Earticle

본 연구는 “생태학(ecology)”의 개념에 대해 세계를 이해하고 판단하는 가치관이라는 관점에서 이에 기반한 교육프로그램의 사례를 제시한다. “생태학(ecology)”이라는 개념은 일반적으로 자연과학의 한 분야로서 생물들의 상호관계와 환경과의 연관성을 탐구하는 학문으로 인식되어 왔지만 1990년대 이 후 생태학의 개념은 다양한 분야로 확장되어 최근에는 사회학, 문학, 미학, 윤리학, 교육학 등 인간의 사회ㆍ문화 전반에 걸쳐 논의되는 가치론적 지위를 획득하였다. 본 연구는 문헌연구를 통하여 이러한 “생태학”의 개념적 확장에 대해 살펴보고 그동안 한국의 미술교육 분야에서 전개되어 왔던 환경 혹 은 생태미술교육에 관한 연구들의 개념적 배경을 알아본다. 더불어 세계관으로서의 생태학적 관점에 기반한 교육프로그램의 사례를 소개한다. 연구 결과 국내 미술교육에서의 생태담론은 대부분 자연과 의 친화력을 기르고 자연환경에 대한 이해를 돕는 차원의 4교육프로그램 제시를 중심으로 이루어져 왔으며, 다양한 영역으로 확장된 생태론에 대한 논의는 이론적 담론의 차원에서만 이루어져 왔다는 것을 알 수 있었다. 이러한 관점에서 확장된 생태학적 개념에 기반하고 있는 교육프로그램의 사례를 살펴보고 세계관으로서의 생태 개념에 바탕을 둔 교육프로그램의 개발에 있어서는 간학문적이고, 장 기적이며, 다양한 분야와의 협업과 학생들의 삶에 기반한 교육프로그램의 기획과 실천이 필요하다는 시사점을 도출하였다.

“Ecology” has been understood to refer to a natural science, or a study of the relationships among living beings and their environment. Since the 1990s, however, discourses about ecology have been expanded and broadened to include other fields of study such as sociology, literature, aesthetics, ethics, pedagogy, and so forth. Ecology has therefore become accepted as an axiology that explores how and what kinds of values humans perceive, or in other words, a worldview. Within the same span of time, diverse discourses about environmental or ecological art education have emerged and proliferated within the field of Korean art education. Numerous researchers have explored these diverse ecological discursive perspectives, and provided art education programs based on their perspectives about ecology. This paper distinguishes itself from a majority of ecological art education research that has been based upon a perspective that associates the concept of ecology with natural science or environmental movements. My research explores and suggests the applicability of discourses of ecology as a worldview to art education program development.

이 논문은 유럽의 미술작품들 중에서 사회의식적 작품들(socially conscious works of art)을 어떻게 미학이나 미술비평과 같은 이해영역의 학교미술수업에 활용할 수 있을 것인가에 대한 탐구에서 시작 하였다. 본 연구에서는 이들 미술작품들의 형식적인 분석(formal analysis)보다는 작품들이 연관되어 있는 역사적인 사건과 창작 당시의 시대적 배경의 이해와 분석 즉 맥락적인 영역의 이해에 초점을 맞추었다. 왜냐하면 작품에 대한 맥락적인 영역의 이해와 분석을 통해서 우리는 미술작품의 의미, 내 용, 주제, 제작방법, 작가의 생각과 의도를 보다 심도있게 이해할 수 있기 때문이다(Shahn, 1957). 이 논문에서는 일반대중들에게도 비교적 잘 알려진 브뤼겔, 고야, 다비드, 콜비츠의 생애와 그들이 제작 한 사회의식적 미술작품들을 고찰해 봄으로서 이들 작품들이 현재를 살고 있는 우리들에게 던지는 삶과 관련된 주제에 대해서 생각해 보았다. 마지막으로 이 논문을 통해서 미술교육자들은 이 논문의 개념의 틀(conceptual frameworks)인 지속가능한 아이디어(enduring ideas), 시각미술을 이용한 학습 (learning with visual arts), 시각미술을 통한 학습(learning through visual arts)의 이해를 통해 16세 기와 20세기 초 유럽에서 제작된 사회의식적 미술작품들과 작가들이 어떻게 현대의 미술교육 수업에 접목되어 있는지 알 수 있을 뿐만 아니라, 시각미술수업이 어떻게 다른 교과와 학생들의 현재 삶과도 연결될 수 있는지 생각해 볼 수 있을 것이다.

This study begins with an inquiry into how relatively well-known and socially conscious European artists, such as Brueghel, Goya, David, and Kollwitz, and their works of art are used in public school art classes to instruct students on comprehensive domains like art criticism and aesthetics. Rather than a formal analysis of artworks, this study focuses on their historical backgrounds and contextual information, allowing students to attain a deeper understanding of their meaning, content, topics, and methods, as well as the artists’ visions and intentions (Shahn, 1957). This approach facilitates articulation and discussion regarding how these classic works still affect us in a contemporary world. Moreover, this paper emphasizes key conceptual frameworks such as enduring ideas, learning with visual arts, and learning through visual arts as ways educators can implement these socially conscious artists and their works of art within contemporary art classroom instruction.

본 논문은 미술교육 현장에서 전통미술의 교수와 관련해 당위론적 접근이 팽배하고 교수할 교과내용 이 선험적으로 이미 결정되어 있는 현상에 대한 비판적 고찰을 시도하는 것을 목적으로 한다. 이를 위해 먼저 전통미술교육에 관한 담론을 고찰해 본 결과, 원형그대로의 보존을 중시하는 본질주의적인 접근과 다른 국가와의 비교 속에서 전통문화의 가치를 발견해 내는 비교주의적인 두 가지의 다른 접 근법이 결국은 같은 원류, 오리엔탈리즘에서 비롯되었음을 밝혔다. 전통문화의 “재해석”과 “현재화”에 경직된 반응을 보이는 본질적인 접근을 추구하는 입장과, 다른 문화와 구별되는 한국 고유의 차별적 인 문화로서 세계문화에 필적할 만한 민족문화의 계승을 추구하는 입장은, 비록 문화적 순수성, 차별 성, 고유성을 탐색함으로 민족 정체성의 자존감을 드러내는 기제로 작용하였지만, 일제강점기에 식민 지배 논리로 차용되기 시작한 야나기 무네요시의 오리엔탈리즘의 논리를 내재화하고, 이데올로기적으 로 재생산 하면서 생성된 시각임을 고찰하였다. 마지막으로, 식민지배담론인 오리엔탈리즘이 촉발시 킨 이항대립의 현실 인식 구조를 해체하기 위한 노력의 일환으로 인식론적, 문화적, 교육학적 대안들 이 제시되었다.

When I taught junior art education major students in 2014 in Korea, I was surprised to learn they already possessed a priori knowledge of what values to teach in the area of cultural education through art heritage. Most offered automatic responses sharing the same set of key words without hesitation regarding purposes, implications, and methods in the processes of teaching and leaning the cultural heritage and cultural assets. They articulated similar reasons for this by crying out, “We might loose our identity if we do not teach our cultural heritage properly.” That experience has led me to this paper's purpose, to reflect and seek what social and cultural discourses have had impact on students' beliefs and attitudes. The paper begins with an investigation into social, cultural pedagogical discourses embedded in discourses of Korean cultural tradition, followed by an elaboration of two major findings. First, there are essentialists who prefer to appreciate cultural assets didactically rather than allow for a creative transformation of them. In addition, they favor acceptance of the superiority of Korean cultural heritage or artifacts when judged internationally. Second, the framework that Orientalism shaped, which was incorporated by Japanese colonialists to colonize Korea in the beginning of the 20th century, remains effective in shaping thinking/beliefs system, while disguising itself in the name of cultural superiority. This paper concludes by introducing the concept of a third space to deconstruct both the hegemony and binary of Orientalism in Korean society.

This essay concerns itself with the worries as to what the future brings regarding the Anthropocene, including the possibility of human extinction. I obliquely approach this difficult question by looking at Korean artists (Nam June Paik, Kim Ki-duk, Jang Joon-Hwan, Bong Joon-ho and Hoseob Yoon) who have addressed this issue in their own unique singular way by recalling the wisdom philosophies of the East (Zen and Doa in particular). I also mention the force of the eco art by Chris Jordan and Néle Azevedo. These approaches are juxtaposed to the art of the commercial media and raise the question: what should we do as art educators given the contemporary state of global warming and species extinction?

This article is based on a keynote presentation I made at the 2014 International Conference on Art Education Research Methods at Hanyang University, Seoul. In this article I present a personal perspective on two key aspects of my work, first as a professor of applied visual arts and second as editor of the International Journal of Education through Art. The first section of the article outlines the background to applied visual arts, including two case studies; the second section is based on my experience as editor of an art education journal. Throughout the article, my focus is on the relationship between art praxis, research and publishing.

최근 교육 연구에서 교사에 대한 관심은 현장과 이론 사이의 괴리를 좁혀줄 수 있는 하나의 과정으로 이해되고 있다. 교사나 연구자들이 처한 현장을 기초로 한 “자기 연구(self-study)”의 방법을 사용 한 연구물들은 방법론적 논의와 함께 그 관심이 증가하고 있다. 이러한 경향은 최근의 국내외 타 학 계의 많은 “자기 연구(self-study)”의 경향들이 다양한 연구 방법을 사용함으로써 연구의 주제와 폭을 넓혀가는 데에 따른 것이다. 그러나 그러한 관심에 비해 “자기 연구(self-study)”의 방법론적 논의나 수준에 관한 논의는 아직 활성화되지 못하고 있다. 이에 본 연구에서는 “자기 연구(self-study)”의 방 법을 올바르게 활용하는 데에 도움이 되고자 연구 방법론으로서의 논의와 함께 “자기 연구 (self-study)” 방법의 몇 가지들 중 미술교육에서 활용 가능한 연구 방법들을 정리하여 보고자 한다. 미술교육연구에서 “자기 연구(self-study)”를 중심으로 한 “자기 연구(self-study)” 방법의 활용은 교 사를 이해하고 현장에 대한 관심의 폭을 넓힐 수 있을 것으로 기대된다. 우선, “자기 연구 (self-study)” 방법으로 자문화기술지, 자전적 생애사 연구, 참여적 실행연구, 연행적 접근 방법의 네 가지를 통해 미술교사 연구에의 활용 가능성에 대해 살펴보았다. 또한 이러한 연구 방법을 사용함에 있어 다른 연구기법들과 구분되는 점이 무엇인지 찾아보고, 올바른 자료 수집과 분석에 대해 살펴보 았다. 마지막으로 “자기 연구(self-study)”를 중심으로 한 연구들이 가장 많이 비판받고 있는 타당성 및 신뢰성 논의를 통해 “자기 연구(self-study)”의 성격을 조망하고자 하였다.

Research using “self-study” has expanded rapidly in discussions regarding qualitative research methodology leading to the emergence of various research issues and fields, and an enlargement in the depth of research and the range of topics. This article presents a “self-study” for art education in order to use qualitative research methods properly. I focus on four qualitative research methods and their application: autoethnography, auto life history, participatory action research, and performative approaches to research. This study also pays attention to differences between positivism and “self-study” techniques, and the proper uses of qualitative research. Throughout this article, I attempt to maintain the nature of “self-study” in discussions of validity and reliability of qualitative research that are often criticized.

본 연구는 삶과 미술을 연결시키고자 하는 교사의 의식이 어떻게 미술 수업으로 실현되는지를 살펴 본다. 이를 통해 교사의 삶의 가치와 미술 수업의 관련성을 밝히고, 삶을 중심에 둔 미술 수업을 위 해 먼저 교사 자신의 삶을 들여다볼 필요성과 가치를 찾는 것에 목적이 있다. 이제까지는 미술 수업 이 학생들의 삶에 초점을 맞춰 논의되다 보니 교사들이 지향하는 삶의 가치에는 관심을 두지 못했 었다. 구체적인 논의를 위해 연구의 이론적 틀이 되는 ‘삶을 위한 미술교육’의 방법적 접근의 양상들 을 설명하고, 연구방법 및 절차를 기술하였다. 본 연구는 질적 연구 방법의 하나인 초상화법을 적용 하여 24년의 교직 경력을 가진 초등교사 1명을 대상으로 2014년 9월부터 12월동안 심층면담과 수업 관찰을 실시하였다. 그리고 수집된 자료를 바탕으로 교사의 의식이 미술 수업으로 나타나는 복합적 양상과 주요한 측면들을 해석하였다. 해석된 결과는 경계의 확장, 세상을 다르게 바라보는 예술적 상상력, 자아 확장 공간으로서의 작품이라는 세 가지로 범주화하여 교사의 삶의 가치와 미술 수업의 관계성을 밝혔다. 마지막으로 왜 교사 자신의 삶과 미술 수업의 관계성을 살펴볼 필요성이 있는지 논의하였다.

This study aims to find out what needs exist in order to connect teachers and students' values of life and the art class. A section, “Art education for Life,” offers a description of the theoretical framework for this study and describes our qualitative research methods and procedures. We utilized a portraiture methodology, and selected an elementary school teacher with twenty-four years of experience. In addition to observation of lessons in the classroom, we conducted in-depth interviews and analysed the complex patterns and key aspects in the teacher’s consciousness. We found three categories of connection between the teacher's life values and the art class, including: an extension of boundaries, looking at the world differently with artistic imagination, and works as a self-expansion space. We conclude with a discussion regarding further research into teacher's lives and the connection with art class.