Earticle

investigate the conditions that enable creativity to flourish school art education by looking at the environmental conditions that support and sustain creative activity. In the process I critique the emphasis on creative individuals drawing in Vygotskian notion of learning as a social event as well as critiquing the benign profile of creativity as a primarily productive process. The latter is examined in relation to a transgressive event in which school students "attack" their teacher through the license afforded them by a drawing "game." This is theorized in relation to Klein and her insistence on the persistence of infantile phantasy and its signiticance for creative action. To bring these ideas together I draw on Winncott's notion of a "potential space" as one in which safe, materna environments allow children to take risks, a necessity for creativity.

나는 창의적인 활동을 지원하고 유지하는 환경적인 조건의 고찰을 통해, 창의성이 학교 미술교육을 발전시킬 수 있게 만드는 조건들을 조사하였다. 이 과정에서 주로 생산 과정으로서 창의력이 갖는 순화된 특성을 비평할 뿐만 아니라 비고츠키식 학습 개념 안에서 사회적 이벤트로서 그림을 그리는, 창의적인 사람들을 비평하였다. 후자는 학생들이 그리기 "게임"을 통해 얻은 허가를 이용하여 교사를 "공격"하는 관습을 거스르는 사례를 통해 살펴보았다. 이는 클라인(Klein)의 이론과 그녀의 유아적 공상의 지속성에 대한 주장, 그리고 창의적인 행동에 있어 그것이 갖는 중요성과 연관되어 이론화 되었다. 나는 이러한 생각들을 합치기 위해 위니코트(Winnicott)의 "잠재적 공간" 개녕믕 안전한 모체 환경을 통해 아이들이 창의성에 필요한 위험을 감수할 수 있게 해주는 공간으로 이끌어내었다.

이 연구는 그동안 교육에서 지배적인 담론이었던 인지적 관점에 의한 창의성 교육을 재개념화하기 위한 것이다. 이를 위해 연구자는 존재론에서 창조성에 대한 연구 전통을 참구하여 창조성의 본질을 드러냈다. 연구결과 인간은 근원적으로 창조적이라고 주장한다. 스피노자(Spinoza)에 의하면 인간의 창조성은 자신의 행위 능력 즉 존재의 힘의 증가인 자기 생산성에 의해 드러난다. 니체(Nietzsche)는 자신이 다르다는 것을 인정하는 기쁨인 차이의 긍정을 통해서 그리고 베르그송(Bergson)은 인간의 잠재성의 현실화인 생의 약동에 의해 드러난다고 한다. 또한 하이데거(Heidegger)는 하나의 의미의 세계가 창조적으로 탄생되는 사건인 존재 발현 혹은 생기 사건을 통해 창조성이 드러난다고 한다. 가다머(Gadamer)는 인간의 내적 무한성, 즉 창조성을 가능케 하는 질문과 대답의 자유로운 과정을 지속시켜 나가면서 새로움을 동반하는 대화에서의 해석적 경험을 통해 드러난다. 그리고 들뢰즈와 가타리(Deleuze & Guattari)에 의하면 위를 절대적 차이로 이끌면서 그 차이를 훼손하지 않고도 우리를 공명하게 하고 나아가 우리의 시간 속에서 공존하는 길을 여는 생성의 긍정을 통해 창조성이 드러났다. 결과적으로 창의성은 프로그램을 통해 조작적으로 길러지는 것이 아니라 지금까지 학습자들에게 주어진 창의성을 가로막아 왔던 수많은 억압들을 교실에서 제거해 갈 때 긍정과 생성을 통해 발현하는 것임을 알게 된다.

This study if to recoceptualize education for creativity through a cognitive perspective, which has been a prominent topic in education. The researcher revealed the nature of creativity by investigating the convention of ontological studies regarding creativity. The results indicated that humans are basically creative. Human creativity reveas itself through self-productivity, which is the ability to act and increase the power of being, according to spinoza, affirmative difference, which is recognizant of the joy accepting the difference of others according to Bergson, The emergent event of Being that is an event of birth in a meaningful world of creatively according to Heidegger and the inner infinity of human beings hermeneutical experience in an ongoing dialogue with novelties sustaining the process of unconstrained questions and answers that are enabled creativity according to Gadmer and an affirmation of becoming that makes us resonate without damaging the difference by leading us to absolute difference, by extension, opens the way of coexistence within our time according to Deleuze & Guattari. Thus, creativity is not a charateristic that can be handled by programs of creativity, but it emerges only when all of the suppression in the class that deter learners' given creativity are eradicated.

In this essay I argue that creativity has been exploited by the creative industries of capitalism. I try to show how a different fomulation of creativity might be conceptualized by drawing on the nomadic philosophy of Deleuze and Guattari. I end this essay with a speculation as to where art and its education might invest its energies as a field of endeavor to forward a minoritarian political position.

이 논문에서 나는 창의성이 자본주의 창조 산업에 의해 악용되어 왔다고 주장한다. 나는 창의성의 다른 구조체제가 어떻게 개념화되는 지를 들뢰즈와 가타리의 유목 철학으로 보이려 한다. 나는 미술과 미술 교육이 소수자들의 정치적 입장을 위한 연구 분야로 힘을 쏟을 수 있다는 가설로 이 글을 맺는다.

그동안 미술과의 중요한 교육목표로 설정되어 왔던 창의성은 영역 일반적 관점에서 지지되어 왔으나 최근 영역 특수성 관점에서의 논의 전개는 미술에서의 창의성은 미술 영역 내에서만 통용되며 미술을 벗어난 다른 영역에서는 통용되지 못한다는 논리로 이어진다. 이에 본고는 창의성의 영역성에 관한 이론적 논의를 점검하고, 각 논리들이 지닌 개념적, 방법론적 특성과 한계를 살펴보았다. 그리고 이론적 검토를 통해 문화심리학적 창의성 개념과 구조모형방정식의 측정변수 및 잠재변수 개념이 미술 창의성의 영역성 문제에 대한 개념적 근거를 제시한다는 점에 주목하고, 이를 바탕으로 미술 창의성은 영역 특수성인 동시에 보편성으로서의 의미를 지닌다는 점을 이론적 모형으로 제시하였다.

Up till now, creativity has been supported as one of key objectives in art education. However recently, discourse between creativity of domain-specificity and creativity of domain-generality has been spread in the relevant field. At some point it seems that theory of domain-specificity in creativity is dominat, and it is connected to the logic that artistic creativity works only within the art domain. In this respect, this research studies how the concept of specificity-generality of creativity has been developed, what the characteristics the concept has. Firstly, for defining the 'domain' it self. Domain has not been clearly defined by each party. Second, those theory is related development of age, but they don't pay attention to the issue. When age is young, it looks domain-general, but as getting old it looks domain-specific. Third, from the perspective of research methodology each party adopts favorable research method, so they don't stand opposite side in critical perspective. For esample, researchers who stand in favor of domain-generality adopt correlation analysis, t-test, f-test, and self-report questionnair, but researchers who stand in favore of domain-specificity tend to adopt Consensual Assessment Technique(CAT) of product. Considering those traits of each theory, the study suggest interaction model of observed variables and latent variables. Artistic creativity has two-fold characteristics, one is to art-specific creativity, other is to art-beyond creativity. This compromised aspect of artistic creativity has observing variables which can be observed by experiment, and also latent variables which can't be seen. Therefore artistic creativity has been defined by perspective of multitrait-multimethods.

로웬펠드를 비롯한 여러 발달론을 지지하는 학자들이 구체화한 아동의 미술 발달 이론은 100여년이라는 세월동안 아동미술 연구에서 가장 강력한 영향력을 발휘해 왔다. 하지만 이 발달단계 이론은 최근 많은 미술교육자들에 의해 아동미술 발달을 설명하는데 한계가 있다는 의문과 비판이 제기되고, 사회문화적 관점으로 아동미술발달을 새롭게 이해하려는 시도가 활발하게 이루어지고 있다. 본 연구에서는 사회문화적 관점으로 아동의 미술 발달을 탐구한 연구들을 세 가지 범주로 분류해보고, 지금까지 무엇이 탐구되어 왔으며 그 의의는 무엇인가 그리고 앞으로 어떤 방향의 연구가 필요한 지 논의해 보려고 한다. 연구결과는 사회문화적 관점으로 이루어져 온 아동미술 연구들이 크게 (1)아동이 속해 있는 사회에 지배적인 시각문화의 이미지가 아동의 그림에 어떤 유사한 이미지로 재현되고 있는 가 직접적인 시각적 영향을 다루는 연구들, (2)비시각적인 문화적 기대와 가치들이 아동의 그림에 주제 등으로 간접적 영향을 주고 있는 연구들, 그리고 (3)아동의 그림 자체가 아닌 그림이 결과로서 생산되기까지 과정에 미치는 사회적 영향을 탐구한 연구들로 구분될 수 있음을 보여주었다. 지금가지 사회문화적 관점의 연구들은 첫 번째 범주의 기초적인 접근을 많이 보여오고 있는데 두번째와 세번째 범주의 연구들이 더욱 활발히 이루어지는 것이 필요할 것이다.

Over the last part of the 20th century, art educators have discovered and explicated many aspects of children's artistic development more fully by considering the impact of cultural context on children's visual expressioin. Studies based on the traditional developmental perspective consider children's artistic development as genetic, universal, and occurring linearly while more recent studies consider societal and cultural factors within the learning contexts. Recently, diverse forms of artistic development have been evidenced, which question the traditional belief in children's learning and development in art. While interest in research on the cultural influence on child art has increased, discussion has not focused on developing a framework to organize or summarize this emerging body of literature. In this study, it is attempted to categorize studies on child art within socio-cultural perspective to provide information about what these studies found and what is the meaning and function of these studies in the field of art education. Since investigating children and their art-making considering diverse socio-cultural factor is very complex, results of these studies has not examined well so far. It may cause the developmental perspective to be still playing a core role in understanding child art. Therefore, in this study, it will be discussed what focuses previous studies on socio-cultural influences on child art have had, what they have found, and what future studies need to explore more. For this studies about socio-cultural influences on child art arre divided into three categories. The first category relates to the influence of the socio-cultural context from a macro lens. These studies mainly explore how graphic models or expressive strategies used in the dominant visual culture are reproduced in children's drawings or affect their visual expressions. The second category focuses on the influence of the existing dominant socio-cultural value of belief in a specific context on children's visual expressions. Such studies attend to what socio-cultural value of belief is reflected when children choose themes or expressive strategies instead of what similarities exist between the visual culture and the symbols and images of children's drawings. The last category covers issues of children's art learning as socio-culturally constructed learning with external intervention with emphasis on the meaning of interactions with others and the significance of interactions with others in children's art learning and development.

전통적으로 박물관은 공공의 이익을 위하여 소장품 또는 예술 작품을 수집하고, 보존하고, 전시하는 장소였지만, 이제 박물관은 "교육"이라는 수단을 통하여 관람객들을 적극적으로 박물관 안으로 수용하려고 하고 있다. 박물관이 교육 기관으로서 관람객들과 적극적인 소통의 장소가 되기 위해서는, 관람자 연구를 비롯한 박물관 교육에 관한 다각적이고 전 방위적인 연구가 요청된다. 그러나 현재 한국의 박물관 교육에 관한 연구는 박물관에서 행해지는 교육 프로그램의 개발과 적용 그리고 평가에 초점을 맞추어 단편적으로 이루어지고 잇는 실정이다. 이에 본 논문은 박물관 교육이 교육 프로그램에 국한 된 것이 아닌, 박물관의 전시와 행정 그리고 나아가 소장품에 대한 해석과 박물관의 비전에 걸쳐져 있는 것임을 조명한다. 이를 위해, 구미의 박물관 교육의 중요 쟁점들을 박물관 교육의 목적, 다문화주의, 박물관과 학교/교육과정, 에듀케이터의 교육, 시각문화교육의 다섯 가지 항목으로 분류하고 각 쟁점들을 소개 하고자 한다. 나아가, 이러한 쟁점들이 한국의 박물관 교육에 시사하는 점을 고찰한다.

This paper focuses on examing the contemporary issues in the field of the museum education in U.S. and other European countries in other to provide the theoretical frames for museum education in Korea. For this examination, I divided current issues into five categories of museum philosophy, multiculturalism, the partnership of museums with schools, the qualification of museum educator, and visual culture studies. First, for the studies of museum philosophy, I introduced the concepts of a post-museum, the trans-cultural identity of museums, a forum-like museum, and a therapeutic museum and analyzed its promises and drawbacks into Korean museum education. Paricularly, I emphasized that Korean researchers and practitioners need to pay attention to the theories of de-colonialism to understand the development of Korean museums under Japanese colonization, to assess the needs of museum education, and to suggest the future direction for it. The second topic that I discussed is multiculturalism. I provided the historical analysis of multiculturalism in museums, which was initiated from accepting the differences among diverse cultural groups but developed toward building the interests in socially and culturally marginalized groups. I also pointed out the urgent needs to include multiculturalism into comprehensive working systems in Korean museums, beyond expanding the access to museums and introducing Korean culture to the member of multicultural family. As the third issue, the diverse examples of school-museum partnership such as project MUSE and New York City Museum School were provided. Not only the lack of curriculum theory for museum education but also the difficulty of curriculum development was discussed. As well, its potentials, needs, and promises were discussed. The forth topic is about the qualification of museum educators. I reported the emphasis of qualification was changed from art history only toward balancing with education, technology and strong communication skills. Finally, the need of study toward visual culture into museum education was discussed. Even though visual cultures in museum education have not been actively studied yet in U.S. the possibilities of visual culture studies through aesthetic education, reflective/critical pedagogy, and post-museum were challenged.

2005년 문화예술교육지원법 재정을 기반으로 추진되어 온 문화 정책에 히입어 개발 시행되고 있는 다양한 문화기관들의 새로운 교육 프로그램들은 현대 한국문화예술교육 분야를 빠르게 확장시켜 왔다. 한편 최근 문화예술교육정책 시행 주체들이 현 정책과 그동안의 사업성과에 대한 사회적 혐력과 지지 기반 강화를 모색하고 있다는 점에서 분야에 대한 실제 상황 검토의 필요성을 인식하게 된다. 이 글에서는 현대 한국문화예술교육의 지형 변화를 이끌고 있는 여러 문화 기관들의 새로운 문화예술교육의 실제 안에 생성되고 있는 도전과 기회를 살펴보고자 한다. 이를 위해, 특정한 문화기관의 문화예술 교육 프로그램 안에서 움직이고 있는 교육 실행자들의 경험에 대한 사례연구를 실시하였다. 사례분석을 통해서 문화예술교육의 질적 성장에 대한 실행자들의 직업적인 요구와 가능성들을 파악하였고, 이를 미래지향적인 기회로 발전시키기 위해 논의가 필요한 부분들을 검토하였다. 교육 현장에 잠재되어 있는 문제나 가능성들을 조명하는 이 질적 사례연구는 새로운 문화예술교육 실제에 대한 비평적인 교육 담론 형성에 기여할 것이다.

The landscate of Korean arts and culture education has been changing rapidly since June 2006, when the Arts and Culture Education Supporting Act took effect. This political act significantly encourage and supports the creation and development of unconventional and innovative educational activities and programs in many cultural institutions across nation. This change has affected the traditional practices of cultural institutions such as museums, art centers and cultural foundations, whose educational missions had not been publically recognized as importnat. In the past few years, with the growth of new cultural educational programs organized by cultural institutions, significant numbers of new practitioners have been trained and employed to carry on these programs designed to enrich the cultural expreiences of diverse community menbers. From a year of involvement in developing an educational program in a leading cultural institution, the author can recognize the professional identities of this emering group of practitioners are distinct from those of teachers working in traditional discipline-based education systems. This paper presents a case study that explores the challenges and opportunities that have emerged from collaborative practices in cultural institutions. Five visual art practitioners who participated in a cultural institution's nine-month after school arts educational program were interviewed. This study focuses on: 1) individual practitioners' experiences related to the type of program, content structure, educational mission, and teaching and learning approaches; 2) how these practitioners developed learning and teaching strategies; 2) the challenges and opportunities that emerged from these individual practices. This analysis helps educators recognize unconventional ways of learning and emerging professional needs and gain critical insight into the context of Korean arts and culture education.