Earticle

이 글의 목적은 미술을 인지적 시각에서 규명하면서 가능한 교육과정의 범위를 확인하기 위한 것이다. 이를 위해 1960년대 이후 인지혁명에서 구체화된 인지 이론의 시각에서 미술제작의 성격을 파악한 다음, 들뢰즈와 과타리의 철학에서 인지의 성격을 좀 더 포괄적으로 이해하였다. 인간의 인지는 어느 사회적 배경에서 상징을 사용하면서 만들어지며 거기에는 수많은 다른 텍스트들이 유추, 추론 등의 활동이 뒤섞여지는 리좀적 성격을 가진 것으로 확인된다. 그것은 다질적인 성격을 가지며 또한 통일성이 부여되지도 않는 특성일 지니기 때문에 끊임없이 각기 다른 상황적인 지식을 만들어낸다. 이러한 인지적 성격은 미술제작과 감상에도 그대로 작용한다. 결과적으로 교육에서 해석, 즉 복수적 해석의 역할을 강조하게 된다. 해석의 교수·학습 방법은 여러 학문영역을 연결하여 포괄적인 지식을 얻게 하는 통합학문을 통해 가능한 것이다. 또한 복수적 해석은 차이의 가치를 배울 수 있는 문화교육과 연관된다. 마지막으로, 차이, 생성의 의미는 결국 교육과정이 중심화의 통일성을 기획하는 닫힌 개념이 아닌 교사의 자치권이 주어지는 열린 교육과정을 통해 가능한 것이다.

The purpose of this paper is to identify and extend the possible scope of art curriculum by exploring artwork as cognition. For this, I have examined art making related to the new cognition theories which have gradually developed via the cognitive revolution since the 1960s in the USA. I then developed more comprehensive cognitive qualities by researching Deleuze and Guattari’s philosophy. In this paper, I have identified that human cognition occurs through the use of symbols in a certain sociocultural context as “rhizome”, in which diverse texts are integrated as a text through deductive and inductive cognitive actions. As such, this multi-faceted qualities of rhizome, which has no unified characteristics, produce contextural knowledge. Consequently, this cognitive characteristic emphasizes the roles of interpretation and multiple interpretation in education. Because interpretation means the transformation of meaning on the part of learners, teachers should prepare the pedagogy, which can be effective in expanding interpretation by the students who are the subject of the meaning making. It requires open curriculum in which teachers’ flexibility to determine the content and subject is given. In this curriculum the pedagogy naturally towards integrated or interdisciplinary studies because they relate diverse meanings to create more comprehensive knowledge in life. In this way, art education should eventually move towards cultural education because art is the expression of life, per se.

본 연구의 목적은 소쉬르(Ferdinand de Saussure), 바르트(Roland Gérard Barthes), 라캉(Jacques Lacan)의 기호학을 바탕으로 미술교육에서 창의성 신장과 인성교육의 근거를 마련하고 그 방안을 모색하는 데 두었다. 이를 위하여 본 연구는 문헌을 중심으로 주된 사상과 이슈들을 분석하고 근거를 마련하는 방식을 취하였다. 먼저 창의성이 미술교육과 관련해서 어떻게 정의되어 왔는지를 살펴보면서 이 시대가 방향 짓고 있는 창의성이란 개인의 천재적이고 독창적인 성격에 국한된 것이 아니라 누구나 가지고 있는 잠재적인 것이며 창의성의 발현은 타인과 소통하는 관계 속에서 끊임없이 다각도의 시각을 육성하는 과정을 필요로 한다는 것을 밝혔다. 따라서 개인만이 가진 주관적인 능력을 넘어서 타인과 관계 속에서 창의성을 발현할 수 있는 기회와 환경을 조성하는 일은 창의성 신장에 중요한 측면이 되며 그 과정 속에서 인성교육은 함께 이루질 수 있다. 바르트와 라캉은 소쉬르의 이론을 발전시켜 시니피앙과 시니피에의 결합을 고정된 것으로 보지 않고 계속적으로 의미가 창출되어지는 관계에 있다는 것을 통하여 창의성 신장 방안에 대한 연구의 토대를 제공한다. 이것은 우리가 세상을 지각하고 의미작용의 대상을 파악하는 데 있어서 모두가 공유하고 있다고 믿는 생각을 드러내고 서로의 생각을 자극하고 그것을 넘어설 수 있도록 서로를 격려하는 소통의 장의 필요성에 근거를 마련해준다. 이 점은 인간의 사고는 끊임없이 자극받고 성장하며 창의성을 신장할 수 있는 힘을 기를 수 있으며 아울러 다른 사람과의 관계 속에서 인성교육을 실천할 수 있음을 시사한다. 본 연구는 향후 미술교육과 교육과정의 연구에 이론적이고 실천적인 근거를 마련하고 프로그램개발에 기여를 할 수 있다는 점에서 의의가 있다.

The purpose of this study is to investigate a method of improving creativity and educating character through semiological approaches in art education. The study examines the ideas and issues centered on literature. Creativity and character education are significant in this century, and this study reveals that the meaning of creativity is not an individual ability, but the ability to see the world with new perspectives and create ideas through communication with others. The talented people this area demands are not those individuals with lots of information or knowledge, but rather those people who can reveal creativity by using knowledge and information to communicate with people and create collective intelligence. The amount of information or knowledge people have is no longer important. Both the 2009 Revised National Art Curriculum and the 2009 Revised National Art Curriculum proposed such a human image—namely, creativity is related to how to perceive the world and how to communicate with people in the world community. This issue is also related to language, both written and spoken as well as the structure of language, such as images. Therefore, this study has a significant relationship to a semiological approach as it investigates the ideas of Ferdinand de Saussure, Roland Gérard Barthes, and Jacques Lacan in order to relate communication and perception in the 2009 and 2015 Revised National Art Curriculum to cultivate the creative ability and character necessary in this century. Saussure’s theory that a language structure or system comprises a composition of the significant and the signifié influenced Barthes and Lancan. However, unlike Saussure, Barthes and Lacan did not see the combination of the significant and the signifié as being fixed; rather, they saw a structure that can create meanings continuously, which provides important ideas for improving creativity in this study. Such ideas can cultivate the creative ability that this century demands by raising multiple angles in communication with people. This study can contribute to providing the practical and theoretical grounds of further research and developing programs in art education.

이 논문은 교육이 이루지고 있는 현장인 학교에서 교사와 학생이 겪게 되는 고민과 관계의 문제에 대해 탐색하는 자문화기술지이다. 학교는 우리―교사와 학생들―에게 많은 것을 주지만 동시에 소외나 박탈감을 겪게 만들기도 한다. 연구자는 교사와 학생으로서 직접 느끼고 경험한 일들을 서술하는 과정을 통해 내부자의 관점에서 바라본 학교의 모습, 그곳에서 교사와 학생이 당면하게 되는 관계 맺기의 어려움, 그로인한 고립과 소외의 감정들을 드러내 보여주고자 하였다. 학교 안에서 형성되는 인간관계와 소외의 문제에 대해서는 2장과 3장에서 다루고 있으며, 4장에서는 협력과 연대를 통해 그러한 고립과 소외의 문제를 해결할 수 있는 가능성, 학교와 더불어 행복해 질 수 있는 방안에 대해, 미술과 관련된 경험과 수업 등을 예로 들어 기술하였다. 이 글에는 연구자가 학교에서 만난 사람들에 대한 기억들과 더불어 교육의 문제와 관련된 영화, 미술작품에 대한 감상과 해석들도 담겨 있다. 개인적인 기억을 바탕으로 엮어낸 기록이지만 이것이 나 혼자만의 이야기가 아닌 다른 학생이나 교사의 삶과 관련된 것이 되기를 바란다. 또한 어떤 이들에게는 이 글이 학교와 교육이 가진 문제에 대해 생각해보는 계기가 될 수도 있지 않을까 생각한다.

This article is an autoethnography that explores teacher-student relationship and troubles between them in schools. In schools, we learn many useful things but also experience feelings of being-isolated at times. By describing of my feeling and experiences as a school teacher and student, I want to show various school problems and alienations that teachers and students are feeling and facing. I also record not only memories of people who I met in schools but also stories of movies or arts about my educational experiences in this article. Although this is a record of personal memories, but I hope it would be something meaningful that relates to life experiences of other teachers and students. And also it would be the motivation to ignite our concern for school issues and educational problems.

이 연구는 초등 미술교과서에 수록된 학생작품을 분석하여, 학생작품에 담긴 교육적 의미가 무엇인지를 밝히고자 한다. 현행 초등 미술교과서는 다양한 학생작품을 각 단원에서 보여주고 있다. 그러나 학생작품들이 교과서 내용을 이해시키기 위한 예시로서 그 역할을 하는지, 혹은 수업에서 다른 의미를 줄 수 있는가를 생각해 볼 필요가 있다. 많은 학생들은 교과서의 학생 작품을 모범 답안으로 여긴다. 그러나 미술교육이 시각 문화에 관한 다양한 시각과 열린 사고를 지향한다는 것을 상기해 볼 때, 학생 작품은 모범 답안으로서가 아닌 다양한 의미로서 기능하여야 할 것이다. 현행 초등 미술교과서 3-4학년 교과서에 수록된 학생작품은 수업 내용을 직접 제시하기도 하고 다양한 표현 방법을 제시하기도 한다. 학생들의 이해를 돕기 위해 교과서의 내용을 충실히 따르고 있으나, 매우 제한적으로 제시되기도 한다. 이 연구는 학생 작품이 갖는 교육적 의미를 다음과 같은 세 가지 관점에서 해석하였다. 첫째, 학생작품은 시각이미지로서, 학생들과 상호작용할 수 있는 경험적 자료이다. 경험적 자료는 보다 다양한 의미 전달이 가능하다. 두 번째, 학생작품은 직접적인 제시 방법과 간접적인 제시 방법을 통해 열린 해석을 지향해야 한다. 마지막으로 학생작품은 학생들에게 다양한 의미로 받아들여진다. 그러므로 보다 정교한 의미의 재구조화 과정을 거쳐 선택되어야 할 것이다.

This research is to analyze the students’ works contained in the elementary school art textbooks and to reveal the educational meanings of the students’ works. In current elementary school art textbooks, each unit shows diverse students’ works. However, it is necessary to think about whether or not the students’ works can be used as simple examples to help students understand the contents of the textbooks or whether or not they can play different roles in classes. The students’ works contained in current elementary school art textbooks for grades 3-4 represent clear themes and have characteristics of realistic descriptions and a clean finish. And the materials and the techniques follow the contents of each textbook faithfully but their representations are very limited. In this research, the educational meanings of the students’ works were interpreted from the following three different perspectives. First, the students’ works are visual images and empirical materials that can interact with the students. Empirical materials can transmit more diverse meanings. Second, the students’ works should aim at open interpretation through the direct method of presentation and the indirect method of presentation. Finally, the students’ works are accepted by the students the moment they are chosen in classes. Accordingly, they should be chosen through the restructuring process of more elaborate meanings.

As creators, young learners have constructive powers to find and produce brand new ideas, by using different lines, tones, shadows, constructions, and compositions. They make interpretation in their own way and integrate the sense of their experiencing world into their visual representations (Burton, 2007). As a comparative case study, the research compared young students’ (from kindergarten to 5th grade) observation and memory drawings with verbally written observational descriptions. In addition to the role of visual art as a stimulus for children’s development and creativity, the researcher in the study proposed the appropriate teaching and learning method (such as drawing theme/object and the time span for drawing activities) depending on the level of development through comparing children’s observational and memory drawing activities and interviews after the two drawing activities.

본 연구는 한부모 가정 아동과 양부모 가정 아동의 “동그라미 중심 부모-자녀 그림(PSCD)” 반응특성을 비교하는데 그 목적이 있다. 연구 대상은 초등학교 4-5학년으로, 서울시 4개교에서 한부모 가정 아동 100명, 양부모 가정 아동 100명을 무선표집하여 선정하였다. 연구도구는 PSCD 검사이며, 자료 분석은 SPSS 22.0을 이용하여 빈도분석과 교차분석을 실시하였다. 연구결과는 첫째, 한부모 가정 아동과 양부모 가정 아동의 PSCD에 나타난 아버지상 반응특성은 인물 방향, 부정 상징, 인물 행동의 유무에서 유의미한 차이를 보였다. 둘째, 어머니상의 반응특성은 얼굴 표정, 인물 방향, 인물 위치, 긍정 상징, 부정 상징에서 두 집단 간 유의미한 차이를 나타냈다. 셋째, 자기상 반응특성은 얼굴 표정, 긍정 상징, 부정 상징에서 한부모 집단과 양부모 집단 간 유의미한 차이를 보였다. 넷째, 전체 양식 반응특성에서는 인물 구분, 세부 묘사, 그림 크기, 그림 양식, 가족의 행복에서 두 집단 간 유의미한 차이를 나타냈다. 이러한 연구결과를 통하여 한부모 가정 아동과 양부모 가정 아동의 PSCD 반응특성 차이를 비교할 수 있었다.

This study aimed to examine reaction features on “parent self-centered drawing (PSCD)” from one-parent family and two-parent family. The research subjects were 100 children in one-parent family and 100 children in two-parent family in grades 4-5 of 4 schools in Seoul by random sampling. The analysis of PSCD was used for study. The data were using a frequency analysis and cross validation of analysis of SPSS 22.0.The results of this study are as follows: 1. PSCD from one-parent family and two-parent family had statistically significant differences in the drawing of father figure for direction of person, symbols of father figures, and behaviors of person. 2. Statistically significant differences were shown in the drawing of mother figure for facial expression, direction of person, location of person, symbol of positivity, and symbol of negativity in both groups. 3. Statistically significant differences were shown in the drawing of self-portrait for facial expression, symbol of positivity and symbol of negativity from one-parent family and two-parent family. 4. Statistically significant differences were shown in the overall drawing for recognition of person, detailed description, size of picture, pattern of picture, and measure of family happiness in both groups. Accordingly, this study supported to compare reaction features on PSCD between children from one-parent family and two-parent family.

The study holds implications for educators at colleges, where there is a lack of research on the subject of adult learners in the art education field. Research illustrates that the characteristics of college students and the influences of artist-teachers’ artistic expressions to their college students are necessary in order to understand how art educators influence students in colleges as adult learners. This qualitative paper contains images and narratives of students’ artworks and frames investigation into topics related to college students’ learning with artist-teachers. The research addresses adult learning theories to understand students in higher education, and examines literature about Transformative Learning Theory and other adult education theories, specifically concerning influences of education for college students to explore educational implications for artists’ learning situations. Art educators at the college level may consider referring to the effective methods used in the college programs discussed in this research to improve their programs for adult learners. This ongoing study has implications for artist-educators at colleges and suggests that artists’ voices can expand critical thinking and provide artistic insights for changing curriculum and pedagogy for college level students.