Earticle

본 연구는 시각 이미지에 대한 인문학적 접근의 일환으로 시각 이미지의 정치성에 대한 이해를 문화 인류학적 관점에서 살펴볼 필요성을 제기한다. 삶의 의미와 가치를 탐구하는 문화인류학적 관점에서 볼 때, 시각 이미지의 정치성에 대한 이해와 교육 또한 유사한 삶의 맥락성에 대한 탐구임을 논한다. 즉, 시각 이미지의 정치성에 대한 미술교육은 미술을 통한 해석, 생성, 도주 등과 같은 삶의 의미 만들 기 활동처럼 삶에 대한 문화인류학적 탐색과 다르지 않음을 이론적으로 살펴본다. 이를 통해 비판적 사고와 역량강화라는 시각문화미술교육 담론을 더욱 확장할 수 있는 이론적 근거를 찾아본다. 즉, 시 각 이미지의 정치성에 대한 문화인류학적 접근을 통해 시각문화미술교육에 대한 논의의 확장을 시도 한다.

This study investigates the need for a cultural anthropological approach to a critical discourse in visual culture art education in order to understand the politics of visual images. An overarching concept of cultural anthropology and the politics of visual images is its emphasis on the meaning and value inquiry into life and culture. Addressing this overlapping boundary, this theoretical inquiry aims to explore that the main goal of visual culture art education is for meaning and value making of life through interpretation of images, becoming, and flight. From this argument, this article expands our recent understanding of visual culture art education that focuses on the development of critical thinking and empowerment. It highlights that visual culture art education has to move toward a way to fulfill the intimate relationship among visual images, culture, and our meaning and value of life. Understanding the politics of visual image requires not only our critical lens but also anthropological lens.

이 논문은 기존의 교육과정에서 소외되어 온 비이성의 의미에 대해 논하고 그것이 가지는 미술 교육 적 가치에 대해 살펴보고자 하는 글이다. 인간은 이성적인 동시에 비이성적인 존재이며 비이성적인 측면은 이성적인 측면과 마찬가지로 인간의 삶 속에서 적지 않은 부분을 차지하고 있다. 이성과 합리 주의를 지향하는 교육과정 안에서 충동적이고 어두운 감정에 관련된 것들은 제대로 다루어지지 않는 다. 이러한 내용은 이성적 혹은 합리적 관점에서 비생산적이거나 유해한 것으로 간주되지만, 인간의 삶에 존재하는 여러 문제들의 일부이며 예술적으로 유의미한 가치를 지닌 것들이다. 그러므로 인간과 예술에 대한 이해를 넓히고 우리 자신에 대한 앎에 다가서기 위해, 비이성적인 측면들 또한 교육의 영 역 안으로 들여와야 하지 않을까 생각하였다. 따라서 이 글에서는 죽음, 광기와 우울, 폭력성과 야만 성, 저항과 불만의 욕구 같은 비이성적인 측면이 예술과 어떤 관련을 가지는지 살펴보고, 이들의 미술 교육적 가치를 밝히고자 한다. 비이성의 수용을 통해 학생들이 미술교육 안에서 자신의 다양한 감정 을 죄책감 없이 표현하고 타인의 감정을 폭넓게 이해할 수 있게 된다면, 그것은 학생과 교사 모두에게 의미 있는 일이 될 것이다.

This article examines the significance and art educational value of irrationality that has been neglected in the school curriculum setting a high value on rationalism. We are not only rational but also irrational. Irrational part including perception of death, anxiety and ennui comprises a large proportion of human nature, as much as rational part including will to live, stability and hope. As schools neglect the contents about negative emotions, ugliness and death being excluded from the rationalism, students would misunderstand and have a prejudice about our world. From the view of rationality and rationalism, matters of negative emotions, ugliness and death belong to the irrationality which is unproductive and useless. But they exist in human reality. So it is necessary for irrationality, as a part of human nature, to enter the category of education. Art is very relevant to irrational part and it will play an important role in the educational acceptance of irrationality. If acceptance of irrationality in art education makes students expand their thoughts, understanding of human and world, express themselves as they are, communicate with, and relate to others, it would be meaningful and valuable to both of students and teachers.

조르쥬 바따이유3)(Georges Bataille/Load Auch)는 태양으로부터 주어지는 무한한 에너지의 과잉을 “저주의 몫”으로 규정하고 이를 어떤 방식으로든 소비해야 함을 역설하였다. 이러한 대전제는 경제학 적, 인류학적 사실을 통해 뒷받침되어졌으며 그는 나아가 이것을 인간의 본성인 에로티즘의 해석에도 투영시켰다. 바따이유의 연구에 따르면 존재의 유한함을 인식한 인간은 죽음에 대한 공포를 직시하게 되었고 죽음에 대한 공포를 이겨내기 위한 전략으로 그가 말한 “작은 죽음”을 선택하게 되었다는 것 이다. 그 “작은 죽음”은 현실적 죽음으로 나아가는 유한의 공간을 조각내 수많은 “작은 죽음”의 행위 로 채워냄으로써 유한한 인간이 무한한 존재인 것처럼 인식하게 만든다는 기발한 해석을 담고 있다. “조선 최후의 예술지상주의자”로 불렸던 이중섭은 올해로 꼭 탄생 100주년을 맞았다. 그의 작품은 그 의 삶과 떼어 설명할 수 없으며, 그의 삶 속에는 바따이유가 말한 “작은 죽음”이 명백하게 담겨 있다. 그의 그러한 작품 중 “통영들소2”는 “작은 죽음”을 연구하기 위해 선택된 소재이다. 본 연구는 “통영 들소2”를 통해 그의 삶 속 표현욕구의 의미를 찾아봄으로써 이중섭이라는 작가의 작가 정신을 해석하 기 위한 다양성을 확보함과 동시에 미술교육에서 담고자 하는 표현의 당위성에 대해 한 발 다가서는 발걸음이 되리라 기대한다.

Georges Bataille put emphasis on superfluous of solar energy, he constituted it's portion of curse, must be consumed. His reasoning was based on the premise that facts of economics and anthropologic reflected interpretation of eroticism, the human nature. The human being faced of death, after recognized finitude of existence and chose strategy of death, what he said, to overcome the fear of death. It contains unique idea, limited human being delude themselves they are unlimited being to fill the death with ‘little death’ Lee Jung Seob, ‘the last aestheticism of Chosun’, was born 100 years ago. His arts related with his life and obviously contained ‘The little death’ and the ‘Tongyeong bison no. 2’ was chose to search to ‘The little death’. This research expected one of step to variety of Lee Jung seob's art spirit interpretation and appropriateness of expression in education of arts.

Within the interaction between economic and cultural factors by capitalist globalisation in recent decades, it is necessary to provide critical insights into how educational experiences and identities are enacted, articulated in a society. This research collects and analyses South Korean art educators’ self-narratives of art, culture and learning who have experienced the dynamic changes of the pedagogies and curriculum policies in their different social positions in the world they inhabit in art education fields. The hermeneutic analysis of each self-narrative provides a discursive practice of cultural identity formed by art teaching experiences. The processes, which it (each experience) happens in the social structures and the specific cultural contexts of South Korea within postcolonial world, reveal how particular meanings of art practice and learning have been produced through the systematic structures, such as social class relations, the degree of centralisation of political authority, or the contemporary economic needs. In discussing art, culture and identity formation with new perspectives on existing knowledge, human abilities and learning, the complex and dynamic processes of identity formation implicates how we can consider the way of understanding our ‘being’ in a flow of the meanings of ‘art practice’, ‘tradition’ and ‘identity’. Through the critical hermeneutic inquiry of the self-narratives, this research provides a direction toward critical engagement of teaching art in dynamic and complex cultural interaction of the globalising world.

In the past, many people enjoyed participating in as well as watching combative sports, such as wrestling, boxing, and martial arts. Some of these combative sports evolved to the present day, while other aspects of these sports disappeared. Presently, new types of combative sports have appeared and become popular. The fighters involved in these combative sports are allowed to use several fighting disciplines at the same time. If an opponent falls down, a fighter can hit him or step on him, which is violent and cruel. Art educators need to pay attention to these violent sports, since many young people are drawn to the sports and to their violent images. The researcher uses Duncum’s (2002) and Goldstein’s (1998) frameworks to analyze several examples of combative sports in order to answer four questions: Why do many people enjoy watching violence? What aspects of violent sports are most appealing? What is the influence of violent sports on children? What role can art educators play in helping children understand the meanings behind violent images? Suggestions are made based on art therapy, critical thinking, and holistic education.

역사적으로 근대와 타자의 패러다임을 주도해온 영국의 대표적 미술관 테이트브리튼에서 수행한 <얼 터모던: 테이트 트리엔날레>(2007-2009) 전시와 <테이트의 만남들: 영국성과 시각문화>(2007-2010) 프로그램을 분석하였다. 포스트식민주의 이론과 최근의 학제적 미술관학에 바탕을 두고 미술사와 사 회사를 결합시키며 역사에 대해 재고하고 성찰하는 내용을 담고 있는 두 프로젝트는, 거대 담론으로 서의 역사가 아닌 개인의 삶과 기억의 차원, 현재의 삶에 관여하는 역사 내러티브에 관심을 기울이게 된 미술관이 어떻게 미술사라는 틀에서 벗어나 역사의 기술, 정체성의 수립 이면에 복잡하게 얽혀 있 는 사회문화적 층과 틈들을 탐문해야 하는지 보여준다. 포괄적 의미로 사회참여 성격을 띠는 현대미 술은 작품이자 담론이면서 그 형식 또한 다원화되고 있다. 이에 발맞춰 미술관 교육 프로그램 또한 기 존 일방향의 형식에서 탈피하면서 전시와의 경계도 적극적으로 허물어 가고 있는 추세다. 이러한 플 랫폼에서 서로 다른 지역대가 접기와 펴기를 거듭하고 서로 다른 시간대가 소환되고 충돌하는 가운데 미술관은 다양한 행위자들이 이론을 실천하는 장일뿐만 아니라 바로 그 현장으로부터 이론을 생산하 는 자기반영적 매체가 된다. 두 사례 연구를 통해 이제 미술관에서 교육이란 공인된 지식을 그저 전달 하고 배포하는 일이 아니라 미술가, 큐레이터, 교육자, 관람자가 함께 벌이는 지식의 배움과 공유와 생 산의 수행이며, 수행적 기제로서 미술관은 이러한 교육적 상호작용을 끊임없이 매개하고 그 지속가능 성을 타진하는 메타-기술이 될 수 있음을 확인했다.

This study analyzes two projects of Tate Britain undertaken in the first decade of the twenty-first century, in that it is one of the national art museums of the UK, a country that historically had a hegemonic power over the notions of alterity and modernity. Altermodern: Tate Triennial and Tate Encounters: Britishness and Visual Culture revisited and reflected on the past, by combining art history and social history. Museums became interested in personal dimensions of history instead of its grand narrative, and in historical narratives affecting today’s everyday life. In this vein, the two projects based on postcolonial theories and the recent interdisciplinary museology, demonstrate how art museums, not confined to the realm of art, could explore social and cultural layers intertwined with historical developments and identity formations. Many socially engaging contemporary artworks embody cross-disciplinary discourses, and museum programs of education are increasingly curatorialized. By folding and unfolding different places and times, the art museum is not only a site but a self-reflexive medium of knowing and doing, theory and practice. Through the two case studies, it is brought into relief that education in museums is not about distributing already approved knowledge, but a collective performance of artists, curators, spectators for learning, sharing and producing knowledge. The art museum as a performative matrix can play a role of meta-technology that ceaselessly mediates the educational interactions and pursues its sustainability.

본 연구는 15년 이상 경력을 지닌 3명의 중학교 미술교사가 이해하고 있는 “미술교사의 전문성”의 본 질을 파악하여, 절대적 지식으로 이루어진 “미술교사의 전문성”을 재확인하려는 기존의 접근방식이 아닌 교사의 경험과 교육현장에 대한 연구를 통해 계속 변화하는 “상황적 지식”으로서 “미술교사의 전문성”을 구성하고자 실행되었다. “미술교사의 전문성”에 대한 세 명의 교사들과 면담 내용을 분석 한 결과, 15개의 주제모음(예비미술교사로 교육받기, 다양한 실기경험, 현장성있는 교직이론 학습, 풍 부한 교생실습 경험, 학생들의 달라짐 원인의 적극적 탐색, 학생이해 방해요인 탐색, 현실과 혼자 맞서 기, 고립되지 않기, 좋은 사람들과의 만남, 좋은 교육공간의 확보, 문제해결력, 작가가 아닌 교사로서 미술교사, 지치지 않기)이 도출되었고 이는 다시 5개의 범주로(충실한 직전교육, 학생 이해 능력, 용기 있는 홀로서기, 효과적인 환경, 교사로서 열정)으로 정리되었다. 연구는 경력 미술교사들이 생각하는 “미술교사의 전문성”은 좀 더 현실적이면서 맥락적이며 이는 이론들에서 정의된 것과 상당한 차이가 있음을 보여주었다. 그들은 “전문성”을 단지 미술을 가르치는 데 필요한 능력만이 아닌 학교사회 내에 서 요구되는 복잡하고도 현실적인 “능력들”로 이해하고 있었다.

This study is designed to investigate how over 15 years experienced three Korean middle school art teachers perceive and understand meanings of “professionalism of art teacher.” In previous studies, it has been attempted to find and reconfirm absolute knowledge on “professionalism of art teacher” but, instead, in this study, it is tried to reconstruct meaning of it as “contextual knowledge” using a phenomenological research method. As a result of analyzing three teachers narratives on their thinking and understanding of “professionalism of art teacher”, 13 themes such as “educated as a pre-service art teacher”; various art-making experiences, learning of educational theories, good quality of teaching practicum experience, active seeking of reasons of changes of current middle school students' attitude, finding of barrier factors for in-depth understanding of students, facing reality alone, escaping from isolation, meeting with good persons, having good educational spaces, troubleshooting ability, being an art teacher as an educator not as an artist, not being tired were found. These themes were organized as five categories: (1)rich preservice education, (2)ability of understanding students, (3)standing on one's own bravely, (3)effective environment, and (5)passion. In this study, it was found that three art teachers perceived “professionalism of art teacher” more realistically and contextually and it was different from as defined in theories. They understood “professionalism” as a complex and realistic “professional abilities” requested within school society not the boundary of teaching art only.