Earticle

The paper examines what types of journal articles had been published in the Journal of Research in Art Education from 2000 through 2014. This examination aims to determine demographic information and analysis on authors, paradigms, research methodology of the journal articles. This historical investigation will provide insight on how the editorial board can better serve its readers in the future. This paper analyzes 66 English journal articles using a matrix of two frameworks: paradigm/worldview and research methodology and demographic investigations of authors. The results indicate that a combination of postmodernism and narrative inquiry is the most common type of journal article and this may echo a research trend in the field of art education, i.e., an expectation and pressure to produce many journal articles is seen as succeeding in the field, and this combination of research might be accomplished relatively quicker than other mixtures. Another finding is that most of the journal articles were written by white male professors/theorists who teach art education courses for graduate students in North America. This paper finds that the journal editorial board use social network sites (SNS) as a means of advertisement for journal submissions so that there will be a more diverse range of authors with different standpoints in visual arts and pedagogy.

본 연구는 어떻게 학생들이 비판적 다문화 미술교육을 통해 타자에 대한 편견과 차별을 감소할 수 있을지에 대해 구안해 보는 것을 목적으로 하였다. 이를 위해 문화와 문화적 정체성, 권력, 그리고 미술의 역할에 대해 고려, 이를 통해 비판적 다문화 미술교육의 프레임을 논의하였다. 학습자들이 비판적 사고과정을 근간으로 한 다문화 미술교육을 통해 타자에게서 문화적 정체성의 복합성과 이에 얽힌 차별적 사회 구조적 요인에 대해 직면, 이해하고, 사회정의를 위해 주체로서 행동하게끔 하는 안을 모색했다. 본 연구는 모든 학생을 대상으로 타자에 대한 차별과 편견을 줄이려는 안을 모색함에 있어 패러다임의 전환을 고민하는 다문화 미술교육가들에게 또 하나의 비전을 더하는 데 의의가 있다.

This study is to consider how to assist students to reduce prejudices and discriminations towards others through critical multicultural art education. To this end, this study considers culture, cultural identity, power, and the role of art, through which I construct a critical multicultural art education framework. Multicultural art education based on a critical thinking enables students to encounter and understand the cultural complexities and the associated inequalities of the social structure in others, and to act as agencies for social justice. This study is significant in that it can give an insightful vision to the multicultural art educators who are looking for a changed paradigm in seeking out how to assist all students in reducing prejudices and discriminations towards others.

본 논문은 체험형 전시가 어린이 박물관, 과학관, 역사박물관, 자연사 박물관과 같은 종류의 박물관들에서는 자주 볼 수 있는 전시 형태인 반면, 미술관 전시실에서는 거의 발견할 수 없었다는 문제의식에서 출발한다. 물론 미술관 전시 공간 이외의 장소, 즉, 교육프로그램이나, 어린이를 대상으로 하는 특별전 전시에서는 체험적 요소를 볼 수 있었지만, 일반적인 미술관 전시공간에서는 디지털 아트전시를 제외하고는 좀처럼 발견하기 어려웠다. 이러한 문제의식을 탐구하기 위해 본 논문은 먼저 미술관의 체험적 요소를 역사적 배경과 이론적 배경을 중심으로 살펴본 후, 미술관 전시의 체험적 요소를 고찰하였다. 특정 공간에 부재한 현상에 대한 탐구를 위하여 특정 공간, 즉 미술관 전시에 관련한 담론들을 고찰하였고, 그 결과 20세기 초 지배담론이었던 화이트 큐브(White cube)의 문법들의 일부가 21세기 초에도 아직 유효한 것으로 파악되었다. 따라서 이를 해체할 수 있는 대항 담론으로 관계미학의 개념을 소개하고, 구체적 실행 방안으로써 갤러리 공간 안에 드랍-인 인터렉티브 체험 (drop-in interactive experience) 요소를 구조화해 놓은 전시를 사례연구로 제시하였다. 화이트 큐브 모델에서는 관람자는 관조를 통하여 그 공간에서 정의되어진 작품의 의미를 포착하도록 유도 되었다면, 관계미학은 관람자가 자신들의 내러티브를 그 사이공간에서 발화하고, 공유하고, 증폭시킴으로써 관람자 개인의 관심사와 개인 삶의 구체적인 면면들이 펼쳐질 수 있는 장을 미술관에서 확보할 수 있게 되는 것이다.

This study problematizes that there is little substantial record that the exhibition space at art museums incorporate the interactive techniques, while the exhibition space in other museums such as children's museums, science centers, natural history museums and history museum frequently incorporate the techniques to engage visitors. Even interestingly, at art museums, educational programming actively incorporates the interactive techniques; children's gallery which is located in art museums also use those in its exhibition space; however, interactive techniques are rarely seen in the exhibition space at art museums except for media art exhibition. To investigate the absence of interactive techniques in art exhibition space, this study first examines the historical and theoretical background of interactive techniques at art museums in general and second explores the phenomenological fact regarding the art exhibition space. As a result, this study concludes that the discourse of white cube at art exhibition space which is dominant discourse in the early 20th century is still powerful in the early 21st century. Therefore, the relational aesthetics as an alternative discourse to deconstruct the myth of white cube is suggested. As well, the substantial way of creating relational aesthetics through visitor's narratives―installing the drop-in gallery experience in art exhibition space―is also introduced as a case study for the Columbus Museum of Art. In the white cube model, a visitor is considered as a passive person who capture the given meaning of art objects defined in the tactics of white cube through the eye of gaze at exhibition space. However, in the space where relational aesthetics is constructed, a visitor is a live and active person who speak up, share and amplifies visitor's narrative in the in-between space, through which a visitor could throw her/his personal interests and history into the museums.

이 연구는 문화의 전승 개념으로 색채 교육을 파악하고, 색채 학습이 학습자가 속한 사회화의 과정 속에서 이루어지는 활동임을 탐구한다. 또한 색채 교육이 학교나 교실과 같은 적극적인 교수-학습 활동의 공간이 아닌 사회·문화적인 영역에서 암묵적으로 행해지고 있고, 사회화의 과정에서 매우 강한 영향력을 행사하며 이루어지고 있음을 밝히고자 한다. 삶의 모든 영역에서 만날 수 있는 색채는 개인의 유의미한 성장이나 감성의 발달을 위해서 사용되기 보다는 사회가 필요로 하는 문화를 계승하기 위한 수단으로 사용되는 측면들이 있다. 이 연구에서는 교육과 문화와의 관계를 살펴보면서, 미술과 문화의 전승, 그에 따른 색채 사회화 과정을 소통을 위한 색채와 선호하는 색채로 나누어 그 속에서 사회적 맥락과 개인적인 맥락으로 살펴보았다. 이러한 맥락에서 볼 때 색채의 사용은 문화의 전승으로부터 이루어지는 사회화의 한 과정으로 볼 수 있으나, 색채가 갖는 감각적 영역의 활용은 개인적 맥락에서 이루어지는 미술 표현이 된다. 이와 같은 색채 교육의 사회적 측면과 개인적 측면을 현행 초등미술 교과서의 내용에서 찾아 분석하였다. 교육의 속성이 교수자와 학습자, 사회와의 상호작용 속에 이루어지는 활동임을 상기해 볼 때 문화의 전승이 교육적 활동에 개입되지 않을 수는 없다. 개인의 성장을 추구하는 교육의 가치와 문화를 전승하는 사회적 가치를 추구하는 양자의 관계를 색채사회화와 색채 교육의 관계에서 살펴보았다.

In this study, I explore the education of colors in terms of the succession of culture and observed that the learning colors is fulfilled in the process of the individual socialization. The education of colors is practiced not only in classrooms but also outside from schools in social and cultural surroundings. Colors in all fields is used as a tool for succession of the culture rather than individual development. This research explores the color-socialization concerning colors for communication and preference in the individual and social context while analyzing the relation of education of art and culture. Thus, the education of colors is the part of the socialization started from the succession of culture. Since the education is done throughout the interaction of teachers, learners and society, the succession of culture is essential in education. The social and cultural context is important while focusing on communications in art and interactions based on various culture. Also, the education of color socialization pursues the enhancement of the accordance of functional autonomy and socialness of art. This study examines the educational value in pursuit of the individual development and the social value focusing on the succession of culture in terms of color-socialization and the education of colors.

While many art educators are now embracing electronic media with students of all ages, the author argues that most such engagements fail to deal with basic knowledge required to consciously, critically interpret the kind of photographically real images students largely view through electronic technologies. Most current art educational practices embrace electronic technologies either to play catch up with youth’s out-of-school media use or represent well-meaning attempts to deal with social issues. Nowhere do art educators appear to engage with the basic pictorial grammar of photographic images such as framing and point-of- view, or in the case of narrative, time-based images with such basic grammar as camera movements. These essential steps are missing, such that the deskilling that was characteristic of some versions of modernist art education appears to continue in the era of electronic imagery. The author offers his own teaching practices to help point the way towards filling in these missing steps.

현대 사회는 지식기반사회에서 하이테크의 시대, 융합의 시대로의 변화에 성공적으로 적응할 수 있는 창의적 융합인재를 요구하고 있다. 이에 창의성과 인성을 바탕으로 융합적 사고가 가능한 인재를 양성하는 STEAM교육에 대한 관심이 높아짐과 동시에 연구가 활발히 이루어지고 있다. 특히 최근에는 기존의 STEAM교육이 갖는 지식중심, 교육재료 준비 등의 어려움을 극복하고 학생들의 흥미를 유발하여 쉽게 참여할 수 있는 다양한 창작 활동을 보완한 A-STEAM에 대한 관심이 높아지고 있다. 이에 본 연구에서는 A-STEAM의 개념 정립을 통해 STEAM교육에서 예술교육의 역할과 기능을 제고하고, 이의 교육적 실천 사례로서 사회참여적 A-STEAM프로그램을 개발·적용하였다. 본 프로그램은 4차시의 수업으로 사회참여예술의 한 형태인 게릴라 가드닝을 계획하고 실천하도록 구성되었다. 개발된 프로그램은 참여를 희망하는 S대학 부설고등학교 1,2학년 학생 32명을 대상으로 실시되었다. 그 결과, 학생들은 과학(자연과 생태)에 대한 관심과 이해가 향상되었을 뿐 아니라, 현대미술의 다양한 표현방법에 대한 인식 확장 및 예술의 사회적 기능과 역할을 이해함으로써 실생활의 문제에 융합적 접근을 경험하게 되었다. 이를 보다 활성화하기 위해서는 다양한 A-STEAM 교육 프로그램 개발과 동시에 과학과 미술교사의 STEAM 교육에 대한 관점의 차이를 이해하고, 원활한 교류와 소통을 이루기 위한 노력이 필요하며, 교육과정의 융통성 있는 운영을 위하여 교육 환경의 개선이 이루어져야 할 것이다.

The purpose of this study is to redefine the role of art education in STEAM by conceptualizing A-STEAM and to develop the A-STEAM program as a practical case study. A-STEAM is an integrated program of science, technology, engineer, and arts with a focus on arts. Recently, the growing interests in A-STEAM reflect the drawbacks of STEAM such as knowledge-centered approaches and complicated lesson preparation. In this study, we developed and adapted the socially engaged A-STEAM program, Native Plants Guerrilla Gardening Project. As a result, not only interests and understandings of participants on nature has been promoted but also the perception of the arts has been expanded by understanding social role and function of arts through the convergent approaches. To facilitate A-STEAM education, more programs focused on arts should be developed and flexibility of curriculum implementation should be improved. Also, smooth exchange and communication between art and science teachers can help them understand others' different perceptions on STEAM education and develop a better A-STEAM education programs.

The dawn of the twenty-first century has borne witness to modern technology exerting a tremendous influence on new media and social interactions. The staggering quantity and variety of content has impacted children’s perceptions and critical interpretations of the world around them. This paper will discuss the changing contexts of media exposure and web interactions today as well as the multitude of opportunities available for integrating modern technology into culturally diverse art education. Various methods for integrating technology into classrooms will be discussed along with the relevance of technology in the changing environments faced by children today. Further discussion centers on defining cultural diversity and emphasizing the importance of cultural diversity in art education, as it helps students to cope with the ever increasing pace of our globalized world. This paper concludes by recommending specific culturally diverse classroom art activities that also introduce modern technology into the curricula.