Earticle

이 글은 전 지구적 전염병인 코로나19 유행 이후 발생한 음악 분야와 관련된 변화의 다양한 양상을 2020에서 2021년 봄학기까지 미국에서 발표된 석사와 박사학위 논문을 통해 살펴본다. 코로나19 발생 이후 음악 분야와 관련된 변화 상황이 국내에서 논문을 통해서 발표되고 있으나 해외의 상황을 살피는 경우는 발견되지 않고 있다. 해외의 경우 일반적으로 학술지 논문보다 학위 논문을 통해 훨씬 빠르게 현재적 상황을 보여주는 글을 접할 수 있다. 이 글을 위해 미국 학위논문 검색 사이트인 프로퀘스트(ProQuest)에서 “COVID-19”, “music”, “ethnomusicology”, “new normal” 을 중심어로 하여 코로나19의 영향력을 반영한 학위논문을 검색하였다. 그 결과 16개의 논문이 코로나19의 음악 분야에 관한 직접적 영향력을 서술하며 논문 전체의 주제로 삼거나, 논문 일부에 서 다루고 있음을 확인하였다. 졸업 연주를 앞두고 있던 학생이 코로나19로 인하여 대면 연주가 불가능하게 됨에 따라 졸업 연주를 영상으로 제작하고 그 과정을 논문으로 작성하거나, 공동체 음악을 연행하는 단체가 가상 모임으로 옮겨가며 겪게 된 변화들과 같이 다양한 주제가 포함된다. 이 글에서는 16개의 논문을 음악교육(Music Education), 졸업연주(Graduation Performance), 음 악교육자와 음악치료(Music Educators and Therapy), 공연예술(Performing Arts), 공동체 음악 (Community Music)의 다섯 개의 주제로 나누어 분야별로 공통적인 부분을 논의하였으며, 필요한 경우 한 논문을 주목하여 살펴보기도 하였다. 이 글의 셋째 부분인 “뉴노멀 시대의 음악 분야에 대한 조망”에서는 코로나19 이후 변화된 음악 분야에서 생각해 보아야 할 문제로 디지털 격차 (digital divide), 공연의 현장성, 각 음악문화 고유의 본질적 특성의 변화, 음악하기의 윤리성 문제 라는 네 가지 측면을 논의하였다.

This paper examines various aspects of changes related to the field of music which have occurred since the onset of the global COVID-19 epidemic, through master’s and doctoral thesis published in the United States from 2020 to the spring semeter of 2021. Three semesters have passed since the outbreak of the epidemic, and not many academic papers have yet been published in which the connection between the field of music and COVID-19 is clearly delineated. In the case of degree theses, however, a search for “COVID-19,” “music,” and “ethnomusicology” through a degree thesis web search engine returned 16 theses that dealt directly or indirectly with the effects of the virus. Some made the impact of COVID-19 a direct topic of papers. In some other cases, new phenomena caused by COVID-19 were included as a part of the papers. In one instance, a student about to perform a graduation recital was unable to perform before a live audience and wrote a thesis on the process of producing the graduation recital as a digital sound recording. Elsewhere, there are theses on the difficulties of virtual music teaching, particularly of vocal and instrumental music, where in-person lessons are essential, and also theses discussing the impact of COVID-19 on autonomous music communities outside of schools. In this paper, the 16-degree theses are classified into five categories for discussion: music education, graduation performance, music educators and therapy, performing arts, and community music. I’ll first talk about ideas I got from papers in each group. I’ve tried to come up with generic ideas they share in common; however, sometimes, by necessity, I’ll zoom in on a particular paper. In the section under the name of “Perspectives of the Music Field in the New Era,” I will discuss four issues—digital divide, immediacy or on-the spotness of the performance, changes in the essential characteristics of each music culture, the question of morals in doing music—that have been collectively gleaned from the previous sections.

음악인류학의 연구대상은 전 세계의 음악문화이다. 지난 20세기 후반을 휩쓴 “지 구화”는 전 세계 음악실천의 “노멀”로 음악문화와 음악산업을 규정하고 확장해 온 근간이자 조건이었다. 그러나 2020년 예상치 못하게 등장한 코로나 19 팬데믹은 음악 문화와 음악산업에 큰 위기를 가져왔으며 이를 극복하고자 하는 여러 시도들로 매우 짧은 기간 안에 음악문화는 이전에 경험하지 못한 “뉴노멀”의 세계 안으로 진입하였다. 물리적 이동의 제한과 거리두기는 예술가들의 삶뿐 아니라 국제 교류와 공연 유통에 치명적 타격을 주었다. 단절을 극복하기 위한 대응으로 온라인 기반의 영상 스트리밍, 기술혁신 활용의 공연, 새로운 유통 플랫폼 등이 등장하고 그 과정에 서 공연 콘텐츠의 범람, 기술기반의 확장, 새로운 팬덤의 유입 등 음악의 생산과 소비의 새로운 변화도 감지되었다. 무엇보다 지역 간, 계층 간, 장르 간 음악 문화의 불평등이 심화되거나 드러나는 계기가 되었다. 코로나 19 시기 사회, 경제, 정치 분야에서 탈지구화와 국가주의로의 환원, 새로운 지구화 국면 등의 논제가 중요하게 대두되고 있어 코로나가 촉발한 음악변화와 관련 하여 음악 연구에서도 지구화의 논제들은 중요하게 논의될 필요가 있다. 이에 이 연구는 코로나 시기 아시아 음악 실천과 경험의 사례를 중심에 놓고 현재 진행 중인 포스트 지구화의 논제들을 논의하고 포스트 지구화 시대 동시대 음악학자들에게 주어진 과제를 제언으로 마무리한다.

Ethnomusicologists investigate the various musical cultures of the world. The globalization that has swept the world since the late twentieth century has defined and extended musical cultures and music industry globalization as “normal” and the foundation and condition of musical practices. However, uncertainty reigned as COVID-19 brought crisis to musicians’ lives, musical cultures, and music industries worldwide. Subsequent to various attempts at overcoming this disaster in a short period of time, musical cultures entered the world of a “new normal.” Physical restrictions and social distancing were deathblows to not only musicians’ lives but also international exchange and performance tours. Responses to restoration delivered newly-arisen practices including live online performance, YouTube videos, technology-based concerts, and new distribution platforms. During this process, changes in the production and consumption of music including a flood of concert contents, expansion of concert and online concert technology foundations, and the influx of new audiences have been witnessed. Moreover, COVID-19 truly presented an opportunity to reveal and even heighten the inequality of music cultures around the world, contingent on locale, generation, class, and musical genre. In relation to COVID-19, issues including de-globalization, a retun to nationalism, and a new phase of globalization have arisen in the fields of sociology, political science, and economics. It is also crucial to discuss issues of globalization in relation to musical cultures and the changes caused by COVID-19. In this way, using examples of musical expreinces and practices in Asian music during the COVID-19 period, this paper will discuss the current issues of post-globalization and the responsibilities of contemporary musicologists.

코로나바이러스는 일본 민속음악 전통에 어떻게 영향을 끼치고 있을까? 또 “뉴노 멀”의 시대에 민족음악학적 연구는 어떤 모습이 될까? 2020년 바이러스가 나타나고 일련의 국가적 대처들이 생겨나면서 우리 삶의 모습은 크게 변화하여 왔다. 자연재 해와는 달리 감염 자체는 구조적 파괴를 야기하지는 않지만, 경제, 사회 및 문화적 경관은 이제 사람들이 이전처럼 민속음악 전통을 겪을 수 없음을 보여준다. 더하여 감염병은 우리의 민족음악학적 ‘장’과 연구 방법에 있어서의 급속한 변화를 요구하 게 되었다. 이동의 제한과 락다운은 많은 이들로 하여금 우리가 우리 연구 주제의 현장으로부터 떨어지게 만들었다. 그러나 직접적 상호작용의 결여는 타 문화를 경험 하는 새로운 방식을 발전시키고 제공하는 인터넷을 사용케 할 뿐 아니라, 현지조사 수행의 기술을 다양화시켰다. 이 연구는 스스로의 프로젝트에서 찾아낸 발견 및 온라인 연구에 관한 사유를 드러 낸다. 나 자신의 온라인 현지조사에서 찾아낸 것들을 통해 일본 민속음악 전통에 대한 코로나바이러스의 영향을 분석하였다. 이어, 실제 삶과 가상 민족지적 탐구 사이의 차이를, 경험에 입각한 온라인 지향 연구의 가능성과 어려움을 탐구함으로써 살폈다. 마지막으로 우리 학제의 본질과 관련된 여러 시각들을 소개하면서 “뉴노멀”에서의 민족음악학적 탐구의 미래를 논하였다. 궁극적으로, 나는 가상의 장에 관한 과도한 의존의 단점을 경고하면서도 온라인 연구의 가능한 이점을 보여주고자 하였다.

How has Coronavirus been affecting Japanese folk music traditions? And what will ethnomusicological research look like in the age of the New Normal? Since the virus’s identification and a series of governmental responses beginning in 2020, our lifestyles have undergone significant transformation. While the epidemic itself causes no structural damage - unlike natural disasters - resulting economic, social and cultural landscape illustrates that people can no longer enjoy experiencing folk music traditions as they did before. Concomitantly, the pandemic has necessitated cataclysmic changes within our ethnomusicological ‘field’ and research methods. Travel restrictions and lockdowns have been forcing many to investigate far away from the locations of our research topics. However, the evaporation of direct interaction has not only encouraged locals to use the internet to promote and provide new ways of experiencing their culture, but also diversified the methods of conducting fieldwork. In this paper, I present findings from my project and some thoughts regarding online research. I begin by analysing the impact of Coronavirus on Japanese folk music traditions, putting forward findings from my online fieldwork. Next, I examine the difference between real-life and virtual ethnographic investigation, exploring the potentialities and challenges of online-oriented research based on my experiences. Lastly, I discuss the future of ethnomusicological research in the New Normal, introducing several perspectives relating to the intrinsic nature of our scholarship. Ultimately, I aim to demonstrate the potential benefits of online research, while warning of the disadvantages of over-reliance on the virtual ‘field’.

민족음악학자들은 오랫동안 음악 연행의 통합적 기능을 인지하여 왔다. 음악 연 행 연구는 연행의 가치와 효과를 형성하는 음향적, 물리적 경험뿐만 아니라 연행 속에서 의미를 드러내는 사회사, 정치, 영적 믿음 등을 살피어 왔다. 민족음악학자들 에 있어 연행의 맥락 및 연행자의 정체성은 소리의 미학과 생성만큼이나 핵심적이어 왔다. 사회문화적 맥락의 변화는 음악 연행에 대한 인식 및 해석의 변화를 만들었고, 이에 대한 이해가 민족음악학의 발달에 핵심을 이루었다. 2020년 코비드-19 감염병은 사람들의 이동 및 집결에 기반한 산업 및 이벤트들을 위태롭게 만들었다. 아시아학 연구협회(The Association for Asian Studies)를 예로 들면, 네트워킹 및 학술 발표를 위해 3, 4천 명이 모여오던 연례 컨퍼런스를 재고해 야 하였다. 이러한 컨퍼런스에서의 음악 연행은 주변적이었으며, 지나치는 청중들을 참여시키며 (중심에 두기보다는) 전체 이벤트의 의미를 증진시키는 것이었다. 전지 구적인 파괴적 효과를 경시하지 않은 채, 감염병은 우리가 상호작용하는 방식 그리 고 음악 연행의 역할을 재상상할 기회를 만들어냈음을 지적할 만하다. 이 연구에서 나는 이 새로운 가상현실 속에서 우리가 음악의 활용, 혼합된 음악 연행 공간의 중요 성, 그리고 음악 연행의 효과와 기능에 대한 인식을 변화시켜야만 함을 역설한다. 발표에서 나는 2021년 AAS 가상 연례 학회에서의 진돈야(Chindon’ya) 및 현대 일본 퓨전 음악 연행 녹음을 분석한다. 이 특정된 가상공간에서 음악 연행은 주최측 의 지적인 프레이밍 및 참여자들의 가상적 ‘추임새’와 어우러진다. 이 연행들의 분석 을 통해, 나는 연행의 물리적 장소가 가상공간과 함께 작동하여 시공간을 해체하고 컨퍼런스 맥락 속 음악 연행의 의미를 재구하는 방식을 드러낼 것이다. 이 글의 목적은 어떻게 이러한 온라인 음악 연행자들이 참여자들의 연결성을 증대시키면서 동시에 물리적 거리의 지각을 없앨 수 있는지를 보여주는 데 있다. 이러한 연행들은 참여자들(연행자ㆍ프로듀서ㆍ청중)을 현실이면서 가상의 공간 속에 능동적이며 다 감각적으로 몰입케 한다.

Ethnomusicologists have long recognized the integrative function of music performance. Studies of music performance examine social histories, politics, spiritual beliefs, among others, that underscore meaning in music performance as well as examine the acoustics and physical experience which shape the value and impact of a performance. To ethnomusicologists, the contexts of performance and identities of performers are as essential as the aesthetics and production of sound. Transformations in sociocultural contexts lead to transformations in perceptions and interpretations of musical performance and understanding these is essential to ethnomusicology’s ongoing development. In 2020, the COVID-19 pandemic forced into survival mode industries and events dependent on the movement and gathering of people. The Association for Asian Studies, for example, had to reconceptualize its annual conference, which, historically, brings together 3~4,000 individuals for in-person networking and academic presentations. Music performance at these conferences largely has been peripheral, engaging audiences in passing and enhancing, rather than centralizing, the significance of the overall event. Without downplaying its devasting impact worldwide, it is important to note that the pandemic has created opportunities to re-imagine ways by which we interact and the role of music performance therein. In this paper, I contend that this new virtual reality into which we were all forced has altered perceptions regarding the use of music, the significance of hybrid music performance space, and music performance’s impact and function. Here, I examine pre-recorded performances of Chindon’ya and contemporary Japanese fusion music at the 2021 AAS Virtual Annual Conference. Within this specific virtual space, music performances merged with organizers’ intellectual framing and the virtual ‘chuimse’ of participants. Through an examination of these performances, I will uncover the ways by which the physical location of performance worked in tandem with the virtual space to both dissolve space and time and reshape the meaning of music performance within the conference context. My goal is to demonstrate how such online music performances can eradicate perceptions of physical distance while simultaneously augmenting connectivity of participants. Such performances engage all participants—performers, producers, spectators—in an active, multisensory immersion in a space both real and imaginary.

국악기 연주자의 입장에서 양쪽 귀에 도달하는 자기 연주음의 음압을 측정하였다. 측정 방법으로는 연주자의 양쪽 귀에 연주음 청취를 방해하지 않도록 측정용 마이크를 착용하고 음계와 음악을 각 3회 반복 실시하였다. 이때 실제 연주 시 연주자가 편하게 느끼는 음량으로 각 악기의 전 음역을 측정할 수 있도록 연주하여 측정하였다. 그 결과 연주자의 좌우 양쪽 귀에 도달하는 각 악기 연주음의 주파수 대역별 음압차이를 확인 할 수 있었다.

From the point of view of a traditional Korean instrument player, the sound pressure of his playing sound reaching both ears was measured. As a measurement method, the measurement microphone was worn on both ears to not interfere with the player's listening to the performance sound, and the musical scale and the music play were repeated three times each. When playing the musical scale, the performers played the instruments by the intensity of the sound they felt comfortable applying during the actual performance. And when playing a music piece, it was measured by playing to measure the full range of each instrument. As a result, it was possible to confirm the difference in sound pressure level by frequency band of each instrument reaching the left and right ears of the performer.

본 논문은 훈의 역사와 그 발전에 관한 연구이다. 이 연구의 주된 목적은 훈의 역사적 배경을 이해하면서 훈에 관한 문헌, 출토된 유물과 벽화 등의 자료를 활용하고 예술학, 음악학, 역사를 결합하여 역사 속에서의 훈의 발전상을 분석하며 훈의 각 시대적 기능을 살펴보는 데 있다. 본 논문에서 시대의 구분은 중국 고대 역사 중 일반적인 왕조 분류를 따랐다. 연구에는 중국의 훈과 한국의 훈이 포함되지만 훈의 역사적 변천 과정을 알아보기 위해서 중국의 훈을 중심으로 고찰했다. 훈의 기원, 전성기, 쇠퇴기 그리고 훈의 새로운 전성기 등 4부분으로 분류하여 분석했 다. 훈의 기원은 신석기 시대이고 지공이 1개 혹은 2개이고, 모양은 계란형이고, 주된 기능은 제사에 사용된 것이지만, 신석기 시대 말기 훈의 기능이 이미 단순한 소리를 내는 것을 넘어 다양한 용도로 사용되었다는 것이 도출되었다. 훈의 전성기는 하상(夏商) 시대로 예악 제도의 수립과 함께, ‘아악’에서 중요한 악기로 사용되었고 5개의 지공으로 완성된 시기이다. 전국(戰國) 말기부터가 훈의 쇠퇴기이다. 둔황 막고굴 벽화에 훈의 흔적이 남아있고, 청시대 『당호훈보』의 고악보의 등장으로 훈의 역사 공백이 일부 메워졌지만 그 악보는 훈의 발전에 크게 영향을 주지 못했다. 20세기 이후 훈은 독특한 음색의 악기로서 음악 전공자들 사이에서 전공 악기로 선택되기도 했으며, 훈 음악 전문단체의 탄생과 한국 송경근이 만든 ‘송훈’ 등으로 폭넓게 활용되고 있는 것이 고무적이다. 훈의 새로운 전성시대가 시작되었음을 알려준다. 본 논문에서 도출한 훈의 통시적 연구의 결과물은 앞으로 훈 음악을 연구하는 데에 자료로서 활용 가치가 있을 것이다.

This thesis is about the history and development of Xun. The main purpose of this study is to understand the historical background of Xun, analyze the development of Xun in history and observe the functions of Xun in each era by using the documents related to Xun, unearthed cultural relics and murals, combined with art, musicology and history. In this paper, the concept of time follows the general classification of dynasties in ancient Chinese history. Although the research includes Chinese Xun and Korean Xun, in order to understand the historical change process of Xun, the research focuses on Chinese Xun. It is divided into four parts: the origin, the heyday, the decline and the honor after the 20th century. Xun originated in the Neolithic age. There were one or two Chi gongs in the shape of an egg. Its main function was for sacrifice. However, at the end of the Neolithic age, Xun's function had gone beyond simple sound and was used for a variety of purposes. Xun’s heyday was the Xia and Shang Dynasties. With the establishment of the ritual and music system, it was used as an important musical instrument in “a Yue”, which was completed by five local officials. At the end of the Warring States period, family training declined. The murals of Dunhuang Mogao Grottoes left traces of Xun. The emergence of professional ancient music scores of Tanghaoxunbo in the Ming and Qing Dynasties filled the historical gap of Xun, but the development of Xun did not have much impact. After the 20th century, Xun, as a unique timbre instrument, was selected as a professional instrument among music professionals and widely used for the birth of Xun music special group and “Song Xun” produced by song jinggen of Korea. The research results of Xun’s general poetry obtained in this paper have material value for the later study of Xun’s music in the future.

본 연구는 1958년 김희조가 채보하고 편곡한 두 곡과 1950년대 말 성금연이 남긴 음원과의 비교를 통해 초기 성금연류 가야금산조의 음악적 특성을 확인하는데 그 목적이 있다. 그 결과 첫째, 김희조 채보는 가야금의 경우 이조 기보를 하고 있었으며 성금연류와 박상근류 협주곡의 전체 장단 수와 선율이 동일하였다. 단 박상근류 협주곡에서 4장단의 다른 선율이 존재하며 킹스 타 KSM-1085 음원에 실려 있다. 둘째, 킹스타 K5955의 진양조 총 25장단, 중모리 총 25장단이 두 협주곡의 선율과 상이하며, 무장단 형태와 엇모리 2장단이 성금연의 초기 음원에서 확인되었다. 셋째, 김희조는 1958년에 성금연류를 거의 최초로 오선보화 하고 성금연류 가야금산조로 명명 한 작곡자임을 알게 되었다. 역사를 거슬러 올라가 초기 가야금산조의 모습을 살필 수 있는 연구 가 지속될 수 있기를 기대한다.

The purpose of this study is to confirm the musical characteristics of Gayageum Sanjo in the early stages through comparison between the two songs compiled and arranged by Kim, Hee-jo in 1958 and the sound sources left by Sung Geum-yeon in the late 1950s. As a result, first, Kim, Hee-jo Chae-bo was performing Lee- Jo-gi-bo in the case of Gayageum, and the overall rhythm and melody of the Donation and Park, Sang-geun Concerto were the same. However, there is another melody of the four beats in the Park, Sang-geun Concerto and appears in Kingstar KSM-1085. Second, Kingstar K5955's 24 Jinyangjo and 25 Jungmori are different from the melody of the two concertos, while Jinyangjo Quartet, Eotmori 2nd, and Mujangdan appear in Sung, Geum-yeon's early music sources. Third, Kim, Hee-jo learned that he was the first composer to name the donation association in 1958 and the donation association as Geumsanjo. It is hoped that research on the early Gayageum Sanjo will continue back in history.