Earticle

본 연구는 우리나라 미술교육에서 다뤄진 장애담론에 대해 비판적 논의를 하고, 이를 통해 장애와 관련하여 현 미술교육에 던지는 시사점을 도출해 보는 것을 목적으로 한다. 본 연구는 주로 미술치료와 미술교과 교육활동 분야에서 각기 장애를 다룬 텍스트들에 대한 분석을 통해 이루어졌다. 연구 결과 첫째, 장애를 해석하는 데 있어 개인적 관점에서 사회문화적 관점으로 전환해야 할 필요성과, 둘째, 미술활동을 통해 장애 학생들의 자존감을 높여야 할 필요성, 그리고 셋째, 장애 학생들의 미술작품을 주류의 문화적 관점을 넘어 볼 필요성이 있다는 세 가지 쟁점이 도출되었다. 이를 바탕으로 현 미술교육에 제안하는 아이디어는 다음과 같다. 첫째는 미디어가 어떻게 장애에 대한 개념을 구축하는지 학생들로 하여금 비판적으로 탐구해 보게 하는 내용을 구안해 보는 안, 둘째는 장애인의 목소리를 미술교육의 교육과정 및 정책 수립에 반영하는 안, 그리고 셋째는 장애예술가들과 장애 학생들의 작품을 미술교육과정에 포함 하는 안이다. 본 연구는 미술교육의 장에서 사람들이 장애에 대해 가지는 인식에 대해 통찰할 수 있는 기회를 마련하고, 나아가 다문화미술교육을 통해 장애에 대한 인식을 개선해나가도록 도모할 수 있는 기초를 다지게 한다는 점에서 의의를 지닌다.

The purpose of this study is to consider the implications of disability in South Korean art education based on a critical discussion about disability discourses in South Korean art education. Based on the examination of many researches mainly in art therapy and art education in relation to disabilities, three issues were discovered; the necessity to convert personal perspectives to sociocultural orientation perspectives in terms of interpreting the matter of disabilities; the necessity to promote self acceptance by the people with disabilities; the necessity to look at the art works of people with disabilities beyond the dominant cultural perspectives. As a result, I recommend that; first, curriculum should engage students in considering how media forms the concept of disability; secondly, the voices of the people with disabilities should be encouraged to be included in making art education policy and curriculum; thirdly, disability artist's and disability student's works should be included in the art education curriculum. This study is significant in that it can give readers an opportunity to understand the cultural significances of disabilities, and furthermore this study can strengthen the foundation for changing the perceptions of disabilities through multicultural art education.

이 글에서는 현재 우리나라 학교교육에서 사용되고 있는 펠드만 법칙의 문제점을 살펴보고 그 대안을 제시하였다. 이는 현행 우리나라 미술교육과정의 목표에 맞는 문화교육의 교수학습 방법을 고안하기 위한 것이다. 펠드만 법칙의 감상 방법은 과거 모더니즘에서의 형식주의와 표현주의의 휴머니즘에 이론적 근거를 한 것으로 미술작품의 형태분석의 형식적 요소 파악에 중점을 둔다. 또한 하나의 미술작품이 한 개인의 독창성의 발현으로 간주하게 하면서 미술작품을 배경적으로 이해하는 것을 어렵게 하여, 결과적으로 미술을 통한 문화교육을 할 수 없다. 따라서 이를 보안하고 수정하는 차원에서 미술사 방법을 활용한 새로운 미술감상 방법은 1. 사실설명, 2, 주제설명, 3. 작가의 의도와 목적을 파악한 다음, 4. 배경적 이해를 도모하는 수준으로 고안되었다. 이 방법은 미술작품을 감상할 때 외형적 이해뿐만 아니라 그 작품이 만들어진 배경을 이해시켜 미술을 우리의 삶과 관련시키게 하면서 문화교육의 기능을 한다. 또한 이 감상법은 교육학의 구성주의, 존 듀이의 경험적 반성, 그리고 브루너의 나선형 교육과정을 응용할 경우 초등학교 저학년에서부터 실시한 가능한 효율적인 교수학습 방법이 될 수 있다. 마지막으로 이 글에서는 이상의 담론 분석을 토대로 한 상기의 교수학습 방법을 예비교사에게 실행한 사례들을 소개한다.

This paper examines the problems inherent in Feldman’s theory of art appreciation, which is used in Korean primary art classes. It explores a possible pedagogy which can accommodate the purpose of art education in the 2009 National Art Curriculum. My study reveals that Feldman’s method is based on formalism and humanism, which are cornerstones of modernist philosophy. Formalism focuses on the analysis of artwork’s appearance while humanism views artwork as the product of an individual’s ‘innate’ creativity and originality, which inhibits the artwork is produced. Therefore, the pedagogy which utilizes art history methods of iconography and iconology can supplement the Feldman’s method, This art history pedagogy has four steps. The first step is the explanation of facts of the artwork. The second step is the search for a subject, and the third is understanding the author’s purpose and intention. Finally, the fourth step is search for the contexts in which the artwork is produced. This pedagogy can explain not only the artwork’s formalistic elements but also its socio-anthropological contexts. Consequently, this pedagogy can relate an artwork to the life of the artist who produced the artwork. This possible pedagogy can be constructed for lower level of primary students by integrating philosophy of constructivism, John Dewey’s experiential reflectivity, and Bruner’s spiral curriculum. Based on this study, I suggest cases where preparatory students invented this pedagogy.

이 연구는 문화예술중심 학급 운영 경험을 통해 교사의 개인적 경험을 자문화기술지 연구 방법으로 밝히고자 하였다. 이 연구의 시작은 아동보호시설의 학생 3명과 학교부적응 학생 4명을 중심이었고, 차후 일반 학생들을 포함하여 연구되었다. 학교생활 적응에 어려움을 겪고 있는 학생들에게 정서적 안정, 자존감 향상, 학업 성취 향상에 도움을 주어 학교생활에 대한 긍정적인 사고의 전환을 모색하고자 문화예술중심의 학급 운영을 하였고 그 결과는 다음과 같다. 문화예술중심 학급 운영은 학생들이 교사를 친근하게 느끼고, 친구들 관계가 좋아지는 계기로 작용하였다. 특히 학교부적응으로 힘들어 하는 학생들의 부적응 상태를 완화시켜 주었고, 그들 스스로 자신의 문제를 해결하는 힘을 길러 주었다. 하지만 친구들 사이에서 친한 친구와 친하지 않은 친구들이라는 선이 더욱 명확해지는 역효과와 부적응 경계 상태에 있던 학생들이 새롭게 부적응 학생이 되는 경우도 생겼다. 문화예술중심 학급 운영은 교사에게 학생들의 변화를 기다려 줄 수 있는 여유를 가지게 하였고, 함께하는 활동 속에서 교사의 직장 부적응 문제의 치유 효과와 함께 교사로서 사명감을 강하게 해주었다. 다만, 문화예술중심 학급 운영에서 일반학생이나 모범학생에 대한 배려가 부족했고, 일련의 활동 경험들이 새로운 환경에 대한 적응의 부작용을 고려하지 못했다. 이에 따라, 교사 고유의 학급 운영과 지원 강조, 다양한 프로그램의 개발·확대, 기초학습부진 해결의 근본적 대책, 학생 교육활동의 지속성에 대한 제언을 하였다.

This study focuses on a culture-and-arts centered classroom through autoethnography, which is a research method that is based on a teacher’s personal experiences. The beginning of the study focuses on three students who lived in a child care facility and four students who were maladjusted in school, and the study gradually includes general students. The culture-and-arts centered classroom helped students who experienced difficulties in adjusting to school, as it showed to stabilize emotion, enhance self-esteem, improve academic achievement, and give students a positive outlook on school. The findings and conclusions are as follows: The culture-and-arts centered classroom created an environment where teachers can be friendly to students, and students can have better relationships with each other. In particular, it alleviated the condition of students who were maladjusted to school, and it gave them the power to solve their problems. But, there were some cases with adverse effects, in which the line separating close friends and not-so-close friends became even clearer, and there were also cases where students who were borderline maladjusted newly became maladjusted students. The culture-and-arts centered classroom gave teachers the leisure to wait for the students to change. Also, during activities with students, teachers were able to feel a strong sense of duty as a teacher, and these activities provided healing for teachers who had maladjustment problems at work with students. However, the culture-and arts centered classroom lacked consideration for high achieving students and normal students. The sets of activities did not take into account potential side-effects experienced in adapting to new circumstances. In conclusion, a teacher’s unique classroom management and emphasis on support, development of various programs and activities, usage of fundamental measures and solutions for basic academic performances, and substantiality of educational activities for students are suggested.

다원화 사회로의 심화 속에서 모든 것이 급변하고 갈수록 복잡해지는 지금 이 시대는, 통합적이고 총체적인 접근으로 보다 창의적이고 효율적인 문제해결 방식을 추구하고 있다. 동시에 무한 경쟁의 산업시대에서 제레미 리프킨(Rifkin, 2012)이 예견한 상생과 공존의 협업시대로 이행하고 있다. 이러한 점들을 고려할 때, 학교미술교육은 좀 더 유연하고 융통성 있는 프레임 구축을 통해 동시대와 적극적으로 소통할 수 있는 패러다임으로의 전환 요청에 직면한 것이라 볼 수 있다. 이에 본 연구자는 A초등학교의 “아트 스페이스 프로젝트”가 융·복합 체제 및 관계성 지향의 세계로 나아가는 현실을 학교미술교육에 반영시킨 적절한 사례로 보았으며 프로젝트 전반에의 참여관찰로 본 탐구를 시작하였다. 프로젝트의 내용과 형식, 그리고 참여 학생들의 반응을 통해 학교미술교육의 현실을 각성할 수 있었으며 아울러 프로젝트에 내재된 교육적 함의와 시사점을 도출하여 학교미술교육의 대안 마련을 위한 세 가지 제안을 하고자 한다. 그 첫 번째는 지역 예술전문가들과의 협력을 수시로 요청할 수 인적자원의 지원체제 마련으로 학교미술교육을 확장하는 방식이며, 두 번째는 미술수업 내에서의 수평적 관계 지향을 통해 “함께”문화를 확산시키는 것이다. 마지막으로 융합교육을 지향하는 도구로서 통합적 교육 방식을 미술수업에 더 적극적으로 활용할 것이다. 학교미술교육은 현재 새롭게 펼쳐지고 있는 문화예술계의 지형변화 속에서 균형을 잡고 바깥 세계와 조화를 이루어야 할 것이며, 이것이 가능할 때 미술교육, 나아가 예술교육의 가치와 그 역할이 온당하게 평가받고 인식될 것이다.

This age pursues to more creatively and effectively solve problems through an integrative and comprehensive approach and is preparing to shift from the industrial age with infinite competition to “an age characterized with cooperative life style”(Rifkin, 2012, p. 371). These things considered, it can be seen that school art education faces the request for shifting to paradigm enabling aggressive communication with this age through building a flexible and more applicable frame. In this context, the current study, having seen “A” Elementary School’s “art space project” as a proper case reflecting the relationship-oriented real world with its compound system with regard to school art education, started its quest through participatory observation of the project. The real situation of school art education was perceived through the project’s contents and formality and participating students’ response to it while educational implications and indications underlying the project were drawn out and several suggestions were made to devise alternatives to school art education. The first suggestion is to enlarge school art education by preparing a supportive system of human resources that can always ask local artists for cooperation, the second one is to propagate ‘the together culture’ by pursuing horizontal relationship during art class. The last one is to aggressively apply integrative education methods to art education as a tool oriented toward convergence education. The society in this age get more diverse, faster changing and more complex. In this changing topography of the culture/art world being unfolded anew, school art education should balance itself in a try to harmonize with the outside world. When this is possible, not only art education but also the values and roles of it will be properly evaluated and recognized.

본 논문은 사회문화예술교육사업 중 지역 미술관에서 실시하고 있는 꿈다락 토요문화학교의 사례 분석을 통해 학교 밖에서 실시되고 있는 미술관 중심의 문화예술교육의 활성화 방안을 탐색해보았다. 우리나라의 문화예술교육은 철학적 기반이나 체계적인 교육과정 형식이 부족하기 때문에 특히 초등학생을 대상으로 하는 학교나 지역사회를 중심으로 하는 문화예술교육이 자리 잡기 위해서는 지속적인 현장 실천 사례 중심 연구를 수행해야 한다. 이에 미술관 중심의 문화예술교육을 실시하는 두 곳의 지역 미술관을 참관하여 문제점에 따른 개선방향을 탐색해 보았다. 미술관 중심의 문화예술교육은 내용적 측면, 공간적 측면, 재료적 측면, 인적 측면에서 미술관이라는 특수한 환경이 주는 장점은 분명히 존재한다. 그러나 미술관 중심의 문화예술교육프로그램을 운영하는 과정에서 개선해야 할 점에 대한 보완도 필수적이다. 이러한 미술관 중심의 문화예술교육프로그램을 운영하는 과정에서 개선해야 할 점을 조금씩 보완하여 지속 유지한다면 문화적 경험을 더욱 풍부하게 하고 더 나아가 학교 미술교육에 반영 가능한 교육적 효과와 가치를 얻을 수 있으리라 본다.

The purpose of this study was to make a case analysis of the Gumdarak Saturday cultural program provided by a local art gallery as part of the sociocultural and arts education project in an effort to seek ways of revitalizing culture and arts education through art galleries other than school. In our country, culture and arts education is neither well-founded philosophically nor systematic enough. Specifically, sustained and practical case studies should be implemented to dynamize culture and arts education geared toward elementary school students in school or local community. Therefore two different local art galleries that offered gallery-led culture and arts education were observed to explore what improvements should be made to remedy their problems. Gallery-led culture and arts education has obvious advantages in terms of content, space, materials and human resources thanks to the specific environments of art gallery. At the same time, however, there is definitely room for improvement in the way that gallery-led culture and arts education programs are conducted. If the way of running these programs is gradually improved to provide sustainable culture and arts education, that will make it possible for students to enrich their cultural experience and will produce good educational effects so that gallery-led culture and arts education could be reflected in school art education.

미래의 박물관/미술관은 지속가능발전의 사회적 문제를 다루는 것을 넘어 세대와 미래 세대를 함께 고려하여 우리 삶에서 꼭 필요한 최소한의 것들이 발견하고, 양적 성장 못지않게 질적인 변화를 중시하는 지속발전가능교육을 지향해야 한다. 본 연구에서는 박물관/미술관이 사회구성원의 질적 성장을 위해 구성원이 지식을 창조할 수 있는 역량을 강화해 주는 교육환경을 조성해야 한다고 주장한다. 현재의 박물관/미술관이 지식의 효과적 전수와 이를 통한 참여자의 문화에 대한 이해와 문화를 읽어 낼 수 있는 문해력을 기르는 것을 교육의 궁극적 방향이라 한다면, 미래의 박물관/미술관은 지식을 전달하는 것을 넘어 관람객 스스로가 지식이 창조할 수 있는 교육 활동의 장을 제공해야 한다. 본 연구는 그 가능성을 두 사례 1)스미소니언 인스티튜트의 자연사 박물관 내에 위치한 교육 공간인 Q?rius와 2)뉴욕 현대미술관(Museum of Modern Art: 이하 MoMA) 내에 위치한 미술실험실(Art Lab)을 통해 연구하였다. 연구 결과 Q?rius는 관람자가 연구하여야 할 주제가 제시되는 것이 아닌 지식을 찾아가는 방식을 제공해주는 곳이었다. 관람자가 6000여개의 표본들을 연구의 출발점으로만 사용하여 박물관의 입장이나 학자들의 목소리가 담긴 자료에 관한 지식을 습득하는 것이 아닌 자신의 지식을 생성해내는 학습 환경이었다. 미술실험실의 전시 주제와 그 시기 열리는 MoMA의 전시와 밀접히 연관되어 있으며 관람자/학습자가 MoMA의 전시를 이해할 근본적 역량 강화를 위해 치밀한 연관관계를 생각하고 기획되고 있다는 것을 알 수 있었다. 많은 과거와 현재 박물관/미술관의 교육프로그램이나 공간이 하나의 전시나 작품, 혹은 과거의 세대가 이루어 놓은 지식을 효과적으로 전달할 수단으로 인식되고 있다. 그에 반해, 본 연구의 사례 Q?rius와 미술실험실은 관람자/학습자가 자신의 관심과 과거와 일상의 경험을 통해 자신이 궁금한 것을 탐구하고 재발견, 재발명하는 지식 생성을 위한 역량 강화가 그 교육목표와 활동의 궁극적 목적이었다.

Museums in the future should consider the issue of Sustainable Development not only as a factor for social justice but also as a qualitative educational environment for community members to seek creative knowledge. The researcher of this study argues that Sustainable Development can be made possible when society members are able to pursue their own knowledge based on individual inquiry. Whereas the past idea that teaching consists of deposing knowledge into the students, museum educational environment should offer learners alternative ways of thinking to develop their own understandings. In order to investigate a possible educational environment for seeking creative knowledge, this study adopts the two cases: Q?rius located in the Natural History Museum at the Smithsonian Institute in Washington, D. C. and Art Lab at the Museum of Modern Art in New York City. Q?rius and Art Lab are interactive spaces and the target age for Q?rius is between 13-19 and one for Art Lab is mainly for children. The data was collected through more than 10 visits and unstructured interviews with visitors in both spaces. Through critical analysis of the data, this study found that the both cases provide visitors to find alternative ways of learning which is different from deposing autocratical narrative imposed by museums. Q?rius provides more than 6000 collections for close look in create visitors’ own research through diverse web pages and research organizations; however, offers minimal factorial information about the collections. Art Lab has changed its exhibition themes about every year, and the themes were connected closely with the characteristics of special exhibitions organized at the period of time. Through providing practices to understand visual metaphor and symbolic function, Art Lab induces child visitors to build their abilities to understand fundamental languages of contemporary art collections of MoMA. The both spaces do not enforce to understand the museums' view points for their collections or exhibitions; but, provide learning environments for their visitors to cultivate their own views and undermeaning.

본 논문은 스토리텔링을 통하여 우리들의 삶 속에서 구체적이고 실질적으로 작동하는 광고와 같은 대중적 시각 이미지의 다양한 힘들을 짚어내고 그것이 각각의 삶에서 실제로 작동하는 방식을 스스로 깨닫고 계속적으로 깨어있는 힘을 길러줌으로써 삶을 더욱 의미 있게 하는 데 목적을 두었다. 이러한 접근 방법은 우리가 감각적으로 경험하는 세계에 의문을 제기하고 문제해결 및 복잡한 사회적 관계를 다양한 관점에서 이해하고 비판하는 미학적 접근방식을 따른다. 시대적 패러다임의 변화는 지식과 정보 사회에서 중요하게 여겼던 지식과 정보의 지위와 성립에 의문을 제기하고 절대적이고 보편적인 진리와 이론을 거부하는 포스트모더니스트들의 주장과 더불어 우리의 삶을 가치 있고 의미 있게 하는 방식에 주의를 돌리게 한다. 스토리텔링은 객관적이고 추상적인 지식과 정보의 전달과 달리 구체적이고 생생한 경험을 말하는 방식을 통하여 우리가 지금, 여기에서 겪고 일어나는 일들에 눈을 돌리고 각성하게 만듦으로써 각자의 삶의 의미와 가치를 발견하게 할 뿐만 아니라 자발적인 담론 공동체를 형성을 돕고 서로 간의 상호작용 속에서 우리가 공유한 가치와 신념을 발견하고 비판함으로써 개인적인 경계를 뛰어넘고 사고를 확장시킬 수 있도록 한다. 본 연구는 이러한 스토리텔링의 중요성과 교육적 가치를 바탕으로 미학적 접근방법의 예시를 아울러 제시함으로써 향후 연구의 구체적이고 실질적인 안내가 이루어질 수 있도록 하였다.

This study investigates an aesthetic approach through storytelling with various advertisements in our real lives. The purpose of this study is to make our lives more meaningful by enabling students through storytelling to realize and awake enlighten them from the various powers of mass media such as advertisements as well as the way that the power practically exerts in our real lives. This method is an aesthetic approach which enables students to ask a question about, solve the problem of, understand complex social relationships, criticize the world where we live in and experience sensorial experiences. According to the paradigm shift, the status and the way of knowledge and information, which have been considered as important things in an information and knowledge based society, are being challenged and we become too focused on the ways to make our lives more valuable and meaningful. Storytelling is a way to tell a concrete and vivid experience. By being different from objective and abstract knowledge and information, it provides us a chance to turn our eyes to the things which we experience here and now, awaken, discover meanings and value our own lives. Moreover, it helps us to establish a discourse community where we can discover values and beliefs which we share and criticize. In doing so, it enables us to break through our biased and limited boundaries and broaden our scope. This study suggests an aesthetic approach with practical examples based on the importance and educational values of storytelling.