Earticle

은산별신제에서 농악은 별신제가 행해지는 별신당 앞, 화주집, 은산천 등 모든 곳에서 연행된 다. 악기편성은 꽹과리, 징, 장구, 북, 태평소 등으로 이루어지며 ‘길굿 장단’, ‘행진 장단’, ‘제례 장단’, ‘삼배구고두 장단’ 등이 연주된다. 3소박 4박의 ‘길굿 장단’은 태평소 선율의 변박에 따라 3소박 5박으로 늘여 연주하기도 하나, ‘행진 장단’과 ‘제례 장단’은 변박 없이 4박으로 연주한다. 은산별신제 농악에서 태평소 선율은 ‘길굿 장단’, ‘행진 장단’, ‘제례 장단’으로 연주된다. ‘제례 장단’으로 태평소가 연주될 때 중간중간 짧게 ‘삼배구고두 장단’이 들어가는데 그 길이가 짧아 장단 명칭에 상응하는 고유한 선율은 없다고 할 수 있다. ‘삼배구고두 장단’은 의식 중에서 독립적 으로 연주되지 않고 ‘제례 장단’이 연주하는 가운데 중간중간 들어가는 특성상 고유의 ‘제례 장단’ 선율과 구분되지 않는다. ‘길굿 장단’ 선율은 주요 선율 짧은 여덟 개의 악구가 반복되거나 변형되어 연주된다. ‘행진 장단’ 선율은 비정형 즉흥선율이며 메나리토리에 경토리가 섞인 형태이고, ‘제례 장단’ 선율은 메나리토리로 되어있다.

Nongak in Eunsan Byeolsinje is being played on every corner of Byeolsinje –in front of Byeolsinje, Whajujip, Eunsancheon- in throughout the festival. At the current Byeolsinje, Nongak troupe is composed of Kkwaenggwari, Jing, Janggo, Buk, and Taepyeongso, there are 4 Jangdans, ‘Gilgut-jangdan’(to march a short range), ‘Haengjin-jangdan’(to march a long range), ‘Jerye-jangdan’(to prepare to bow down) and ‘Sambaegugodu-jangdan’(to bow down that 3 bows regards as 9 nods). ‘Gilgut-jangdan’ is normally ordered 4 beats based on 3 sobak and sometimes, is played 5 beats based on 3 sobak. ‘Haengjin-jangdan’ and ‘Jerye-jangdan’ are mostly played on 4 beats. Taepyeongso is performed on the type of Jangdan, but for the case of ‘Sambaegugodu-jangdan’ melody, there is no differentiation from that of ‘Jerye-jangdan’. Melodies on ‘Gilgut-jangdan’ are composed of primary melody as 8 measures, being repeated or transformed, and are showing the feature of Geongtori. ‘Haengjin-jangdan’′s are non-shaped and impromptu melodies, containing both Meraritori and Geongtori′s, while ‘Jerye-jangdan’′s contain only Meraritori′s.

지난 2019년 10월 26일, 전통공연예술진흥재단 ‘전통예술 복원재현 사업’의 일환으로 37년만 에 통영오귀새남굿 전 과정이 복원되었다. 정영만 남해안별신굿 예능보유자를 주축으로 구성된 이번 복원연행은 아르코예술기록원에서 발견된 영상자료를 기반으로 재현되었다. 본고에서는 먼 저 복원된 통영오귀새남굿의 절차 구성과 기존 성과를 분석하고, 이를 바탕으로 하여 복원된 통영 오귀새남굿의 장단, 음악의 종류, 연행구조, 악조, 반주형태 등 음악의 전반적 특징을 분석하여 통영오귀새남굿 복원설행의 의미와 방향성을 전망해 보았다. 그 결과 복원된 통영오귀새남굿의 음악은 전반적으로 복원 이전의 절차와 음악적 특징을 따르 고 있었고, 자연적이거나 인위적으로 원형에서 달라지는 모습이 각각의 음악 요소마다 도출되었 음이 드러났다. 그러나 문화의 축적과 가변성이라는 문화속성의 측면과 연계하였을 때 복원의 유동성은 정당화되고, 현재 원형이라 일컫는 기준 또한 사회의 문화 목록과 상황에 따라 끊임없이 변모하게 될 것이다. 특히 무형유산이 함유해야 하는 재창조성와 융통성, 그리고 이를 기반으로 한 변용은 37년만에 복원설행된 통영오귀새남굿의 지속적 계승을 위한 향후 방향성과 유관하다. 다만 악기편성의 변형에 대한 당위성, 연행구조와 장단에서 발견되는 일부 의문점의 해소, 제도권 교육을 받은 산이들의 메나리토리 성음 표현을 위한 노력이 향후 이루어져야 한다고 생각한다. 또한 망자천도를 목적으로 하는 오귀새남굿은 굿의 요청자가 존재하지 않는 한 지속적인 설행에 어려움이 따르므로 정부 또는 지자체 차원의 지속적인 관심이 요구되며, 연구자 및 연행자들의 사명감과 끊임없는 노력이 필요하다.

On October 26, 2019, the entire process of Tongyeong Oguisaenamgut was restored for the first time in 37 years as part of the Korean Traditional Performing Arts Foundation's Restoration Project for Traditional Arts. The restoration, which consists of the music of Jeong Yeong-man, a master of the southern coastal Byeolsingut entertainment, was reproduced based on video data found at the Arko Arts Archives. This article analyzes the overall characteristics of the restored Tongyeong Oguisaenamgut, including the rhythm, the type of music, the structure of the performance, the mode, the composition of the musical instrument, and the accompaniment. Also this article predicts the meaning and direction of the restoration of Tongyeong Oguisaenamgut. As a result, the restored music of Tongyeong Oguisaenamgut was generally followed by the pre-restoration procedures and musical features, with the natural or artificial variation derived from each musical element. However, when linked to the aspect of cultural attributes of accumulation and variability in culture, the flexibility of restoration will be justified, and the standards now referred to as archetypes will also be constantly changed according to the cultural list and situation of society. In particular, the re-creation and flexibility that intangible heritage should contain, and the transformation based on it, are related to the future direction for the continued succession of Tongyeong Oguisaenamgut, which was restored after 37 years. However, I think efforts should be made in the future to express the sound of the Menaritori by the people who have been trained in the system, to resolve some questions found in the performance structure and rhythm, and to express the sound of the musical instrument. In addition, Oguisaenamgut requires continuous attention at the local or national government level, and requires a mission with a strong sense of purpose and constant efforts from researchers and performers, particularly as long as the requester of Gut does not exist.

본고에서는 충남지역 농요 중 <방아소리>의 분포양상을 살펴보고 이를 대상으로 음악적 특징 을 파악하고, 나아가 타 지역 <방아소리>의 음악적 특징과 비교를 통해, 충청도 지역 <방아소리> 의 특징에 대해 포괄적으로 살펴보았다. 충남지역의 <방아소리>는 아산, 천안 등의 동북지역과 대전, 금산 등의 동남지역에 많은 수가 분포하는 것으로 파악된다. 충남 서부권은 얼카덩어리류가 중심이 되며 홍성군을 제외하고는 <방 아소리>가 분포되지 않으며, 동부권에서 주로 <방아소리>가 분포한다. 후렴구의 가사에 따라 방아소리형과 방게소리형의 두 가지로 구분되며, 방아소리형은 긴방아, 느린방아, 짧은방아의 세 가지 유형, 방게소리형은 느린방게, 짧은방게의 두 가지 유형이 나타난 다. 이 중 방아소리형에서는 짧은방아의 비중이 높으며, 느린방아와 짧은방아를 연이서 노래하는 형태도 다소 보인다. 반면 방게소리형은 느린방게의 비중이 높으며 느린방게와 짧은방게를 잇대 어 노래하는 형태는 나타나지 않는다. 방아소리형은 농사와 관련된 사설과 방아에 관련된 사설이 주를 이루는데 반해 방게소리형은 통속민요의 가사를 차용한 것이 다수이다. 느린방아와 느린방게는 모두 3소박 불규칙장단으로 노래하고, 짧은방아는 3소박 4박의 규칙적인 장단, 짧은방게는 3소박 4박, 3소박 6박 등의 규칙적 인 장단으로 노래한다. 방아소리형은 육자백이토리가 주를 이루고, 메나리토리가 그 다음으로 분포하며, 메나리토리 와 육자백이의 혼합형, 신경토리도 보인다. 방게소리형은 육자백이토리와 남부경토리가 주를 이 루고, 이 외 신경토리와 경토리가 나타난다. 이는 방아소리형의 대표 음조직이 메나리토리고, 방게 소리형의 대표 음조직이 남부경토리이기 때문에 악곡의 대표적인 음조직과 함께 충남 지역의 토리인 육자백이토리가 같이 나타나는 것으로 판단된다. 각 지역별로 방아소리의 분포양상을 살펴보면, 경기지역과 전북지역, 충남지역은 방아소리형 과 방게소리형이 모두 나타나고 충북지역은 방아소리형만 나타난다. 이 중 경기지역은 방아소리 형이 우세하고, 충북지역은 방게소리형이 우세한 반면 충남지역은 방아소리형과 방게소리형이 비슷한 비중으로 분포한다. 방아소리형은 메나리토리가 가장 중심이 되는 음조직으로, 경기지역에서는 수심가토리, 충남 지역에는 육자백이토 등 지역의 대표 토리가 같이 나타나고 방게소리형은 남부경토리가 가장 중심이 되는 음조직으로 경기, 전북은 모두 남부경토리가 우세하지만 충남만 육자백이토리의 비 중이 비슷하게 나타나는 것을 알 수 있다.

In this paper, In this paper, we examine the distribution patterns of <Bang-a-sori> in the Chungnam region and identify musical characteristics based on this. Through the comparison with the musical characteristics of <Bang-a sori> in Chungbuk Province, the characteristics of <Bang-a-sori> in Chungcheong Province were comprehensively examined. <Bang-a-sori> in the Chungnam region is mainly distributed in neighboring borders such as Gyeonggi-do, Chungcheongbuk-do, and Jeollabuk-do. Because of this, <Bang-a-Sori> is not the mainstream of Rice-paddy Weeding songs in the Chungnam region, and is believed to have been introduced from other regions. According to the lyrics of the chorus, it is divided into two types: bang-a-sori type and bang-gye-sori type. The bang-a-sori type is mainly composed of farming-related editorials and editorials related to mill. Many of bang-gye-sori type borrowed lyrics from folk songs. Bangsori type is mainly composed of yukjabaekitori. In addition to this, they sing in a mixed form of menaritori and yukjabaekitori and menaritori, gyeongtori, southern gyeongtori. On the other hand, in the Bang-gye-sori type, the southern Gyeongtori, Yukjabaekitori, and Gyeongtori appear evenly. It seems that the sound of the bang-a-sori in the Chungnam region is from other regions. As a result, musical features of various regions appear. There is a big difference in sound organization, beat, etc. from the sound of a bang-a-sori in the Chungbuk region.

한민족의 미주 이민 역사는 1세기 이상이 흘렀고, 미주의 대도시에는 대규모 한인사회가 형성 되어 한인 디아스포라 문화가 형성되었다. 본고는 2018년에 개최된 각종 음악공연을 통해 토론토 한인사회의 디아스포라 음악문화를 살펴보았다. 한인사회에서 한인교회가 차지하는 비중은 매우 막중하다. 한인교회는 한인사회 공동체와 음 악문화의 중심지 역할을 한다. 대부분의 한인 주최 공연이 “교인에 의한, 교인을 위한, 교인의” 행사이기에 교회는 공연장으로 최우선적으로 선택된다. 한인교회가 중산층에 의한 성장주의를 과시하는 장이고, 이는 교회에서 개최되는 아마추어 음악애호가들의 클래식음악 공연을 통해 드 러난다. 특히 토론토 한인들이 거주국의 문화를 선호하는 국민정체성은 서양음악 선호사상으로 드러난다. 전 세계적으로 확산된 K-pop은 토론토 한인사회에서도 인기가 많다. 그러나 토론토에 서는 티켓 구매력이 있는 중년세대가 선호하는 ‘7080세대’ 가수의 공연이 많다. 교회에서의 ‘찬양콘서트’를 개최하는 가수 출신의 목회자들은 한인사회에서 인기 있는 뮤지션이다. 한인 이민사회에서 전통음악은 ‘모국의 이미지’를 표상하는 상징이다. 그러나 한인들에게 전통 음악은 클래식음악과 대중음악에 밀린 ‘주변부의 음악’이다. 전통음악은 한인 단체에서 개최하는 행사에 ‘구색 맞추기’로 초청된다. 전통공연예술을 배우는 대상은 주로 언어 소통의 한계로 주류 사회에 쉽게 편입하기 어려운 중장년층 여성이다. 그렇기에 전통음악은 ‘과거의 유산’으로 치부된 다. 이는 미주 한인이 한민족으로서의 민족정체성이 긍정적이지 않다는 사실을 음악문화적으로 반영하는 것이다. 그리고 기독교계에서는 전통음악을 소홀히 여기고, 불교계에서는 전통음악을 중시한다. 불교계의 행사에는 사물놀이가 포함되고, 심지어 의식에 작법을 연행하기도 한다. 즉, 한인사회에서 민족정체성은 불교계에서 긍정적으로 나타난다.

The history of Korean immigrants to North America has passed more than a century. There are many Korean immigrant societies that has made diaspora culture in metropolitans of North America. However, there are few musicological studies of diaspora music yet. The study of Song Bang-song, investigated the music of Koreans in Toronto in 1974, is the only musicological study so far. In this paper, I explored the diaspora music culture of Korean immigrant society in Toronto by examining musical activities held in 2018. The Christian church is the most important in the Korean immigrant society. Most of Korean Canadians are Christians that the church is not only the religious center but also the center of the Korean community which sustains the Korean immigrant society. The church is also the center of diaspora music culture. Many concerts are held in churches which are located in the suburban area of the metropolitan due to the low rate of the land. Therefore, the church is not an appropriate place to held concerts with its inaccessibility and inefficiency as concert halls. However, Korean Canadians prefer to held concerts in churches because most of concerts are “by the believers, for the believers, and of the believers” of the church. Most of the repertories of concerts held in church are Western classical music. The amateur musicians who have achieved economic success hope to show up their social status as the middle class in church. Their musical preference is tended to Western classical music which symbolizes the status of the middle class, and the ‘national identity’ of the host country. With the globalization of K-pop, it is very popular in the Korean immigrant society. However, the popular musicians are not able to host their own concerts but have appear public in crowded events held by the Korean immigrant societies. Most of musicians appear in the Korean Canadian stages are out-of-fashioned singers who are adored by the elders who are able to purchase expensive tickets. Some musician-pastors are very popular with their ‘gospel concerts.’ The traditional music is the symbol of the ‘image of the motherland.’ However, the traditional music is the ‘peripheral music,’ besides the Western classical music and popular music. The traditional music is preserved by the elder women who have a hard time to join the majority due to their lack of language ability. It made that the traditional music is regarded as the ‘heritage of the past.’ The Buddhists, however, promote the traditional music. Buddhist temples run music schools for the samul nori percussion quartet. Buddhist dances are performed at the services at Pyeonghwasa Temple. The dual perception of Buddhism which preserves the traditional music and ‘ethnic identity’ and Christianity which disrespects the traditional music among Korean Canadians in Toronto reflects the same phenomena of the mother country. The Korean Christian churches are the center of the Western-oriented middle class Koreans who have negative view of ethnic identity. The Korean Buddhist temples still preserve and promote the traditional music and positive ethnic identity. This diaspora music culture is not limited in Toronto but found in most of Korean immigrant societies in North America.

이 글에서는 국립국악원 국악아카이브의 이혜구 기증자료를 활용하여 고려악연구회의 발족, 진행, 해체의 양상을 살펴보고, 이를 통해 한일음악교류의 성과와 의미를 알아보았다. 고려악연구회는 한반도에서 전한 일본 고려악의 정체를 밝히는 것을 목적으로 1976년 발족되 었다. 한국과 일본을 대표하는 음악학자이자 오랜 학술적 교우였던 만당 이혜구와 기시베 시게오 가 주축이 되어, 제1·3·5회는 일본에서, 제2·4·6회는 한국에서 개최되었다. 제1‧2회의 주제는 일본 고려악과 한국 향악이었고, 제3회부터 불교음악, 가곡, 한중일의 현악기 등으로 주제가 확장되었 다. 특히 제5회는 만당에 의해 처음으로 한일음악의 비교가 시도되었으며, 추계예술학교 국악과와 덴리대학 가가쿠부의 공연으로 교류가 학술뿐 연주 분야까지 확대되었다. 고려악연구회는 서로의 학문 내용을 존중하고 정치색이 없는 순수한 학술단체로서 양국 학계 및 언론의 많은 관심을 받으며 순조롭게 출발하여 8년 동안 명맥을 이어왔다. 하지만 상대국 음악에 대한 이해 불충분으로 공동연구까지는 이르지 못했고, 발표자의 중복 경향이 짙었으며, 다소 소극적이었던 일본 측의 대응과 기금 문제, 연구회 방향성에 대한 양측의 이견, 그리고 연구 회에 대한 관심 저하 등 여러 한계점이 드러나면서 결국 1984년 해체되었다. 고려악연구회는 한국과 일본의 음악학자들이 공동의 목표를 갖고 연구를 진행한 최초의 정기적인 한일음악 학술 교류라는 점에서 유의미한 성과로 평가된다. 연구회 활동을 통해 서로의 음악을 이해하고 비교할 수 있었으며 나아가 아시아음악 연구에 공헌할 수 있는 계기가 되었다는 점에서 큰 의미를 부여할 수 있다.

This study examines the process of establishing, conducting, and dismantling the Komagaku Research Society, and evaluates the achievements of Korea-Japan music exchange. The Komagaku Research Society was founded in 1976 to reveal the identity of Japanese Komagaku transmitted from Korea. The first, third and fifth times were held in Japan and the second, fourth and sixth times were held in Korea. The first and second themes were Komagaku and Hyang-ak, and since then, the theme has been expanded to general music and the research area has been extended to China. However, it did not reach the joint research, and the presenters were duplicated, and the Japanese side, which was somewhat passive, had several limitations such as response and funding problems, and eventually it was dissolved. The Komagaku Research Association has great significance in that it is the first regular academic exchange of Korean and Japanese music, and it can be evaluated as a meaningful achievement in that it has become an opportunity to contribute to Asian music research.