Earticle

오늘날 포스트휴머니즘 담론은 인문학 사회과학, 교육학 분야에 파장을 안기고 있다. 본 연구는 포스트휴머니즘의 담론을 바탕으로 미술교육과 연구의 방향을 모색하고자 한다. 포스트휴머니즘 담론은 두 가지로 대변된다. 기계를 통해 기존 인간의 능력을 초월하거나 최대한 강화한 초인간(transhuman)을 만들려는 시도나 경향을 대변하는 트랜스휴머니즘, 사이보그나 사물인터넷처럼 인간과 사물의 경계가 모호해지는 상황에서 인간(human)은 이제 탈인간(posthuman)으로 재구성되어야 한다는 포스트휴머니즘이 그것이다. 포스트휴머니즘은 인간이 동물이나 기계와 다르다고 구별 짓는 경계가 와해되는 시대에 살고 있음을 주장한다. 이런 관점에서 본 연구는 휴머니즘 개념의 역사, 인공지능, 바이오 아트 등과 관련된 미술 표현을 검토하며 인간과 동물, 기계의 관계에 대한 포스트휴머니즘의 시사점을 찾아보았다. 결론적으로 미술교육이 휴머니즘적 시각재현 체계라는 점, 휴머니즘적 인간이라는 고정된 인간관의 재생산, 인간중심적인 미적 기준의 한계, 기술과의 필연적 공존에 대한 교육적 대비를 주장하고 있다.

Nowadays posthumanism discourse has been sending shockwave through the humanities and social sciences, educational studies. This essay argues for the directions of art education and research under the posthuman discourse. Posthumanism implies the merging of humans and machines in order to enhance or extend human capabilities. Enhancement implies an optimistic state of affairs. Such enhancement is better conceived as transhumanism. Posthumanism viewed enhancements as dangerous politically and ontologically. In the vision of posthumanism, we live in a world where the stable boundaries separating humans from animals and machines have already became breeched. With this perspective I examined the concept and short history of humanism, art productions assisted by AI, bio art that want to criticise the relationship of human-animal. In conclusion, I proposed that art education is the humanistic system of visual representation, the reproduction of the fixed point of view for human, the limitation of aesthetic standards established by anthropocentrism, and the inevitable coexistence with human and technology.

이 논문에서는 문화연구라는 보다 큰 틀 안에서 미술 교육과 연관되어 있는 시각문화연구(VCS) 분야에 대해 자세히 살피고자 한다. VCS의 재현적 지향을 비평하고, 들뢰즈와 과타리의 정동, 차이, 개인적 특이성 개념에 의지하는 방법으로 이러한 견해를 몰아내고자 한다. 미술교육의 시각문화연구(VCAE)에 대한 도전은 어떻게 하면 화면상에 지속적으로 나타나고 있는 이미지들을 이용함으로써 이익 유인을 지속시키기 위해 다수의 정체성을 이용하는 디자이너 자본주의 덫을 넘어 나아갈 수 있는가이다.

In this essay I review the field known as Visual Cultural Studies as it relates to art education within the even larger field of Cultural Studies. I critique the representational orientation of VCS and try to dislodge this view by turning to Deleuze and Guattari’s concept of affect, difference and singularity. The challenge to Visual Cultural in Art Education (VCAE) is how to move beyond the traps of designer capitalism that works the plurality of identities to continue its profit motivation by harnessing the images that are constantly appearing on our screens.

이 논문에서는 문화연구라는 보다 큰 틀 안에서 미술 교육과 연관되어 있는 시각문화연구(VCS) 분야에 대해 자세히 살피고자 한다. VCS의 재현적 지향을 비평하고, 들뢰즈와 과타리의 정동, 차이, 개인적 특이성 개념에 의지하는 방법으로 이러한 견해를 몰아내고자 한다. 미술교육의 시각문화연구(VCAE)에 대한 도전은 어떻게 하면 화면상에 지속적으로 나타나고 있는 이미지들을 이용함으로써 이익 유인을 지속시키기 위해 다수의 정체성을 이용하는 디자이너 자본주의 덫을 넘어 나아갈 수 있는가이다.

In this essay I review the field known as Visual Cultural Studies as it relates to art education within the even larger field of Cultural Studies. I critique the representational orientation of VCS and try to dislodge this view by turning to Deleuze and Guattari’s concept of affect, difference and singularity. The challenge to Visual Cultural in Art Education (VCAE) is how to move beyond the traps of designer capitalism that works the plurality of identities to continue its profit motivation by harnessing the images that are constantly appearing on our screens.

In this essay I outline what characterizes Cultural Studies as developed in the tradition of British Cultural Studies and what makes it an inspiring approach for art education. Starting from the “ordinariness of culture” that includes both, people’s agency as well as the forces of structural constraints, and an understanding of the relational nature of reality, key concepts like conjunctural analysis, radical contextuality and articulation are addressed. The paper ends with an elaboration of what can be considered the main concern of both cultural studies and art; that is responding to and intervening into historic specific conjunctures.

이 글에서 나는 영국의 문화 연구의 전통에서 발전한 문화 연구를 특징짓는 것에 대해, 그리고 그 문 화연구가 미술교육에 영감을 주는 접근에 대해 요약하였다. 사람들의 동인 뿐 아니라 구조적 제약의 힘 양자를 포함하여 “문화의 일상성”에서 시작하여 현실의 관계적 성격, 국면 분석, 급진적 맥락성과 명확한 표현에 대해 언급하였다. 이 글은 문화 연구, 미술 모두에 주요 관심 사항으로 고려할 수 있는 것, 즉 역사적 특별한 국면에 반응하고 그것을 개입시키는 것에 대해 숙고하길 권고하면서 마친다.

본 연구는 2015 개정 미술과 교육과정에 제시된 교과역량 중 자기주도적인 학습 능력을 개발하기 위 해 교사 양성 대학에서 미술 심화 학생을 대상으로 수행한 실천적 방안 연구 사례를 소개한다. 특히 개인이 추구하는 삶의 의미와 가치 탐색을 목표로 하는 인문학적 가치 탐색 프로젝트를 통해 자기주 도적인 미술 표현 과제 수행이 지니는 미술교육적 함의를 논의하고자 한다. 미술교육의 인문학적 가 치를 구현하기 위한 교수ㆍ학습 실제의 가능성뿐만 아니라 교사 양성 대학에서 요구되는 미술교육에 대한 변화의 필요성과 의의를 보여준다. 2015 개정 미술과 교육과정에 제시된 교과역량 개발을 위해 2016년에 교수ㆍ학습 방안 연구 결과로 소개한 프로세스폴리오 개념을 보다 실제적 차원에서 진행한 사례를 소개하고자 한다. 하지만 교사 양성 교육과정에서 예비교사를 대상으로 시행된 점은 아직 실 제 초ㆍ중등 현장 미술수업 수준에서의 적용에 대한 구체적인 논의를 이끌어내기 위한 선행적 연구가 필요하기 때문이다. 본 연구를 통해 현장의 미술 수업 변화를 이끌어갈 예비교사들의 인식을 살펴보 면서 해당 연구 내용이 실제 초ㆍ중등 현장에서 적용될 수 있는 가능성과 의의를 지속적으로 살펴보 는 연구 또한 필요하다. 교과역량, 미술교육의 인문학적 가치, 프로세스폴리오 등 새로운 교육적 함의 들을 교수ㆍ학습 장면에서 구현하기 위한 기초적인 사례 연구로서 본 연구는 의의를 가진다.

This study introduces the result of a case study which aims to figure out a practical pedagogical method of developing self-directedness. The main purpose of this study is to figure out how to plant humanistic value of art education at schools by utilizing process-folio making project. By practically exemplifying previous research on a new art instruction to reflect on the emphasis on core-competencies development, this research delves into following inquiry. First, this article discusses how a humanistic value oriented inquiry project, which emphasizes life meaning and value of individual students, can enhance self-directed art experiences. Second, we, through this case study, can investigate an example of art instruction aiming humanistic value inquiry. Third, we, also, can argue about the change of art teacher education program. The limitation, however, of this researcrh is evident. The participants of this research are students in art teacher education program. Therefore, further research is necessary to figure out practical instructional implications for elementary and secondary level adaptation. By looking at the processes the participants performed and the changes of their consciousness, this study shows the possibility and value of further research on the instruction model this research utilized.

본 연구는 인간의 고유한 앎의 방식인 “경이”라는 심적 상태에 주목하여 그 가치와 의미를 철학사적 미학사적 토대 위에서 고찰하고 이를 미술교육의 미학교육에서 차지하는 경이의 중요성을 밝히는 데 목적을 두었다. 소크라테스, 플라톤, 아리스토텔레스, 데카르트, 칸트, 메를로-퐁티, 들뢰즈로 이어지는 경이에 대한 철학사적, 미학사적 논의들은 경이가 학문, 철학, 미학의 개시자로서의 중요한 의미를 가짐을 보여준다. 또한 경이는 새롭게 용출하는 대상 앞에 겸허히 마주함으로써 늘 새로운 눈으로 세상을 바라볼 수 있는 원동력이 된다. 이는 미학교육에서 강조하고 있는 “계속해서 깨어있음의 교육”과 동일한 맥락에서 이해되어진다. 나아가 듀이를 비롯한 미술교육학자들의 경이에 대한 연구는 경이가 개인의 사적인 관심에서 벗어나 공동의 선으로의 참여를 촉구한다는 점에서 인류 공동의 문제를 함께 해결하고 상생의 길로 나아갈 수 있는 미학교육의 중요성을 강조하고 있다.

The purpose of this study is to reveal the important meaning and role of wonder in aesthetic education of art education in that wonder is a unique aspect of humans’ knowledge. From Socrates to Plato, Aristotle, Descartes, Kant, Merleau-Ponty, and Deleuze, the philosophical and aesthetical studies of wonder have shown the significant role of wonder for the beginner of academics, philosophy, and aesthetics. Wonder also becomes a driving force that enables us to continuously see the world with a new eye while standing in front of things and phenomena that spring newly and continuously. In this way, we can find wonder in the same vein as aesthetic education, which emphasizes “continuously awakening.” In addition, art educators, including Dewey, have argued that wonder urges us to engage in common good beyond individual private interests. In this respect, art educators’ emphasis of wonder in aesthetic education leads us to the path of co-existence, solving the common challenge of humanity.

본 논문은 최근 우리교육의 현실에서 반복되는 미술교육의 실천적 정체를 극복하고 교사의 예술실천을 향한 방법적 사유를 찾아 철학적 미학에 의한 교사의 인문학적 인식 변화에 목적이 있다. 이를 위해 연구자는 현 학교미술교육의 인문학적 실천과 교사의 인식상태를 분석하고, 미술교육의 내적 지체의 근원이 어디에서 시작되었는지 동아시아의 ‘유무상생(有無相生)의 노자 사유’와 맞대면을 통해 이론적 논의를 시도한다. 특히, 현재의 공교육이 대체로 서구적 이성(logos)의 기초 아래 동일성의 사유에 갇혀 분별, 대립, 특정한 교훈, 가치규범의 강요로 인한 로고스 도그마(logos-dogma)를 비판하며, 동양의 노자 철학에서 세상을 상호의존적, 불가분의 관계들로 인식하는 유무상생(有無相生)‧상반상성(相反相成)의 관계론을 제시한다. 반대편으로 향하는 운동 과정의 변화를 통해 사유하는 상반(相反)의 맞 짝들이 적대(敵對)하는 것이 아니라 유기적 관련 속에 서로 함께 어우러져 작용하는 ‘대대(對待)와 변역(變易)의 논리’도 제시한다. 이를 통해 미술교육에 새로운 고정관념이나 더 빗겨가는 다양성을 제시하는 것이 아닌 부정성, 타자를 존재근거로 삼아 타자를 향해 자신을 열어놓는 인문학적 변화를 기대한다. 그래서 다양한 주체들이 다양한 결합방식에 의해 관계들을 자율적으로 조직하여 변화와 생성의 ‘생각하는 미술교육’으로 나아가길 기대한다.

This paper aims to overcome the stasis of practice in art education which has been repeated in the reality of our education, to change teachers' humanistic recognition through philosophical aesthetics by finding the methodological thinking for the teachers' practice. For this purpose, the researcher analyzes the humanistic practice of art education at school and the state of teachers’ recognition, and tries theoretical discussion to find the origin of internal stagnation of art education by encountering Laozi’s thinking, "the Presence-absence win-win (有無相生) and Face to face in East Asia. In particular, it criticizes the logos-dogma of the current public education which is confined to the thinking of identity under the base of wester logos and forces the discrimination, confrontation, specific lessons, and value norms. It presents the relationship of the Presence-absence (Existence and nonexistence) Win-win and Antagonism Win-win, which recognize the world as interdependent and inseparable relations. It also suggests the logic of "judging wrong and right before the third person" (對待) and "mutation transposition" (變易) in which mutual oppositions which think through changes in the movement process toward the opposite side are not hostile but act in harmony with each other in organic relation. Through this, it is expected not to present new stereotypes and more digressed diversity in art education but to make humanistic changes to open self to others by taking others as basis of existence. Through this, it is expected that various subjects of art education shall organize and communicate relations by various combination methods, and move toward changing and creative 'art education with thought'.

본 연구는 공간스토리텔링을 통한 사찰감상교육 교수법을 계발하고자, 사찰을 배경으로 한 창작 동화를 만들고 이를 초등학교 3학년 미술 수업에 적용하였다. 이를 위해 먼저 미르체아 엘리아데(Mircea Eliade)의 종교형태론에서 말하는 신체-집-우주의 동일시 개념을 들어, 사찰 대(對) 종교적 인간, 사찰 방문 대 영적 순례, 사찰 건축 대 해탈의 완성이라는 비유적(比喩的‘) 관계를 설정하였다. 그리고 불교의 철학 사상을 바탕으로 사찰을 방문한 감상자의 동선(動線)과 고집멸도 사성제(苦集滅道 四聖諦)간의 유사성에 주목하였다. 이 과정에서 감상자는 진리를 추구하는 구도자로서의 정체성을 가지며, 그가 사찰을 방문하는 경험은 작은 해탈을 반복 체험하는 순례의 과정이라는 점에서 ‘동동이의 모험’이라는 이야기를 구성하였다. 연구 과정은 문헌연구, 스토리창작, 교실 스토리텔링(1차시), 사찰에서의 대화(4차시), 사후 면담(1차시), 자료 분석으로 이루어졌다. 연구 결과 스토리텔링이 가진 장점은 공간과 스토리를 연결함으로써 감상자가 사찰 공간의 의미를 통합적으로 구성할 수 있도록 도와주었다. 그리고 이 과정에서 사찰은 일방적인 감상의 대상이 아니라 감상자와 상호 소통하는 의미구성의 공간으로 확장되었다.

The purpose of this study is to develop a method of teaching appreciation education through spatial storytelling. For this purpose, I first establish a figurative relationship between the temple and the religious person, the temple visit, the spiritual pilgrimage, and the completion of the temple architecture liberation through the identification of the body-house-universe in Mircea Eliade's religious morphology. Based on the philosophical thought of Buddhism, I noticed the similarity between the circulation of the visitor and the Buddhist sutra. In this process, the viewer is able to identify himself as a seeker of truth. And his experience of visiting temples is a process of pilgrimage to experiencing repeated liberation. Through this, I made the story of Dong-Dong's adventure. As a result, I saw the experience of visiting the temples as a process of pilgrimage to experience the repetition of small liberation. And I made the story of ‘Dong-Dong's adventure’. The research process consisted of literature research, story creation, classroom conversation(1 period), conversation at the temple(4 periods), after-interview(1 period) and data analysis. As a result of the research, the advantage of storytelling is to connect the space with the story, so that the audience can understand the meaning of the temple space in an integrated way. In this process, the temple expands into a space of meaning composition that communicates with the audience, not the object of one-sided appreciation.