Earticle

디지털화 현상으로 다양한 방법으로 변형이 가능해진 이미지는 프랑스의 철학자 베르그송이 정의한 “유동성”의 특성을 가진다. 기존의 재현으로서의 이미지와 대조되는 유동성으로서의 이미지는 미술이 인간 상호작용의 결과라는 니콜라스 부리오가 이론화한 “관계미학”과 같은 맥락에 있다. 결과적으로 미술 제작은 타자와 관련하여 우리 자신을 이해하는 도구적인 것이기 때문에 그것은 또한 우리의 정체성의 형성과 깊은 관련성을 지닌다. 탈식민주의자들에게 있어 제 3공간은 혼종적인 새로운 형태의 정체성을 구축하는 정신적, 개념적 장소이다. 나와 나의 학생들이 연구 참여자로 폴리보어인으로 활동한 이 사례연구의 탐구는 폴리보어 사이트 안에서 만들어지는 하이브리드 미술작품이 어떻게 우리의 정체성의 형성에 관여하고 있는지를 알아보고 관련된 교수법에 대해 연구하기 위한 목적을 지닌다. 다양한 문화가 충돌하는 제 3의 공간으로서 폴리보어 사이트는 학생들이 타자와의 차이를 인식하면서 타자로부터 배우는 문화 교환의 장소로 확인된다. 이 공간에서 만들어지는 혼종적인 하이브리드 작품들은 학생들에게 복수적인 자아의 층을 형성하게 만든다. 따라서 이러한 자아 형성은 학생들로 하여금 그들이 사는 세계와 삶에 대한 이해를 돕는다. 이와 같은 연구결과는 세계화 시대에 다양성과 차이를 인식하게 하며 상호작용을 도모하는 개념적인 제 3공간의 교육과정의 필요성을 방증한다.

In the digitalized visual culture, images can be easily and quickly manipulated in various ways. French philosopher Henri Bergson defined this quality of images as “movement” which is in contrast with the traditional view of representation. This phenomenon is in the same vein with as “relational aesthetics,” the idea of art as human interactions in the social sphere, theorized by Nicholas Borriaud. Consequently, art making is instrumental in understanding ourselves in relation to others, and it is strongly related to our identity formation. Related to this identity construction for postcolonialists the psychic conceptual third space engenders new forms of hybrid identity. Using this rationale, this study aims to understand how students construct their identities in the third space in relation to their serendipipous relational artistic practice on Polyvore site through their interactions and transactions with diverse cultures. For this I and my students became Polyvorians. Therefore th methods I used include qualitative and in-depth case study. Students' art making process is not simple but heterogeneous to construct multiple identities as they were confronted with differences. In this third space new forms of hybrid visual cultural artifacts and meanings produce when students understand their art making is related to others, learning from others. Its pedagogical implications are that we learn from others. From this perspective, my findings support the need of the conceptual third site curriculum where diverse cultures interact with others to lead students' understanding of the world which is composed of differences.

Is the current shift toward emphasizing teaching CREATIVE PROCESS in art education curriculum a deliberate, ideologically motivated shift away from teaching ARTISTIC PROCESS? Engaged contemporary art education practices encourage students to pursue individual and collaborative visual and cultural research agendas to explore things that are truly meaningful (or problematic) in their lives. Structuring art education curriculum on traditional and modernist conceptions of art making or on formulas for creative ideation does not give students the knowledge and skills needed to authentically investigate contemporary life. Truly creative students will deeply experience their own sense of possibility and agency. Can we together imagine art education practices in which we develop in our students the willingness and capacity to “enter into” aesthetic practices and the ability to select and shape these practices for use as experience-generating, information-generating, pleasure-generating and purpose-generating vehicles of aesthetic investigation?

미술교육 커리큘럼 안에서 현재 미적 과정을 가르치는 것에서 창의적 과정을 가르치는 것을 강조하는 방향으로의 이루어지고 있는 변화는 이데올로기상으로 동기화되어 신중하게 이루어진 것인가? 현대 미술교육 활동들은 학생들이 그들의 삶에서 정말로 의미 있는 (혹은 문제 있는) 일들을 탐구하기 위해 개별적이고 협동적인 시각적 문화적 연구를 수행하도록 격려한다. 미술 작업의 전통적이고 근대적인 개념들을 토대로 혹은 창의적 상상을 위한 공식들을 토대로 미술교육과정을 구성하는 것은 학생들에게 동시대의 삶을 진지하게 탐구하는데 필요한 지식이나 기술들을 주지 않는다. 진정으로 창의적인 학생들은 자신의 가능성과 자기 자신을 깊게 경험할 것이다. 학생들이 미적 활동에 “참여할” 의지와 능력들 그리고 미적 탐구를 위한 경험-발생, 정보-발생, 유희-발생 그리고 목적-발생 도구로서 사용하기 위해 이런 활동들을 선택하고 구체화시킬 수 있는 능력을 발달시키는 미술교육 활동들을 우리 모두는 상상할 수 있을까?

본 연구는 이산(離散)을 겪는 “디아스포라”에 대한 논의를 다문화 미술교육을 통한 문화 정체성의 성장 가능성에 중점을 두고, 디아스포라 작가인 백남준과 이우환을 통해 고찰한다. 한국 작가로서 세계적 명성을 얻은 백남준과 이우환의 정체성 형성과 변화과정은 다문화 미술교육에서 문화정체성 함양에 대한 가능성과 방향을 제시할 수 있다. 본 연구는 뱅크스(J. A. Banks)가 학습자의 성찰적이고 명료화된 문화적, 국가적, 세계적 정체성으로의 단계적이고 균형적인 발전이 교사에 의해 가능하다고 본 과정을 전제로 한다. 뱅크스의 문화 정체성 발달이론을 이론적 배경으로 하여 학생들의 문화 정체성 변화와 성장을 도모하는데 중점을 두고 다문화미술교육 프로그램을 개발․적용하여 분석하기 위해 본 연구는 실행연구(action research)의 방법을 사용하였다. 이러한 연구방법을 통하여 학생들의 문화적 정체성은 단계적 혹은 비약적으로 발전하였음을 작품결과 분석 및 심층 면담, 그리고 자료 분석을 통하여 도출하였다.

As multicultural phenomena causes a lot of social issues, diaspora, which indicates global immigrants around the world, has become a popular term. The purpose of this study is to examine the possible development of cultural identity through a multicultural art education program, focusing on diaspora artists Paik Nam Jun and Lee Ufan. The artworks of Paik Nam Jun and Lee Ufan could especially help student understand the development of diasporas’ cultural identification. According to James Banks, students should develop a delicate balance of reflective cultural, national, and global identifications. Based on Banks’s stage of cultural identity theory, a multicultural art education program is developed to help students enhance their identity within their cultural communities and countries. To achieve the purpose of this study, this study takes the methodology of action research. An art teacher, along with professors, collaborated in the design of the procedure for teaching “Me, My Space, My Community, My Country and My World.” The teacher taught three sections to ninth grade students in a middle school. From this action research, we can conclude that students' cultural identities develop gradually or rapidly through the analysis of artworks and interviews.

이 논문은 주체와 재현의 관계를 언어적 실천 방식으로 비판적으로 분석하는 후기구조주의 해석학 이론을 통해 현대미술을 이해하고 이를 가르치는 교육적 실천에 대해 정체성 형성의 관점에서 비판적으로 이해하기 위한 미술교육의 함의를 살펴본다. “인간은 말하는 것이 아니라, 말해진다”고 말한 라깡(Lacan)은 언어를 통한 인간의 욕망을 분석하는 정신분석학자로서 무의식의 존재를 통해 주체와 재현의 관계를 분석한다. 데리다(Derrida)는 이러한 주체와 재현의 관계 속에서 기의와 기표의 한계성을 통찰함으로써, 그리고 언어적 불안정성을 보여주며 텍스트의 해체를 주장함으로써, 주체와 재현의 관계 속에 이루어지는 현대 미술의 생산 방식과 교육적 실천 속에서 언어적 관행이 어떻게 주체를 소외시키고 분리시키는가에 대한 비판적 관점을 제공한다. 푸코(Foucault)는 담론과 권력, 주체와의 관계를 상정함으로써 주체가 타자를 통해 어떻게 소외되는가를 보여줌으로써, 현대미술의 이분법적 구조를 이해하는 방식과 현대 미술의 교육적 맥락에서 주체의 존재에 대한 문제의식을 던져준다. 이러한 후기구조주의 해석학적 관점은 인간에 대한 이해를 근간으로 하는 교육에서 주체와 언어적 관례에 따른 담론적 실천 행위에 대해 반성하고 교사와 학습자 개개인이 학습의 주체가 되어 제각기 다른 학습자의 상황 속에서 각기 다른 이해의 방식을 이해하고 차이와 다양성을 향한 미술교육을 실천해야함을 시사한다.

This research is a theoretical inquiry on post-structural hermeneutics which critically analyse the relation of the subject and representation within discursive practices in order to provide the educational implication for art teaching practice. We can see there are contemporary conceptual art practices which search the way of identity construction within ideologically systematic visual discourses and practices. For Lacan who examines the relationship between visual representation and the subject with psychoanalytic views of unconscious desire, the search for identity and subjectivity is a case of hegemonic struggle to achieve stability through a particular ideological signifier. The conceptual tools, such as the Imaginary, the Symbolic, and the Real, offered by Lacan help to explore those discourses and practices in which teachers and learners acquire their identities and subjectivities in order expose the ideological construction of such identities. Such ideological forms of the subject of discourse and desire therefore require a complex hermeneutic process. The shift from phenomenological hermeneutics to critical hermeneutics has a significant implication in the art education practice in which it is important to expose, through dialogue, those prejudices or forms of pre-understanding that operate in traditions in order to renegotiate and reconstitute them. For Habermas institutional language is infected with processes of domination and power which distort communicative action in such contexts and it is the task of a critical hermeneutics to expose this systematically distorted communication in order to move towards a more emancipated state of communicative practice. This critical hermeneutic view is intimately connected with the emergence of post-structural inquiry, such as Derrida's work of deconstruction and Foucault's critical discourse analysis, which provide critical insights into the ideological power and cultural hegemony embedded in the institutionalized art education. Those post-structural hermeneutic exploration of the formation of identity and subjectivity helps art educators and teachers to try to work towards developing an ideological framework that is more commensurate with difference and diversity in art practices and to prize open the naturalising power of established discourses and practices and thus allow the possibility of viewing them as ideological and not natural productions.

Digitalization has changed the meaning and reception of the image. As a result, time and the body have become issues. This essay explores this change and attempts to question what this means for art|educationBy using a straight line to separate art and education [art|education] is to imply that art and its education are intimately implicated as equal partners. by exploring the changes that eventually led up to the digital image: photography and then cinema. I then raise the importance of the French philosopher Henri Bergson for his understanding of the “moving image,” and what that means for perception, especially his notion of time as durée. I show how art becomes as event by illustrating this through three examples. First, is the notion that art has become “liquid,” as theorized by the sociologist Zygmunt Bauman. Then to illustrate the affective body, I turn to Grace Jones’s video called “Corporate Cannibal” and a CNN news of a girl being stoned in Iraq to question the way news media presents violence.

디지털화는 이미지의 의미와 반응을 변화시켰다. 그 결과, 이제 시간과 신체가 쟁점이다. 이 논문에서는 이러한 변화를 연구하고 결국 디지털 이미지- 사진, 그리고 영화 —로 이어지는 이 변화를 연구함으로써 이것이 미술⎸교육에 의미하는 바를 물어보고자 한다. 그 다음엔 프랑스 철학자 앙리 베르그송의 “움직이는 이미지”가 갖는 의미, 그리고 그것이 지각(인식)에 있어 뜻하는 바, 특히 durée로서의 시간에 대한 그의 개념을 제시하고자 한다. 본인은 다음 세 가지 예를 통해 미술이 어떻게 이벤트가 되는지를 제시한다. 첫째, 사회학자인 지그문트 바우만이 이론화한대로 미술이 “유동성(liquid)”이 되었다는 생각이다. 다음은 감정적 신체를 예시하기 위해, “Corporate Cannibal”라는 제목의 가수 그레이스 존스 비디오와 돌팔매질을 당하는 이라크의 한 소녀를 보도하는 CNN 뉴스를 보여주고 뉴스 미디어가 폭력을 묘사하는 방식에 의문을 제기한다.

현대인은 도시화, 산업화, 정보화로 인해 자연과 괴리된 채 살아가며, 자연에 대한 무지와 무관심으로 환경의 파괴를 서슴지 않는다. 이에 인간의 자연성 회복을 위한 노력의 일환으로 미술계에서는 자연에 대한 새로운 시각을 부여하고자 하는 움직임이 일어났다. 앤디 골드워시(Andy Goldsworthy)는 자연과의 협응을 통해 작품을 제작하는 대표적인 대지미술 작가로서 자연물, 자연환경, 그리고 자연현상을 이용하여 자연의 미적 가치를 재해석함과 동시에 자연 환경에 대한 새로운 인식과 관심을 불러일으킨다. 그의 작품과 제작 과정은 자연을 탐색하고, 이해하며 교감을 나누는 경험을 통해 자연의 생명력을 체험하고 환경의식을 형성하는데 도움을 준다는 점에서 교육적 의의를 가진다. 이에 본고에서는 디지털 사진을 활용한 생태 미술교육으로서 앤디 골드워시의 작품을 기반으로 한 미술교육 프로젝트를 제안, 적용하였다. 학생들은 자연 속에서 일정시간 관조와 향유하는 시간을 가지며 자연과 소통을 하고, 자연이 제공하는 가치를 오감을 통해 체험한 후 자연스럽게 주변의 유기물을 활용하여 미적인 구성을 시도하였다. 그 결과, 학생들은 감각체험을 통해 자연에 대한 이해와 감성을 일깨우고 환경지식을 형성하며 자연환경에 대한 관심과 애정을 형성하는 등 유의미한 관계를 형성하였다.

In urbanized, technologized, and industrialized society, we have been isolated from the natural environment and destroying it with loss of dignity for Mother Nature. Contemporary artists, as a reflection of environmental problems, demonstrated a strong relationship with nature by depicting both aesthetic awareness of nature and an awareness of environmental concerns. Andy Goldsworthy, who is known as a land artist collaborating with nature, uses natural resources as an art material based on sensory experiences in nature. Therefore, by exploring Andy Goldsworthy's artworks and art-making process, we can gain knowledge that can inform art education practice and inspire new art education curricula that embrace environmental issues. In this context, we present an ecological art education program using distal photography based on understanding of Andy Goldsworthy' art works and art-making process. This pedagogical practice blend creative art making with digital photography and sensory experiences in nature. As selectivity, instantaneity, credibility, and play feature in digital photography, it stimulates students' intrinsic motivation and helps them to fully engage in the art project. In conclusion, through this ecological art project using digital photography, students could cultivate environmental awareness and an affinity toward nature, and acting on their own moral reasoning about the wise stewardship of the earth.

본 연구는 아동의 창의적 표현 활동의 관점에서 2007년 개정 교육과정의 내용과 미술 교과서(3-4학년용)의 내용 및 구성에 상호 일관되지 못한 문제가 있음을 밝히며 하나의 방안을 제안한 내용이다. 문제의 지적으로, 발상 지도, 미적체험-표현의 각 영역 간 내용적인 연계, 교육과정과 교과서의 일관되지 못한 내용, 미적체험의 역할과 내용 등의 문제를 들었다. 문제 해결로서, 특히 미적체험의 내용과 역할이 조형 요소와 원리의 특징을 찾는 활동, 주제와 관련된 동기부여로서 일반적인 지식을 이해하는 활동, 아동의 미적 경험과 안목을 이끌어내서 자기 이미지를 찾고 그 이미지에 맞는 재료를 선택하는 활동으로 취급되는 것이 바람직함을 제시한다. 표현 영역에 대해서는 미적체험에서 찾은 자기 이미지를 주제 표현으로 연계하고, 재료의 탐색과 기법은 표현 영역에서만 취급되는 것이 바람직하며, 교육과정에 준하여 교과서 내용이 구성되어져야 함을 제안한다. 이와 같은 제안은 아동의 창의적인 표현의 관점에서 교육과정과 교과서의 내용 구성을 일치시키는 하나의 방안을 제시하는 데에 의의가 있다.

This study is a proposition revealing that there are some problems in the contents and the configuration of textbooks and the curriculum from the point of Lowenfeld who values the activity of creative expression. Pointing out the problems, firstly, it is an inhibition for the children’s creative expression activity that the “conception” is presented in the area of expression in the contents of teaching–learning of the curriculum of education. Secondly, there is a problem in connecting between the contents and the aesthetic experience for each area that it causes confusion for children's creative thinking and expression. Thirdly, the content of curricula and the configuration of textbooks do not match that it gives confusion to those who are in the school field or to the art educators. So, the content and the roles, in a way to solve these problems, are as follows; ①Activities of finding the characteristic of the elements and principles of formation. ②Activities of understandings the motivation related to the general knowledge of the topic. ③It is desirable to be treated a wider range of information for the children to find their self- image and select the appropriate materials out of their taste and their aesthetic experience. The contents of the representation and the roles are as follows; ①In a way of relating activities expressing self-image more specifically as a theme found in the aesthetic experience. ②It is preferable that the activities of the finding of materials and techniques should be treated in the area of expression not in the area of aesthetic experience for children's self-directed process of representation. ③It should be configured in accordance with the contents of the activities of the curriculum and especially the activities for children's self-directed process of representation is needed. The goal of this proposition is to match the configuration in the view of child's creative activities, emphasizing the content of curricula.