Earticle

본 연구는 AI 생성형 예술에서 나타나는 언캐니 표상의 구현 방식과 그 미학적 의미를 탐구하는 것을 목적으로 한다. AI 생성형 예술은 전통적인 예술 창작 방식과 달리 알고리즘 기반의 창작 과정을 통해 익숙하면서도 낯선 이미지를 만들어내어 관람자에게 심리적 불안과 긴장감을 유발한다. 이러한 감정은 익숙함 속의 낯섦이라는 지그문트 프로이트의 언캐니 개념과 밀접하게 연관된다. 이러한 특성 은 특히 AI의 창작 과정에서 더욱 두드러지게 나타난다. 본 연구는 AI 생성형 예술의 조형적 특징인 디테일의 초현실성, 스타일 융합과 변형, 알고리즘적 반복성, 언어적 유연성, 예측 불가능성을 도출하 고, 이러한 요소들이 언캐니 표상과 어떻게 연결되어 발현되는지를 고찰하였다. 이를 위해 보리스 엘닥슨, 마리오 클링게만, 안나 리들러, 레픽 아나돌과 같은 AI 기반 예술가들의 주요 작품을 분석하여 언캐니 표상이 시각적으로 어떻게 구현되는지를 살펴보았다. 연구 결과, AI 생성형 예술은 알고리즘적 특성과 예술적 표현의 결합을 통해 언캐니를 증폭시키며, 관람자에게 심리적 긴장감과 미학적 불안을 유발하는 것으로 나타났다. 본 연구는 AI 생성형 예술이 현대 미학과 예술 담론에서 중요한 역할을 수행하고 있음을 밝혔으며, AI와 예술의 융합을 통해 새롭게 등장하는 창작 방식과 미학적 가능성을 탐색하는 데 기초 자료로서 의미를 지닌다.

This study aims to explore the methods of implementing uncanny representations in AI-generated art and their aesthetic implications. Unlike traditional art creation methods, AI-generated art produces familiar yet unfamiliar images through algorithm-based creative processes, evoking psychological anxiety and tension in viewers. These emotions are closely related to Sigmund Freud's concept of the uncanny, which refers to the sensation of unfamiliarity within familiarity. This characteristic becomes more prominent in the creative process of AI. This study identifies the formative features of AI-generated art—such as hyperrealistic details, stylistic fusion and transformation, algorithmic repetition, linguistic flexibility, and unpredictability—and examines how these elements are connected to and manifest uncanny representations. To this end, the study analyzes key works by AI-based artists like Boris Eldagsen, Mario Klingemann, Anna Ridler, and Refik Anadol to investigate how the uncanny is visually embodied. The results reveal that AI-generated art amplifies the uncanny through the combination of algorithmic characteristics and artistic expression, inducing psychological tension and aesthetic unease in viewers. This research highlights the significant role of AI-generated art in contemporary aesthetics and art discourse, serving as a foundational resource for exploring newly emerging creative methods and aesthetic possibilities through the fusion of AI and art.

본 연구는 19세기 말 벨기에 출신의 상징주의 화가 펠리시앙 롭스(Félicien Rops)의 미술 세계를소개한다. 작품에 반복적으로 등장하는 ‘여성’과 ‘마귀’라는 모티프에 주목하고, 대표작이라고 할수 있는 <성 안토니우스의 유혹>과 <마귀들> 연작을 살펴보고자 한다. 두 작품을 통해 롭스가 종교와신화적인 주제를 자신만의 독특한 방식으로 어떻게 재해석하고 있는지 고찰한다. <성 안토니우스의유혹>에 나타나는 전통적인 도상학적 특징이 아닌 ‘십자가에 매달린 여성’ 도상을 통해 롭스는 여성의에로티시즘을 강조한다. 또 한편으로 ‘악마주의’라고 하는 당대 오컬트의 한 장르를 통해 강렬한성적 이미지를 표현한다. 두 작품은 여자와 마귀를 중심으로 ‘에로티시즘’을 보여주며, ‘불안’과 ‘공포’ 라는 심리적 기제를 드러내 보인다. 본 연구는 그 당시의 사회, 정치, 문화적 배경과 더불어 작가의개인사적 배경을 통해 여성과 마귀의 상징적 의미를 이해해 보고자 한다. 더불어 롭스 작품이 갖는의미를 포르노의 정치적 관점에서 접근하고자 한다. 따라서 본 논문은 롭스가 세기말 불안과 공포라는심리적 기제를 여성과 마귀를 통해 어떠한 방식으로 보여주고자 했는지 조명한다. 이러한 작업을통해 국내에 생소한 롭스의 미술 세계를 소개하고 화가의 미술사적 가치를 재고한다.

This study introduces the artistic world of Félicien Rops, a Belgian symbolist painter in the late 19th century. This study focuses on the motifs of ‘women’ and ‘demons’ that appear repeatedly in his works, and examines his representative works, <La Tentation de Saint Antoine> and the series <Les Sataniques>. Through these two works, this study examines how Rops reinterprets religious and mythological themes in his own unique way. Rops emphasizes female eroticism through the iconography of ‘a woman hanging on a cross’, rather than the traditional iconographic features that appear in ‘La Tentation de Saint Antoine’. On the other hand, he expresses intense sexual images through ‘Satanicism’, a genre of contemporary occultism. The two works show ‘eroticism’ centered on women and the devil, and reveal psychological mechanisms of ‘anxiety’ and ‘fear’. This study aims to understand the symbolic meaning of women and the devil through the social, political, and cultural background of the time, as well as the artist’s personal background. In addition, it aims to approach the meaning of Rops’s work from the political perspective of pornography. Therefore, this paper sheds light on how Rops tried to show the psychological mechanism of anxiety and fear at the end of the century through women and the devil. Through this study, it introduces Rops’s artistic world, which is unfamiliar to Korea, and reconsider the artist’s art historical value.

본 연구는 전라남도 보성에 위치한 우종미술관을 중심으로, 펜데믹 이후의 초등학생 대상 교육 프로그램의 변화 현황과 가능성을 탐구한다. 특히, 지역 사립 미술관이 지역사회와 학교의 문화예술적 가교 역할을 수행하고, 학생들에게 창의적 학습 경험을 제공하는 방안을 제시한다. 연구는 문헌 연구, 사례 분석, 현장 연구를 결합하여, 우종미술관 교육 프로그램의 특징과 앞으로의 발전 방향을 구체화하 였다. 국내뿐만 아니라 영국 내셔널 갤러리, 테이트 갤러리, 프랑스 루브르 미술관과 같은 유럽 미술관 사례를 통해 초등학생 대상 교육 프로그램의 우수 사례를 비교 분석하였다. 이를 바탕으로 우종미술관 이 지역 미술관으로써 학생들에게 실질적이고 창의적인 교육 경험을 제공할 수 있도록 방법을 제안하 고자 했다. 본 연구는 지역 미술관이 공교육과 연계하여 지역사회의 문화적 요구를 충족하고, 초등학생 교육의 실질적 발전을 도모하는 데 기여할 수 있음을 확인하였다.

This study examines the current status and potential evolution of educational programs for elementary school students in the post-pandemic era, with a focus on the Ujong Museum of Art in Boseong, Jeollanam-do. It emphasizes the role of local private art museums as cultural and artistic bridges between communities and schools, providing students with creative learning opportunities. Through a combination of literature review, case analysis, and field research, the study identifies key characteristics of the Ujong Museum's educational programs and outlines directions for their future development. Additionally, it compares exemplary educational programs from Korean art institutions and European museums, including the National Gallery, the Tate Gallery, and the Louvre Museum. Based on these insights, the study proposes practical and innovative strategies to enhance the Ujong Museum's role in delivering meaningful educational experiences. Ultimately, this research highlights the potential of local art museums to meet community cultural needs, collaborate with public education, and promote the advancement of elementary education.

본 연구는 소피 칼(Sophie Calle)이 작품에 사용한 매체인 사진의 특성을 고찰하고자 한다. 특히 그녀의 작품에서 사진을 주요 매체로 사용한 작품들을 분석한다. 먼저 사진의 등장은 1960년대 포스트 모더니즘(Postmodernism) 이론을 수용하며 진행된다. 사진 매체의 특성을 알아보기 위해 소피 칼의 작품에서 나타난 사진의 증거로서의 기능에 대한 이론가들의 견해를 살펴본다. 나아가 사진을 활용한 개념미술가들의 실천과 사진의 계보 속에 등장하는 소피 칼의 작품에 대한 이론가들의 견해를 통해 그녀만의 특유의 작품세계를 창조한다. 또한 소피 칼의 작품을 통해서 포스트모더니즘 미술의 여러 단면을 이해하고 그 안에서 소피 칼의 역할을 고찰한다. 이로써 이 연구는 소피 칼의 사진 프로젝트가 동시대 미술과의 연관성과 차별성에 대한 비교 연구의 방향을 확장시켜 나갈 수 있을 것으로 기대한다.

This study attempts to examine the characteristics of photography, the medium used in Sophie Calle's work. In particular, she analyzes the works that used photography as a major medium in her work. First, the appearance of photography proceeds by accepting the theory of postmodernism in the 1960s. To find out the characteristics of photographic media, we examine the opinions of theorists on the function of photography as evidence in Sophie Calle's work. Furthermore, it creates her own unique world of work through the practice of conceptual artists using photography and the opinions of theorists on Sophie calle's work in the genealogy of photography. In addition, through the work of Sophie calle, we understand various aspects of postmodern art and examine the role of Sophie Calle in it. With this, this study is expected to expand the direction of comparative research on the relationship and differentiation of Sophie Calle's photography project with contemporary art.

발리 엑스포트(VALIE EXPORT)는 페미니즘 미술과 퍼포먼스 아트의 선구자로, 그녀의 작업은 신체를 매개로 권력의 작동 방식을 비판적으로 탐구하며 젠더와 권력 구조를 해체하는 전략을 제시한 다. 본 연구는 그녀의 대표작 <TAPP und TASTKINO (1968)>와 <Aktionhose: Genitalpanik (1969)>을 중심으로, 신체와 권력의 관계를 분석하고 이를 미셸 푸코의 권력 이론과 연결하여 고찰한다. 푸코의 규율 권력과 생체 권력 개념을 적용하여 엑스포트의 작업이 기존의 권력 구조를 어떻게 전복하고 새로운 주체화를 시도하는지를 분석하며, 이러한 논의를 통해 그녀의 퍼포먼스가 현대 페미니즘 미술 과 퍼포먼스 아트에 미친 영향을 조명한다. 엑스포트의 작품은 현대 사회에서도 유효한 시사점을 제공한다. 푸코의 권력 이론이 디지털 환경에서 더욱 정교하게 확장됨에 따라, 여성 신체는 온라인 미디어와 알고리즘을 통해 새로운 방식으로 규율되고 감시된다. 본 연구는 이러한 맥락에서 엑스포트 의 작업이 오늘날의 권력 구조에 대한 비판적 성찰을 가능하게 하며, 신체를 저항과 주체 형성의 장으로 재구성하는 방식을 탐구하는 데 기여함을 밝힌다. 이를 통해 본 연구는 엑스포트의 퍼포먼스를 단순한 과거의 예술 실천이 아닌, 현대적 의미에서 지속적인 비판과 논의가 필요한 예술적 개입으로 재평가하고자 한다.

VALIE EXPORT is a pioneer of feminist art and performance art, and her work critically explores the mechanisms of power through the medium of the body, presenting a strategy to dismantle gender and power structures. This study focuses on her representative works, <TAPP und TASTKINO (1968)> and <Aktionhose: Genitalpanik (1969)>, analyzing the relationship between the body and power and examining them in connection with Michel Foucault’s theory of power. By applying Foucault’s concepts of disciplinary power and biopower, this study analyzes how EXPORT’s work subverts existing power structures and attempts a new form of subjectivation. Through this discussion, it aims to highlight the impact of her performances on contemporary feminist art and performance art. EXPORT’s works remain relevant in contemporary society. As Foucault’s theory of power has been refined and expanded in the digital environment, the female body continues to be regulated and surveilled in new ways through online media and algorithms. In this context, this study demonstrates that EXPORT’s work enables a critical reflection on today’s power structures and contributes to the exploration of how the body can be reconstructed as a site of resistance and subject formation. Through this, this study seeks to reassess EXPORT’s performances not merely as past artistic practices but as artistic interventions that require continuous critique and discourse in a contemporary context.

AHMM(Allford Hall Monaghan Morris) 건축은 지속가능성을 기반으로 ‘즐겁게 이해하고 사용할 수 있는 사용자의 경험으로 정의’되는 건축을 수행한다. 이와 같은 개념을 기반으로 많은 작품에서 색채 사용의 독창적 관점이 나타나기 때문에 이를 대상으로 색채 사용 방식과 특징을 도출하였다. 분석 작품은 2000년도 초반부터 지금까지 구축된 작품 16개를 대상으로 하였으며, 분석 방식은 색채 디자인 과정과 연계성을 가지고 분석하였다. 따라서 다음과 같은 특징이 나타났다. 건물의 용도나 목적과 관련된 ‘정체성을 구축하는 브랜드 색채(Brand Color)’, 고채도와 다채색, 사실적 이미지, 문자 로 도입되는 색채로 쉽게 지각되는 ‘대중적 관점의 지원적 색채(affordance color), 단순한 건축에 독특 한 관점을 부여하여 건축의 특징을 강화하는 ‘형태와 분리, 건축 구성 요소별로 다르게 도입되는 강조색’, 빛의 현상과 같은 ‘자연의 현상에서 비롯된 그러데이션 색채’ 등으로 나타났다. 이외에도 ‘전통성을 기반으로 하는 색채’, ‘주변 경관과 자연물에서 도출된 색채 팔래트’ 등 범용적 방식도 사용되고 있었다. 이처럼 AHMM의 건축색채는 건축 개념을 이행하는 주요한 도구가 되고 있음을 알 수 있었다.

AHMM (Allford Hall Monaghan Morris) architects carry out an architectural process based on sustainability, defined as ‘a user experience that is pleasureable to understand and use.’ Since many works show unique perspectives on the use of color, I derived the methods and characteristics of color use from these works. The analysis targets 16 works created from the early 2000s to the present, and the analysis method was derived from a perspective linked to the color design process.Therefore, the following characteristics were extracted: It was expressed as ‘brand colors that build identity related to the use or purpose of the building,’ ‘supportive colors of popular perspectives that are easily perceived because they are applied as colors introduced with high saturation and multi-color, realistic images, and letters,’ ‘shapes and separations that give a unique perspective to simple architecture and reinforce the characteristics of architecture,’‘emphasis colors introduced differently for each architectural component,’ and ‘gradation colors derived from natural phenomena such as light phenomena.’ In addition, general methods such as ‘colors based on tradition’ and ‘color palettes derived from surrounding landscapes and natural objects’ were also used. In this way, I was able to see that architectural color is becoming a major tool for implementing architectural concepts.

니콜라 부리오는 1998년 ‘관계의 미학’을 통해 인간을 둘러싼 인간 간 관계와 사회와의 작동을 주창했으나 2014년 타이페이비엔날레와 2019년 이스탄불비엔날레에서는 인간 중심에서 벗어나 비인 간, 생태 등의 관계까지 확장 시키는 생태 중심의 전시를 시도하였다. 이후 부리오는 담론의 전회를 시도하는데 《플래닛 B: 기후 변화 그리고 새로운 숭고》 전시에서는 에드먼드 버크의 숭고를 재조명하 면서 기후 위기라는 재난에 직면한 현대 사회를 ‘동시대적 숭고’로 인식하며, 인류에게 거대 자연 앞에서 겸허한 ‘숭고’적 태도를 제안한다. 본 논문은 니콜라 부리오 전시를 관계의 미학에서 생태주의 로의 변화 흐름을 고찰해보고, 《플래닛 B: 기후 변화 그리고 새로운 숭고》 전시를 통해 동시대적 숭고에 대해 조명해보면서 인류세 시대 예술의 역할과 대안에 대해 모색해보고자 한다. 니콜라 부리오 는 기후 위기라는 시대 상황과 과포화되고, 과밀화된 도시 공간 현상 속에서 두려움 등의 복합적인 감정을 ‘숭고’라고 말하면서, 인간에게 더욱 겸허한 태도가 필요한 시점이라고 말한다. 팬데믹, 홍수, 폭염, 멸종 등이 일상적으로 발발하는 인류세 시대는 인간 중심주의에 대한 성찰과 반성을 안겨주었으 며 미술과 예술의 생태학적 행동과 실천적 역할을 강조하고 있다. 특히 니콜라 부리오는 제15회 광주비 엔날레 《판소리, 모두의 울림》 (Pansori, a soundscape of the 21st century)(2024년 9월 7일–12월 1일)에서 도 기후 위기, 인류세를 전면에 부각한 바 있다. 이에 본 논문은 니콜라 부리오의 역대 기획 변천과 함께 최근 담론 양상을 아우르는 점에서 의미가 있다.

Nicolas Bourriaud advocated the relationship between humans and the operation of society through the ‘Aesthetics of Relationships’ in 1998, but in the Taipei Biennale in 2014 and Istanbul Biennale in 2019, he tried an ecological exhibition that expanded relationships such as non-human and ecological, away from the human center. Bourriaud then attempts an exhibition of discourse. In the exhibition 《Planet B. Climate change and the new sublime》, Bourriaud re-examines Edmund Burke’s sublime, recognizes the modern society facing the disaster of the climate crisis as a ‘contemporary sublime’, and proposes a humble ‘sublime’ attitude to mankind in front of huge nature. This paper examines the flow of change from relationship aesthetics to ecology and examines the contemporary sublime through the 《Planet B. Climate change and the new sublime》 exhibition to explore the role and alternatives of art in the Anthropocene era. Nicolas Bourriaud identifies the complex emotions of fear and crisis evoked by humanity’s confrontation with disasters such as the climate crisis and the phenomena of oversaturated, overcrowded urban spaces within the framework of the "sublime." He argues that this is a time when humans must adopt a more humble attitude. In the Anthropocene era, where pandemics, floods, heatwaves, and extinctions have become everyday occurrences, these challenges call for deep reflection and a reassessment of anthropocentrism. It is an urgent moment for art and aesthetics to contemplate their roles in addressing ecological issues and to encourage transformative and stimulating research. In particular, Nicolas Bourriaud emphasized the themes of the climate crisis and the Anthropocene in the 15th Gwangju Biennale (September 7–December 1, 2024), titled 《Pansori, a Soundscape of the 21st Century》. This paper holds significance in encompassing the evolution of Bourriaud’s curatorial practices and the recent trajectories of his discourse.

본 연구는 올라퍼 엘리아슨(Olafur Eliasson)의 예술 작품을 통해 기후변화와 인간-환경 상호작용을 시각적으로 탐구하는 방식을 고찰한다. 특히, 설치미술의 특성과 관객 참여 방식을 중심으로, 엘리아슨 의 작품이 환경 문제를 감각적이고 직관적인 체험을 통해 전달하며, 관객의 인식을 변화시키는 과정을 분석한다. 이를 위해 티모시 모턴(Timothy Morton)의 ‘어두운 생태학(Dark Ecology)’ 이론을 바탕으로, 예술이 인간과 자연의 긴밀한 상호작용을 드러내고, 기후 위기에 대한 공감과 경각심을 형성하는 방식을 살펴본다. 본 연구는 엘리아슨의 대표 작품들을 세 가지 측면에서 분석한다. 첫째, 기후변화의 시각적 표현을 통해 빙하의 소멸과 기상 현상의 변화를 감각적으로 재현하는 작품들을 검토한다. 둘째, 인간-환경 상호작용을 중심으로, 관람자가 자연과의 관계를 체험적으로 인식하도록 유도하는 예술적 전략을 탐색한다. 셋째, 지속 가능성과 에너지 문제를 다루는 프로젝트를 분석하여, 예술이 재생 가능 에너지, 재활용, 건축적 에너지 효율성과 같은 환경적 이슈에 대해 어떠한 통찰을 제공하는 지 고찰한다. 연구 결과, 엘리아슨의 작품들은 기후변화라는 추상적 개념을 감각적·체험적 방식으로 전달하여 관객의 공감을 유도하고, 환경 문제 해결을 위한 사회적 논의를 촉진하는 역할을 수행하는 것으로 나타났다. 또한, 예술이 인간과 환경의 복합적 얽힘을 시각적으로 구현하여, 관객이 자연 및 자원 소비에 대한 책임을 재고하도록 돕는 강력한 매개체임을 확인하였다. 본 연구는 예술이 기후 위기 대응을 위한 공공 담론 형성에 적극적으로 기여할 수 있음을 시사하며, 향후 환경 예술의 확장 가능성과 다양한 예술가들의 기후변화 관련 작업에 대한 비교 연구의 필요성을 제언한다.

This study examines how Olafur Eliasson’s artistic practice explores climate change and humanenvironment interaction through visual representation. Focusing on the characteristics of installation art and audience participation, this research analyzes how Eliasson’s works provide sensory and intuitive experiences that reshape public perception of environmental issues. By referencing Timothy Morton’s theory of Dark Ecology, this study investigates how art reveals the intricate entanglement between humans and nature, fostering empathy and awareness regarding the climate crisis. This research categorizes Eliasson’s major works into three key aspects. First, it explores artworks that visually represent climate change, including the disappearance of glaciers and changes in meteorological phenomena. Second, it examines how Eliasson’s projects encourage audience engagement, allowing viewers to experience the interconnectedness between humans and nature. Third, it analyzes projects addressing sustainability and energy issues, highlighting how art provides insights into renewable energy, recycling, and architectural energy efficiency. The findings reveal that Eliasson’s works effectively translate the abstract concept of climate change into tangible and experiential forms, enhancing public engagement and stimulating social discourse on environmental issues. Furthermore, his art visually demonstrates the complex interrelationship between humans and nature, prompting audiences to reconsider their responsibilities regarding resource consumption and environmental stewardship. This study underscores the role of art in shaping public discourse on climate change and suggests that artistic practices can actively contribute to raising awareness and fostering sustainable actions. Future research should further investigate the tangible impacts of Eliasson’s work on policy and behavioral changes, as well as explore comparative studies with other contemporary artists addressing climate change through artistic expression.

본 연구는 온라인 미술관이 미술교육적 관점에서 가지는 교육적 가치를 분석하고, 학교 교육에서의 활용 가능성을 탐색하는 것을 목표로 하였다. 이를 위해 문헌연구와 사례분석을 통해 국내외 온라인 미술관의 운영 현황을 비교하고, 국내 온라인 미술관의 개선 방향을 모색하였다. 연구 결과, 해외 온라인 미술관은 AI 및 디지털 기술을 적극 활용하여 상호작용성과 맞춤형 학습 환경을 제공하는 반면, 국내 온라인 미술관은 정적인 정보 제공 방식에 머무르고 있어 교육적 활용에 한계가 있는 것으로 나타났다. 이에 따라 국내 온라인 미술관이 보다 효과적인 교육 플랫폼으로 기능하기 위해서는 실시간 상호작용 시스템 구축, 자유선택학습 활성화, AI 및 VR/AR 기술을 활용한 개인 맞춤형 학습 환경 조성이 필요함을 제안하였다. 본 연구는 국내 온라인 미술관 교육의 발전 방향을 제시함으로써, 향후 미술교육에서 디지털 기술과 연계한 온라인 학습이 나아갈 방향을 탐색하는 기초 자료로 활용될 수 있을 것이다.

This study examines the educational value of online museums from an art education perspective and explores their potential applications in school curricula. Through a literature review and case analysis, it compares the operational strategies of online museums in South Korea and abroad to identify areas for improvement. The findings indicate that while international online museums actively integrate AI and digital technologies to enhance interactivity and provide personalized learning experiences, domestic online museums primarily rely on static information delivery, limiting their educational effectiveness. To function as an effective educational platform, domestic online museums must establish real-time interactive systems, promote free-choice learning, and implement AI- and VR/AR-based personalized learning environments. This study contributes to advancing online museum education in South Korea and serves as a foundational resource for future discussions on the integration of digital technology in art education.

본 논문은 페터 바이벨의 비디오 작품에 재현된 신체를 살펴보고 관객이 작품을 경험하는 과정에서 신체와의 관계를 탐구한다. 페터 바이벨은 1960년대 빈 액셔니즘과 확장된 영화를 시작으로 다양한 매체에서 재현하는 이미지들의 한계를 실험했다. 바이벨은 비디오 작품에서 자신과 관객의 신체를 활용하여 관객이 신체를 인식하는 방식에 대해 비판적으로 접근했다. 관객은 작품 속에서 재현된 타인의 신체 이미지를 관찰하고 타인의 시선에 의해 자신의 존재를 지각하게 된다. 또한, 관객은 작품에 실시간으로 반영된 자신의 신체 이미지를 바라보면서 작품과 상호작용하고 자신의 신체와 작품이 연결된 감각을 경험하게 된다. 이 논문에서는 바이벨의 비디오 작품에 신체 이미지가 어떻게 재현되었는지 분석하고 작품과 관객과의 상호작용에서 관객이 인식하는 신체 인식의 경험, 재현된 신체와 실제와의 관계 그리고 정체성에 관련된 쟁점들을 다룬다.

This paper examines the representation of the body in Peter Weibel’s video works, exploring the relationship between viewers and their bodies in the experience of encountering these works. Beginning with Viennese Actionism and Expanded Cinema in the 1960s, Weibel has continuously experimented with the boundaries of representation across diverse media. In his video works, Weibel critically addresses the ways in which viewers perceive their own bodies, actively incorporating both his own and the viewers’ bodies into the artworks. As viewers observe representations of others' bodies within the videos, they become conscious of their own presence through the gaze of the depicted figures. Furthermore, viewers actively engage through real-time feedback of their own bodies within the artwork, physically connecting themselves to the work. Through analysing the representation of the body in Weibel’s video art, this paper investigates the viewer’s physical experience, the relationship between represented and actual bodies, and questions of identity arising from the viewer’s interaction with the artwork.

본 연구는 시각 예술의 근대화 과정에서 회화, 조각, 건축이 메카니컬 아츠에서 벗어나 리버럴 아츠에 포함되었다가, 18세기에 이르러 파인 아츠라는 새로운 개념으로 정립되었다는 기존 연구를 비판적으로 검토하고 이를 보완하는 데 목적을 둔다. 15~16세기에 시각 예술의 사회적 지위가 상승함 에 따라, 예술가들은 시각 예술을 메카니컬 아츠와 구별하며 더 상위의 학문 할동인 리버럴 아츠로 편입시키고자 주장하였다. 본 연구는 시각 예술의 근대화 과정이 리버럴 아츠로의 편입을 거친 것이 아니라, 오히려 근대 과학의 형성과 유사한 방식으로 발전하였다고 주장한다. 이는 시각 예술이 단순히 실천적 영역인 메카니컬 아츠와 구분될 뿐만 아니라, 사색적 학문인 리버럴 아츠와도 차별화되며, 실천과 정신을 아우르는 제3의 영역으로 발전했음을 의미한다. 따라서 본 논문은 시각 예술의 근대화 과정을, 예술가들이 자신의 활동을 리버럴 아츠로 편입시키기 위해 정신성을 강조하며 실천적이고 신체적인 활동을 배제한 과정으로 보기보다는, 오히려 정신과 실천의 양 측면을 시각 예술의 본질적 요소로 인정하고 이를 발전시켜 온 과정으로 해석할 수 있음을 밝히고자 한다.

This paper critically examines existing research on the modernization of visual arts, which argues that painting, sculpture, and architecture transitioned from the Mechanical Arts to the Liberal Arts and were later redefined as Fine Arts in the 18th century. As the social status of visual arts rose in the 15th and 16th centuries, artists sought to distinguish their practice from the mechanical arts and align it with liberal arts. However, this transition was never fully realized. This study contends that visual arts developed in a manner similar to modern science—not merely as a practical field distinct from the mechanical arts, nor as a purely speculative discipline akin to the liberal arts, but as a third domain that integrating both practice and intellect. From this perspective, the modernization of visual arts should not be understood as a process in which artists emphasized only intellectual aspects while excluding physical and practical activities to assimiliate into the liberal arts. Rather, it was a continuous effort to recognize and develop both intellectual and practical dimensions as instrinsic of visual arts.