

본 연구는 브레히트의 서사극 이론을 기반으로 감정이입을 통한 공감 중심으로 운영되어 온 기존 교육 연극의 한계를 비판적으로 검토하고, 교육연극이 나아가야 할 방향을 제안하는 데 목적이 있다. 교육연 극에서 감정이입을 통한 공감은 다른 사람의 고통에 민감하게 반응하게 만들지만, 그것이 곧 비판적 이 해나 구조적 해결로 나아가는 것을 보장하지는 않는다. 교육연극에서 공감으로 치우친 접근은 학생이 사회적 문제를 구조적으로 해석하거나 질문하는 능력을 기르기보다는 정서적 동일시를 통해 임시적 정 화나 간접 체험에만 머무르게 할 수 있다는 점에서 한계가 명확하다. 이에 본 연구는 브레히트 서사극 이론을 교육적으로 재해석하여 교육연극의 방향을 세 가지로 제안하였 다. 첫째, 극 중간에 질문을 제기하여 감정 몰입의 흐름을 일시적으로 차단하고, 학습자가 극의 구성 방 식과 전제된 세계관을 재고하게 만든다. 둘째, 사건을 비판적으로 해석함으로써 연극을 단일한 서사로 수용하는 것이 아니라 그 이면의 사회적 구조와 작동 조건을 탐색하게 한다. 셋째, 참여적 학습-관객 개 념을 통해 학생이 극 중 서사에 개입하고 대안을 구성할 수 있도록 한다. 이를 통해 교육연극은 더 이상 감동과 공감의 체험에 머무르지 않고, 학생이 질문하고 해석하며 개입하는 과정을 통해 인식과 실천이 통합된 교육의 장으로 자리매김할 수 있다. 본 연구의 의의는 다음과 같다. 첫째, 공감 중심 교육연극의 한계를 비판적으로 검토하고, 브레히트의 서 사극 이론을 토대로 교육연극을 재구성할 수 있는 이론적 틀을 제시하였다. 둘째, 감정이입을 통한 인물 이해를 넘어 사회 구조에 대한 인식, 비판적 해석, 참여적 실천으로 나아가는 교육연극의 성격을 명확히 정립하였다. 셋째, 교육연극이 현실 세계에 대한 인식 변화의 계기가 될 수 있음을 밝혔다.

This study aims to critically examine the limitations of conventional educational theatre that has been predominantly driven by empathy through emotional identification and to propose an alternative direction based on Bertolt Brecht's theory of epic theatre. While empathy in educational theatre enables students to respond sensitively to others’ suffering, it does not necessarily lead to critical understanding or structural solutions. An overemphasis on empathetic engagement may confine students to emotional identification and cathartic experiences, limiting their ability to question and interpret social issues critically. To address this, the study reinterprets Brecht's epic theatre theory from an educational perspective and suggests three practical directions for educational theatre. First, by introducing questions in the middle of the performance, emotional immersion is temporarily disrupted, prompting learners to reflect on the play’s narrative structure and underlying worldview. Second, through critical interpretation of events, students are encouraged to explore the underlying social structures and operational conditions rather than accepting the narrative at face value. Third, the concept of the participatory “learning-spectator” empowers students to intervene in the narrative and construct alternatives, transforming them from passive recipients to active agents. Through these proposals, educational theatre can evolve beyond emotional experience and become a space where cognition and action are integrated. This study contributes to establishing an alternative theoretical framework for educational theatre grounded in Brechtian principles, clarifying its potential for fostering structural awareness, critical thinking, and participatory practice.