Earticle

As an art educator who does not speak Korean, I explore in two parts the complexity of Korean popular culture and wonder what are the limitations of such an approach? Is it possible to offer some insights despite my linguistic limitation? This raises the difficulty of cross-cultural research in general. How are we to understand differences of cultural expression if we are unable to understand the language? Is there a certain uniqueness of the Korean situation that I will never be able to identify? Or, does it bring in certain paradoxes where this very limitation enables yet a new perspective by attempting to grasp the visual and piece together the verbal? These are difficult questions. In the first part of this two-part essay I draw on a great deal of scholarly work written by Korean researchers in English to help me understand the socio-historical background to make my case of understanding popular culture as further developed in part 2. The Korean art educator will be sure to make his or her own judgment as to the success or failure of this ‘experiment.’

In this paper I present an idiosyncratic historical and theoretical overview of visual cultural hybridity beginning with interpretations of the collages of Hannah Höch and her Dada associates, move to the cyborgs of popular visual culture, cross “borderland” hybrid culture in the works of Mexican-American Enrique Chagoya, and conclude with the millions of digital hybrid artworks being constructed on the Internet. A proposal for a pedagogy of visual cultural hybridity is presented through classroom projects inspired by Chagoya's artist books, American school children's artworks in which they examine their multiple identities through metaphorically placing themselves in artworks, and through hybrid images from my own journals and artist-books. A pedagogy centering on hybrid forms of visual culture provides a means for juxtaposing diverse and often contradictory ideas, envisioning new human identities, imagining new worlds, and extending conceptions of human potential.

이 글에서는 문화교육/다문화교육의 교수법을 결정하는 문화의 정의를 현대학문의 흐름에 맞추어 제기 하였다. 포스트모던 시대의 다양성을 규정하는 한 집단의 삶의 유형 또는 사고방식인 “문화”가 중심이 되는 문화체계로서의 교육과 미술이 부상하게 된 배경을 인문학과 자연과학을 포함하는 현대 학문을 배경으로 담론분석을 하였다. 그런 다음, 과거 모더니즘 체계에서 구체화된 "정신적 우수성이 낳은 산 물"이라는 문화의 정의가 낳은 미술교육에서의 담론들을 파악하였다. 정신적 우수성이 낳은 결과물을 뜻하는 문화는 상층문화와 대중문화를 구분하였기 때문에 그 상층문화는 일반이 감상하는 데에 괴리감 을 드러내었다. 경험적 접근은 이와 같은 상층문화를 포함하여 다양한 시각 이미지와 상호작용을 통해 참여와 소통이 가능하게 한다. 학생들로 하여금 다른 나라, 다른 시대에 만들어진 미술작품을 포함하여 타자를 경험하게 하는 것은 결국 자신과 다른 “차이”를 인지하게 하면서 결과적으로 그 작품의 해석을 통해 자신을 드러내게 한다. 이러한 과정에서 학생들은 다양한 삶에 대한 이해를 높이게 되면서 민주시 민 의식을 고취할 수 있다. 이와 같은 경험적 접근의 교수학습 방법은 롤랑 바르트의 텍스트 읽고 쓰기 를 응용할 때 가능하다. 그 과정에 변증법의 문답법이 활성화될 수 있기 때문이다. 마지막으로 이 글은 초등 교사교육의 일환으로서 경험적 접근의 텍스트 읽고 쓰기의 교수법의 사례들을 소개한다.

This study explores the meaning of culture as it relates to cultural education and multicultural art education. It is to examine culture-centered education and art education by examining the background of scholarship in which culture is the central concept. Then, it discusses the pedagogy of the experience-based approach to facilitate student interaction with the visual images. The method is to have students experience diverse cultural images, which leads them to understand their own daily life and culture. In the course of this experience, the students come to understand diverse cultures and therefore enhance their sense of democratic citizenship. This teaching and studying method can be effective when it utilizes the reading and writing of texts, as theorized by the French semiotician Roland Barthes. This is because, in the course of this reading, dialectical dialogue can be activated, which can lead students to become more aware, both of others and of their own lives. Finally, this study discusses the teaching and studying methods of text reading and writing based on the experiential approach, as in the case studies provided by pre-service teacher education.

대중문화는 시장 논리에 의존하면서 수많은 시각 이미지를 생산해내고 우리는 이것을 일상생활 속에서 접하면서 살고 있다. 전례 없는 시각 이미지의 폭발 속에 살고 있는 현실에서 시각 이미지가 주는 의미 를 능동적으로 파악해야 하는 시각적 문해력 교육이 절실해진다. 본 연구에서는 듀이의 경험에 기반 한 이론을 살펴봄으로써 시각적 문해력 교육에 있어 경험의 중요성을 고찰해본다. 특별히 경험을 중시하는 프레이리의 문해력 교육이 시각적 문해력 교육에 주는 시사점을 밝히고, 이를 바탕으로 시각적 문해력 교육 프로그램을 개발하여 학생들에게 적용해보고자 한다. 본 연구를 통해 개발한 시각적 문해력 교육 의 프로그램은 “1) 준비 단계: 문화 조사 단계→시각 이미지 선정 단계→내러티브 파악 단계→은유와 상징 만들기 단계, 2) 진행 단계: 내러티브와 시각 이미지 제시 단계→토의 및 해석 단계→의미 파악 단계→의미 만들기 단계”이다. 그런 다음, 이 프로그램을 초등학교 고학년 학생들을 대상으로 한 실제 수업에 적용해 보았다. 본 프로그램을 통하여 학생들은 대중문화로부터 제공되는 시각 이미지를 이해하 고 이를 바탕으로 시각 이미지를 제작하는 능력을 효율적으로 향상시킬 수 있었다. 나아가 학생들은 시 각 이미지의 의미를 그들의 경험을 바탕으로 파악하면서 그 의미를 사회적ㆍ문화적ㆍ정치적인 측면에 서 비판적으로 해석할 수 있었다. 본 연구는 대중문화를 통한 시각문화교육 방법을 학생들의 경험을 중 심으로 하여 시각적 문해력 교육 프로그램을 고안하고 적용함으로써 실제 교육 현장에서 적용 가능한 방안을 제시한 데에 중요성이 있다.

The many visual images that people experience in their everyday lives are created by popular culture is controlled by the market economy. Therefore, the meaning of visual images must be comprehended with a critical view; for this reason, visual literacy education is needed. For this research, I consider the importance of experience for visual literacy education by researching J. Dewey’s theory based on experience. Also, I consider the implication of Paulo Freire's literacy education regarding experience for visual literacy education. The visual literacy program is modeled on the Freire's, and I apply this program for students. The stages of the visual literacy education program modeled by this study are as follows: 1) preparatory stage: research culture stage → select visual image stage → understand narrative stage → make metaphor and symbol stage: 2) progress stage: suggest narrative and visual image stage → discuss and interpret stage → understand meaning stage → make meaning stage, and applied the present lesson for the upper-grade elementary school students. Students can improve the ability to understand visual images provided by popular culture and make visual images using based on their comprehension by the visual literacy education program. Also, they grasp the meaning based on their experience, and their able to critically interpret the meaning in a social/cultural/political aspect. In this study, I tried to suggest an applicable method by modeling and applying visual literacy education program to find visual culture education methods using popular culture.

The author contends that the highest cultural and artistic expressions of a nation are dependent not only upon High Art expressions by its academically trained artists and crafts persons, but also upon the Vernacular cultural and artistic expressions of its living peoples. Two policy approaches to informal community-based culture and art education are described. Top-down approaches are designed and implemented by academically educated (High Arts) experts with little community input; bottom-up approaches rely heavily on input from community (Low Art) or Vernacular arts experts. While top-down policies are found to be immediately effective, they may lack longevity. The effects of bottom-up policies to culture and art education are slower to achieve, but ultimately may be longer lasting and more deeply effective.

미술교육에 있어서의 디지털 테크놀로지의 효용성과 실제에 대한 연구는 20세기 이후 중요한 논의의 주 제였다. 이에 본 논문은 미술교육의 영역에서 디지털테크놀로지가 연구의 중심으로 부각되게 된 과정을 통해 디지털 미술교육의 가치를 고찰한다. 디지털 미디어를 만들 수 있는 각종 소프트웨어가 기술발전을 통해 합리적인 가격과 쉬운 작동법으로 제공되고 있다. 이에 미술교육을 통해 디지털 미디어를 해석하고 소비하는 교육뿐만 아니라 디지털 포맷의 창조적이며 의미 있는 자기표현과 상호작용(interactivity) 역시 강조되어야 한다. 멀티미디어의 특성을 가진 뉴미디어 콘텐츠를 통해 어떻게 동시대를 살아가는 현대인 이 스토리텔링을 할 수 있는지, 얼마나 효과적으로 스토리텔링을 할 수 있는지, 예술적인 표현기법은 어떻게 작용하는지, 표현 과정 중에 반영될 수 있는 교육/ 사회적 가치는 무엇인지가 미술교육에서 디 지털 스토리텔링에 접근하는 중요한 방향이다. 이에 본 논문에서는 미술과 교수-학습에서 디지털 스토 리텔링의 가능성을 두 가지 측면에서 논의하는데 첫 번째는 뉴미디어 아트를 통한 창의적 의사소통으 로서의 디지털 스토리텔링의 중요성과 가치이며 다른 측면은 반성적 사고의 과정의 실체화로서의 디지 털 스토리텔링이다.

Digital technologies encountered early resistance to acceptance for use in classrooms, and slowly diffused into art education between 1980 and 1990. Digital technology has been integrated in a systematic manner, in order to improve student learning, from 1980s until now. A variety of research studies of how digital technologies promote the teaching of new forms of knowledge, culture and art techniques in art education have been conducted. In this paper, I try to continue to seek new ways to apply digital technologies in art education, digital storytelling. The implementation of digital storytelling in art education makes student use multimedia formats in a playful manner. Students become video producers of engaging stories with compelling sound and artistic imagery through digital storytelling process. Therefore, I clarify the instructional use of digital storytelling by stating its definition, significance, and benefits in this paper. Furthermore, I believe that digital storytelling is a new method of creative representation that students can use to adapt digital technology for use in art classrooms. Digital storytelling let students explore digital representation and experience the benefits and methods of digital technology in contemporary art education. Digital storytelling also process requires aesthetic decisions on both the individual and cultural levels. Thus it helps students see and explore digitally mediated culture from new perspectives. students can become active users of digital culture by examining the values In the line of this thinking, I argue that quality digital storytelling should be taught in two ways. Digital storytelling should support students’ creative, expressive and meaningful communication. It also need to help students facilitate new modes of reflective thought and experimental communication.

이 연구는 자폐아를 가르치는 미술교사들의 일상과 삶이 그들에게 어떠한 의미를 지니는지를 질적 연 구하였다. 세 명의 교사가 연구에 참여하였으며 심층면담, 참여관찰, 수업자료의 수집 등을 통해 문화기 술지 연구를 수행하였다. 연구 참여자들은 세상이 씌운 선입견에 의해 날개 없는 천사 혹은 모자란 사 람이 되어있었고 초기에는 일에 대한 막연한 두려움을 가지고 시작하고 있었다. 때로는 특수아동들이 부모나 학교, 교사, 또래 친구들로부터 거부당하는 것을 바라보며 자신의 일처럼 마음 아파하였다. 또 일반아와 특수아의 통합교육에서 드러나는 긍정적 효과에도 불구하고 드러나지 않고 감추어진 여러 문 제(따돌림, 괴롭힘, 방치, 학습부진 등)들 때문에 한계에 부딪히고 함께 고통 받고 있었다. 그럼에도 일 반교사와 특수교사들은 서로 간의 긴밀한 조율을 통해 서로를 이해해 가고 있었다. 한편 연구 참여자들 은 장애인의 사회적 역할에 대한 신뢰와 긍정과 같은 특별한 교감을 가지고 장애아를 받아들이고 있었 다. 그리고 장애아에 대한 사람들의 차별과 차이를 인정하고 이를 극복해가는 과정에서 드러나는 그대 로를 마음 비우고 받아들였다. 그로 인해 연구 참여자들은 자폐아들을 자신과 동등한 인격체로 받아들 이려고 노력하고 있었다. 이토록 힘겨운 과정을 능히 견뎌가며 연구 참여자들은 특수아와 미술교육에 대한 두려움을 떨쳐내고 다름과 결핍에 귀 기울일 줄 아는 더 사려 깊고 더 따듯한 교사가 되어 가고 있었다. 또 미술시간을 기다리고 작업에 특별하게 더 잘 몰입하며 행복해 하는 자폐아들을 지원하는 보 람 속에서 연구 참여자들은 미술이 오히려 더 자신의 삶에 가치 있고 소중함을 깨닫고 있었다.

This research studied qualitatively what daily lives of art teachers who teach autistic children influence them in elementary school. Three teachers participated in the study, and ethnographic research was performed through in-depth interviews, observation, the collection of class data, etc. The participants were regarded as angels, but also viewed to have made poor career choices due to widespread prejudice. In the early stages, they undertook their work with fear because they became distressed when they observed there exceptional children being rejected by parents, schools, teachers, and friends. Additionally, they encountered barriers that stem from the conglomeration of the problems of bullying, harassment, negligence, and poor learning, which are often not exposed but remain hidden. This is despite the positive effects demonstrated by the integration of the children into the general education system. However, general teachers and special-education teachers often do not understand each other. The research participants embrace autistic children, confirming their confidence and positive social role. They acknowledge difference and deficiency in autistic children, and they accept the problems that appeared. The research participants have sought to treat children with them as humans that are equivalent to themselves. While going through what was a hard process, the research participants dismissed the concerns regarding exceptional children and art education. They feel they have become more considerate and warm as teachers, and they are happy to listen to the autistic children and take care of them. Furthermore, the research participants have realized that art is valuable and precious in their own lives, as well as being fruitful in helping autistic children, who look forward to art class and are being immersed in artwork.