Earticle

This article considers the idea of core competences in art education in the light of distributions and reconfigurations of practice in the field of contemporary art. How do such reconfigurations impact upon how “core competences” of skills and knowledge are conceived in school art education? The article provides a philosophical perspective on learning and practice that is not manacled to specific competences but rather remains open and responsive to new and emerging practices and the impact that they may generate for learning.

이 글은 예술 교육에서 말하는 핵심 역량의 개념을 현대 예술 분야의 재분배와 재구성의 시각에서 다루고 있다. 어떻게 이러한 재구성이 학교 예술 교육 분야에서 기술과 지식의 “핵심 역량”에 영향을 끼쳤는가? 이 글은 학습과 실제에 관한 철학적인 관점을 제시하고 이 관점은 특정한 역량에 한정되어 있다기보다는 새롭게 출현하는 실제와 그것이 학습에 끼칠 영향에 대해 개방적이고 호응적이라고 할 수 있겠다.

이 논문은 뉴욕에 기반을 둔 한국 미술가들이 초문화적 미술계에서 정체성을 형성하는 과정과 이 점이 미술교육에 내포한 함축성을 논의한다. 이 연구는 국제적 공간에서 혼종적인 예술작품을 생산하는 변증법적 과정을 설명하고자 한다. 연구 결과 본 연구에 분석된 한국미술가들의 정체성은 그들의 사회적 배경과 연관된다. 이들의 정체성은 어린 시절의 경험과 한국문화에 근거한 개인적 경험과 사회적 배경의 연결성 안에서 구축된다. 즉, 그들의 정체성은 타자와의 공동성과 차이 또는 개체성이라는 두 축 사이의 관계에서 작용하는 다른 문화들과의 권력관계 안에서 복잡하게 형성되었다. 이처럼 한국성은 이 미술가들의 작품에 본질적인 영향을 미치는 요소였다. 정체성 형성과 미술작품 생산에 한국문화가 복합적인 방법으로 작용하고 있음을 파악할 수 있었다. 그들의 정체성은 기존에 존재하는 한국성을 반영하는 이중 코딩, 분리, 그리고/또는 새로운 정체성 구축 과정을 포함하는 복합적인 것이었다. 이 이원적 상태에서 이들 미술가의 복합적인 정체성은 그들의 혼종적인 미술작품에서 보이듯 부분적이고 파편적인 요소들로 구성되고 있었다.

This paper reports research on New York-based Korean artists' dynamic processes of identity-shaping in the transcultural art world and the implications these processes have for art education. The study uses theories that illuminate the dialectic process of hybrid artistic production in international spaces. Through this research it can be said that for the artists, Korean culture worked in complicated ways in the formation of identities and the production of artworks. The artists' identities were formed in power relationships with other cultures, which were viewed in terms of the relationship between two axes of universality and difference with others. This identification emerged as artists simultaneously escaped from and discovered their "Koreanness." The arists' identities were grounded in their childhood experiences and Korean culture, which were revealed by linking individual experiences to social contexts. In this sense, Koreanness is an important factor affecting the artists' works. Because the artists' identities are related to their social context, it involves the process of doubling and dividing of reflecting existing Korean identities and/or building new identities. In this dualistic state, the artists' multiple identities are composed of partial fragmentary factors as they revealed in their hybrid artworks.

아시아 현대 미술에 있어서 정체성 형성, 획득의 과정은 19세기 말부터 시작하여 20세기 전반에 걸쳐 논의되어 왔다. 이는 서양의 관점에서 동양을 바라보는 오리엔탈리즘적 시선을 벗어나고자 하는 끊임없는 노력이기도 하였고, 어떠한 측면에서는 시선에 순응하며 자신의 지위와 위치를 획득하려는 교묘한 수단이 되기도 하였다. 20세기 후반 미국 미술에서는 다문화주의의 확산과 함께 아시안 아메리칸 미술에 대한 집중적인 부각과 조명이 이루어졌고, 이 과정에서 아시아 현대 미술의 특성이 규명되기 시작했다. 이러한 아시안 아메리칸 작가들의 정체성 형성 과정은 다문화미술교육에서 문화 정체성이 어떻게 형성되고 학습될 수 있는지에 대한 하나의 중요한 시사점이 될 수 있다. 아시안 아메리칸 작가들의 정체성 형성 과정에서 보이는 타자로서의 지위 획득 과정은 다문화 사회로 진입한 우리나라의 현실에 있어서 문화 정체성 형성 과정에 대한 하나의 역사적 거울의 역할을 한다고 볼 수 있다. 즉, 아시안 아메리칸으로서 미국이라는 국가에서 문화 정체성을 형성하며 규정해나간 사례는 한국이라는 사회에서 서구와의 사이에서 전통이라는 담론을 통해 문화정체성을 형성해나가려는 시도와, 더불어 그 안에 공존하고 있는 또 다른 타자로서의 이주민의 문화정체성 형성 과정이 어떠한 방향으로 나아갈 수 있는지를 예측해보는데 중요한 도구가 될 수 있다는 점에서 이 연구의 의의를 찾을 수 있을 것이다.

The development and achievement of identity in Contemporary Asian Art has been a topic of discussion since the end of 19th century throughout the 20th century. This was in part, due to continuous efforts to cast off the lens of Orientalism through which the Western world viewed the Far East and also utilized to gain status through conformity to such perspectives. In late 20th century, the proliferation of multiculturalism found Asian American Art at the center of the spotlight, and studies on Contemporary Asian Art and its characteristics were made in the process. A study of the identity formation process of Asian American artists may provide implications on how cultural identities are formed and conditioned through multicultural art education. The gaining of status by outsiders as seen through the identity formation of Asian American artists may serve as a historic reflection for the process of Korea’s cultural identity formation as a now multicultural society. This research proposes that such examination of Asian American artists and how they were able to define cultural identity within scope of US as a nation may be used to predict the direction of Korea’s current efforts to define its cultural identity through the discourse of tradition as well as immigrant cultural identity formation process as an outsider.

최근 미술교육의 화두는 시각문화 미술교육이다. 창의성을 중요시하는 아동중심 미술교육을 거처, 학문기초 미술교육을 거쳐 새로운 패러다임으로 부상한 시각문화 미술교육은 다원주의를 표방하는 포스트모더니즘의 등장과 함께 그 영향력이 커졌다. 시각문화 미술교육은 이미지를 둘러싼 사회 문화적 맥락에 주의하고, 이미지를 둘러싼 다양한 해석과 접근법을 인정한다. 미술교육의 대상 역시 순수미술에서 대중문화, 시각적인 자극을 주는 환경, 각종 시각정보, 디지털 미디어 등으로 확장시켰으며 작품제작 뿐 아니라 비평을 적극적으로 권장한다. 자기 표현을 위한 미술 작품 제작뿐만 아니라 개개인에게 민주적인 권한을 부여하고 의미의 영역을 확장시키는 시각문화 미술교육이 나아갈 실천적 방향을 모색해본다. 먼저 개인의 성장을 도모하고 개인의 권한을 강조하는 프로젝트 기반 미술교육의 가능성을 제안한다. 또한 동시대의 시각정보와 시각문화의 대다수가 디지털 포맷임을 인지할 때 디지털 세대들에게 흥미와 가능성을 열어주는 미술교육으로 디지털 미디어 제작에 주안점을 두는 커리큘럼을 제안한다. 시각중심의 미적경험을 뛰어넘는 공감각적인 접근으로 미술 감상과 미술작품 제작을 하는 방향이 제시된다. 포스트모던 미술에서 다양하게 활용되는 언어학적인 기법들(이야기, 은유, 패러디)을 활용하여 미술작품 제작하도록 한다. 또한 사회-문화 맥락적인 해석과 분석을 중시하는 시각문화 미술교육을 통해 학생들이 보다 실천적이며 사회 참여적이도록 권장해야 할 것이다. 위와 같은 다양한 가능성을 제안하는 하나의 실례로 디지털 스토리텔링을 통한 디지털 미디어 프로젝트를 소개한다.

From the history, we have noticed the significant paradigm shift in art education. From the late 20C, art educators moved from DBAE to more contextual and expansive curriculum. Visual culture art education(VCAE) as a new art education paradigm allows new and expansive topic, subjects, medium, and technologies to come about. Also, VCAE allows an atmosphere to talk about social, political and global issues in art classroom. Therefore, visual culture art education is widely accepted and became a powerful paradigm in contemporary society. The use of new technologies has brought about new forms of computer-generated visual culture. A large part of contemporary visual culture consists of a digital visual culture whose manifestations have been facilitated by digital technology. Thus, educating students in a systematic manner about the benefits of digital media creation has become a significant part of art education. Art education should facilitate the understanding of digital culture through digital visuals, which students can use to analyze the contextual socio-cultural meaning of digital visual culture. I believe that the role of contemporary art education should be the facilitation of digital visual culture creation, and I also believe that students should understand both how media can be used to produce meaning and how media can be used to produce digital visual pieces of art. As a new paradigm, VCAE suggests many different potentialities to integrate with and approach to. In this paper, I will explore K-12 curricular and instructional considerations that should be taken into account in VCAE. I propose five possible approaches to teach a wide range of visual culture. First, the spirit of DIY(Do it yourself) can be integrated into VCAE in terms of producing project based curriculum. This implication in the field of art education can frame a new style of learning about art and can be an alternative art pedagogy which is individual and meaningful. Further, focusing on digital art and digital media is significant in contemporary art education. Although vision is necessarily ranked as the highest sense, contemporary art education should necessarily involve multi-sensory experience. Adapting literary device such as storytelling, parody and metaphor to art making practice may open new possibility in the field of art education Also, incorporating art activism into art classroom can inspire students' critical thinking and debate, and this will open the possiblities to change the perspectives to look at the world, politics, social issues. Thus, I introduced the possibilities of digital storytelling in art education as a practical example. Digital storytelling allows students to construct their own knowledge and ideas, and to present and share their ideas more effectively through the use of multi-media production, provoking multi-sensory experience. My pedagogical stance is that students are digital generation, and they engage socio-cultural activities, adapt literary devices, emphasize multi-sensory experience, communicate with digital technology, and develop personal-social-cultural identities. Past decade has seen a great number of art educators deciding to integrate visual culture into their classroom. The art world and art classrooms has changed dramatically, and they have become more democratic and participatory with digital technology. It is important to examine a wide range of potentialities of visual culture art education in order to reassess and reconstruct our goals and course for contemporary art education. Contemporary art education should shape students' experiences and creative expression. Also art educators should keep in mind that art education is not for mere image creation but for the meaning-making process. I suggested five different principles for teaching visual culture art education. I believe this insight offers exciting new possibilities for art educators to promote meaningful artistic production in the classroom.

본 연구는 초등 미술교육이라는 강의를 통해 만난 예비 초등교사들의 미술 표현 기능 부족에 대한 불안감, 그로 인한 미술 교수에 대한 두려움의 원인을 찾고 그를 극복할 수 있도록 돕기 위한 방안으로 이론적으로는 “이해로서의 미술”과 “삶을 위한 미술”의 의미를 살펴보고, 실천적 방안으로는 “삶을 위한 미술 프로젝트: 미술을 통한 자기 정체성의 이해”라는 예비 초등교사들을 위한 미술 프로젝트의 진행 과정과 결과를 소개한다. 아동의 미술 경험에 예비 초등교사들이 끼칠 수 있는 영향력, 중요성을 생각할 때, 현재의 예비 초등교사를 위한 미술교육 프로그램의 점검과 효과적인 교육 프로그램의 개발의 논의는 구체화될 필요성이 크다. 이 연구에서 소개되는 정체성 이해 프로젝트는 앞으로 예비 초등 교사들에게 긍정적인 변화를 가져올 수 있는 가능성을 보여준다.

Influence of elementary school teachers on children's artistic experience is significant. Ironically, however, many elementary school teachers are afraid of art and their own art skills, and they also feel uncomfortable to teach art. According to short surveys as a pilot study, it was confirmed that many preservice elementary teachers defined art mainly as the expression of one's feelings and thoughts. Therefore, their way of defining art made them think that it would be important to have skillful art techniques to be good at art and teach art well. However, they cannot master enough art skills taking a few art education courses. Then how can we, higher art educators can help these preservice elementary teachers overcome their fear on lack of their art skills and be confident in teaching art. In this paper, one art project, “Identity Photo Project for Life” is introduced. The theoretical background of developing this project for preservice elementary teachers is explained and how preservice elementary teachers participated in this project is also described in detail. The reseults of this project shows significant changes in preservice teachers' attitude toward art, art-making, and teaching art. After this project, they expressed that they began to understand art as art for life instead of art for itself and they showed their spontaneous intention to make more art works continuously in the future. The study also address the issue of developing the current curriculum in art education to help preservice elementary teachers more actively.

이 연구는 시각장애아를 가르치는 미술교사들의 일상과 미술교육이 그들에게 어떠한 의미를 지니는지를 연구하였다. 5명의 맹학교 미술교사가 연구에 참여하였으며 심층면담, 참여관찰, 수업자료의 수집 등을 통해 문화기술지 연구를 수행하였다. 수집된 자료에서 드러난 “시각장애아 미술교사의 삶”은 선입견과 편견에 맞서고, 시각 너머의 미술을 위해 아동의 입장이 되어보며, 아동들이 어떻게 하면 미술시간에 어려움을 덜 겪을 수 있을지 지속적으로 연구하며 더 나은 미술교사가 되어가기였다. 그들은 아이들을 향해 마음으로 다가가고, 지속적인 칭찬과 격려를 통해 힘을 실어주며, 아이들과 함께 수업을 만들어 나가고 있었다. 그러나 그들은 수많은 한계와 맞닥뜨리고, 동료교사 및 학부모와의 갈등, 업무의 부담, 그리고 자신의 노력을 몰라주는 아이들로 인해 힘과 열정의 소진을 겪으면서 시각장애아 미술교육에 대한 회의도 느끼고 있었다. 그럼에도 불구하고 미술시간을 참으로 좋아하는 아이들에게서 다시 희망을 보며 아이들을 위한 교육과정을 새롭게 개발해 나가고, 누구도 가지 않은 그 길을 힘내어 헤쳐 나가고 있었다. 시각장애아 미술교사들은 남다른 노력과 인내, 그리고 아동에 대한 헌신으로 좌절과 회의, 보람과 신념이 교차하는 실존적 삶을 살아내고 있었다.

The purpose of this study was to investigate the daily lives of art teachers of visually impaired children and determine how meaningful art education is to these teachers. Therefore, an ethnographic study method was adopted to conduct a qualitative study of five such art teachers. The teachers’ daily lives were analyzed using in-depth interviews, class-participant observations, and the examination of teaching materials. Teachers of visually impaired children have battled prejudice and bias and have tried to maintain their artistic professionalism. These teachers practice art activities with their eyes closed, putting themselves in the visually impaired children’s position, and they are constantly studying and reflecting on their field in order to determine ways to ease the children’s difficulty with the art activities. In addition, the teachers wholeheartedly grow closer to the children, supporting them with constant praise and encouragement while teaching them the rewards of art. However, the daily life of an art teacher is not easy. They face intense stress, are confronted with numerous limitations, and experience feelings of doubt about art education, while expending all of their energy and passion on conflicts with co-workers and parents, on the workload, and on children who do not appreciate their efforts. This study demonstrated that art education allows visually impaired children to live like other children and contributes significantly toward their learning of the forms and colors of the world. The study also showed that art teachers of visually impaired children are constantly challenging their limits with great patience and intense passion, and their ability to teach the visually impaired children can be attributed to their dedicated efforts, infinite patience, and genuine love for the visually impaired children.

The haptic has long been marginalized by Western philosophy in favor of vision, a marginalization that, with some notable exceptions, continued during the heyday of modernism in both the artworld and art education. Following a definition of the haptic as a combination of tactile, kinesthetic, and spatial perception, we argue that consideration of the haptic must now be placed back on the art educational agenda. In contemporary fine art haptic perception is now a major element, and it is also important in many sites of the kind of popular visual culture that art education is now embracing. Recent attempts by some art educators to redress the privileging of the visual and to incorporate the haptic are reviewed.

시각을 선호하는 서구철학은 촉각성을 무시했다. 이런 무시는 예외적인 몇 가지 경우를 제외화면 예술계와 미술교육에 있어 모더니즘의 전성기 동안 계속되었다. 촉각(tactile)과 운동감각(kinesthetic), 공간적(spatial) 지각으로 촉각성을 정의하면서 우리는 촉각에 대한 고려가 미술교육의 의제로 다시 이루어져야 함을 주장한다. 현대 순수미술에서 촉각에 의한 지각은 이제 주요 요소이며 미술교육이 아우르는 일종의 대중 시각 문화의 많은 분야에 있어 중요하다. 시각에 대한 특권 부여를 시정하고 촉각성을 수용하려는 미술교육자들의 최근 시도를 살펴본다.