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시몽동의 개체화이론은 개체의 발생을 탐구하는 생성의 철학이다. 그러나 이것은 생성의 과정에 멈추지 않고 존재가 어떻게 구조화되는가를 보여주는 점에서 존재와 생성의 융합이다. 존재는 관계맺음의 과정에 의해 구조화되는데 이를 우리는 관계의 존재론이라 부른다. 개체는 요소들이 관계맺을 수 있는 가능성의 장, 즉 한 에너지체계로부터 생성된다. 체계는 에너지 조건으로부터 시작하여 전개체적 실재를 분배하고 분리하면서 물리적 개체, 생명적 개체를 생성한다. 생명체에 연합된 전개체적 실재는 ‘개체초월적 실재’이며 이것은 정념적 힘으로서 나타난다. 생명적 개체가 자신 안에서 스스로 문제를 해결할 수 없을 때 정신적 개체화가 출현한다. 그러나 정신적 개체화는 스스로 완결되지 못하여 집단적 개체화를 요구한다. 이와 같은 관계의 존재론이 미술교육에 시사하는 바는 기존의 존재의 철학에서 다루어진 정적인 관점을 벗어나 역동적 생성과 관계맺음의 차원으로 거슬러 올라갈 경우 세계를 지각하는 새로운 지평이 열릴지도 모른다는 것이다.

The simondonian theory of individuation is a philosophy of becoming which intends to examine the genesis of the individual. However this philosophy is not confined to clarifying the process of becoming but instead shows how a being is structured; thus it fuses being and becoming. Being is structured by a process of relation, which we term the ontology of relation. The individual is produced from a field of the possibles, where its elements have relations, that is, a system of energy. A system based on the energy condition generates physical and biological individuals when distributing and separating the preindividual. The preindividual reality associated with living beings is a ‘transindividual reality’ and appears as an affective force. Psychic individuation comes into being when a living individual cannot settle the problem posed to him. However, as psychic individuation cannot complete itself, it requires a collective individuation. Psychic and collective individuation correspond to internal and external individuation coming into being when the same preindividual potential, that is the affectivity, has relations in the individual and collective level in various ways. In this philosophy of relation, art education must return to dynamic relations and becoming without being tied to an existing philosophy of being.

What is ‘human’ is modulated by inhuman (technogenesis) and nonhuman (inorganic) forces, which provides an understanding of the posthuman. In this essay I draw on Deleuze and Guattari’s understanding of control societies to question Big Data, and how it impacts art and its education, especially the field of design in ‘designer capitalism.’ The essay ends by arguing that the hylomorphic tradition that has shaped design studies can be overcome through various forms of biomimicry that recognizes the ‘vibrancy’ of matter. This then is a 21st century competency needed in an age that will possibly be called the Anthropocene, or euphemistically called climate change?

“인간”이란 무어인가는 반인간(기술)과 비인간(비유기체적)의 힘들에 의해 조정되며 이 질문은 포스 트휴먼에 대한 이해를 제공한다. 본 원고에서 나는 빅 데이터를 질문하기 위해 통제 사회에 대한 들뢰 즈와 과타리의 이해를 이론적 배경으로 한다. 그리고 이 점이 미술과 미술교육, 특히 “디자이너 자본 주의”의 디자인 영역에 어떻게 영향을 끼치는지를 살펴본다. 이 글은 디자인 연구를 형성해왔던 질료 형상론 전통을 물질의 “진동”을 이해하는 생체모방의 여러 형식을 통해 극복할 수 있다는 것으로 결 론을 내린다. 이 점은 21세기에 필요한 역량이다. 이 시대는 아마도 소위 말하는 인류세라고 표현하거 나, 혹은 완곡하게 기후 변화 시대라고 표현해야 할까?

이 글에서는 창의성이 형성되는 내적 과정을 프랑스의 철학자 들뢰즈와 과타리의 유목철학을 통해 해석하였다. 창의성은 우리 몸의 내적, 외적 양상들이 통합되는 상태에서 갈등을 극복하고 자아를 너머서면서 형성된다. 이와 같은 기관없는 몸의 상태에는 감정의 역동성인 정동이 관여한다. 이 점은 바로 창의성에 정동이 긴밀히 관계하여 형성됨을 말해준다. 기관없는 몸/정동적 몸은 사이 공간에 놓여 있다. 나도 타자도 아닌 경계의 공간에서는 정동적 공명에 의해 타자의 이질적인 요소들이 번역되고 통합되면서 새로움이 생성되는 첩화가 일어난다. 첩화 단계의 고찰은 창의성이 이질적인 결합과 변형에 의해 만들어진다는 사실을 알려준다. 이상과 같은 창의성이 형성되는 과정에 대한 연구결과는 타자와의 상호작용을 통해 자아 형성을 돕는 상호텍스트성의 교수ㆍ학습 방법에 정동적 접근의 필요성을 대변한다. 아울러 학생들이 타자와의 상호작용을 통해 자아를 확장시킬 수 있는 사이 또는 틈새의 제 3의 공간 또한 미술교육의 교육과정에 함의하는 바가 크다.

In this research, I have interpreted the process of how creativity forms using the nomadic philosophy of Deleuze and Guattari. This philosophy explains that creativity comes from the state when intrinsic and external aspects of the body are integrated to transcend oneself. This state is called “Body without Organs” in Deleuze and Guattari’s terms. Body without Organs as a virtual entity and as a virtual multiplicity can be actualized when affective resonances occurs between the two intrinsic and external bodies. It is actualized at the level of involution, which is a type of punctuated evolution in which heterogeneous elements of others come together to produce mutant forms that never existed before. This means that creativity is the act of translating and integrating others’ elements to produce something new. This implies that an affective approach is needed for the pedagogy for creativity education, in order to enhance the interactions with the others in the betweenness or the third site.

인간은 성장해 감에 따라 본능이나 직관, 감각, 그리고 개인의 다양성보다는 이성과 절제, 상식과 일반화의 원리로 길들여지게 된다. 새로움과 창의성, 도전 정신은 항상 중요한 가치로 여겨지지만 학교나 사회 등의 교육과정에서 이를 가르치거나 체험하게 하는 것은 쉽지 않은 일이다. 미술 표현은 작가에게는 미지의 영역에 대한 탐구이고 감상자에게는 작가가 탐구한 세계와의 직접적 마주침을 통해 자신이 생각지 못했던 새로운 세계로의 확장을 이끌어주는 통로이다. 새로운 독립체(Martin Gayford. 2010)로서 예술 작품이 지닌 힘은 보편화 되어가는 인간의 감각을 일깨워 이 세상에 존재하는 단 하나의 고유한 특성을 지닌 개인으로 존재할 수 있는 길을 열어준다. 본 연구는 인간의 감각과 감각활동에 대한 고찰을 시작으로 감각표현이 어떤 양상을 띠는지, 자신의 감각을 표현하기 위해 작가는 어떤 사고와 과정을 거쳐 미지의 세계로 향하는 길을 찾는 지 프란시스 베이컨(Francis Bacon)의 그림과 질 들뢰즈(Gilles Duleze)의 해석을 기반으로 고찰해 보고자 한다. 그에 이어 감각을 깨우고 연마하는 교육의 중요성에 대한 논의와 함께 감각 표현의 교육적 활용 가능성에 대해 제안해보고자 한다.

Human beings are getting accustomed, as they grow, to the theory of rationality, moderation, and generalization rather than instinct, intuition, sensation or value of individual’s diversity. Although creativity, innovation, and mental challenge are regarded as of significant value, it is a lot of hard work to teach or experience those requisites through school curriculum or social education. The purposes of this article are focusing on importances of the logic of sensation in the field of art education and searching application plan for art education. To develop this argument, this article discusses Francis Bacon’s Painting based on Gilles Deleuze who creates a series of philosophical concepts, each of which relates to a particular aspect of Bacon’s paintings and Illuminates Bacon’s paintings, the nonrational logic of sensation, and the act of painting itself. Based on this theoretical consideration, the next section examines Bacon’s Paintings converge to the subject of sensation, suggests the direction of application and proper way to the art education. In conclusion, this research aims at contribute to establish rationale enable to extend the sensation-based art education and to invigorate the study about the specific educational plan from the viewpoint of a general logic of sensation.

This paper presents a historical account of the art curriculum, in order to understand what is being taught in art today. It explains how present-day conceptions of art owe much to Romanticism and the social order which emerged in Europe under the influence of the Enlightenment. These conceptions have been tempered and disrupted by a hundred years of modernism, following from the 1960s by contemporary art. The art curriculum owed much to a combination of apprenticeships to teach skills and art academies to teach drawing and aesthetics. Only in the twentieth century did modern art exert an influence and when it did it was in the form of self-expression and formalism. Both of these have been challenged by contemporary art, which embraces mechanised means of producing art, places the emphasis on ideas, theories and contextual knowledge while subverting some traditional hierarchies. Contemporary art influenced significant art education movements, such as discipline-based and issues-based, learning about visual culture, as well as the use of mechanical means of making art, such as lens-based media. The core of art education is now the ability to explain, contextualise and even theorise. This should abet but not eclipse some of the things art can be, such as thought provoking, entertaining and moving.

논문은 오늘날 미술교육에서 가르쳐지고 있는 것을 이해하기 위해 미술교육과정의 역사적 측면을 다 룬다. 어떻게 현재 미술의 개념이 낭만주의와 계몽주의의 영향 아래 유럽에서 발생한 사회 체제에 의 존하고 있는지 설명한다. 이러한 개념들은 60년대부터 현대에 이르기까지 모더니즘에 의해 조절되고 방해되어 왔다. 미술교육과정은 기술을 가르치는 도제제도와 드로잉, 미학을 가르치는 아카데미의 혼 합 형태라고 볼 수 있다. 단지 20세기에 모더니즘 미술만이 그 영향에서 벗어났고, 그것은 자기표현과 형식주의의 영향 때문이었다. 이 두 가지 영향은 미술 생산의 기계화된 방식을 옹호하고, 전통적인 위 계를 전복시키는 아이디어와 이론을 강조하는 동시대 미술에 의해 도전을 받았다. 동시대 미술은 학 과중심(discipline-based), 이슈기반(issue-based), 시각문화에 관한 학습, 그리고 렌즈기반의 미디어와 같은 기계적인 방식의 사용과 같이 중요한 미술교육 운동에 영향을 주었다. 이제 미술교육의 핵심은 미술작품에 대해 설명하고, 맥락화하며, 이론화하는 능력을 길러주는 것이 되었다. 하지만 미술교육은 생각을 고무하고, 즐기며, 움직이는 것과 같이 미술이 할 수 있는 것들을 피하지 말고 받아들여야 할 필요가 있다.

사진표현이 초등 미술교과 내용으로 포함된 것은 최근의 일이다. 학습자도 교사도 “사진 찍기”는 익숙하지만 “사진 교육”이란 이름으로 행해지는 교육활동에 대해서는 낯설기만 하다. 따라서 본격적인 사진교육은 미술교과서나 교사용 지도에서 제시되는 내용에 크게 의존할 수밖에 없다. 본 연구는 초등미술교과서와 교사용지도서에서 제시하고 있는 “사진 교육”관련 텍스트를 대상으로 기호학적 분석을 시도하여, 어떤 신화들이 구성되고 있는 지 드러낸다. 연구결과는 미술교과용 교육 텍스트에서 네 가지 신화들 정리하고, 신화를 깨기 위한 논의를 시도하였다. 네 가지 신화는 다음과 같다: (1) 찍는 사진보다 만드는 사진의 예술성이 강조된 사진교육, (2) 대상으로부터 목격된 “의미”의 표현보다 대상의 사실적 재현이 강조된 사진교육, (3) 재미있는 사진교육에 대한 강박, (4) 좋은 사진을 찍기 위해 촬영기법들의 학습이 우선되어야 한다는 것이다. 기호학적 분석을 통해 드러난 신화들을 확인하는 과정에서 신화 깨기의 방안도 함께 찾아진다.

It is only recently that photograph expressions are included in the contents of elementary art curriculum. Both learners and teachers are familiar with "taking pictures", but they are unfamiliar with the educational activities conducted under the name of "photography education". Therefore, school photography education is bound to depend heavily on the contents presented in art textbooks and teacher’s guide books. This study attempts to analyze the educational texts related to "photo education" presented in elementary art textbooks and teacher’s manuals to reveal what myths are composed using a semiotic approach. The results of the study are summarized in four texts in the textbook for art education and tried to discuss myths. Four myths are as follows: (1) A photograph which is made with a plan is more artistic than a picture to be simply taken, (2) It is necessary to prepare interesting photography education for children using photo collage, composite photo, optical illusion, directed photo, (3) It is important to make a photo with a good and clear focus, and (4) In order to take good pictures, it is necessary to understand the structures and functions of the camera, and to be able to know and utilize various shooting techniques.

본 연구는 어린이 미술교육 현장의 연구 윤리에 대하여 고찰하고자 한다. 최근 여러 교육연구 단체에서 연구 윤리와 관련한 지침이나 강령 등을 마련하고 있다. 그러나 미술교육 연구의 절차에서 형식적으로 행해지는 연구 윤리 이외에 연구 현장에서 벌어지는 연구자와 연구참여자 간의 실천적 윤리에 관한 논의는 거의 전무하다. 이 연구에서는 현재 학계에서 보편적으로 마련되어 있는 연구 윤리 지침이 어떠한 내용으로 이루어져 있는지 살펴보고, 어린이 미술교육 현장 연구에서 고려해야하는 윤리적 관점에 대해 제언하였다. 첫째, 연구자의 전문성이 어린이 미술교육 현장의 연구에서 미치는 영향과 윤리적 관계에 대해 살펴보았고, 두 번째로 동의서의 작성과 실천적 윤리의 딜레마에 대해 살펴보았다. 세 번째로 연구참여자인 어린이들과 친밀감 형성을 통해 신뢰를 구축하는 방법에 관한 윤리적 관점을 제시하였다. 마지막으로 연구자는 연구참여자의 안전을 보장해야하는 윤리 지침에 대해 언급하고 있다. 이 연구는 연구 현장에서 연구자의 성찰적 태도가 보편적 윤리 지침보다 더 윤리적인 연구 태도가 될 수 있음을 논하고 있다.

This study attempts to discuss the ethical issues in art education for children. Recently, many academic associations and communities have tried to provide guidelines on the ethics of research. However, research in art education has not dealt with the ethical issues. This study shows the four core ethical issues regarding the relationship between the researchers and the participants. First, it is about the expertise and authority of the researcher. Secondly, it deals with informed consent and the participants' human rights. Also, this study indicates methods of developing rapport with children as participants. Finally, this study discusses the responsibility of safety in the research field. This study suggests that art education research needs to reflect on the meaning of ethics and the relationship between the researchers and the participants.