Earticle

In part 2, as an “outsider” to Korean culture, I attempt to understand various popular cultural movements in Korea based on my understanding of the socio-historical developments that I explored in part 1. As an “experiment” in cross-cultural understanding, I do not claim what I am presenting is the correct perspective, but it is based on the vast amount of literature I have read by Korean scholars in English.

Art, and contemporary art in particular, has played a complex and paradoxical role in education. On the one hand it can offer unique modes of expression that provide learners with the means to explain and understand their identity and their life-worlds; on the other hand, art can confound and disrupt ordinary education practices, not lending itself easily to assessment or curricula routines, and furnishing learners with a critical voice that may be unwelcome within mechanistic educational processes. Using some examples drawn from primary school pupils’ conspicuously contemporary artworks, I argue that the presence and viability of these critical and idiosyncratic art practices in schools may be an indicator of the health of an education system as a whole.

이 글에서는 뉴욕에 거주하는 한국인 미술가들에 대한 현장 연구에서 주요한 이슈로 부각된 보편주의 의 특징에 대해 파악하였다. 이들 미술가들은 경계를 넘은 초국적 문화에서 자신들의 현대 사회의 일상 적 삶의 양식과 한국적 소재들과 주제를 글로벌 차원에서 타자들과 교류하기 위한 공통분모를 찾고자 하였다. 이러한 과정에서 이들 미술가들의 다양한 경험은 다른 문화를 번역하는 데에 관여하고 있었다. 이들 미술가들은 미술의 보편성을 찾기 위해 한국성을 회피하거나 다른 문화화의 차별성의 형태로 이 를 재발견하였다. 따라서 이들 미술가들의 정체성의 역동성은 하나의 단일 주체의 발전으로 확인되었기 때문에 들뢰즈와 과타리가 묘사한 “리좀”보다는 니꼴라 부리요의 “래디컨트” 에 더 가까운 것이다. 한 국 미술가들이 무의식적으로 발견한 한국의 전통과 문화는 단지 그것의 재현에 머무르는 것이 아니었 고, 그들이 추구해온 미술에서 전통과 문화 사이의 길을 탐색하는 것과 관련된다. 이렇듯 이들 미술가 들이 추구하는 역동적이며 상호 연관된 열린 보편주의가 이들의 경험을 통한 다른 문화들의 번역에 의 한 것이라는 연구결과는 미술 교육과정이 학생들의 상호주관성을 통해 의미의 공동체 구성을 포함해야 한다는 점을 시사한다. 연구결과는 또한 이 점은 미술 교수법이 단지 전통을 재현하는 문화적 도식에 국한되지 않을 때 가능하다는 점도 함축한다.

In this paper, I explore the characteristics of universalism, which has emerged as the main issue in the in-depth field study of New York-based Korean artists. The artists are developing common ground in their subject and subject matter of contemporary life styles and Korean philosophy in order to communicate with others at the global level. In this process, the artists' diverse experiences are engaged as a transaction in translating other cultures. I examine the artists' escape or discovery of Korean culture as an aspect of their search for universalism. As the artists' identities involve an escape from Korean culture as part of their search for the universal and discover it in the form of a difference from other cultures, they may be seen as existing on a continuum between these two poles. Consequently, it can be said that Korean culture works as an important factor in their art making. Therefore the dynamic process of Korean artists' identities is identified as the “radicant" of Nicolas Bourriaud as the development of one single subject rather than that of "rhizome" that Deleuze and Guattari described. The Koreanness expressed by the artists unconsciously in their art making is not just the representation of Korean tradition and culture. Rather, it is related to their search for a way between the tradition and culture in which they have pursued their art. The finding that the artists' pursuit of dynamic and co-related open universalism comes as a result of their translation of other cultures implies that the art curriculum should include the construction of a community of meaning through the students' intersubjectivity. The finding also suggests that this is only possible when art teaching is not confined to the representation of cultural schemata.

동시대 미술관은 어린 아동관객을 위한 교육 요소로서 인터렉티브한 활동을 유도하는 상설 교육공간을 설치하고 있다. 미술관의 아동 관람객을 위한 상설공간은 교육프로그램과는 달리, 시간적 공간적 제약이 없이 미술관의 모든 가족 관람객이 대상이 될 수 있다. 이러한 공간은 교수자와 학습자의 적극적인 의사 교환을 통해 학습자의 과거의 지식에 새로운 지식을 능동적으로 통합할 수 있도록 하는 인터렉티브 학 습을 지향하고 있다. 본 연구는 MoMA의 “미술 실험실: 인물”과 MassMoCA의 “호기심” 두 상설 교육 공간의 사례를 통해 인터렉티브 공간의 조건과 소장품에 대한 해석의 논리를 연구하였다. 두 공간은 소 장품의 성격을 어떻게 반영하는지에 따라 다른 교육목표와 성격을 가지고 있었으나, “스스로 선택할 수 있는 “신체적 탐구활동”을 통해 실제 소장품이나 현상을 이해하기 위해 함께 학습할 수 있는 환경을 제 공”(Caulton, 1998)하는 인터렉티브한 활동 조건을 충족시키고 있었다. 두 인터렉티브 공간의 교육활동은 현대미술의 시각적 은유, 상징, 병치를 연습해보는 활동을 통해, 특정한 몇 개의 소장품을 이해를 목표로 하는 것이 아닌 소장품 전체의 성격을 이해할 수 있는 해석력을 키우도록 유도하고 있었다. 또한, “놀이 는 통한 학습”이라는 상황을 제시하여 상상력을 통해서 이를 발전시켜, 아동이 자신의 현 상황을 다른 상황으로 치환하여 자신을 적용시키고, 전인적 발달을 증진시키는데 초점을 맞추고 있으며, 아동이 낯설 음에서 벗어나 편안함을 느끼는 교육 환경 안에서 소장품에 쉽게 접근, 참여하도록 목표하고 있다.

Art museums today provide educational spaces for young children to experience interactive activities. Such interactive spaces open all the time during museums’ open hours; thus, all family visitors are able to explore the exhibited object regardless of their plan. Interactive spaces often pursue providing interactive learning experiences for visitors to connect their prior knowledge and new experiences in art museums through active communication between viewers and exhibited objects. The purpose of this research study was to investigate conditions of interactive spaces in art museums and the logics of interpreting their collections through two cases: Museum of Modern Art’s Art Lab: People and the Massachusetts Museum of Comtemporary Art’s Curiosity. The two educational spaces have different educational mission and natures based on how they reflect characteristics of their collections; however, both spaces encourage “individuals or group of people working together to understand real objects or artworks through physical exploration which involves choice and initiative” (Caulton, 1998). Through providing practices to understand visual metaphor and symbolic function, both interactive spaces induce child visitors to build their abilities to understand fundamental languages of contemporary art collections of the museums. The spaces also provide comfortable learning environment to explore the exhibited objects without restricts of no-touch rule for artworks.

미술의 사회적 역할과 기능의 확대를 주장하는 재건주의 미술교육의 전통에서 공동체의 이해와 요구를 반영하는 벽화 제작은 대표적인 표현활동이자 교육적 의미를 지닌 것으로 평가되어 왔다. 이 연구는 태 백시의 상장동에서 제작된 두 가지 마을 벽화를 사례로 공공미술과 주민참여, 예술적 성과와 미술교육 적 가능성에 대해 검토하였다. 탄광도시의 역사성과 지역적 정체성을 반영한 광부 이야기 벽화는 전국 적인 관심을 불러 모으며 잊혀진 마을을 가시화 하였다. 이에 자극을 받은 이웃마을의 벽화는 지역 주 민, 학생, 자원봉사자들이 참여, 제작하였다. 이 벽화들은 생활환경을 개선하며 마을의 경제적 발전에 대한 기대감을 높이는 역할을 하였다. 두 번째 마을벽화는 마을의 장소성, 역사성을 나타내는 내용보다 장식적이고 진부하며, 공공 벽화에서 흔히 발견되는 통속적인 소재들을 표현하였다. 두 사례를 검토해 보면 공공미술로서 마을벽화의 제작자, 관람자, 주민과 외부인의 관점에 따라 서로 다른 선택이 이루어 질 수 있음을 나타낸다. 장소성을 공공미술 표현의 내용으로 수용해야 한다는 관점은 주민들의 관심과 예술에 대한 취향과의 지속적인 교환 작용을 동반한 교육적 과정을 포함할 때 성공적일 수 있다.

This study explores the function of village murals that made by the community artists and the people. In the traditions of social reconstructionism, the claim for expansion of social roles and functions of art work was suggested mainly by making the village mural. In this article, I examined two different types of village murals located at Sangjang-dong, Taebaek. The first one represented the stories of miners' life, they are gone away long time ago, because of the collapse of the coal industry after 1980's in Korea. Those unique motives gathered to call national attention and the forgotten village Sangjang-dong could be visible via mass media and internet site. The neighboring villagers also wanted to make their murals about the old legends, folktales with residents, students, and volunteers. The second case murals expressed decorative and banal themes which are commonly found in public murals instead of the historial information and site-specific theme of the village. Through the examining the two cases, depending on the our point of view, who decide the forms and contents including artists, residents, spectators, officials, they will make different choices. If we want to include the expression of the concept of site-specific in the public art program, it is better that the educational interaction and exchange the interests and taste of the residents and the artists.

미술관은 공공기관으로써 보다 많은 관람객에게 열린 경험을 제공하고 교육적인 기회를 부여할 수 있는 공간으로 존재해야한다. 그러나 국내의 미술관 교육은 일회성 혹은 대중주의를 겨냥한 행사성 프로그램으로 이루어지는 경우가 대부분이며, 진정한 교육적 의미에 집중한 프로그램은 거의 찾아보 기 힘들다. 본 연구는 이러한 미술관 교육의 현실을 비판적으로 인식하며, 존 듀이나 허버트 리드와 같은 교육철학자의 관점에서 미술관 교육이 지식전달과 기술전수 중심에서 벗어나 문화예술교육의 차원에서 이루어져야하는 필요성을 제기하였다. 그리고 관람객이 자신 혹은 자신을 둘러싼 상황과 환 경의 문제에 대해 좀 더 적극적으로 고민하며 삶의 질을 제고할 수 있도록 하는 방안으로 미술관 교 육프로그램을 제안하였다. 특히 전통한국화 그 중에서도 수묵화가 지닌 교육적 가능성에 주목하여, 급변하는 시대를 살아가고 있는 현대인들에게 의미 있는 미적 경험을 제공하는 동시에 일상의 삶과 연계되어 문화적 역량을 강화할 수 있는 교육프로그램의 방향을 모색하고자 했다.

According to John Dewey’s educational philosophy, art is an activity for individuals to understand themselves and engage in self-reflection through the process of expressing their lives and culture. This article reexamines art museum education that can enhance the cultural competence of all members of society. If museum education in the past existed to serve as a warehouse of knowledge for a certain group of elites, art museums in this age should provide their audience with various educational opportunities to experience openly and participate actively in culture and the arts. However, most education programs in Korean art museums mainly focus on art technique training, exhibition-related education using art historical information, or (fun) event programs appealing to populism. As an attempt to create a more meaningful art education program dedicated to the true meaning of “art” and “education,” this study presents a program that helps audience fulfill their aesthetic as well as cultural needs and enhances their cultural competence. Particularly paying attention to Soomukhwa, a Korean traditional painting genre, this program extracts valuable and effective educational elements. Soomukhwa serve as the quality materials in art museum education programs that can provide audience deep liberation through spiritual activities. Consequently, participants in the program may overcome various kinds of social problems stemming from today’s materialistic worldview, reason-oriented thinking, or modern conveniences.

몸이 배재된 “이성적” 존재로서 인간은 자신이 구성하는 세계와 타자만이 있을 뿐 직접 경험의 세계와 타자의 존재에 대한 진정한 의미는 실종되어 있다. 이처럼 몸에 대한 새로운 인식을 말하는 후기 현대 의 시대정신에 여전히 멀어져있는 몸에 대한 타자들의 부정적 선입견을 등에 진 대표적인 영역이 타투 일 것이다. 이에 이 연구는 4명의 타투-아티스트를 연구 참여자로 하여 해석학적 현상학의 연구 방법을 13개월에 걸쳐 수행하여, 몸을 통해 몸으로 작업하는 타투-아티스트들의 삶과 예술의 본질적 의미를 드 러내는데 목적을 두었다. 연구 참여자들은 몸-주체라는 인식을 뚜렷하게 가지고 있었고 가장 자기다운 삶을 살아가기 위한 길로써 타투 예술을 선택하고 있었다. 그리고 타투 작업 과정에서 연구 참여자들과 타투를 받는 이 간의 열린 대화를 통해 공동으로 의미를 만들고 그 의미를 시각적 상징으로 표현할 것 을 주장하였다. 그리고 의미 만들기 과정을 거쳐 타투를 표현하게 될 때 비로소 예술이 된다고 말하였 다. 한편 연구 참여자들은 자신은 타투에 대한 체계적인 교육을 받을 수 없었지만 타투아티스트로서 살 아내면서 스스로 체득한 삶을 몸으로 보여주는 니체 방식의 교육을 후진들에게 실행하고 있었다. 또 그 들은 관습적 가치에 매몰되지 않고 후기 현대의 몸에 대한 새로운 시각인 몸을 통한 자신의 가치 생성 을 이미 삶에서 살아내고 있었다. 또 몸-자신이라는 몸의 주체성을 정초하면서 드러나는, 세계와 타인 의 진정한 의미를 그들의 삶에서 이미 그렇게 실천하고 있었다.

By excluding the notion of the body, a human’s “rational” existence consists of a world composed of oneself and other people. However, the true significance of living in this world of direct experience and co-existence is lost. The typical area which stands our negative prejudices back on body and it is far from the new awareness of body which tells spirit of time is tattoo. This study employs hermeneutic phenomenology to describe the experiences and essential meaning of life and art for four tattoo-artists who spent 14 months working on the body and by the body. The study participants had a distinct awareness of the body-subject and experienced tattoo art as a way of authentically living their lives. Additionally, through the process of tattooing, the visual expression of meaning was jointly created by an open conversation between the study participants and those who were being tattooed.Moreover they said that tattoo become a Art when it will be expessed through the process of the meaning-making While this toatooists who participated in this research were not formally educated in tattooing, they have adapted education of Nietzsche to the younger generation by lived-expierience as tattoo-artists. The participants were not buried traditional beliefs they had already lived their lives in a way that was consistent with their own value generation of the body, which is a new vision of the postmodern body. By setting the basics, the participants determined that, in their lives, the natural meaning of the world and their relationship with others is revealed body-subject as the body-oneself.