Earticle

미술계는 미술작품들과 시각문화 제품들이 교육을 담당하는 맥락들과 커뮤니티들을 제공한다. 최근 폴리보어와 같은 미술작품에 근거한 온라인 디지털 커뮤니티들이 등장하고 있다. 그러나 그것이 미술계인가? 이 글에서 나는 디지털 시각문화 웹사이트들이 전통적인 미술계의 특성들을 지닌다는 점을 보여주는 증거를 제시한다. 그것들은 다른 세계들이 형성되는 것과 마찬가지로 상징적으로 형성되고 있다. 그리고 그것들은 개인들의 협동적 네트워크, 역할, 제도, 과정, 특징들, 그리고 전통적 미술계에서 발견되는 기능들을 포함하고 있다. 나는 상호작용하는 디지털 미술계 커뮤니티가 교육학적으로 기능하는 방법과 그것들이 학생들에게 디지털과 비(非)디지털 미술계 안에서 자신들의 삶을 영위하도록 배우는 수단을 어떻게 제공하는지 설명하고자 한다.

Art worlds provide the contexts and communities in which artworks and other visual cultural artifacts educate. Recently artwork-based online digital communities, such as Polyvore, have emerged; but are they art worlds? I present evidence to show that digital visual cultural websites have the characteristics of traditional art worlds—they are formed symbolically in the same ways that other worlds are formed, and they contain the same collaborative networks of individuals, roles, institutions, processes, features, and functions found in traditional arts worlds. I illustrate how interactive digital art worlds communities function pedagogically and how they provide a means for students to learn to live their lives in art worlds—both digital and non-digital

청소년들은 다양한 시각 이미지를 통해 자신의 생각, 취향, 요구를 표현해오고 있다. 그것은 학교 밖, 수업의 외부에서 진행되었고 교육적 흥미로 여겨지지 않았다. 시각문화교육의 담론들은 청소년의 자생적인 조형 표현을 재고할 것을 주장해오고 있다. 그럼에도 실제적인 청소년 시각문화연구는 그다지 확산되지 않았다. 나는 지난 5년간 한국 청소년들의 시각문화를 인터넷 환경 속에서 수집, 분석, 해석하였다. 이를 통해 청소년들의 시각적 표현 방식과 주제, 양상의 변화, 학습 양태와 특성, 변화 가능성을 추적할 수 있었다. 결론적으로 이 연구는 학생들의 삶을 그 자체로 이해할 수 있는 근거가 시각문화 속에 있으며 시각문화교육은 기성세대와 청소년의 문화적 소통과 화합의 통로가 되어야 한다고 주장한다. 아울러 시각문화교육의 다양한 흐름들이 청소년들의 시각적 표현에 대한 전환적 인식의 계기를 제시할 수 있다고 주장한다.

Juveniles have been expressed their tastes, needs and thoughts by their visual images. Those were made in the third place—that is, out of school and out of class—did not get attention in art education scenarios. The discourses of visual culture education addressed that art educators have to study the visual expressions in the youth culture itself. But, it was not fully achieved. I have collected, tried to analyze and interpret the youth culture on the internet over the past five years. From my study, I can understand the trends of the youth visual culture, themes, learning methods and internet communities. I present six characters of teenagers’ visual culture on the internet. Youth creates as well as consumes digital images. Juveniles are good imitators and satirists. In their digital media expressions, we can discover the hidden violence among classmates. Some teens identify themselves with the blamed characters and produce a counterculture for them. Many teens learn how to manipulate images on the internet and in cyber-community activity. These days, many boys and girls live through the internet—they live with the net. As a member of networked individuals, they also grow up in a cyberworld. In conclusion, visual culture educators have to know the visual culture created by their students. It builds the bridge between the older generation and younger generation, and also make visual culture education a passage across the cultural gap.

본 논문에서 나는 디자이너 자본주의를 지지하는 현재의 경제적 상황의 요구에 부응하기 위해 미술교육에서의 전반적인 창의성이 재고되고 있다고 주장한다. 창조 산업은 21세기 정보시대에 부응하기 위해 미술, 공학, 지식 등의 결합을 요구하는 주체 지위를 성공적으로 생산해왔다. 미술교육의 창의성도 이 시류를 따르고 있다. 나는 교사들이 기꺼이 따를 수 있는 대안이 될 수 있으리라는 희망에서 창의성에 대한 또다른 견해로써 본 논문을 끝맺는다.

In this paper I argue that by‐and‐large creativity in art education is being rethought to meet the requirement of our current economic condition that supports designer capitalism. The Creative Industries have successfully generated a subject position that demands a coming together of art, technology, and knowledge to answer to the information age of the 21st Century. Creativity in art education is following this trend. I end this essay with another view of creativity with the hope that it may be an alternative that some teachers are willing to follow.

한 사회 구성원들의 문화 정체성에 대한 자각은 그 사회의 문화적 담론들이 형성되는 제도와 지식이 구체화되는 과정들을 고찰해야만 가능하다. 이는 문화 정체성이 제도권에 속한 정치, 사회, 경제적인 이데올로기와 밀접한 관련을 갖기 때문이다. 이 연구는 학교라는 제도적인 교육 장치 안에서 근대적인 문화 담론의 일환으로서 미술교육이 인간에게 어떠한 영향력을 행사해왔는지를 돌아보며, 문화적 다원성을 추구하는 세계화 현상 속에서 미술교육이 지향해야 하는 방향성에 대한 통찰의 기회를 모색한다. 본 연구는 주로 연구 참여자로 선정된 한국의 미술교육자들과의 인터뷰 결과에 대한 분석을 통해 이루어졌다. 특히, 미술교육에서 야기되는 사회문화적 쟁점들에 대한 연구 참여자들의 견해들을 정체성이라는 관점에서 인터뷰내용을 비판적으로 고찰하였다. 자료 분석 결과는 근대 이후 제도화된 한국 학교 미술교육을 둘러싼 문화 정체성의 담론과 관행 속에 깔린 이데올로기적 속성을 해체하였다. 이 연구 결과들은 세계화 현상의 소용돌이 속에서 주체적인 정체성 확립을 위해 한국의 학교 미술교육이 나아가야 할 방향을 제시해준다.

The art education institutionalized in Korean schools since the modernization of the country is related to formation of Korean cultural identity produced by political, economic and social contexts. Within its specific educational domain, school art education can thus play a significant role in constructing a society’s cultural identity. Through this lens, this research began with a question: How can the discourses and practices of institutionalized Korean school art education be interpreted in the light of cultural identity issues in the globalizing world? The research data was collected by interviewing eight research participants selected as Korean art educators who have experience in the Korean school art education field. The research data was analyzed bycritical insights into the ideological power and cultural hegemony embedded in institutionalized art education. The results derived from critical discourse analysis of the research data are presented with these three research conclusions: (1) deconstruction of cultural hegemony produced by the educational ideologies; (2) reinterpretation of Korean tradition; and (3) reconsideration of intrinsically justifiable merits of art education beyond the institutional practices. These research results implicate therequirement of reconsidering the processes of cultural identity being formed within a particular educational context and deconstructing the educational discourses constructed by ideological power and institutional practices embedded in school art education.

초등예비교사들의 교육과정에서 감상과 비평학습이 강조되고 있으나 이와 관련하여 어떻게 미술작품을 바라보고 판단해야하는지에 관한 학습의 기회가 부족하다. 본 연구는 초등예비교사들의 미술작품 해석 과정을 분석하여 이것이 어떠한 교육적 경험으로 이끄는가를 살펴보고자 한다. 초등예비교사들의 미술 해석에서 발견하게 된 것은 사회적으로 요구되는, 혹은 사회적으로 가치 있게 여겨지는 미술에 대한 생각들이 구체화되고 있다는 점이다. 그것은 곧 교실의 학생들에게로 전달될 수 있으며, 이는 또한 문화의 전달 과정이 된다. 때문에 본 연구는 예비교사들의 미술작품 해석과정에서 드러난 미술작품의 가치판단을 문화와의 상호작용 속에서 살펴보는 문화기술지의 방법을 택하였다. 미술작품을 통한 가치판단이 사회화의 관점에서는 사회가 필요로 하는, 한 사회의 질서를 유지하고 문화를 계승하기 위한 수단으로 인식 될 수 있다. 그러나 창의성이나 개성을 추구하는 미술의 속성에 비추어 보았을 때에는 개인의 유의미한 성장을 위한 가치 있는 활동이 될 수 있는 것이다.

The importance of art appreciation and critical learning has been increased in art education. Though it is far more difficult for teachers to teach how to appreciate and interpret artwork than to teach how to make artwork, teachers’college curriculums focus on the latter, and opportunities of learning art appreciation and critical learning have not been provided enough so far. Pre-service elementary teachers’diverse perspectives on artwork are socially valuable, since they will be conveyed to students in the classroom and have great influence on them; their diverse perspectives and open-mindedness are required for art education. Value judgment through art appreciation is a significant tool for individual socialization in terms of the success of culture. Also, art is valuable for personal growth, considering the arts pursue originality and personality. This study indicates that art education includes valid activities that put more emphasis on diversity than it plays the role of conveying culture.

본 논문은 현재의 조건 하에서 미디어교육이 직면해야 하는 도전들에 초점을 맞추고 있다. 미디어교육의 주요 측면들에 대한 개관과 그 기저를 이루는 철학, 그리고 문화연구 접근방식에서의 이론적 토대 등으로 시작한다. 그런 다음, 세가지 주요 도전을 제시한다. 첫째 도전은 미디어의 감정적 차원을 진지하게 다루어야 할 필요성을 말하며, 윤리적 공황과 이것이 미디어교육과 갖는 애증적 관계를 모색하는 방법으로 이를 예시하려고 한다. 두 번째 도전은 미디어와 공학의 새로운 발전과 이러한 발전이 미디어교육에 제기하는 새로운 문제들을 말한다. 본 논문에서는, 편재성(ubiquitous)을 갖는 것이 보기와 알기의 새로운 방식으로 이해되고 검증될 필요가 있다는 것을 나타내는 두 가지 예로 인공위성 영상과 카메라폰을 제시한다. 미디어교육의 세 번째 도전은 미디어교육자에 대한 교육으로 연결된다. 여기에서 논점은 교사 자신의 감정적인 미디어 참여가 미디어교육자로서의 교사 훈련에 있어 핵심적인 역할을 해야 한다는 것이다.

This paper focuses on the challenges media education has to face under current conditions. It starts with an overview of key aspects of media education, the changes in its underlying philosophy and its theoretical foundation in a cultural studies approach. The paper then addresses three main challenges: The first one refers to the need to take the affective dimension of media seriously and will exemplarily do that by exploring moral panics and its ambivalent relationship to media education. The second challenge refers to the necessity of becoming aware of new developments in media and technology and the (new) questions they raise for media education. In this paper, satellite images and cameraphones will be used as two examples to demonstrate that what has become so ubiquitous needs to be understood and examined as new ways of seeing and knowing. The third challenge for media education is then related to the education of media educators. Here, the argument is that the teachers’ own affective engagement with media has to become a key part of the teacher training of media educators.

이 연구는 문화교육으로서의 미술교육이라는 관점 하에 미술작품을 텍스트로 간주하며, 시각미술의 범위 안에 디지털 미술을 포함하여, 디지털 미술교육을 학교수업에서 실행하는 방향을 제시하고자 한다. 이를 위해 하이퍼텍스트를 매체로 활용하여 텍스트를 읽고 쓸 수 있도록 초등학교 미술시간에 도입해 보았다. 연구의 내용은 먼저, 문화교육으로서의 미술교육에 대해 알아보고, 텍스트로서의 미술의 개념과 텍스트 읽고 쓰기의 필요성에 대해 논의해 보았다. 그런 다음, 새로운 시각미술 매체인 하이퍼텍스트에 대해 알아보고, 하이퍼텍스트를 활용한 미술교육의 의의를 고찰하였다. 마지막으로, 먼저 고찰한 내용을 바탕으로 "하이퍼텍스트를 활용한 텍스트 읽고 쓰기"를 초등학교 4학년 29명의 학생들에게 실행해 보았다. 그리고 그 교수․학습 적용 과정을 관찰한 내용과 학생들의 수업 결과물인 작품을 분석하여 해석하면서 연구결과를 도출하였다. 괄목한만한 연구결과의 하나는 교수․학습 적용 과정을 통해 학생들이 기법에 치중하는 표현주의 미술교육이 남긴 유산에서 벗어나 인터넷 상의 방대한 자료를 활용하면서 그들 자신의 삶의 이야기를 읽고 쓸 수 있었으며, 이는 시각적 문해력의 향상으로 이어질 수 있었다는 점이다.

Art education is about cultural education according to the definition that works of art are text that bring social and cultural composition. Under this paradigm, art education needs to change teaching methods and deal with the range of arts, which should be wide enough as a cultural scope. In addition, it should include new and emerging media that students use in art media. Under terms of art education as cultural education, the purpose of this study is to suggest how to teach text reading and writing through hypertext in elementary school art classes. The content researched is as below. First, the study investigated art education as cultural education and discussed the concept of arts as text and the necessity of its reading and writing. Second, the study investigated hypertext as a new visual arts media and considered the significance of art education utilizing hypertext. Third, based on the above considered contents, the study developed a model of text reading and writing through hypertext. It divided into two models, such as <Text reading and writing through work>, <Text reading and writing through subject>, and developed a teaching-learning activity for twenty-nine fourth-grade students. Moreover, it analyzed the investigation of the program application processes and class outcome and finished by reflecting on them. The findings of the class models application are the following: First, it has been shown that students have improved literacy. They interpreted works of art associated with age and cultural background. Second,the ability to use hypertext has improved. Creating works of art without regard to the level of practical features, they have increased their interest. Third, the ability to establish a subject in relation to society and culture has improved. Due to interaction with a hyperlink on the web, the students’ critical literacy also has improved. In order to ensure effective teaching of text reading and writing, it was important that how a teacher guides students’ reading and writing. When teachers teach students appropriately, students’ ability to read and interpret work in social and cultural contexts has improved. The teacher should teach the appropriate grade level, and must teach above all the use of basic graphic tools and how to use hyperlinks and boards. More than two hours should be used to complete works in computer labs. The model of text reading and writing in this study was created corresponding to the elementary school-level based on the field experience, so it should be modified and supplemented when it is applied to other class levels.