Earticle

이 연구는 현대 사회에서 기술 매체가 신체를 다루는 방식이 단순한 재현을 넘어 시스템적 번역의 단계로 진입했음에 주목하고, 이를 해리슨 피어스의 예술 세계를 중심으로 다각도로 분석하였다. 피어스의 작업은 작가의 오진 경험에서 비롯된 존재론적 문제의식을 바탕으로, 신체라는 아날로그적 실재가 데이터로 매개되고 기계적 물질로 번역되며 최종적으로 전시장 전체의 시스템 인터페이스로 확장되는 ‘메타-미디엄적 순환 구조’를 지닌다. 이에 메타-미디엄 개념과 미술사 내 데이터를 통한 신체 표상 방식을 분석의 틀로 설정하여, 피어스의 작업을 ‘매개된 신체’, ‘번역된 신체’, ‘확장된 인터페이스’의 세 단계로 고찰함으로써 데이터화된 자아의 소외와 시스템적 포섭 양상을 규명하였다. 결론적으로 해리슨 피어스는 데이터, 물질, 공간을 상호 번역되는 메타-미디엄적 실천의 장으로 운용 한다. 그의 예술 세계는 기술에 의한 인간 소외를 비판하는 데 그치지 않고, 불완전한 번역이 낳은 균열과 소음을 통해 여전히 박동하는 인간 실존의 가치를 재발견한다. 본 연구는 이러한 분석을 통해 기술적 환경 속에 놓인 신체 표상의 새로운 지평을 제시하고, 미래 매체 예술 담론에서 견지해야 할 존재론적 좌표를 설정하는 데 기여하고자 하였다.

This study focuses on how technological media in contemporary society has evolved beyond simple representation of the body toward a stage of systemic translation, analyzing this phenomenon through the artistic world of Harrison Pearce. Based on an ontological inquiry rooted in the artist's personal experience of 'misdiagnosis,' Pearce's work establishes a 'meta-medium cycle' in which the analog reality of the body is mediated into digital data, translated back into mechanical matter, and finally expanded into a systemic interface encompassing the entire exhibition space. Using meta-medium theory and the history of body representation through data as an analytical framework, this paper examines Pearce's work in three stages—the 'Mediated Body,' 'Translated Body,' and 'Expanded Interface'—to identify the alienation of the digitized self and the patterns of systemic subsumption. In conclusion, Harrison Pearce operates data, matter, and space as a field of meta-medium practice where each element is mutually translated. His art does not merely critique human alienation caused by technology; rather, it rediscovers the value of human existence, still pulsating through the cracks and noises generated by imperfect translation. Through this analysis, this study presents a new horizon for the representation of the body within technological environments and aims to contribute to establishing ontological coordinates to be maintained in future media art discourse.

본 연구는 2016년부터 2021년까지 영국 테이트(Tate) 미술관에서 운영된 테이트 익스체인지(Tate Exchange) 프로젝트를 사례로, 현대 박물관과 사회가 관계 맺는 방식이 어떻게 재구성되고 제도화되는 지를 분석한다. 테이트 익스체인지는 테이트 미술관을 시민적 실천이 이루어지는 공적 공간으로 위치 시키려는 실험이었다. 특히 영국을 대표하며 국제적으로 영향력 있는 기관인 테이트에서 장기간 수행 되었다는 점에서, 테이트 익스체인지는 참여와 시민적 관여를 중심으로 한 포스트뮤지엄적 실천이 주류 제도권안에 자리 잡았음을 상징한다. 사례 분석 결과, 테이트 익스체인지는 국제 박물관계에서 축적된 박물관의 사회적 역할과 공공성 담론과 영국 박물관계의 시민적 전환 흐름 속에서 전개된 것으로 나타난다. 이 프로젝트는 외부주체들과의 장기적 협업, 운영상의 전폭적인 권한 위임을 통해 시민적 관여를 지속 가능한 관계로 조직하였으며, 이는 한국 박물관계에서 공공성과 사회적 역할을 확장하는 논의에 참고할 수 있는 시사점을 제공한다.

This study examines the Tate Exchange project, implemented at the Tate Galleries in the United Kingdom between 2016 and 2021, as a case through which to analyze how the relationship between contemporary museums and civil society is reconfigured and institutionalized. Tate Exchange was an experiment that sought to reposition the Tate galleries as a public space in which civic practices take place. Notably, the fact that this initiative was carried out over an extended period at Tate—both a leading institution in the UK and one of the most influential art museums internationally—symbolizes that post-museum practices centered on participation and civic engagement have become embedded within the institutional mainstream. The case analysis shows that Tate Exchange developed within the context of internationally accumulated discourses on the social role and public value of museums, alongside the civic turn in the UK museum sector. Through long-term collaboration with external partners and the delegation of operational authority, the project organized civic engagement as a sustained relational process. These findings provide insights relevant to ongoing discussions in the Korean museum field concerning the expansion of publicness and the social role of museums.

디지털 매체의 확산으로 아동들의 감각이 시각적 즉시성에 편중됨에 따라, 교육 현장에서는 물질 고유의 촉각적 경험과 과정의 가치가 소거되고 있다. 그러나 현행 초등 한국화 교육은 여전히 전통적인 수묵 재료와 기법 습득 위주에 머물러 있어, 변화하는 학습자의 감수성을 자극하는 데 한계를 보인다. 이에 본 연구는 한국화 교육의 매체 확장을 모색하기 위해 재불(在佛) 작가 방혜자의 파리 시기 한지 회화와 ‘배채법(背彩法)’의 현대적 변용 양상을 분석하였다. 이를 바탕으로 2022 개정 미술과 교육과정과 연계하여, 학습자가 거친 한지의 촉각적 물성을 탐색하고 색이 이면(裏面)에서 스며드는 시간을 경험하는 단계별 교수·학습 모형을 제안하였다. 본 연구는 결과 중심의 디지털 환경에 익숙한 아동들에게 ‘기다림의 미학’과 ‘물질적 깊이’를 회복시켜 주는 한국화 교육의 새로운 가능성을 제시한 다는 데 의의가 있다.

As the proliferation of digital media biases children's senses toward visual immediacy, the educational field is witnessing an erasure of the tactile experiences and procedural values inherent in materials. However, current elementary Korean painting education remains largely confined to the acquisition of traditional ink-and-wash materials and techniques, showing limitations in stimulating the shifting sensibilities of learners. Accordingly, this study analyzed the Hanji paintings from the Paris period of the France-based artist Bang Hai Ja and the modern variations of the ‘back-coloring technique’ (Baecchae-beop) to explore the expansion of media in Korean painting education. Based on this analysis and in conjunction with the 2022 Revised Art Curriculum, this study proposed a step-by-step teaching and learning model. This model allows learners to explore the rough physical properties of Hanji and experience the time required for color to permeate from the reverse side. This study is significant in that it presents new possibilities for Korean painting education, restoring the ‘aesthetics of waiting’ and ‘material depth’ to children accustomed to result-oriented digital environments.

본 연구는 동시대 미술가들이 AI를 어떻게 인식하고 있으며, 그 인식 수준과 활용 태도가 실제 활용도와 어떠한 관계를 갖는지 실증적으로 분석하는 데 목적이 있다. 이를 위해 유럽 미술계의 사례를 중심으로 영국과 프랑스, 독일에서 실시한 설문조사 결과를 통해 유럽 미술가들의 AI에 대한 인식과 활용, 태도 등을 분석한다. 그 후 현재 활동 중인 한국 미술가 219명을 대상으로 설문조사를 실시하였다. 설문지는 AI에 대한 예술가들의 이해도, 태도(긍정, 부정), 활용 여부와 방식, 윤리적 인식, 향후 활용 전망 등을 종합적으로 분석한다. 이를 토대로 국내 미술가들과 유럽 미술가들의 AI에 대한 태도를 비교 분석하고자 한다. 본 연구는 AI를 단순한 도구의 문제로 파악하기보다, 미술가의 가치관, 정체성, 창작 태도와 긴밀히 연결된 문화, 인문학적 문제로 접근하고자 한다. 나아가 향후 AI 기반 미술 환경에서 인간의 창의성과 윤리적 기준이 조화를 이루는 방향의 담론 형성에 기초적 논의를 제공하고자 한다.

This study aims to empirically examine how artists perceive artificial intelligence (AI) in the contemporary era and how their level of awareness and attitudes toward AI are related to their actual use of the technology. To this end, the study analyzes European artists’ perceptions, uses, and attitudes toward AI on the basis of survey results conducted in the United Kingdom, France, and Germany, focusing on cases from the European art scene. In addition, a survey was conducted with 219 artists currently active in Korea. The questionnaire examines artists’ levels of understanding of AI, their attitudes toward it (positive or negative), patterns and modes of use, ethical perceptions, and expectations regarding future use. Based on these data, this study conducts a comparative analysis of Korean and European artists’ attitudes toward AI. Rather than approaching AI merely as a technical tool, this study situates AI as a cultural and humanistic issue closely related to artists’ values, identities, and creative practices. Furthermore, it aims to provide a foundational discussion for the formation of discourse on AI-based artistic environments in which human creativity and ethical principles can coexist.

오랫동안 공예 영역에서 다루어졌던 섬유는 포스트모더니즘 흐름 속에서 다양한 주제의식을 드러 내는 상징적인 매체로 조명받기 시작했다. 포스트모더니즘 미술에서 섬유가 다양한 방식으로 해석될 수 있었던 이유는 섬유가 지닌 고유의 물성과 더불어 섬유에 반영된 문화적 상징성이 존재하기 때문일 것이다. 섬유는 물질적으로 유연하고 비정형적이며 가변적인 성격을 지닌다. 또한 섬유는 문화적으로 수공예, 노동, 여성 문화, 비서구 문화와 주로 연관되어 왔기 때문에 포스트모더니즘 관점에서 타자성 의 상징이 될 수 있다. 이러한 상징성을 활용해 포스트모더니즘 미술가들은 오랜 미술문화에서 소외돼 온 형식과 존재들을 재조명하였을 뿐 아니라 사회문화적으로 고착된 관념 전반을 해체하고 탈중심화 하는 시도를 했다. 지금까지 섬유 매체에 대한 연구는 주로 공예 영역에서 다루어지거나 작가론 차원에서 연구되어 왔다. 이 연구는 20세기 중반 이후 나타난 섬유 활용 미술 사례들을 포스트모던적 관점에서 분석하는 시도이다. 이를 통해 미술에서 섬유 매체가 지닐 수 있는 표현 가능성과 예술적 가치를 높이는 데 기여하고자 한다.

Textiles, long treated within the realm of craft, began to be illuminated within the flow of postmodernism as a symbolic medium capable of expressing diverse thematic concerns. The reason textiles could be interpreted in various ways in postmodern art lies not only in their inherent material properties but also in the cultural symbolism embedded within them. Materially, textiles are flexible, amorphous, and mutable. Culturally, they have been closely associated with handicraft, labor, women’s culture, and non-Western traditions, and thus can function as symbols of otherness from a postmodern perspective. By employing these symbolic qualities, postmodern artists not only reexamined forms and entities that had long been marginalized within art history, but also attempted to deconstruct and decenter socially and culturally entrenched notions. Until now, research on textile media has been largely confined to the domain of craft or approached through artist-centered studies. This study seeks to analyze cases of textile-based art that have emerged since the mid-20th century from a postmodern perspective. In doing so, it aims to contribute to expanding the expressive possibilities and enhancing the artistic value of textile media in art.

본 연구는 인간과 자연의 관계를 자연주의적 관점에서 재고찰하고, 이를 바탕으로 현대미술과 미술치료에서 나타나는 자연 경험의 의미와 가능성을 탐색하는 데 목적이 있다. 인간은 본래 자연에 의존하며 존재해 왔으나, 서양 전통 철학과 근대 사유는 인간을 자연과 분리된 독자적 존재로 이해함으 로써 인간중심적 세계관을 형성하였다. 이러한 인식은 과학기술의 발전과 자본주의 가치 확산 속에서 자연에 대한 개발과 통제를 정당화하였으며, 그 결과 환경 파괴와 생태적 위기를 초래하였다. 이에 본 연구는 인간과 자연을 대립적으로 파악하기보다 연속적이고 상호작용적인 관계로 이해하는 자연주 의적 시각에 주목한다. 자연주의는 인간의 인식과 경험이 자연적 조건 속에서 형성된다고 보며, 자연을 외부 대상이 아닌 경험과 삶을 구성하는 근원적 기반으로 이해한다. 이러한 관점은 예술을 인간과 환경 간 상호작용의 과정으로 해석할 수 있는 이론적 토대를 제공한다. 이를 바탕으로 본 연구는 현대미술에서 나타나는 자연 경험의 표현 양상을 고찰하고 이를 자연과의 소통 및 치유적 맥락에서 재해석하였다. 그 결과 자연과의 감각적 접촉과 환경적 경험이 정서적 안정과 심리적 회복 가능성에 기여할 수 있음을 확인하였다. 본 연구는 자연주의적 시각에서 인간–자연 관계를 재조명하고 예술과 치유의 연관성을 통합적으로 이해하고자 했다는 점에서 의의를 지닌다. 또한 인간 경험을 환경적 맥락 속에서 이해하려는 미술치료 이론 확장의 기초 자료를 제공할 것으로 기대된다.

This study aims to reconsider the relationship between humans and nature from a naturalistic perspective and, based on this framework, to explore the meaning and potential of nature-related experiences as manifested in contemporary art and art therapy. Although humans have inherently existed in dependence on nature, Western philosophical traditions and modern thought have conceptualized humans as autonomous beings separated from nature, thereby constructing an anthropocentric worldview. Such perceptions have justified the development and control of nature amid the advancement of science and technology and the expansion of capitalist values, resulting in environmental degradation and ecological crises. In response, this study focuses on a naturalistic perspective that understands humans and nature not as opposing entities but as continuous and interactive. Naturalism maintains that human cognition and experience are formed within natural conditions and interprets nature not as an external object but as a fundamental basis constituting experience and life. This viewpoint provides a theoretical foundation for interpreting art as a process of interaction between humans and their environment. Based on this perspective, the study examines modes of representing nature-related experiences in contemporary art and reinterprets them within contexts of communication with nature and therapeutic engagement. The findings indicate that sensory contact with nature and environmental experiences may contribute to emotional stability and psychological restoration. This study is significant in that it reexamines the human–nature relationship from a naturalistic perspective and seeks an integrated understanding of the relationship between art and healing. Furthermore, it is expected to provide foundational material for expanding art therapy theories that approach human experience within environmental contexts.

본 연구는 17–18세기 유럽 정물화와 동시대 조선 민화에 나타난 사물 표현을 비교 고찰하여, 사물이 회화 속에서 수행하는 의미 작용과 그것이 각 문화권의 세계 인식 및 가치 체계를 어떻게 반영하는지를 살펴보고자 한다. 정물화는 오랫동안 주변적 장르로 간주되어 왔으나, 본 연구는 사물이 단순한 재현의 대상이 아니라 사회적 조건과 인간 인식이 응축된 시각적 매개체로 기능한다는 점에 주목한다. 유럽의 경우, 종교개혁 이후 시민 사회의 형성과 물질문화의 확산 속에서 정물화가 독립된 회화 장르로 자리 잡았으며, 바니타스 정물을 중심으로 사물은 시간의 흐름과 죽음, 인간 존재의 유한성을 사유하는 장치로 활용되었다. 하르멘 스텐베이크와 장 시메옹 샤르댕의 작품을 통해, 유럽 정물화에서 사물이 감각적 현실과 도덕적 성찰을 동시에 내포하는 구조로 조직되는 양상을 검토한다. 이 과정에서 사물은 개인의 내적 성찰과 사회적 인식을 연결하는 매개로 제시된다. 반면 조선 중·후기 민화와 기명절지화에서 사물은 성리학적 질서와 생활 윤리가 반영된 상징체계 안에서 이해된다. 책가도, 화훼도, 기물도에 등장하는 사물들은 현실을 재현하기보다 길상, 학문, 도덕 적 이상을 시각화하는 요소로 기능하며, 인간이 지향해야 할 삶의 상태를 호출하는 매개로 작동한다. 특히 이형록의 기명절지화를 중심으로, 조선 민화에서 사물이 시간의 소멸을 드러내기보다는 지속과 순환의 논리 속에서 의미를 축적하는 양상을 분석한다. 이와 같은 비교를 통해 본 연구는 동일한 시대에 유사한 사물이 회화의 주제가 되었음에도 불구하고, 유럽과 조선에서 사물이 서로 다른 의미 구조 속에 위치 했음을 드러낸다. 유럽 정물화에서 사물은 인간 존재의 조건과 사회적 현실을 성찰하는 장치로 기능한 반면, 조선 민화에서는 삶의 규범과 이상을 매개하는 염원의 기능을 지닌 상징적 언어로 활용되었다. 이러한 차이는 정물화를 단일한 양식이나 주제의 범주를 넘어, 인간과 시대성의 관계를 조직하는 문화적 사고의 산물로 이해할 수 있는 가능성을 제시한다.

This study compares object representation in seventeenth- and eighteenth-century European still-life painting and contemporaneous Joseon minhwa, examining how objects function as carriers of meaning and reflect culturally specific worldviews. Challenging the conventional view of still life as a marginal genre, the study approaches objects as visual mediators shaped by social conditions and modes of perception. In European still life, which emerged as an independent genre following the Reformation, objects in vanitas paintings operate as devices for contemplating temporality, mortality, and human finitude. Through selected works by Harmen Steenwyck and Jean-Siméon Chardin, the study explores how objects integrate sensory realism with moral reflection. In contrast, objects in late Joseon minhwa and gima-jeolji painting function within symbolic systems grounded in Neo-Confucian values, visualizing ethical ideals, learning, and auspicious meanings. Focusing on Yi Hyeongnok’s works, the study examines how objects accrue meaning through continuity and cyclical notions of time rather than temporal decay. By juxtaposing these traditions, the study demonstrates that similar objects were embedded in distinct semantic structures across cultures, suggesting that still life constitutes a culturally conditioned mode of organizing relationships between humans and the world rather than a unified genre.

본 연구는 얀 보(Danh Vo)의 작업을 오브제 아카이브 관점에서 분석하여, 탈식민적 기억이 동시대 미술에서 어떤 절차와 형식을 통해 구성되는지 규명한다. 보의 작업에서 기억은 전쟁과 이주라는 사건의 내용을 재현하는 데 머무르지 않고, 사물과 문서가 수집·등록·전시·거래·운송의 제도적 절차를 통과하며 역사로 승인되는 경로 자체를 드러내는 방식으로 조직된다. 이에 본 연구는 기억의 정치학을 기억의 내용이 아니라 기억이 성립하는 규칙과 매개의 문제로 전환하고, 오브제가 출처 표기, 소장 이력, 라벨, 설치 규약, 경매 로트 같은 제도적 언어와 결합하는 순간 의미와 권위가 갱신되는 작동을 추적하였다. 연구 방법은 아카이브·기억·탈식민 이론에 대한 문헌 검토와 함께 전시 도록, 기관 자료, 작가 인터뷰, 시장 문서의 교차 독해 및 오브제의 물질성과 배치 방식에 대한 형식 분석을 병행하였다. 분석은 개인·가족 아카이브의 전치, 제도 아카이브의 전유와 교란, 이동·번역·순환의 미학이라는 세 축으로 전개되며, 그 과정에서 오브제는 증거를 보장하기보다 증거성이 생산되는 조건, 곧 분류의 문법, 소유의 기술, 유통의 인프라를 가시화하는 매개로 작동함을 확인하였다. 본 연구는 국내에서 상대적으로 공백 상태에 놓인 보 연구의 기초를 보완하는 동시에, 탈식민적 기억 논의를 재현 중심에서 기록·분류·소유·유통의 형식 분석으로 확장하는 해석 틀을 제시한다.

This study analyzes Danh Vo’s practice through the lens of the object archive, examining how decolonial memory is formalized in contemporary art. In Vo’s work, memory does not remain at the level of representing the content of war and migration; rather, it foregrounds the pathways through which objects and documents move through institutional procedures—collecting, registration, exhibition, exchange, and transport—and become authorized as historical record. By shifting the politics of memory from what is remembered to the rules and mediations by which memory is constituted, the study traces how meaning and authority are reconfigured when objects are coupled with institutional languages such as provenance statements, collection histories, labels, installation protocols, and auction-lot descriptions. Methodologically, the study combines a review of theories of the archive, memory, and decolonial critique with cross-readings of exhibition catalogues, institutional materials, artist interviews, and market documents, alongside formal analysis of materiality and display. The analysis is organized into three axes: the transposition of personal and family archives, the appropriation and disruption of institutional archives, and the aesthetics of movement, translation, and circulation. The findings show that objects function less as stable evidence than as mediating devices that render visible the conditions under which evidentiary authority is produced—grammars of classification, techniques of ownership, and infrastructures of circulation. In doing so, the study helps address the relative lack of scholarship on Danh Vo in Korea and proposes an interpretive framework that extends decolonial memory debates beyond representational ethics toward the formal analysis of recording, classification, ownership, and circulation.