Earticle

남도잡가 <화초사거리>는 남도민요의 중요한 레퍼토리 중의 하나로, 신방초가 개작한 곡으로 알려져 있다. 선율 유형과 구성을 중심으로 분석한 <화초사거리>의 작창법은 다음과 같다. 첫째, <화초사거리> 단락별 시작 선율의 다양성이다. 중음역의 평조 선율ㆍ돌장 선율ㆍ계면조 ① 선율ㆍ평조 엇청 선율ㆍ우조② 선율 등이다. <화초사거리>는 시작 선율에서 서서히 고조된 후 완만하게 하행 종지하는 음악적 서사를 전개하였다. 둘째, <화초사거리> 단락별 종지 선율의 일관성이다. 첫째 단락부터 여섯째 단락의 종지 선율 유형은 중음역 평조 선율이고, 일곱째와 여덟째 단락은 중음역 계면조① 선율로, 청 중심으로 종지 하였다. 셋째, 단락별 선율 구성의 다양성으로 본 작창의 작위성이다. <화초사거리>는 우평조 악조의 선율 유형들이 매우 다양하고 조밀하게 짜여있고, 계면조악조의 선율과 유연하게 넘나드는 작창법을 썼다.

“Hwachosageori” is a major repertoire in the Namdo Japga(Southern Japga), known to have been adapted by Shin Bang-cho. This study analyzes its composition method, focusing on melodic types and structural organization. First, the opening melodies of each section show notable variety. These include mid-range pyeongjo melodies, doljang melodies, gyemyeonjo melody no. 1, pyeongjo eotcheong melodies, and ujo melody no. 2. Second, the closing melodies demonstrate consistency. Sections one to six end with mid-range pyeongjo melodies, while sections seven and eight use gyemyeonjo melody no. 1, both resolving around a central pitch. Third, compositional intentionality is evident in the diverse internal construction. The song uses a densely organized array of upyeongjo melodic types and smoothly transitions between upyeongjo and gyemyeonjo melodies.

남북한에 공유되는 토속민요의 양상은 다음과 같다. 농업노동요에서는 방아소리와 하나소리, 메나리(미나리), 아용소리, 논둑가래질소리가 공유되었다. 방아소리 선율은 사당패의 활동에 의 해, 메나리는 지역적 인접성으로 인해 공유되었다. 아용소리는 조기잡이 뱃사람들에 의해 공유된 것으로 보인다. 어업노동요에서 고기푸는소리, 만선풍장소리, 노젓는소리는 고기잡이 뱃길을 따 라, 또는 시선배의 이동에 따라 공유되었다. 토건노동요에서 특정 유형의 공유 민요가 대거 관찰되 었는데, 토목ㆍ건축 분야의 전문 일꾼들에 의해 공유된 것으로 추측된다. 의례요에서는 무덤다지 는소리가 작업의 공통성으로 인해 공유되었다. 유흥요에서는 세시놀이노래와 동요가, 한탄요에서 는 ‘시집살이노래-사촌성님’이 공유되었다. 공유 민요 간 변주에서 선율 요소의 변주는 음조직의 변 화, 악구의 부분적 음역 이동, 악구의 도입부 또는 종지구의 변화로 정리되며, 음조직의 변화에는 지역성이 반영된다. 리듬 요소 변주는 박자 구조나 분박의 변화, 리듬의 확대 또는 축소로 정리된다. 형식 및 가창방식에서는 메기는소리와 받는소리가 서로 절반씩 겹치는 변화가 관찰되었다.

The patterns of folk songs shared between South and North Korea can be categorized as follows. In the case of farming songs, pieces such as Bang’a-sori, Hana-sori, Menari(Minari), Ayong-sori and rice paddy bank-leveling songs were transmitted through the activities of Sadang-pae(traveling performance troupes) and regional proximity. Fishing labor songs such as fish unloading songs, full-catch celebration songs, and rowing songs were shared along fishing routes or through the movement of market boats. A large number of construction work songs were observed, suggesting that they were transmitted by specialists in civil engineering and architecture. Grave-compacting songs were shared due to the common nature of the task across regions. Seasonal festival songs, children’s songs, and marriage-related songs - Sachon seongnim (cousin big brother) were also shared.

본 연구는 몽골 남동부 지역에 있는 다리강가(Дарьганга)의 예술가곡인 오르팅 도(уртын дуу) 의 음악적 특징을 고찰한 것이다. 중국 내몽골과 국경지대인 몽골의 다리강가는 대초원의 풍부한 자연환경과 지정학적 위치로 과 거 중국 중원을 잇는 군사ㆍ교역의 요충지로 중시되었으며, 고대 고구려 성터로 추정되는 곳이 발굴되어 한민족과의 역사적 상관성이 고려되는 지역이다. 이주민의 역사와 함께한 다리강가 오르팅 도의 음악적 특징은 약 3분 남짓한 악곡 속에 다양한 가창법으로 내재하여 전승되고 있다. 이는 다리강가를 대표하는 오르팅 도 가수인 쉬. 치메드체예 (Ш. Чимэдцэеэ)가 고안한 ‘심미적 발성(сэтгэлгээний эгшиглээст)’의 기보법만으로도 방증할 수 있다. 다리강가의 오르팅 도는 몽골의 보편적인 오르팅 도와 비교할 때 발성 기법과 가창법의 다양성에 변별점이 있으며, 한국 전통성악곡인 민요, 판소리, 정가 등의 가창법과도 비교될 수 있다. 이는 일천 년이 넘는 다리강가의 역사 문화적 특수성이 반영된 음악문화의 산물이자 예술가곡이다.

This study examines the musical characteristics of Urtiin Duu (уртын дуу), an art song of Dariganga in southeastern Mongolia. The Dariganga region, which borders China's Inner Mongolia, was once considered a strategic military and trade hub due to its rich grassland environment and geographic location connecting it with central China. Accordingly, Dariganga Urtiin Duu — shaped by the region’s migration history — is typically transmitted in the form of a 3-minute song using various vocal styles. This is well exemplified by the notation system of ‘aesthetic vocalization (сэтгэлгээний эгшиглээст)’ invented by Sh. Chimedtseye (Ш. Чимэдцэеэ), a leading Urtiin Duu singer from Dariganga. The Urtiin Duu of Dariganga has a variety of vocal techniques and singing styles compared to the Urtiin Duu from other regions of Mongolia. Notably, it bears similarities to traditional Korean vocal genres such as folk songs, pansori, and jeongga. This art song reflects over a thousand years of Dariganga’s distinctive historical and cultural identity, representing a unique product of its musical heritage.

본 연구는 2024년 12월 우즈베키스탄 타슈켄트에서 실시한 현지조사를 바탕으로, 고려인 공동 체 내 <밀양아리랑>의 수용과 전승 양상을 고찰한 것이다. <밀양아리랑>은 구소련 시기 청춘가무 단의 공연 레퍼토리로 활용되었으며, 이후 고려인문화협회 산하의 다양한 예술단체와 합창단을 통 해 지속적으로 전승되었다. <밀양아리랑>은 구소련시기 라디오, 음반, 카세트테이프, 유튜브 음원 등 다양한 미디어 매체를 통해 고려인 사회에 확산되었으며, 1992년 한국과의 수교 이후 문화예술 교류로써 전승 기반이 더욱 강화되었다. 현지조사를 통해 확인한 바, <밀양아리랑>은 봄바람, 사랑, 김병화, 부영꽃, 아리랑, 만남 합창단 등에서 주요 레퍼토리로 전승되며 포푸리 형식이나 아리랑 메들리로 편곡하여 공연된다. 또한 언어장 벽의 어려움 속에서 러시아어ㆍ한국어 가사 병기, 음원 청취, 구비전승 등을 통해 전승되고 있다. 결국, 우즈베키스탄 고려인 사회에서 <밀양아리랑>은 문화적 정체성과 세대 간 연결을 이어주 는 중요한 매개가 되고 있으며 민족문화가 현지의 사회ㆍ문화적 맥락에 맞게 계승되는 대표적 사례라 할 수 있다.

This study explores the transmission of “Miryang Arirang” among Koryo-saram communities in Tashkent, Uzbekistan, based on fieldwork conducted in December 2024. Originally included in the repertoire of the Cheongchun Song and Dance Ensemble during the Soviet era, the song has since been passed down through local choirs and arts groups affiliated with the Korean Cultural Association. Its dissemination was supported by media such as radio, cassette tapes, and YouTube, and further strengthened through Korea–Uzbekistan cultural exchange since 1992. Today, “Miryang Arirang” is performed in medley or potpourri formats by groups like Bom Baram, Sarang, Kim Byung-Hwa, Buyeongkkot, Arirang, and Mannam Choirs. Despite linguistic barriers, the song is preserved through bilingual lyrics, oral transmission, and engagement with recordings. It remains a meaningful symbol of ethnic identity and intergenerational continuity within the Korean diaspora.

본 연구는 <중대엽>이 18세기 이후에도 지속적으로 연행되었음을 전제로, 17세기부터 19세기 까지 고악보와 가집에 나타난 <중대엽>의 사설과 선율의 전개 양상을 유형별로 나누어 고찰하였 다. 선율은 17세기 양금신보의 4조 수록(유형 1)을 시작으로, 18세기에는 총 12곡으로 확장되는 분화 양상(유형 2), 19세기에는 일부 악곡이 생략된 형태(유형 3)로 전개되었다. 사설 역시 초기에 는 자수 구조가 일정하지 않은 비정형적 형태였으나, 18세기에는 <초중대엽>, <이중대엽>, <삼중 대엽>으로 분화되며 정형화되었고, 19세기에는 새로운 사설의 등장으로 정형성보다는 다양성이 확대되었다. 선율과 사설의 대응 양상은 초기에는 일대일 구조로 고정적이었으나, 이후 동일한 선 율에 다수의 사설이 대응되는 일대다 구조로 전환되며 정형성이 약화되는 경향을 보인다. 한편, 선 율의 경우 노래 선율보다는 거문고 선율을 중심으로 변주가 이루어지는데, 이러한 변화는 <중대 엽>이 노래 중심의 성악곡에서 거문고 중심의 기악곡으로 이행하는 조선 후기 음악사적 흐름을 반 영하는 것으로 이해할 수 있다.

This study examines the development of lyrics and melody in “Jungdaeyeop” from the 17th to the 19th century, based on its appearances in historical scores and song collections. The melody, initially presented in four modes in the 17th-century Yanggeum sinbo (Type 1), expanded to twelve pieces in the 18th century (Type 2), but was partially omitted in the 19th century (Type 3), showing a reduction trend. The lyrics became standardized in the 18th century with the division into “Chojungdaeyeop”(first Jungdaeyup), “Ijungdaeyeop”(second Jungdaeyup), and “Samjungdaeyeop”(third Jungdaeyup), and later diversified with new textual variants. Over time, multiple texts began to be set to a single melodic framework, indicating a shift away from fixed one-to-one correspondence. Melodic variation appeared mainly in geomungo parts, indicating a shift from vocal-centered performance toward instrumentalization, reflecting broader musical trends in late Joseon.

본 연구는 한국 전통 현악기인 가야금의 핵심 연주 기법 중 농현을 대상으로 하여, 음향적 특징을 정량적이고 시각화된 데이터로 분석함으로써 음악적 표현의 구조와 의미를 과학적으로 규명하고 자 하였다. 이에 본 연구는 음향 분석 도구 ‘Sonic Visualiser’와 ‘Expressive Means Vamp Plugins’의 Pitch Vibrato 분석 기능을 활용하여, 농현의 주파수 진동 양상을 정밀하게 추출하고 시각적으로 표 현하였다. 분석 대상은 남창 가곡 중 ‘계면 초수대엽’으로, 연주자는 홍원기, 김정자, 정해임이다. 분석 결과, 연주자마다 농현의 진동 폭과 빈도, 지속 시간이 상이하게 나타났으며, 이는 개인의 음악적 해석과 표현 방식에 따라 농현의 파형이 일정하지 않다는 것을 시사한다. 특히, 일부 농현은 서양 음악의 비브라토와 같이 정현파 형태를 따르지 않고 불규칙적이고 복합적인 파형을 보이는 특 징이 발견되었다. 이는 농현이 단순한 장식음 이상의 기능을 하며, 선율 흐름과 연주자의 음악 표현 에 실질적 영향을 미친다는 근거로 해석될 수 있다. 본 연구는 전통음악의 대표적 시김새인 농현을 청각적 인식이 아닌 계량적 영역으로 끌어내어 구체화하고자 하였으며, 향후 민속악 선율의 농현 분석, 또는 인공지능 기반 전통음악 분석 모델 구 축 등으로 확장 가능한 학술적 연구 방법을 제안하고자 한다.

This study aims to scientifically examine the expressive structure and meaning of nonghyeon—a core vibrato technique of the Korean gayageum—through quantifiable and visualized acoustic data. Using ‘Sonic Visualiser’ and the ‘Expressive Means Vamp Plugins' Pitch Vibrato function’, it analyzed the frequency oscillation patterns of nonghyeon in “Gyemyeon Chosudaeyeop”, a piece from the male gagok repertoire, performed by Hong Won-gi, Kim Jeong-ja, and Jeong Hae-im. The results revealed notable variation in nonghyeon width, frequency, and duration across performers, suggesting that nonghyeon reflects individual musical interpretation. Unlike Western vibrato, some nonghyeon displayed irregular, complex waveforms. This indicates that nonghyeon plays a substantive role in melodic flow and expressive nuance. The study proposes a quantitative method for analyzing traditional ornamentation, offering potential for future research in folk music or AI-based models for traditional music analysis.

양금은 그 기원이 고대 메소포타미아 지역의 고형 해머드 덜시머로 이는 동ㆍ서양으로 전파되어 현재 아시아, 유럽, 영미권 등 다양한 나라에서 폭넓게 연주되고 있는 악기로, 다양한 문화적 배경을 지니고 있기 때문에 다문화 음악 교육에서 효과적으로 활용될 수 있는 제재이다. 이에 본 연구에서 는 양금을 제재로 연주, 감상, 창작 영역으로 구분하여 다문화 음악 교육의 수업 지도 방안을 개발하 였고, FGI를 통해 교육적 효과성과 개선 방안을 살펴보았다. 양금의 세계적 전파 과정 자체가 스토 리텔링의 효과를 가지고 있기 때문에 이를 통해 문화 상대주의적 시각을 형성할 수 있고, 다른 나라 의 양금류 음악의 경험을 통해 단순히 타문화를 이해하는 것에서 나아가 감정을 공감하고 존중하는 태도를 익힐 수 있다. 수업 적용 시 가상 악기 앱 등의 활용을 통해 디지털 리터러시와 음악 창작 능력 도 동시에 강화할 수 있다. 또한 우리나라 향악의 음조직과 중국의 음조직을 통한 창작활동은 비서 구권의 음악 구조를 이해하고 세계시민으로서의 음악적 정체성과 균형 잡힌 시각을 형성할 수 있는 등 양금을 활용한 다문화 음악 수업의 교육적 효과성을 확인하였다.

The yanggeum, a hammered dulcimer with roots in ancient Mesopotamia, has spread widely across Asia, Europe, and the English-speaking world. With its multicultural background, it serves as an effective resource in music education. This study developed teaching strategies using the yanggeum in performance, listening, and composition, and examined their effectiveness through focus group interviews (FGIs). Its global dissemination fosters cultural relativism and empathy through exposure to diverse musical traditions. Incorporating virtual instrument applications can also enhance students’ digital literacy and creative expression. Composition activities using Korean and Chinese tonal systems promote understanding of non-Western music, encouraging a balanced perspective and global identity. Overall, the study confirms the pedagogical value of yanggeum-based multicultural music education.

조선시대 문인들은 중국의 고금론을 수용하거나 변용하여 현금론을 전개ㆍ발전시켰지만 금론 을 논함에 있어 주자의 ｢금률설｣을 구체적으로 언급한 경우는 보기 드물다. 그런데 19세기 문인 류 휘문과 유중교는 주자의 ｢금률설｣을 전사하는 데에 그치지 않고 주해를 달거나 도해를 그려 해설하 였다. 류휘문은 ｢금률설｣에 담긴 주자의 이론과 함께 주자 당대의 음악적 변화를 있는 그대로 이해 하고자 했고, ｢금률설｣을 비판적으로 분석하기보다는 주자 원전에 충실하여 수용하고자 하는 태도 를 보였다. 반면, 유중교는 ｢금률설｣을 비판적으로 해석하여 주자 당대의 음악 풍조는 배제하고 주 자의 정론(正論)만을 수용하고자 했으며, 그 이론을 활용하여 직접 악기를 만들었다.

In 19th-century Joseon, the literati Ryu Hwi-mun and Yu Jung-gyo not only transcribed Zhu Xi’s Geumnyulseol(琴律說) but also annotated the text and produced diagrams to facilitate its interpretation. Ryu Hwi-mun sought to grasp not only Zhu Xi’s theoretical insights but also the musical developments of Zhu’s own era as they truly were. Rather than offering a critical reinterpretation, he adopted a receptive approach rooted in fidelity to Zhu Xi’s original writings. Yu Jung-gyo, by contrast, deliberately set aside the musical context of Zhu Xi’s time. He interpreted the Geumnyulseol through a critical and philological lens, applying its principles to the construction of actual instruments.