Earticle

My presentation attempts to revisit visual cultural art education (VCAE) within the context of designer capitalism. I worry that teachers are not addressing youth fantasies that constitute their popular culture. My own involvement in visual culture since the 1980s through the Social Theory Caucus indicates that it is the digitalized world of the "frameless image" that is of high concern. I maintain that visual culture art education as it is currently theorized in art education is caught by the limitations of representation. Visual literacy is generally a structualizt endeavor. To move beyond this position requires that art educators necessarily recognize the affective intensity that underlies meaning making. What contemporary art can "do" and the structuring forces of bodily affect in popular culture are both required for art education in the 21st century. I draw on the ethico-political philosophy of Gilles Deleuze & Félix Guattari to make my case.

본 논문에서는 디자이너 자본주의를 배경으로 시각문화 미술교육(VCAE)을 재고하려고 한다. 나는 교사들이 청소년들의 대중문화를 구성하는 젊은이 환상을 접근하고 있지 않은 점을 우려한다. 1980년대부터 사회이론 코커스(Social Theory Caucus)를 통한 나의 시각문화 참여 활동은 그것이 디지털화된 “틀이 없는 이미지”의 세상으로서, 높은 관심의 대상임을 드러내고 있다. 나는 미술교육을 향한 이 방향이 재현의 한계에 갇혀있다고 주장하며, 미술교육자는 현대교육의 감정적 힘을 반드시 인식하기를 요구한다. 나는 현재 시각교육에서 이론화된 시각문화교육은 재현의 한계에 갇혀있다고 주장한다. 시각적 문해력은 일반적으로 구조주의자적 노력이다. 이러한 입장에서 더 나아가기 위해서는, 미술 교육자들이 의미 만들기의 토대가 되는 감정적 강도(강렬함)를 인정하는 것이 요구된다. 현대 미술이 할 수 있는 것과, 대중 문화에 영향을 미치는 신체적 감정의 구성력, 이 두 가지 모두 21세기 미술교육에 요구된다. 나는 이 점을 주장하는데 질 들레즈(Gilles Deleuze)와 페리 가타리(Felix Guattari)의 윤리-정치 철학을 이용하고자 한다.

본 연구는 미술과 테크놀로지 활용 방향과 방법을 비평적 교수법이라는 관점에서 논의한다. 논의를 이끌어내기 위해 먼저 기존의 테크놀로지를 활용한 미술교육의 한계와 함께 테크놀로지의 새로운 기능성을 이용한 테크놀로지 활용 미술교육의 이점을 살펴본다. 다음으로 비평적 교수법이 추구하는 미술교육의 방향 세 가지를 논의한다: (1) 자아 반성적 탐구를 통한 비평적 의식 개발, (2) 대화와 의사소통을 활성화시키는 사회적 네트워킹과 자아에 대한 반성적 이해 증진, 그리고 (3) 미술을 통한 사회 참여를 북돋우는 비평적 역량 강화. 이러한 논의의 토대 위에 학생들의 비평적 의식을 개선하고 역량 강화를 성취하기 위한 대안적인 미술과 테크놀로지 활용 방향과 방안을 마지막으로 살펴본다. 구체적으로 교사들의 수업을 지원하기 위한 테크놀로지 활용 방안으로 (1) 교수 자료 제작 지원, (2) 교수 내용의 확장, 그리고 (3) 교수 도구의 확장이라는 관점을 검토한다. 그리고 기존의 미술과 테크놀로지 활용 논문들에 소개된 아이디어를 중심으로 학생들의 학습을 지원하는 테크놀로지 활용 방안을 비평적 교수법이라는 관점에서 이론적으로 논의한다. 따라서 후속되는 실천적 사례연구들이 본 연구가 제기하는 이론적 논의를 확장시킬 뿐만 아니라 기존 테크놀로지 활용 미술 수업의 한계성을 넘어 보다 구체적이고 대안적인 비전을 제시해 주리라 예상된다.

This study discussed the ways in which to incorporate technologies into art education. Critical pedagogy—the intersection of one of the main claims of visual culture art education and critical social theory in art education—was the lens used to discuss the educational purposes and functions of technologies in art education. This paper first examined the limits of previous usages of technologies in the field of art education; it then delved into the function of contemporary technologies and the benefits of using them in art classes. Beyond these foundational analyses, this paper examined three educational implications of critical pedagogy for art education: (1) the need to develop critical consciousness through students’ self-reflective inquiry; (2) the need to facilitate students’ critical self-reflection through social networking such as dialogue, communication, and interaction; and (3) the need for empowerment in order to stimulate students’ participation in social transformation. The final section of this paper focused on how to incorporate technologies into art education in order to achieve the three educational implications. This interdisciplinary work bridging art, technology, and critical pedagogy closely navigated how to use technologies for instruction in terms of more efficient instructional materials, instructional contents, and alternative instructional strategies. It also investigated the effective usage of technologies to facilitate students’ learning. Based on recent scholarly research about technologies in art education, the last part of this paper searched for theoretical conceptualization of practical integrations of technologies into art education. Therefore, more practical research following this paper may expand this theoretical investigation and propose new horizons of technologies in art education for critical pedagogy.

Within the context of further professional development art teachers and educators often reflect on their pedagogy through discursive and written modes of analysis and research. However, in recent years there has been a turn to visual practice as research and this paper maps how four MA students and one doctoral student engage with its possibilities. Rather than conceiving artistic practice as an alternative to their pedagogic situation, each of them finds a way to re-engage more fully with practice so as to understand this situation more fully; in this way they are able to transform both their artistic and their pedagogic practice simultaneously. The first MA student finds a way to enter art teaching by re-imagining the pedagogy of her childhood in domestic settings; the second reinvigorates his teaching with reference to artistic practices developed within a friendship; the third crosses disciplinary subject boundaries to transform the outcomes of school art; the fourth, investigates pedagogic power relations through performative strategies while the doctoral student attempts to dissolve the boundaries that make art and art education distinct categories.

지속적인 전문적 발전의 맥락에서 미술교사들과 교육자들은 분석과 연구의 논증적인 형식의 글과 발표들을 통해 그들의 교육학을 반성한다. 그러나 최근에는 이런 연구물만큼 시각적인 실제(작품)들로 전환해서 발표하는 경향이 있다. 이글은 4명의 석사과정 학생들과 1명의 박사과정 학생이 어떻게 그런 가능성을 보여주고 있는지를 고찰한다. 그들은 그들의 교육적 상황의 한 대용물로서 미술 작업을 상상하기보다는 오히려 각기 더 확실하게 이 상황을 이해하기 위해서 그들의 실기 작업과 충분히 관련을 맺고 있음을 발견한다. 이런 식으로 그들은 그들의 예술적 실천과 동시에 교육적 실천들을 한꺼번에 모두 개선해나갈 수 있다. 그 첫 번째 석사과정 학생은 가정적 상황에서 그녀의 어린 시절의 교육을 다시 상상함으로 해서 미술 교수법을 개발하는 방식을 발견한다. 두 번째 학생은 우정을 발전시킨 미술 실기들과 관련하여 미술 교수법을 상기시키며, 세 번째 학생은 학교미술 결과물을 개선시키기 위해 학문적 주제의 경계들을 서로 교차시킨다. 네 번째 학생은 수행 전략을 통해 교육학적 권력 관계들을 탐색한다. 반면에 박사과정 학생은 미술과 미술교육을 별개의 범주들로 묶는 경계들을 풀어내는 시도를 하고 있다.

본 연구는 나의 수업을 통해 우리의 문화를 읽는 자전적 탐구이자, 문화기술적 연구이다. 아동미술수업에서 교사의 권위는 수업과정 내내 교실을 지배하고 있었다. 수업의 설계에서, 감상 작품의 선정과 설명에서, 이해시키는 방식에서, 제작을 이끌어내는 과정에서, 결과물에 대한 판단까지 교사의 권위에 의해 아이들의 작품이 탄생되고 있다. 미술수업에서 교사의 권위는 수업관리자로서의 권위, 학습공간의 질서 유지를 위한 귄위와 같은 “드러난 권위”로 설명될 수 있다. 또한 학습내용과 관련하여 수업 매체 및 기법 선정의 권위, 조형성 판단에 관한 권위, 감상과정에서 지식전달에 관한 권위 등을 “숨겨진 권위”로 분류하여 해석하였다. 미술수업에서 권위의 유형들은 아동들이 수용했다는 것만으로 정당한 것으로 받아들여지고 있다. 그러나 그 속에 숨겨진 권위의 정당함이 올바른 교육적 의미를 주고 있는 것인지를 생각해 볼 필요가 있다. 본 연구에서는 미술교육이 행해지는 공간은 교사와 아동간의 권위구조에 의해 만들어지는 것임을 상기하고 그 권위가 미치는 영향을 고려해 볼 필요가 있다는 점이 제기되었다.

This paper deals with an autobiographical method and ethnographical research draws upon the author's personal teaching experiences in the art classroom. It is analytical and descriptive. This study reveals that the teacher's authority controls everything in the children's art classroom. It forces the children to accept all the processes in the course formulating a forceful atmosphere in which children assess the artifacts according to the teacher criteria. The study identifies two different types of teacher's authority, namely, explicit and implicity authority. Explicit authority is shown by teachers in order to prevent chaotic situations, and to make children sit down during the class, while implicit authority takes place in selecting material, judging on formative conception, and transmitting knowledge to children. Implicit authority in art class is generally accepted by the children without any resistance. This study, however, suggests that we need to reconsider whether such authority helps teachers to give meaningful learning experiences to the children, and whether it is conducive to a positive classroom setting. Also, we need to think about the influence of teacher authority on the assumption that effective pedagogy is based on the interactions between the teacher and the students in the art class.

Identity is a way to contextualize individuality and community, as well as a means by which we come to understand others through collections of cultural and historical knowledge. Identity development and understanding are messy concepts, broad in definition and, grounded in fragmentation and dualism. Identity, by nature, is transitory self-centered thinking and as such, impacts our perceptions and experiences with and of the world. Identity impacts the cultural and historical frameworks, which form: how we are grouped and identified, which is based on race, gender, sexual orientation, religion, nationality, socioeconomic status, narratives and history to name a few. This paper explores some of the complexities and subtleties of identity from both a personal and scholarly vantage point that utilizes critical race theory through counter narratives, ultimately raising questions of how identity formation can be addressed through education.

정체성은 개인과 공동체간의 관계를 설정하는 방법일 뿐만 아니라, 문화, 역사, 지식의 축적을 통해 타인을 이해하게 되는 수단이기도 하다. 정체성 계발과 이해는 정리되지 않은 개념이며 정의 범위가 넓고, 편파성(fragmentation)과 이원론에 근거를 두고 있다. 본질적으로, 정체성은 변화하는 자아중심의 사고이며, 그렇기 때문에 우리의 세계에 대한 지각과 경험에 영향을 미친다. 정체성은 문화역사적 틀에 영향을 미치는데 이 틀은 인종, 성별, 성적 인식, 종교, 국적, 사회경제적 위상, 이야기, 역사에 기초하여 우리가 단체에 속해지고 식별되는 방식을 형성한다. 본 논문은 개인적으로나 학문적으로 유리한 입장에서 정체성의 복잡성과 미묘함을 탐구한다. 이 입장에서는 대항 이야기(counter narratives)를 통한 비평적 인종 이론을 활용하며, 결국에는 정체성 형성이 교육을 통해 어떻게 제기될 수 있는가 라는 의문을 제기한다.

본 연구는 교육과정 개정과 함께 한국미술교육계에서 제기되고 있는 평가의 문제가 미술과목의 특성을 간과되면서 미술교육의 실제의 발전을 가로막는 지성적 공백을 만들고 있다는 가정하에 미술교육의 패러다임 전환과 함께 제기되는 미술평가에 관한 쟁점들을 논의하는데 그 목적을 둔다. 미술교육 활동과 그 결과를 측정할 방법이 존재하지 않는다면, 미술교육의 활동을 통한 그 성취의 논의 또한 무의미한 것이다. 시각문화 이미지의 홍수 속에서 청소년들이 분별력 있게 대중적 시각문화를 해독하고 비판할 수 있는 능력을 함양할 수 있는, 미술교육에서 일부에서 주장되는, 평가무용론(評價無用論)은 학습자의 학습의욕을 저하시키고 중등교육을 대입준비를 위한 준비단계로 인식시키고 있다. 본 연구에서는 미술교육에서의 평가의 딜레마를 한국의 미술교육 현황을 통해 점검하면서 문제제기하면서, 평가와 미술영역과의 관계에 관해 고찰하고자 한다. 또한 한국에서의 미술 평가를 둘러싼 제문제점들 중에서 평가 무용론의 등장배경을 표현주의 미술교육의 성행과 관련한 역사적 맥락 속에서 고찰하고자 한다. 이를 위해 미술과 평가에 대한 오랫동안 잘못된 이해의 근거를 해방 이후 한국의 현대 미술교육에서 왜곡·변질된 표현주의 미술교육 영향에 관해 구체적으로 논의한다. 마지막으로 본 연구는 미술교육 현장에서 구성주의적 관점에서 수행평가가 어떻게 실천될 수 있는지를 파악해보고자 한다.

The issue of assessment or evaluation in art education, which has been raised with the curriculum reform, has been considered a factor preventing the development of art education in Korea. The absence of assessment in art education has ignored the unique characteristics of the subject of visual arts, and has created an intellectual vacuum that impedes the improvement of pedagogical practice. If there do not exist any assessment methods in evaluating the results of the practice of art education, the activities and results of art education are meaningless. This study raises questions regarding the dilemma of evaluating visual arts in Korean art education. First, this study examines performance assessment in terms of a constructivist perspective. Second, this study investigates the issue of unnecessary assessment in Korean contemporary art education within a social context. Third, this study maintains that unnecessary assessment is a product of Creative-Self Expressionism, which has prevailed in modern Korean art education. Finally, this study examines the methods of assessment practices in the field of art education in Korea.

이 글에서 언급된 주된 문제는 어떻게 미술교육이 지배적인 서양의 영향에 적응하면 지속적인 문화변화의 상황에서 학생들로 하여금 긍정적인 정체성의 확립을 도모하면서 그들의 현실구축을 도울 수 있는가이다. 이 분석적이고 묘사적인 학습은 한국에 다문화 미술교육의 도입을 제시하기 위해 담론분석을 사용하였다. 이 학습은 세 부분으로 나뉘어진다: 즉, 1) 문화와 문화 변화에 대한 분석, 2) 서부 유럽과 북 아메리카의 다문화 문헌 고찰, 3) 한국에 사용이 가능한 다문화 미술교육의 제시이다. 이 학습에 기초하여 다른 시대에 만들어진 시각 이미지들과 학생 시대에 만들어진 이미지, 그리고 다른 문화권에서 만들어진 이미지와 학생이 사는 시대에서 만들어진 이미지에 담긴 아이디어를 연결할 수 있도록 학생들의 인지력을 계발시킬 수 있는 미술교육이 주창되었다. 결국 이 미술교육은 학생들의 정체성의 형성을 도울 수 있도록 그들로 하여금 그들 자신의 문화와 다양한 다른 문화권에서 만들어진 시각 이미지에 대한 특별한 지식, 통찰력, 그리고 이해의 습득을 용이하게 할 수 있는 다문화 미술교육을 검토하고 있다. 학생들이 시각 이미지를 통해 문화에 대한 이해를 도모하기 위해서 특별히 다문화 미술교육은 사회학과 인류학적 방법의 효율적인 교수법을 제공할 수 있다.

The main problem addressed in this study is how to help student's understanding of the world in which he or she lives, leading to positive formation of their identities in continuous cultural change, while accommodating dominant Western influences. This analytical and descriptive study uses discourse analysis, to suggest the introduction of multicultural art education in Korea. The study is divided into three parts: 1) an analysis of culture and cultural change, 2) a review of Western-European and North American multicultural literature, and 3) the presentation of multicultural art education pedagogy to use in Korea. Multicultural art education is defined as the participation in the artistic activity of other cultures for the purpose of understanding them on their own terms. Based on this study, a recommendation is made for the integration of sociological and anthropological perspectives into multicultural art education, in order to facilitate students' acquisition of special knowledge, insights, and understandings of their own culture as well as others' cultures. In sociological and anthropological perspectives, attention is paid to the specific values regarding the art, the particular epoch in which it was produced, and why these values were so esteemed. It can enhance students' cognition by connecting the idea of artworks made from other times and their times, and consequently help students' formation of identities.