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This paper argues for a platform where we can discuss the value of art education in the digital era. It mainly proposes the “humanistic value” of art education as a way to enhance the “spirituality” of art education. The change of technological landscape cause necessary changes in art education. However, art education should not be subordinated to the technological advancement. Rather, art education is confronted with impending tasks. To achieve this aim, this paper discusses a new wave of change, the stagnation of art education, and five unanswered question about the value of art education. Following these arguments, the spirituality of art education and the humanistic value of art education is defined and elaborated. Finally, the connection between artistic experiences and the spiritual engagement is highlighted as one of the rationales for art education to keep up with the 4th Industry Revolution. Giving anthropology and philosophy a larger role in art education, this paper propose further research on the origin of humankind and ways of living as a hub of art expression and appreciation.

이 논문은 디지털 시대 미술교육의 가치를 논의하기 위한 플랫폼을 고민해보기 위한 것이다. 미술교육 에서 정신성에 대한 논의를 활성화기 위한 방안으로 미술교육의 “인문학적 가치”를 제안하는 데 중점 이 있다. 기술혁신의 변화는 미술교육에 근본적인 변화를 요청한다. 그러나 미술교육은 기술혁신에 종 속되어서는 안 된다. 오히려 미술교육은 막중한 임무에 당면하고 있다. 이에 맞서기 위해, 이 논문은 변 화의 새로운 물결, 미술교육의 정체, 그리고 미술교육의 가치에 대해 아직까지 답하지 못한 5가지 질문 을 토의한다. 이를 바탕으로 미술교육의 정신성과 미술교육의 인문학적 가치를 정의하고 규명해 보려 고 한다. 마지막으로 미술적 경험과 정신적 연관의 관계성을 4차산업혁명에 발맞춘 미술교육의 새로운 정당성으로 조명한다. 미술교육에 있어 문화인류학과 철학에 비중을 두며 이 논문은 미술 표현과 감상 의 중심으로서 인류와 삶의 방식에 근간을 둔 향후 연구를 제안한다.

This article argues for the implementation of an expansive notion of art education that embraces the extraordinary potential of technologies as new art materials and encourages students to gain fluency and confidence in technology-infused art making. It is the outcome of a reflective-in-action research methodology, presenting select takeaways from 12 semesters spent teaching new media to pre-service teachers and collecting written feedback in the form of student blogs. The four “lessons” presented include the importance of stepping back from technology in order to re-approach it creatively, the power of making, the need to expose students to the vastness of technology in a variety of ways, and the value of making students stewards of their own learning.

이 논문은 새로운 미술 재료로서 특별한 잠재력을 가진 기술을 수용하고 학생들이 이 분야에서 유창 하고 테크놀로지 기반 미술 창작에 자신감을 갖도록 장려하는 광범위한 미술 교육의 구현을 다룬다. 그것은 반성적인 실행 연구 방법론의 결과로서, 12학기 동안 뉴미디어를 예비 교사에게 가르치고 학 생들이 작성한 블로그 형태의 서면 피드백을 선별한 것을 제시한다. 네 가지 “교훈”은 창의적으로 다 시 접근하기 위해 기술에서 물러나는 중요성, 제작의 힘, 다양한 방법으로 학생들을 기술의 광대함에 노출시킬 필요성, 학생들의 학업의 students stewards 만들기의 가치로 설명한다.

The creation and communication of meaning through the arts has always provided a powerful medium for shaping our understanding of ourselves and our worlds. The arts and education are cultural processes, where meaning is negotiated and co-constructed through patterns of interaction and situated learning in specific contexts. An interlocutor plays a significant role in surfacing a child’s artistic meaning making by focussing on what the child is doing, saying, thinking and learning. Importantly, the child should be encouraged to take the lead in such interactions, with the interlocutor responding sensitivity by focusing on the purpose and function of the child’s meaning as it unfolds. This focus brings together three components of children’s semiosis: Graphic assembling of actions, enactment of meaning and expressive narrative. Several examples of children’s meaning making through graphic-narrative-embodied play are presented to illustrate this theoretical position.

예술을 통한 의미의 창작과 소통은 항상 우리 자신과 세상에 대한 이해를 형성하는 강력한 수단을 제 공한다. 예술과 교육은 문화적 과정이다. 의미는 협상되고 상호작용이나 특별한 맥락에서 이루어지는 상황 학습의 형태를 통해 재구성되어진다. 대화자는 어린이들이 행하고, 말하고, 사고하고, 학습하는 것에 초점을 두며 어린이의 예술적 의미 만들기를 표면화시키는데 중요한 역할을 한다. 어린이의 의 미가 지닌 목적과 기능이 전개되는 것에 초점을 두는 감수성에 반응하는 대화자와 함께 어린이들이 그러한 상호작용에 나아가도록 격려해야만 한다. 이 초점은 어린이의 기호현상에 대한 세 가지 요소 를 나타낸다: 행동에 대한 그래픽 조합, 의미와 표현적 서술의 행위화. 그래픽-서사-체화 놀이를 통한 어린이의 의미 만들기를 보여주는 몇몇 예시들이 이런 이론적 견지를 보여주기 위해 제시된다.

본 연구는 지역 미술가의 창조적 작품과 연계한 학교 미술관의 설치․운영 활동이 아동과 교사, 지역 미술가의 예술에 대한 인식에 어떤 영향을 미치는지 그 현상을 분석하고 살펴보는 데 목적이 있다. 이 러한 목적을 달성하기 위한 연구 방법으로는 자료의 내용적인 분석이 가능하여 인식 변화와 내면의 생각을 보다 자세하고 심층적으로 연구할 수 있는 질적 연구 방법을 선택하였으며, 학교 내에서 일정 기간 임시 미술관을 설치․운영하는 실험적인 사례를 보여준다는 측면에서 사례 연구방법을 선택하였 다. 분석을 위해 수집된 자료는 심층 면담 텍스트, 관람 및 수업 동영상과 사진 자료, 연구자의 연구일 지, 아동의 설문지, 수업 후 연계활동을 통해 수집된 그림 자료이다. 연구 참여 대상은 지역 작가 2인, 3학년 2명, 6학년 3명의 아동, 작가와의 수업에 선정된 학급의 3학년 담임교사, 6학년 담임교사이다. 자료 수집, 분석, 해석의 연구 과정을 거쳐 지역 미술가의 창조적 작품과 연계한 학교 미술관의 설치․ 운영 활동이 아동과 교사, 지역 미술가의 예술에 대한 인식에 어떤 영향을 미치는지 그 현상을 연구한 결과는 다음과 같았다. 첫째, 아동들에게 미술 활동이 곧 자신의 삶에서 비롯되는 것임을 깨닫게 해주고, 자신의 생활 속에서 미술 표현의 주제를 찾을 수 있게 함으로써 주제 선정에 대한 거부감을 줄여 준다는 것을 알 수 있었다. 둘째, 교사에게 이러한 수업은 미술교육에 대해 좀 더 깊이 성찰하는 계기 가 되었다. 작가의 수업을 보며 인문학적 주제로 접근하는 미술 수업을 해보고 싶어 하는 욕구를 자극 하였고, 자신의 미술 수업을 돌아보게 하는 계기가 되었다. 셋째, 작가에게 ‘지역 작가’의 의미에 대해 생각해보고, 자신의 정체성에 대한 고민을 해 보는 계기가 되었다. 넷째, 인문학적 주제를 다루는 활동 을 통해 예술가의 삶이 아동의 삶과 연결되는 과정을 경험함으로써 예술이 삶을 위한 교육임을 이해 하고, 자신의 삶 안에 수용하도록 유도한다. 다섯째, 학교 미술교육의 방향성을 제시한다. 아동의 실물 감상 활동에 대한 적극적인 태도가 의미하는 미술 교육의 의미를 고려하게 한다. 여섯째, 찾아가는 학교 미술관은 비관람객을 겨냥한 가장 촘촘한 미술교육, 문화예술교육을 위한 그물이라고 할 수 있다.

The purpose of this study is to analyze and examine the effects of the installation and operation activities of school museums linked to creative works of local artists on the perception of art by children, teachers, and local artists. As a research method to achieve this purpose, we selected qualitative research methods that can analyze the data in detail and study in depth and in depth the changes of perception and inner thoughts. And selected the case study method in terms of showing the experimental case of installing and operating the temporary art gallery within the school for a certain period. The data collected for the analysis are the in - depth interview texts, the video and photographs of the classes and videos, the researcher 's journal, the questionnaire of the child, and the pictures collected through the post - class activities. Participants were two local writers, two third graders, three sixth graders, a homeroom teacher in the third grade of the class selected for the class, and a homeroom teacher in the sixth grade. The results of the study on the effect of the installation and operation of school art museum on the perception of art by children, teachers, and local artists were as follows. First, it was found that the children were able to realize that art activities were their own lives, and they were able to find the theme of art expressions in their own lives, thereby reducing the objection to the selection of themes. Secondly, this activity for the teachers became a chance to reflect more deeply on art education. Third, it was an opportunity to think about the meaning of 'local artist' and to worry about his identity. Fourth, through the activity of dealing with the humanities subject, the life of the artist is connected with the life of the child, so that the child understands that art is education for life and induces the child to accept it in his life. Fifth, the direction of school art education is suggested. It considers the meaning of art education, which means the positive attitude of the child to the real appreciation activity. Sixth, the visiting school museum is the net for the most dense art education aimed at the non-spectators.

본 연구는 미술교육에서 교육과정의 변형과 생산 가능성과 실천적 측면을 확인하기 위한 것이다. 그 리고 교사에 의해 해석된 교육과정이 교육과정 자료를 거쳐 수업에서 학생에게 일어나는 배움의 과정 을 타 교과와 차별화된 미술교육의 측면에서 자세히 탐구하였다. 이를 위해 들뢰즈와 과타리의 철학 을 중심으로 논의를 전개하였다. 이를 통해 교육과정을 다양체로 바라보는 사유 방식으로 교육과정 자체의 변형과 생산 가능성을 확인할 수 있었다. 또한 교육과정은 개발자의 의도에만 한정되어 실행 되기보다는 교사, 학생, 사회 등의 현실과 연결되는 양상에 따라 의미가 달라지므로 실천적 성격을 지 닌다. 교사는 잠재의식에서 다양한 부분기억을 현재 의식으로 끌어오면서 교육과정을 해석하고 교육 과정 자료를 선정한다. 교사가 교육과정을 규정하는 행위는 교육과정 가능성을 줄이는 것이 아니라 확장하는 것이다. 미술교육에서 교육과정 자료, 즉 작품은 정감이 내재된 감각적 힘이 있는 것으로 선 정되어야 한다. 이점은 타 교과의 교육과정 자료와는 다른 부분이다. 그리고 수업에서 작품이 학생과 만났을 때, 학생은 감각의 에너지로 예술적 배움과 성장을 이루게 된다. 결과적으로 미술교육의 역동 적인 전 과정은 다른 교과와의 차별성이 있다는 점과 교육과정 가능성과 실천성을 심화한다는 점에서 의의가 있다.

The purpose of this paper is to identify the practical aspects of the curriculum potential for transformation and production in art education. In addition, the purpose is to explore the process in detail from the curriculum as interpreted by the teacher to the learning that occurs in the classroom through the curriculum materials. The process of art education is different from that of other subjects. For this, I will focus on the philosophy of Deleuze and Guattari. The curriculum as a qualitative multiplicity makes the transformation and production of the curriculum itself potential. Since the curriculum has a practical nature, it changes the meaning according to the aspect connected with the reality of the teachers, students, and society rather than being executed only through the intention of the developer. The teacher interprets the curriculum and selects the curriculum materials by drawing various memories in the unconscious to the current consciousness. Defining the curriculum is not to reduce the curriculum potential, but to expand it. In art education, the curriculum materials must be selected as the works that have the power of sensation, affect. This is different from the curriculum materials of other subjects. When the students encounter the work in the instruction, they learn artistically and grow with the energy of the sensation. As a result, the whole dynamic process of art education can be distinguished from other subjects, and it becomes meaningful because it deepens the practicality and potentiality of the curriculum.

이 글에서는 이론과 실기로 나뉘면서 교과교육의 정상화가 이루어지지 않고 있는 우리나라 미술교육 의 현황을 확인하면서 이에 대한 개선 방법을 제시하였다. 우리나라 미술교육의 실기는 그 시작부터 유럽과 미국의 미술교육의 실기들이 도입되었으며 여기에 새로운 이론에서 도출된 실기들이 다시 첨 가되는 양상이다. 이 점은 학교 미술의 실기와 일반 미술계의 실기가 근본적으로 다른 것임을 말하는 것이다. 따라서 미술교육에서 가장 기본이 되는 조형요소와 원리의 디자인교육 및 바우하우스의 입체 교육 등을 포함하는 “초등미술교육 기초실기”와 다문화미술교육, 시각문화교육, 생태미술교육, 상호텍 스트성의 미술 등 현대미술교육에서 구체화된 실기들을 가르치기 위한 “초등미술교육 심화실기”의 강 좌가 개설되어 미술교육의 교육과정의 정상화를 도모하면서 미술가 교육과 구별되는 교사양성을 위 한 미술교육과의 정체성을 강화시켜야 할 것이다.

This article suggests a developmental method to improve art education in Korea in which theory and practice are divided: art education as theory andpractice as art world genres like painting, sculpture, ceramics, oriental painting, etc. The practice of art education in Korean art textbooks is first introduced from the art education practices that emerged in Europe and in the USA, where new practices are increasingly being added. This means thepractice of art education is fundamentally different from that of the practicing artist or artist in training. For this reason, the Foundation Course for Primary School Art is the required curriculum to teach design education in which design elements and principles are the basic core knowledge, as well as Bauhaus practices. This course follows the Development Course for Primary School Art to teach multicultural art education, visual culture education, ecological art education, and intertextuality in art, which can identify art in education by distinguishing art education and art teaching for the practicing artist.

본 연구는 미술 비전공 초등교사의 미술교육 석사과정 경험을 통해 미술교과의 교원교육이 어떻게 개선되어야 하는지를 밝힌 사례연구이다. 연구대상자인 세 교사는 각자 다른 교육대학교에서 미술이 아닌 타교과로 졸업하였으며, 현직교사로 일하는 중에 OO대학교의 초등미술교육 석사과정으로 졸업했다. 교사들은 미술전공 경험 후, 미술에 관한 신념과 그들의 삶이 변화되었음을 다음과 같이 밝혔다. 그들에게 미술은 재현능력이 부족한 사람에게도 포용력을 가졌으며, 자기 자신에게 집중하게 하여 스스로의 모습을 마주하게 하는 교과이다. 그리고 그들은 삶에서 ‘다른 사람처럼 살기’를 쫓아내고 ‘나다움’을 채웠기에 마음의 여유와 만족감을 충만히 느낀다. 연구자는 교사들의 경험담을 통해 교원양성대학과 교원재교육에 있어 미술교과교육이 어떻게 실행되어야 하는지를 제안한다. 첫째, 재현에서 벗어나서, 미술작품 표현이 마치 발명품을 만들어내는 것처럼 남과 다른 자신만의 색깔을 드러내는 차별성에 집중해야 한다. 둘째, 초등교원의 미술교육 자신감을 회복을 위해 일변도의 그리기교육에서 벗어나 자신의 삶을 담는 미술교육이 필요하다. 셋째, 미술과 삶의 다양한 모습을 이해할 수 있도록 미학교육을 강화해야 한다.

This study is a case study that clarifies how teacher training of art subject should be improved through the experience of master’s art major of a non-art major primary school teacher. Each study targets, three teachers, had graduated different educational universities with non-art major and all three graduated OO University with master’s elementary art education while they had been pursuing their careers as primary school teachers. After experiencing the major in art, teachers expressed the changes in their beliefs about art and lives as follows. For them, art has a catholicity even for those who lack the representation ability and it is a subject that allows us to face ourselves by let us focusing on ourselves. And they are now fully filled with breadth of mind and satisfaction since they could drive ‘living like another’ out of their lives and filled the empty space with ‘being myself'. The researcher, through the experience of teachers, suggests how art education curriculum of educational universities and teacher retraining should be executed as follows. First, it is important to concentrate on the differentiation that allows one to express one‘s own color as if an expression of an art work is a creation of an invention, out of the representation. Second, it is required to have the art education away from one-sided drawing education in order to restore teacher‘s self-confidence in art education, which they can contain their own lives on. Third, it is also necessary to reinforce education on Aesthetics so that teachers could understand various aspects of life.