Earticle

20세기 초 전통음악은 국립국악원의 재정비, 무형문화재 제도, 국악의 교육제도화, 국악관현악 단의 등장 등을 통해 현대화의 기틀이 마련되었고 현대적 국악계로 재편되었다. 그러나 국악은 공연예술계와 문화사업이라는 두 주류의 흐름에서 비껴나고 문화유산의 범주에 머물게 되었다. 하지만 신진예술가들은 시대의 변화에 적응하고자 다양한 시도를 계속하게 되는데 2000년대 이 후 세계화와 함께 등장한 글로벌 음악시장은 도전의 장을 제공하며 동시에 새로운 음악실천을 가능케 하고 있다. 이 연구는 이러한 21세기 한국음악과 세계화의 교차지점에서 구성된 새로운 방식의 음악실천 을 고찰한다. 여기서는 기존 연구에서 상세히 다루지 못했던 국내외 공연 및 유통 플랫폼의 등장 과 이러한 플랫폼을 통한 글로벌 시장으로의 진입의 궤적과 함께 새로운 음악하기의 실천과정과 그 의미를 살펴본다. 특히 글로벌 산업으로서의 월드뮤직 시장이 구성되는데 결정적 역할을 한 워멕스와 같은 글로벌 월드뮤직마켓, 국내 예술생산자들을 글로벌 시장으로 소개하는 공연과 유 통의 플랫폼으로서 서울아트마켓, 저니투 코리안 뮤직, 21세기 한국음악프로젝트, 천차만별 콘서 트, 여우락 페스티벌, 소리프런티어, 전주세계소리축제, 울산월드뮤직축제 등의 마켓, 경연대회, 공연, 페스티벌을 고찰한다. 그리고 월드뮤직 장 안으로 안착한 <들소리>, <김주홍과 노름마치>로 부터 <토리앙상블>, <잠비나이>, <숨>, <블랙 스트링> 등 아티스트의 사례를 살펴본다. 세계화의 토양안에서 구축된 다양한 플랫폼들은 연행자들의 글로벌 실천을 용이하게 하였다. 세계화의 조건 안에서 글로벌 음악하기를 선택한 연행자들은 기존 국악계에서 실천하였던 음악관 습, 음악어법, 악기, 연주법을 취사선택함으로서 다자성의 실험과 개성이 드러나는 창작실천을 시도하고 있다. 이들의 활동은 “국악의 세계화”를 실천하는 과정이며, 초문화적 상상력으로 상호 문화성을 획득하고자 하는 글로벌 시대의 정체성을 드러내고 있다.

The hardship of the traditional music of the early 20th century which caused by the Japanese Imperialism was subjugated and reorganized by establishing institutions including nationalism, modern means of educational institutions, national heritage system, the National Gugak Center and modern traditional orchestras. Reorganized modern gugak included earlier repertoires of traditional music with new repertoires for modern stage and these repertoires have fixed. However, traditional music which could not be taken into cultural industry and only remained at the boundary of heritage. However, growing numbers of artists who were raised by the modern system strived to survive. This paper pays attention to the younger generation of artists and their global activities since 2000 along with the emergence of globalization and world music. I examine the recent music practice of Korean music within the global market to explore how several global and local flatforms have worked for them to prepare the global market and ways in which globalization have experienced by them. In this paper, with examples of Dulsori, Kim Ju-hong and Noreum Machi, Tori Ensemble, Jambinai, Su: m, Black String and others, I argue that they are the main agency of reveling global identity by creating with their trans-boundary music. These Korean artists, as subjectivities of practicing global identity, in the field of world music, create a new meanings of Korean music in the era of globalization.

한국음악에 서구적 개념의 음악창작이 도입된 것은 1940년대로 오선보를 시작으로 서양식 음계, 화성진행, 음악용어 등 서양식 음악어법 및 서양식 지휘자가 세워지는 연주형태의 모습이 나타나기 시작했다. 김기수 이후, 대학교육 내에서 국악작곡을 전공한 이성천, 백대웅, 이상규, 박일훈, 이해식, 전인평, 박범훈 등은 본격적으로 서양식 작곡방식을 그들의 창작활동에 도입하며 국악창작의 지평을 넓혀가게 되었다. 본 논문에서는 국악작곡가들 가운데 많은 작품편수와 다양한 작곡기법을 시도한 이성천, 이해 식, 전인평의 대표적 작품들을 선정하여 각 작품에서 중요한 특징이라 간주되는 작곡기법들을 중심으로 전통음악요소들이 어떻게 발전, 변용 혹은 재구성 되는지를 살펴보았다. 이성천은 잘 계획된 구조적인 악곡의 형식미를 보여준다. 소재는 전통음악의 정악과 산조뿐 아니라 자연, 일상, 종교, 문학, 사회와 관련된 표제음악을 많이 작곡하였으며 특히 가야금 곡을 많이 작곡하였다. 또한 악기를 개량하고 이를 위한 다양한 주법을 개발하여 이성적이면서도 실험 적인 작곡가의 면모를 나타내었다. 이해식은 전통음악 중 향토음악과 토속민요, 무속의례를 소재로 작곡하였고 특히, 무속의례에 서 영향 받은 언어, 춤, 음악, 연극, 감정의 표출 등이 자유로우면서도 종합적인 그의 예술적 지향 의 근거로 작용하였다. 그는 악기별 연주기법을 다양하게 사용하였는데 다중주법, 겹리듬, 하이브 리드 리듬 등을 사용하여 그만의 개성적인 음악적 억양을 구사하였다. 전인평은 만․중․삭의 개념을 기반으로 한 전통형식과 표제음악의 형식, 고악보, 범아시아의 민요, 설화, 음계 등을 그의 작품에 사용하였다. 그는 작품에서 리듬 등을 연주자가 자유롭게 변형시켜 연주할 수 있도록 하는 음악적 즉흥성을 강조하였다. 또한 술대주법을 계발 및 사용함으 로 다양한 음악적 효과를 얻었으며, 거문고 병창 등 거문고의 새로운 음색과 연주법을 확대하는데 공헌하였다. 세 작곡가는 선호한 악기, 음악적 표현에 차이가 있었으나 공통적으로 전통음악적 요소를 작품 에 활용하고 새로운 창작기법을 만들어 내었다. 이러한 국악작곡가들이 계발하여 사용하였던 ‘새 로운’ 창작기법들 중 다수가 현행 국악작곡의 일반적 작곡기법으로 자리잡았다. 본 논문이 현재의 국악작곡가들에게 새로운 소재의 활용과 개성 있는 창작의 가능성을 발견할 수 있는 계기가 되기 를 바라며 나아가 연주자들에게도 ‘작곡’과 ‘연주’ 라는 분리될 수 없는 음악활동을 도울 수 있는 작은 소통의 도구가 되었으면 한다.

In the 1940s, the Western concept of music composition was introduced to the Korean traditional music community. Subsequently, Western-style music practices, including the appearance of a conductor on the stage and the use of staff notation, Western scales, functional harmony, and Western music terminology began. In addition, gugak composers, who had been trained through university-level music education that began in 1959 with the establishment of a Korean traditional music program at Seoul National University, started to compose pieces which expressed the uniqueness of Korean society, culture and philosophy, and their understanding of Korean traditional music and instruments. The works of these composers have been continuously promoted through music contests, and introduced and performed in recitals and concerts. In this article, I analyze musical works composed by Yi Seong-cheon (1936– 2003), Yi Hae-sik (b.1943), and Jeon In-pyeong (b. 1945), all of whom produced numerous gugak pieces and applied various compositional methods in their works. I introduce each composer’s particular compositional methods and examine how Korean traditional musical elements have been developed, changed, and restructured in order to understand how each person’s Korean worldviews have been used and expressed through their creations. Yi Seong-cheon’s composition displays aesthetic beauty based on the well-structured form of his pieces. He used various materials as inspiration for his compositions including Korean traditional court and aristocratic music, and genres from folk-art music such as sanjo (the representative solo instrumental music). In addition, he composed many program music pieces in which various aspects of nature, society, religion, literature, and people’s everyday lives were reflected. He composed many gayageum (twelve-string zither) pieces, and contributed to developing a modified gayageum for which he also developed new playing techniques. Through his works, Yi Seong-cheon demonstrated his rational yet experimental mind and attitude toward gugak composition. Yi Hae-sik has applied musical elements from indigenous Korean music and shaman ritual music. His artistic foundations, in particular, have been based on the language, dance, music, theatrical aspect, and emotional expression of shaman ritual. Also, he has been interested in expressing each instrument according to its idiosyncratic sigimsae (ornaments), and has applied multiphony and hybrid rhythm in his works, creating his own specific musical style. For his music, Jeon In-pyeong has applied various materials not only from Korean traditional music, but also from pan-Asian music cultures including the traditional rhythmic structure of man-jung-sak (slow-moderate-fast), program music form, legends, old music manuscripts, folksongs, and the musical scales of Asian countries. He has emphasized the use of musical improvisation in his pieces, in which performers can freely change and play certain elements such as rhythm. He has also contributed to expanding the realm of geomungo (six-string zither) music by developing geomungo byeongchang (singing accompanied by geomungo) and new techniques for suldae (a bamboo plectrum used for geomungo) resulting in the achievement of new timbre and various musical effects. Although these three composers favor different instruments and differ in their musical expressions, they have in common the application of traditional musical elements in their works and the development of new methods for gugak composition. Many of the “new” compositional methods created by these composers have become common compositional methods for gugak composers today. I hope that this article can be of help to today’s gugak composers in finding new inspiration for their work and in creating their own characteristic styles. Furthermore, I hope this article can also help performers understand the inseparable procedures of “composition” and “performance” and lead to better communication with gugak composers.

본 논문에서는 교육과정에 따른 국악기 교육 검토를 바탕으로 교육용 국악기로 정착해온 가락 악기들의 성과를 고찰하였고, 그를 바탕으로 향후 과제를 제시하였으며, 그 결과는 다음과 같다. 음악과 교육과정은 현재까지 모두 7번의 전면 개정과 2번의 부분 개정이 있었으며, 제5차 교육과정까지 국악기 지도는 거의 이루어지지 않았다. 교육과정에 제시된 국악기 지도 관련 내용 은 제6차 교육과정에서 리듬악기로 소고, 장구, 꽹과리, 징이 소개되었고, 가락악기로는 처음으로 단소가 소개가 되어 이후 단소교육이 활성화 되는 계기를 마련하였다. 또한 제7차 교육과정에서는 소고, 장구, 단소가 제6차 교육과정에 이어 계속 기악 학습추천 악기로 제시되었고, 2007 개정 교육과정에서는 소고, 장구, 단소에 가락악기인 소금이 추가 제시되었으며, 2009 개정 교육과정에 서는 가락악기로 관악기인 단소, 소금에 가야금을 새롭게 추가 제시함으로써 국악기 교육은 새로 운 국면을 맞이한 것으로 보인다. 교육용 국악기 중 가락악기로 인정받고 있는 단소, 소금, 대금, 가야금 등의 악기들에 관해 크기와 재료, 구조, 경제성, 일반화 등의 변화를 중심으로 검토하였으며, 그 결과는 다음과 같다. 교육용 단소는 본래 단소와 비교하여, 취구 부분의 보조기구와 지공을 추가한 일부 구조 변경, 크기 변화 없이 대나무를 합성수지로 변경, 경제성 확보 등, 교육현장에 가장 안정적으로 정착화 단계에 있다고 할 수 있다. 소금은 단소처럼 크기 변화 없이 대나무를 합성수지로 바꾸고, 경제성 을 갖추어가고 있는 중이지만, 아직 일반화 단계에 도달하지는 못하였다고 판단된다. 또한 대금은 일부 지공간 구조변경이 시도되고 있지만 크기 변화 없이 대나무를 합성수지로 바꾸고, 경제성을 갖추어가고 있는 중이며, 향후 교육용 국악기로의 적용 가능성 기대를 제시하였다. 현악기인 가야 금은 크기를 줄이고, 명주실을 폴리에스테르와 명주실의 합성으로 바꾸고, 가격을 낮추었지만, 아직도 크기와 경제성에서는 경쟁력을 확보하지 못하였으며, 그에 따라 아직 일반화 단계에 도달 하지는 못하였다고 판단하였다. 이러한 논의를 바탕으로 단소나 소금은 기본음의 음고를 달리한 여러 가지 형태의 단소 제작과 국악기 중 음색이나 크기 등을 고려한 교육용 국악기로의 개발 필요성을 향후 과제로 제시하였다.

In this paper, the process of educational music instruments of Korea based on the examination of Korean traditional musical instruments according to the national curriculum is reviewed, and future tasks are presented. The results are as follows. The national music curriculum have been revised 10 times so far. From the first curriculum to the fifth curriculum, it was found that the instruction of Korean traditional music was not done. However, after the 6th curriculum, Danso, a melodic instrument with Sogo and Changgu, rhythm instruments, was first introduced as a traditional Korean musical instrument, and then Sogeum and Gayageum were added to the present. This research examined the process of transition in educational traditional Korean musical instruments which were used in schools. The result of it presents that Danso is the primary for utilizing as educational traditional Korean instruments and in order to do it, there has been various of experiment process and improvements for many years. Based on the outcome of educational musical instrument Danso started to be ready for educational traditional Korean musical instruments with Sogeum which is similar to Danso's shape and material, Especially, the present days, by using special equipment, Daegeum's wide gap on its instrument between holes which it has been suggested currently. Therefore, there is a possibility that it could be one of the traditional Korean musical instruments for use in the teaching in the future. Moreover, instance of Gayageum, reduce its size for children and introduce it for educational instrument as an example and discuss with its needs such as raising its economic feasibility and utilization. Based on these facts, firstly, it needs to produce Danso or Sogeum which it has different basic pitch with different shapes. Secondly, find and develop the educational traditional Korean musical instruments which are considered for easy techniques and their sizes and it will be a task in the future.

가야금의 전통적 연주법이 어떻게 계승되고 또한 현대적으로 발전하였는지 살펴보기 위해 전 통연주법이 계승 및 확장된 경우와 가야금연주법의 현대적 발전 부분으로 나누어 살펴 보았으며 시기적으로 연주법의 발달양상을 살펴 보았다. 그 결과는 다음과 같다. 첫째, 가야금의 전통적인 연주법은 현대에 와서도 가야금 연주의 가장 기본적인 연주법으로 계승되고 있으며, 더욱 세분화 되면서 확장된 모습을 보이고 있다. 둘째, 전통음악에서는 전혀 쓰이지 않았던 왼손 선율연주 및 화음연주 등의 극한의 현대적인 주법들이 현대곡에서 광범위하게 쓰이고 있다. 셋째, 가야금 창작음악이 나타나는 1960년대 초기에 황병기, 이해식, 이성천 등의 국악작곡가 들이 연주법 발전에 기여하였는데 이들은 국악창작곡의 선두주자로서 창작국악의 태동기라고 할 수 있는 당시 국악계 내부의 새로운 요구를 가야금 창작곡에 적극 수용한 것으로 보인다. 1990년 후반이후 구본우, 나효신, 이혜성, 김대성, 김은혜, 정일련 등의 서양작곡가들이 새로운 연주법에 기여 하였는데, 이는 현대화라는 시대적 요구를 가야금 창작곡에 수용한 것으로 보이며 국악작곡 가와 양악작곡가의 경계가 허물어지는 사회적 현상이라고 볼 수도 있다. 또한 2000년 이후 Christian Utz, Donald Womack, Thomas Osborne, Baudoouin de Jaer, Jared Redmond 등의 외국인 작곡가들이 가야금연주법 발전에 기여하였는데 이는 가야금의 세계화에 초석이 되고 있다.

This study has sought to examine the succession and modernization of the classical gayageum-technique in order to document critical respects of the development of gayageum skills across history. To date, in case of the classical gayageum-technique passed down from generation to generation, the fundamental technique principles remain unchanged. Yet it needs to note that a variety of non-classical and delicate techniques transformed from traditional skills exist. Contemporary gayageum notations for example feature with utilizing the left-hand techniques not used for traditional repertoires or complex harmonic patterns produced with both hands. It was not until the early 1960s that the contemporary Korean music genre stands as an independent part of Korean music. Since after then, a need toward new Korean music composed with original performance skills distinctive from classical fingerings began to be pervasive. In particular, Korean music composers including Hwang Byung-ki, Lee Hae-sik, and Yi Sung-chun contributed to the creation of modern gayageum techniques in the initial stage of contemporary Korean music. Since the late 1990s, the tendency that gayageum techniques became considerably evolved in ways as Western music composers-Koo Bo-nu, Na Hyo-shin, Lee Hye-seong, Kim Dae-seong, Kim Eun-hye, Chung Il-ryun-engaged actively in developing gayageum skills. The contemporary gayageum-music compositions at this time period also seem to reflect the need to modernization of Korean music. More importantly, the involvement of composers outside of Korean music field in gayageum repertoire may blur the boundaries of composition called Korean or Western in each. During the 2000s, a number of composers-Christian Utz, Donald Womack, Thomas Osborne, Baudoouin de Jaer, Jared Redmond-involve in creating technical changes in performing gayaguem. Not only does this tendency form a new phase of gayageum performance, also contributes to its globalization.

전통음악에서 중요한 역할과 지위를 가졌던 거문고는 20세기에도 여전히 전통음악의 계승과 창작음악의 발전 속에서 그 존재감을 발휘해 왔다. 21세기 들어 거문고의 실험은 다양한 방식으로 진행되어 왔는데 창작곡에서 많은 연주기법이 개발되었고, 전통음악 내에서도 그 쓰임새를 확장 해 왔다. 또한 최상의 음질 구현, 음량의 확대, 음역을 확장하기 위하여 악기구조와 재료의 개량을 다각도로 시도하여 왔다. 이러한 시도들 가운데 거문고와 컴퓨터를 비롯한 전자기기, 전자음향과 의 접목이 눈에 띄는데 결합의 형태와 방법은 각각 독립적이지만 활동배경과 음악적 효과에 있어 서 하나의 흐름으로 연결되고 있는 점이 주목된다. 거문고는 독주악기로서 세계적인 경쟁력을 가지고 있다. 저음과 고음의 조화로 반주와 독주가 가능하며, 타악적인 특성이 강하고 다양한 음색으로 인한 주법 개발의 가능성이 높고, 무대에서 연주 시 화려한 퍼포먼스가 가능한 악기이다. 이것은 다른 악기와의 협업에도 매우 효과적이며, 거문고 음악의 활동 영역을 확장시키는데 매우 중요하다. 이러한 장점에도 불구하고, 마이크 사용 시 발생하는 역효과로 인해 상대적으로 불리한 조건에 놓여있던 거문고는 21세기 들어 오히려 더욱 적극적으로 악기에 맞는 amplifier 시스템을 개발하고 이를 이용한 음악을 만들어서 거문고 의 경쟁력을 높이는 또 다른 대안으로 발전시켜 나가고 있다. 본고에서 거문고와 일렉트로닉의 만남을 시도하고 있는 연주자와 단체의 활동에 대한 연구를 진행하였다. 그 결과 새로운 창작곡과 주법들을 만들어내어 거문고의 원형성과 전자 시스템(마이 크, 컴퓨터 시스템 및 다양한 이펙터 등)의 조화로운 작업을 통하여 좋은 음악적 컨텐츠들을 만들 어 내고 있음을 알 수 있었다. 이를 통해 거문고가 가진 장점을 부각시키고, 독주악기로서, 앙상블 악기로서, 협업에 강한 악기로서 국내는 물론 해외시장에서 거문고의 경쟁력을 키워나가는데 긍 정적인 결과를 만들어 내고 있다. 21세기 들어 본격적으로 국제교류의 플랫폼들이 열리고 세계무 대의 최전방에서 소규모 국악앙상블과 독주자들이 활약하면서 개성이 강한 거문고가 그 경쟁력을 인정받기 시작한 시점에서 이러한 일렉트로닉과의 결합은 의미 있는 작업일 것이다.

Geomungo (6-string zither) is the representative Korean string instrument along with Gayageum (12-string zither). It had played an important role and had a special status in the traditional music realm, and it contributed to transmitting traditional music and developing new music in the 20th century. It has been experimenting in various ways throughout the 21st century, developing diverse playing techniques in new music and extending its usage in traditional music. In addition, the instrument itself has been modified in various respects; its structure has been complemented to maximize sound quality and its volume has been expanded. Among many experimental attempts, it is remarkable that Geomungo has been working with electronic devices including computer and electronic sound. It is also notable that the activity background and musical effect of collaborative works is connected by one flow even if its forms and methods are independent. Geomungo has world-class competitiveness as a solo instrument; the harmony of high and low range makes it possible to play as both an accompaniment and solo; its strong percussive character and various timbres allow it to easily develop playing techniques; in addition, it can present colorful performance on stage. These aspects are very effective in collaborating with other musical instruments and also very important in expanding the activity area of Geomungo music. Geomungo, which, despite these advantages, was in a relatively unfavorable condition due to the adverse effects caused by the use of microphones, has developed as the alternative of improving its competitiveness since the amplification system more suitable for Geomungo was developed at the beginning of the 21st century. This paper illustrates that the performers and groups involved in creating new music and playing techniques through working on Geomungo with the electronics have been producing good musical contents actively utilizing the electronic system such as microphones, computers, and various effecters while preserving the "originality" of Geomungo. This collaborative work creates a positive result for enhancing the competitiveness of Geomungo as a solo, for an ensemble, or for collaboration in domestic as well as international market, by emphasizing and diversifying the advantages of Geomungo. It seems to be very meaningful that Geomungo encounters with the electronic devices in the early 21st century when small traditional Korean music ensembles and soloists are active at the forefront of the world stage since the platform of international exchange has been opened, and thus Geomungo with strong personality has begun to be recognized for its competitiveness. However, it is likely that the application of the electronics remains empty as long as Geomungo players are not backed by legitimate playing techniques, deep playing skills, creativity, and the diversity of musical contents. After all, music can be bright enough to move audiences when the unique identity of its instrument, the high level of the performance, and the authenticity of the performers are alive.

본 논문은 ‘수제천(빗가락 정읍)’과 『대악후보』 ‘정읍’의 관계를 구명 하였다. 아악의 백미로 알려진 수제천의 원명은 ‘정읍(井邑)’이다. 이 ‘빗가락 정읍’과 『대악후보』‘정읍’ 의 관계에 대해서는 일찍이 여러 학자들에 의해 연구되었지만 미해(未解)의 입장을 비롯해 별도의 곡의 구전(口傳), 혹은 악구의 재구성 등으로 결론은 한결 같지 않았다. 본고는 선행 연구의 결과 를 존중하면서 미진한 부분에 대해 보완하고자 방법을 달리 하여 두 곡의 관련성을 고찰하고자 하였다. 기존의 선행 연구에서는 분석 대상으로 피리보를 사용한 반면 본 논문은 아악부 대금보를 채택하였으며, 악구(樂句) 대신에 구조선율을 중심으로 분석하였다. 음악 구성의 가장 작은 단위 인 동기(모티브)로 현행 수제천을 악곡에 출현하는 순서대로 분석한 결과 수제천은 1~4장을 이루 고 있는 동기는 25종이며, 구조선율을 연결해 주는 음간 연결음 5종은 『대악후보』에 나타나지 않는 것으로 정리할 수 있었다. 구조선율을 기준으로 보면 두 곡이 상당 부분 일치하므로 음 진행의 유사성이 많은 관계로 동일 계통의 음악으로 보는 데는 무리가 없다. 두 곡의 유사성 내지 동일한 점은 다음의 네 가지로 요약할 수 있다. 첫째, 수제천의 한 각 장단이 반각 장단으로 축소되는 것은 정읍의 8행 장단(또는 고형)이 4행 장단(고형)으로 축소되는 것과 관계있다. 둘째, 『대악후보』정읍은 큰 틀에서 보면 1장의 선율이 2장에서 반복되는 형태로 2장으로 구성된 악곡이다. 이는 수제천에서 1장이 반복되어 2장이 되는 것과 유사한 형태라고 할 수 있다. 셋째, 『대악후보』 정읍의 1소행은 현악, 2소행은 관악으로 해석하는 것이 통상적이다. 현재의 수제천과 비교해본 결과 제1소행인 현악 선율이 수제천의 관악 선율로 재창조 된 것으로 볼 수 있다. 넷째, 수제천 제1․2장의 주선율을 구성하고 있는 모티브는 정읍의 출현 순으로 보면, 제1, 35, 36, 22, 5, 6, 28, 30, 28, 10, 7행 순서와 비교되고, 3․4장의 주선율 요소들은 제53, 54, 35, 36, 45, 40, 37, 39, 46, 42, 30, 44행순으로 구성음이 일치하고 있다. 이상의 공통점을 종합해 보건대, 두 곡은 구조선율 측면에서 상당한 유사성이 발견되나 선율 진행 면에서는 상이하여 동일곡이라고 보기는 어렵다. 그럼에도 동일계 음악이라고 판단할 수 있는 까닭에 『대악후보』정읍을 1세대의 곡, 현행 수제천(빗가락 정읍)을 2세대의 곡으로 결론지 을 수 있다.

This paper is to explore 'Bitgarak Jeongeup' and 'Jeongeup' from Daeakhubo (Scores of Great Music) to investigate their corelation including an association of their lyrics Jeongeupsa (a song from the Baekjje era) with a place name, 'Jeongeup' located in Jeollabuk-do. The original title for Sujecheon (Long Life as Eternal as in Heaven) which is known as the gem of Aak (court ceremonial music) is 'Bitgarak Jeongeup'. Although there are many precedent studies on the corelation between 'Bitgark Jeongeup' and 'Jeongeup' from Daeakhubo, they have never been led up to the same conclusions: some suggest that one of them is a independent version of the other, others suggest that one of them is the one orally transmitted or reconstituted of the existing phrases, while some were inconclusive. This paper is aimed at investigating into the corelation between the two musical pieces by different method to complement the precedent study results with respect. Instead of the piri (cylindrical double-reed bamboo oboe) score analyzed in the precedent studies, I chose to analyze the daegeum (large transverse flute) score focusing on motives instead of phrases. Analyzing the existing Sujechen by its motive which is the smallest constituent of music in the order of appearance, the study found out that there are 25 types of motives constituting the first through fourth movement, and the five types of tones connecting the motives do not appear in Daeakhubo. Although much of the motives were consistent in both pieces, it is difficult to predicate that they are identical since they have different time value. However, it is not unreasonable to consider them cognate as they have a lot in common in progress. The similarity or identical points can be summarized as the following: First, the origin of its rhythmic units, gak (6-beat, a quarter rhythmic cycle) and half-gak (3-beat) of Sujecheon can be found in the hour-glass drum rhythm of Jeongeup, which was 8 lines being reduced to 4 lines. Second, Jeongeup, in larger scheme, is comprised of two movements in which the melody of the first movement repeats in the second movement. This form is similar to Sujecheon. Third, the first vertical line of Jeongeup is typically considered as for string instruments, while the second one as for wind instruments. The string melody of Jeongeup can be understood in the same context as the wind melody of today's Sujecheon. The difference is that Jeongeup has the nam key (C) for the keynote and cadence while Sujecheon begins with the nam key but has the lim key (B♭) for cadence. Fourth, the motives of the main melody in the first and second movement of Sujecheon correspond to line 1, 35, 36, 22, 5, 6, 28, 30, 28, 10, 7 of Jeongeup in the order of appearance, while those in the third and fourth movement correspond to line 53, 54, 35, 36, 45, 40, 45, 37, 46, 42, 30, 44. Collectively, there are considerable similarities in terms of their motives but it is difficult to regard them the same musical piece in terms of their melodies. Nevertheless, they are still concluded as cognate music that Jeongeup from Daeakhubo can be determined as the piece of first generation while Bitgarak Jeongeup as of the second generation. There was a view on Sujecheon being the production of the Silla Dynasty due to an issue raised from a comparative study on Jeongeup and Sujecheon. Considering the relation to a place name 'Jeongeup', however, such claim admits of a discussion. Particularly, among divergent opinions in interpretation of their lyrics: some regard it as a complete hugang, a musical tone, while the others regard it as hugang-Jeongju market, I consider it resonable to follow the latter.

한국음악 학계 최초의 박사학위 취득자인 계정식의 박사학위논문이자 저서 『한국음악』을 중심 으로 그의 저술이 가지는 음악학적 의의와 그가 한국음악연구에 입문하게 된 1930년대 독일 음악 계의 비교음악학적 방법론에 의거한 한국음악 연구 경향을 살펴보고자 한 글이다. 계정식의 연구는 선행연구로서 주로 참고하였다고 서술하고 있는 에카르트의 『한국음악』(1930)보다 실제 악곡에 대한 설명의 부분에 많은 부분을 할애하고 치중하고 있다. 그가 한국음악 연구와 인연을 가진 계기는 독일에서 박사학위 취득을 위해 연구를 시작하면서 부터이며 그의 연구는 당시 독일 학계의 주된 음악학의 학문 경향이었던 녹음자료의 수집과 채보를 바탕으로 한 음악적 분석이라는 비교음악학적 연구방법론에 많은 영향을 받았다. 계정식의 『한국음악』에서 주로 다루고 있는 악곡들은 대부분은 1910년부터 1930년대에 생성 된 유성기 음반과 당시의 새로운 경향이었던 이상준의 악곡집, 즉 창가집에 수록된 당대의 악곡들 을 대상으로 하고 있다. 악보와 음원을 제시하고 한국음악의 개별 악곡을 감상에 필요한 설명과 함께 서술한 『한국음악』은 당시 독일을 비롯한 유렵의 독자들에게 한국음악을 본격적으로 소개하 는 역할을 하였음을 추측할 수 있다. 또한 연구서의 측면에서 보자면 그의 연구는 1930년대 독일 비교음악학계의 비유럽권 음악연구의 경향을 한국음악을 대상으로 충실히 반영하고 있으며, 녹음 자료의 수집과 채보 및 분석을 포함하는 현장연구의 방법론을 당시 한국의 상황에 맞는 유성기 음반과 창가집을 대상으로 하였다는 점에서도 의의가 있다.

This is an article to examine the academic value of the book 『Die Koreanische Musik』 . Dr. Keh's work based on the comparative musicology of the German in the 1930s. Dr. Keh's 『Die Koreanische Musik』 (1935) focuses much on the description of actual music rather than Eckardt's 『Die Koreanische Musik』 (1930) which states that it is mainly referred to as a prior study. Most of the music in his book mainly covered in the Korean music from the 1910s to the 1930s. It is possible to assume that Dr. Keh's 『Die Koreanische Musik』 played a role in introducing Korean music to the readers of Germany and other European countries at the time with musical scores and sound sources and describing the individual pieces of Korean music along with explanations. Futhermore, In an aspect of academic thesis, his work reflects the tendency of non-European music studies in German in the 1930s.

대만의 전통음악인 북관(北官)음악은 현재 공척보를 널리 사용한다. 북관음악에서 사용하는 공척보의 기보체제를 익숙한 한국의 공척보의 기보체제와 비교를 통해 북관음악 공척보의 이해를 돕고자 한다. 한편 북관음악의 공척보는 뼈대를 기록한 것일 뿐 살에 해당하는 실제 연주는 연주 자의 기량, 학습배경, 악기의 특성 등에 따라 다를 수 있으며 더 나아가 연주할 때 마다 달라지는 즉흥성을 내포한다. 본고는 북관음악 공척보가 지닌 해석의 가변성을 악기에 따른 연주관행의 측면에서 소개한다. 북관음악 공척보의 기보체제 및 기록과 실제 연주와의 비교는 북관음악 공척 보에 대한 기초 연구로서 학술적 연구의 토대를 마련하는 데 의의를 둔다.

The use of Gongche notation in traditional Taiwanese Beiguan music is widespread in modern times. In this paper, Gongche notation in Beiguan music will be compared to more familiar Gongche notation in traditional Korean music to allow easier understanding of Gongche notation in Beiguan music. In the meantime, Gongche notation in Beiguan music only functions as a blueprint, and the actual performance which corresponds to the final product may vary depending on many factors such as ability of the performer, his/her educational background, characteristics of the instrument, and additionally includes an aspect of improvisation. This paper introduces the variability of interpretation that is inherent in Gongche notation in Beiguan music in terms of the performance practices that depend on the instruments. The Gongche notation in Beiguan music as well as the comparison of the records to the actual performance are to be considered as elementary research on Gongche notation in Beiguan music and are meaningful in a sense that they provide basis for further academic research.