Earticle

이 글은 예술가의 자의식이 예술창작에 있어 어떠한 관계를 갖는가를 탐색하기 위한 질적 연구이다. 예술가의 삶 속에서 갖게 되는 사적 혹은 공적 자의식이 그들의 예술창작과 어떠한 관계를 지니고 있는지 초상화법을 통해 살펴보고, 예술교육에서 창작의 동기유발에 필요한 예술심리학적 토대를 마련하고자 한다. 인간의 본질적인 면을 연구 대상으로 삼는 초상화법은 예술가의 총체적인 삶을 조망하고, 나아가 예술가의 내면에 존재하는 자의식의 발현이 어떻게 예술창작 활동과 관계되고 있는지를 탐구하고자 하는 본 연구에 가장 적합한 연구 방법이라 생각되었다. 예술에 종사하며 예술 작품을 통해 자신의 영역을 만들어가는 예술가에게 예술창작은 삶이요, 곧 “존재 이유”이다. 본 연구를 통해, 예술가의 사적 자의식은 자신의 삶을 성찰하고 자신을 판단하는 기준으로써 정서적 민감성에 관계하며 작품 속에 표현주의적 주제를 형성하는데 관계함을 알 수 있었다. 아울러 공적 자의식은 예술적 삶을 살아가기 위한 타인과의 관계망 설정을 위한 사회관과 세계관을 형성하며 작품을 통해 사회 비판적 주제로 소통하는 데 관계하고 있음을 알 수 있었다. 즉, 자의식을 바탕으로 형성된 예술가의 사상은 작품 속에 반영되어 사회 풍자나 작품의 주제를 형성해 나가는 데 풍부한 예술적 바탕을 제공함을 알 수 있었다. 자의식이 예술가의 예술창작에 일련의 동기가 되고 자극 요소로 기능하며, 예술가를 끊임없이 예술로 끌어내 창작의 사상적 배경과 관계되고 있다는 점은 학교 현장에서 아동의 창작 동기를 끌어내고 사고의 배경을 넓혀주는 요소로써 교수ㆍ학습 방법 구안에 의미 있는 예술심리학적 자료가 될 것이라 생각한다.

This study provides a qualitative research that explores the relationship between their artistic creation and the self-consciousness of artists. Our research attempts to establish the foundations on art psychology which provides incentives necessary in art creation. In order to capture the aforementioned relationship, we investigated artists’ life with Essentialist portraiture. Essentialist portraiture can be considered as the most appropriate research method in a sense that it captures the essential aspect of artists’ overall life. The result of this study shows the followings. By means of their private self-consciousness, artists reflect on their lives, elaborate their ideas and make expressionistic theme of their arts and to elaborate thoughts. And public self-consciousness forms social philosophy and world view through which artists shapes the social network for his artistic life and communicate through a socially critical theme. In other words, artists’ idea shaped by their private and public self-consciousness provides a rich artistic background in building a subject of satire or social work, which are reflected within their works. The result of this study would be valuable for art psychological materials for teaching and learning methods that help to cultivate creative motivation for students at the school.

본 연구는 백워드(Backward) 교육과정 설계에 따라 초등학교 미술과 감상단원을 개발함으로써, 백워드 교육과정 설계 모형이 미술과 교육과정에 주는 시사점을 도출하는 데 목적이 있다. 백워드 설계는 학교 현장에서 많이 쓰는 교육과정 설계의 순서를 변경하여 목표를 설정한 후 평가 계획을 먼저 세운 다음, 학습 경험과 수업 계획의 절차를 수립한다. 백워드 설계는 교과에서 다루어야 할 내용에 대한 심층적 이해와 고등 사고력 함양을 목표로 국가 수준의 성취기준을 분석하여 학생들의 이해를 세분화하고 이해의 증거로 평가 도구를 개발하고 수행 과제를 설계한다. 백워드 교육과정 설계는 2015 미술과 교육과정이 강조하고 있는 역량 중심, 핵심 개념과 일반화된 지식의 구조와 기능을 통한 학습량의 적정화의 방향과 부합한다. 초등 3학년 미술과의 “작품과 미술가” 내용 요소를 학습하는 단원을 개발한 결과 미술과 교육과정 개발자로서의 교사의 역할이 강조되며, 목표를 정교화하여 교과에서 다루어야 할 본질적인 이해를 고려하게 되며, 미술과의 평가 방법을 개선할 가능성이 있다. 백워드 설계를 미술과에 적용할 때 시사점으로는 국가 교육과정에서 빅 아이디어와 본질적 질문 중심의 교육과정을 제시할 필요성이 있으며 실제 미술 수업에 적용하는 후속 연구의 필요성이 있다.

This study aims to develop art appreciation unit by backward design. it was developed that artwork and artist with art appreciation unit applying the three stages of backward design by Wiggins and McTighe. First, the researcher consider the goal of elementary art appreciation unit for third graders. In order to identify desired results of learning the elements of artwork and artist, the goal, scope, content, achievement standards of the 2015 revised elementary art curriculum, teacher guide book and textbook are reviewed. National Core Arts Standards for visual arts are examined to set up desired results of enduring understanding and essential questions for the unit. This study developed enduring understandings, the six facets of understands, essential questions, specific knowledge and skill on art appreciation unit. Second, the researcher developed two authentic tasks which are reading books on artist and writing a letter to students’ favorite artist. Third, the researcher planed learning experience and instruction for student to engage in learning activities using the WHERETO elements. This study suggests some implications that backward design will contribute to teachers’s professional competency as curriculum designer, evaluator and instructional designer on art unit. Therefore backward design could be useful of unit design and development for teacher education program on art.

이 글에서는 현행 우리나라 교육과정의 문제를 교과서를 중심으로 분석하면서 그 안에 내재한 절충성의 의미를 파악하고자 하였다. 정치적 텍스트, 현상학적 텍스트로서의 미술 교육과정의 내용은 하나의 이론이 하나의 정확한 실제를 보증하고 있지 않음을 파악하게 한다. 이러한 현상은 미술의 실제들이 콜라주의 형태를 취하는 지극히 혼합적인 성격으로 나타난다. 따라서 이 글에서는 절충성으로서의 교육과정을 어떻게 기획하는지가 교육과정의 핵심 문제로 파악되었다. 그런데 우리나라 미술 교과서에서의 절충성은 단순한 임의적인 것으로 이해되었다. 따라서 이 글에서는 미술 교육과정에서의 상반되는 또는 경쟁적 위치의 각기 다른 미술의 정의의 충돌의 문제를 인식론적으로 어떻게 다룰 것인지에 대해 숙고하였다. 이 글은 다양성과 차이의 충돌이라는 시각에서, 그것이 또한 현실을 인지할 수 있다는 수준에서 미술 교육과정의 경쟁적 개념들의 상충성을 다루어야 한다고 주장한다. 아울러 미술교육과정의 이론과 내용이 미술의 역사를 배경으로 생성ㆍ전개된 것이기 때문에, 미술 역사의 가치와 지식에 내재한 사실들을 제시하면서 절충적 교육과정의 단순한 무작위성을 제거할 수 있음을 파악하였다. 그리고 이 점은 더 큰 맥락에서 그 상충되는 경쟁적 개념들이 각기 이질적으로 다른 삶의 조건을 반영한 것이라는 점을 이해하는 교육목표를 기획하게 한다. 따라서 교수ㆍ학습 또한 다양한 문화를 이해하는 교육목표와 일관된 선에서 기획되어야 한다는 결론에 도달한다.

This study is to examine the problem of eclectic curriculum exploring the Korean art textbooks. They show that art curriculum as political text and phenomenological text doesn’t warrant exactly one practice which support a certain theory. This leads naturally that art practices can be integrated assuming the characteristic or nature of eclecticism in an art curriculum. However, the problem with eclectic curriculum is that it invites contradiction and inconsistency. In this context what is raised as epistemological questions are: How, With what goals, With what results? the aim and objective of eclectic curriculum are raised epistemological questions. Because rival conflicting concepts of arts are the very nature of the art world and the world, the curriculum content is to understand the differences in values in art theories and practices. Because art theories are the evolution in history, history can be served as a kind of control upon a random or naive eclecticism. Moreover, in the larger context, each of art theory and art curriculum content are instructed as the product of various condition of life in order to understand the difference of culture in our human history.

본 연구는 연구자 “나”와 예비교사의 첫 서예수업 경험을 통해 그 경험의 의미를 발견하고 성찰한다. 이를 위해 연구자는 예비교사들과 함께 한 서예수업의 현상을 있는 그대로 “나”가 주체가 되어 글쓰기로 따라가 보았다. 그 중에서도 예비교사들의 마음이 서예수업을 통해 어떻게 변화되는가를 살펴보았다. 그리고 서예수업 경험이 갖는 의미를 성찰하게 되었는데 첫째, 예비교사들은 서예수업에서 자신의 신(神)을 바라보고 깨달았다. 즉 서예를 통한 마음과 정신의 변화를 스스로 깨달은 것이다. 이는 우리가 서예수업에서 무엇을 중요하게 바라보아야 하는지와 미술과 서예교육의 존재 의미를 보여준다. 둘째, 예비교사들은 서예를 통해 마음을 성장시키고 자기 스스로를 교육하였다. 서제를 정성껏 반복하여 쓰는 경험적 과정으로 마음을 성장시킨 것이다. 이는 서예수업이 우리의 마음을 이상적으로 형상화시키는 가치성이 있음을 보여준다. 셋째, 서예교육의 내재적 가치를 드러냄으로서 서예교육을 새롭게 재해석하였다. 이에 기존의 정형화된 서예교육 활동과 관념들이 변화될 수 있다. 그리하여 “나”와 예비교사의 첫 서예수업은 마음을 성장시킨 시간이며, 서예가 가지는 예술성과 가치를 깨닫는, 서예교육을 재해석하는 의미 있는 경험인 것이다.

This study introspected and revealed the meanings of the experience that the researcher “I” and the pre-service teachers achieved through the calligraphy lessons. To attain this end, the researcher wrote this article “I” as the subject, and the researcher described the phenomenon of the calligraphy lessons with the pre-service teachers just the way it was. Among the moments of the calligraphy lessons, this study focused on the changes of the pre-service teachers’ mind. This study reflected three important meanings of the experience obtained through the calligraphy lessons. First, the pre-service teachers watched and realized their spirit(神) in the calligraphy lessons. Spirit(神), that is, self-realization of the changes heart and mind. This showed what we should look for in the calligraphy lessons and the meanings of the existence of the art and the calligraphy education. Secondly, the pre-service teachers educated themselves and grew their mind through calligraphy. They could be able to grow their mind through the process of the repeated writing individual letters wholeheartedly. This showed that the calligraphy class has values in shaping minds ideally. Third, the work of revealing the intrinsic value of the calligraphy education could provide a new reinterpretation of the calligraphy education. This changes the traditional formalized calligraphy education activities and ideas. Thus, the calligraphy lessons provided “I” and the pre-service teachers chances to grow minds. Also the students could be aware of the artistic values what calligrapher possess and it became their meaningful experience in terms of a reinterpretation of the calligraphy education.

미술 수업에서 학생이 작품에 담을 의미의 부재, 흥미의 부재, 자신감의 부재 등으로 인하여 배움의 욕구를 만드는 데 한계가 있었다. 이를 개선하기 위한 시도로 본 연구에서는 초등학교 학생들에게 미술수업에 대한 만족도를 높이고 자기 이해의 과정을 거쳐 작품에 의미부여를 할 수 있도록 하는 교수법을 개발하였다. 이를 수업 현장에 적용하여 그 가능성을 탐색하고 의미를 알아보는 것에 주안점을 두었다. 이러한 목적을 달성하기 위하여 초등학생의 자아 개념과 정체성의 현대적 의미를 소개하며 프로그램 구성에 대한 이론적 토대를 마련하였다. 그리고 경기 안산 A초등학교 5학년 학생 60명을 대상으로 사전 설문조사를 통해 학습자 실태를 조사, 분석하였다. 이를 바탕으로 미술 수업에 대한 구체적인 활용 단계와 지도 과정을 고안하여 학생들에게 적용하였다. 이번 연구에서 적용한 세부 단계는 프로필 목록과 정체성 마인드맵을 활용한 정체성 인식 활동하기, 주제 정하기, 상징화하기, 밑그림 그리기, 폴리보어를 이용하여 작품 제작하기, 서로의 작품 해석 및 유추적 감상하기로 이루어져 있다. 그 뒤에 사후 설문지를 통해 실제로 학생들의 활동 결과를 분석하고 그 반응을 살펴보았다. 본 연구는 기존에 접해보지 못했던 새로운 활동을 통하여 학생들이 자아를 깊이 탐색하고, 미술을 폭넓고 긍정적으로 인식할 수 있는 계기를 마련해 줄 수 있다.

Art class in Korea’s elementary school had the limitation to make students be absorbed in their work. A pre-survey showed that they could not find out the meaning in their work and some students did not have the interest and confidence as to art class. This study explores the pedagogic possibility of self-understanding, symbolizing their work and improving satisfaction in the class. The composition of program in this study is based on the current meaning of self-concept and identity of primary students to enable them to achieve this goal. This follows action research with the participants of fifth-grade 60 students at A primary school in Ansan City. The specific procedures applied to them are making identity activities using the individual profile and the identity mind map, selecting their own themes, symbolizing, making a rough sketch, producing work for Polyvore and analogizing mutual works. And I analyzed students’ activity results and answers in a post-test survey. By using the program in this essay, students can understand themselves and think art class positive and extensive.

미술관은 미술 작품에 대한 권위 있는 비평가의 이론을 전달하는 장소가 아니라 관람객 자신이 주체가 되어 작품에 대한 자신만의 의미를 만드는 능동적인 학습 공간이 되어야한다. 이 양적 연구를 통해 한국 미술관의 전시 연계 프로그램이 도슨트와 관람객, 관람객와 작품, 관람객 사이에 활발한 상호작용을 진작하는 대화 중심 교육을 어느 정도 실현하고 있는지 살펴보았다. 대화 중심 교육이란 질의를 중심으로 하는 교육으로, 관람객은 도슨트로부터의 질의를 통해 예술작품, 도슨트, 또 다른 관람객과 상호작용을 하면서 능동적으로 작품을 감상하는 주체가 될 수 있다. 연구에 참여한 15개 미술관에서는 어린이를 대상으로 한 프로그램을 제외하면 도슨트와 관람객의 상호작용이 적었으며 관람객의 의견을 묻는 개방적 질의도 거의 이루어지지 않았다. 또한 관람객 사이 상호작용이나 관람객이 혼자서 작품을 감상하는 기회도 적었다. 한국에서 미술관이 관람객의 목소리를 낼 수 있는 살아 있는 공간이 되기 위해서는 성인을 위해서 개방적 질의를 포함한 대화 중심 교육 프로그램이 더욱 활발하게 디자인되어야 할 것이다.

An art museum is no longer simply a place that provides historical information on artworks. Rather, it is increasingly considered as an educational institution where visitors can be involved in active learning through their own interpretations of works of art. This qualitative research study investigated whether docent programs in Korean art museums stimulated group dialogue by promoting interactions among docents, visitors, and the artwork. With regard to group dialogue, docents can help visitors interpret works of art through open-ended questions. The result of this study showed that most docent programs in the 15 participating art museums in Korea did not foster sufficient interaction between docents and adult visitors through posing open-ended questions. Furthermore, interactions among visitors were not observed, and they did not have the opportunity to appreciate the artworks by themselves. To make art museums in Korea “places of freedom” (Burnham and Kai-Kee, 2007, p. 13) where visitors can have their voices on artworks heard, Korean art museums should actively design inquiry based education programs for adults.

미술 작품을 감상한다는 것은 미술 작품과 감상자 사이에 일어나는 의사소통의 과정이다. 작품에 대한 이해는 미술 작품과 감상자의 상호 행위에서 진행되어 가는 것으로 다양한 방법을 통한 상호 교감활동으로 감상활동을 체득하도록 해야 한다. 본 연구는 미술 작품에 대한 이해 방법을 학생 스스로 터득하여 자기 주도적으로 미술 감상이 이루어질 수 있도록 하는 데 있다. 이를 위해 질문지나 대화법을 활용하여 학생 스스로 미술 작품에 대해 느끼고 이해한 내용을 언어화하여 공유하고 이야기하도록 하였다. 이러한 과정은 미적 대상의 아름다움과 가치를 발견할 수 있을 뿐만 아니라 학습자에게 소통의 즐거움과 배움에 대한 만족감, 바른 인성 함양에도 도움이 될 수 있다. 질문지와 대화법을 활용한 자기 주도적인 미술 감상은 학생들에게 본질적인 경험과 인식을 제공함으로써 언제 어디서든 미술 감상이 가능하도록 도와줄 것이다. 더 나아가 삶 속에서 미술 문화를 향유하도록 돕고 주변 세계에 대한 인식과 타인과 소통하는 능력을 길러 줄 수 있으리라 본다.

Appreciating a work of art is a sort of communication that takes place between the work and the appreciator. The appreciator understands the work through mutual communication, and learners should acquire how to appreciate a work of art through mutual communion in diverse ways. The purpose of this study was to examine in which way students should be taught to learn how to understand works of art on their own in an effort to facilitate their self-directed art appreciation. A questionnaire or conversational method was utilized to teach students to verbally express how they felt about works of art and what they understood about them and to share them with one another. This approach makes it possible for students to find beauty and value in the object to be appreciated, and it also could be helpful for them to find it joyful to communicate with others, to feel satisfied with learning and to cultivate their character. A self-directed art appreciation through a questionnaire and conversational method will enable students to gain substantial experience and improve their understanding, and thereby help them to appreciate works of art anywhere and at any time. Furthermore, it will help them to enjoy the culture of art in real life, to learn how to look at the world around them and to foster an ability to communicate with others.