Earticle

이 논의의 목표는 앤디 워홀 붐과 영향력이 작가 사후(死後)까지 이어지는 현상을 일컫는 용어인워홀효과(warhol effect)와 한편으론 워홀 효과를 비판하는 듯한 뉘앙스를 띠면서 다른 한편으론 워홀효과에 동력을 제공하는 이중적 담론 기전으로서 워홀리즘(warholism)에 대해 살펴보고, 이를 통해워홀 시대에서 오늘에 이르는 글로벌 현대미술 장의 작동 메커니즘을 반성적으로 되짚어보는데 있다. 이를 위한 방법으로서, 이 논의는 워홀효과와 워홀리즘이 형성되는 중요한 과정으로 판단되는, 미술관시스템(art museum system)과 미술시장 시스템(art market system)의 네트워크화와 동조현상에 주목했다. 워홀효과와 워홀리즘의 형성에 있어 주목해야 또 하나의 요인은 그 과정을 주도적으로 이끌었던2차 세계대전의 승전으로 급부상한 신흥제국 미국의 존재다. 워홀 효과와 워홀리즘의 기획과 수행, 관리통제의 전 과정은 사실상 미국의 전략적 개입의 산물이라고 해도 과언이 아니다. 고도의 네트워크화, 동조화 된 미술관 시스템과 미술시장 시스템 간의 긴밀한 협력과 미국정부의 주도적인 지지와개입에 대한 사전 이해 없이는, 앤디 워홀이라는 소비주의적 물신을 만든 양대 축으로서 워홀효과와워홀리즘 담론 기전의 특성과 작동 메커니즘을 파악하는 것은 반쪽짜리로 그치고 말 것이다. 워홀효과와 워홀리즘 담론을 다루면서, 이 논의가 주목하고자 했던 것은 여전히 논쟁이 진행 중인 두 기전의결과에 관한 것으로, 그것이 이후의 예술 논의에서 ‘진짜 인간’의 요소를 희미하게 하는데 관여해왔다는 사실이다. 워홀효과와 워홀리즘에 대한 이 논의의 반성적 이해는 포스트 판데믹 시대에 예술과담론의 영역에서 야기될 것으로 예측되는 다양한 위기상황을 미리 인식하고 대비하는데 있어 의미있는 참조가 될 수 있을 것이다. 디지털 네트워크 체계와 ‘언텍트(untact)’ 문화가 일상화된 시대가 도래하더라도, 가치의 근원인 인격체로서 사람의 정신을 흐릿하게 만드는 동기와 그것을 둘러싼 헤게모니투쟁은 변함이 없을 것이기에, 지난 반세기 워홀효과와 워홀리즘 담론의 형성과 전개를 둘러싸고전개되어 온 현상은 멀지 않은 미래에 일어날 일들을 비춰보는 거울이 될 수도 있다.

The goal of this discussion is to examine the characteristics and mechanisms of the global contemporary art chapter in the course of Andy Warhol's time to today by the term ‘Warhol effect’ which is a phenomenon in which the fame and the influence of artist like Andy Warhol continue after the death of him and ‘Warholism’ which is a kind of discourse provide power to the Warhol effect seems to be a critical nuance. To this end, this discussion focused on the networked sympathies of the museum system and art market system as a process in which the Warhol Effect and the Warholism are planned and formed. As another fact to note in the planning and formation of the Warhol Effect and the Warholism, this discussion dealt with the existence of the newly emerging empire, the United States, which has been closely involved in their planning. That's because the whole process of the idea, planning, performance and control of the Warhol Effect and the Warholism was not possible without America's leading-edge intervention. It is impossible to grasp the dynamic mechanisms of the Warhol Effect and Warholism without prior understanding of the mutual cooperation of the highly networked art market system and art museum system and the strategic and full support of the US government. Discussing the dynamic mechanisms of Warhol effect and Warholism in the field of contemporary art, the main focus of this discussion is the fact that the characteristic performance of this mechanism has consequently been closely involved in blurring the elements of ‘real of human‘ and erasing its traces in art. In this context, these two absurd and morbid mechanisms can serve as significant references in recognizing and preparing in advance against the various violent situations predicted to occur in the post-fandemitic era. Even if the digital network system and 'un-tact' culture are decisively routine, the unwavering challenge will be how to fight back at the blurring the real of people who are the source of value and the power struggle that unfolds around it. The current phenomenon surrounding the Warhol Effect and the Warholism is like a mirror that shows us a future not far away.

1922년부터 2차 세계 대전까지 이탈리아의 파시즘 정부는 역사적 전통과 근대화의 이미지를 복합적으로 절충하고 중첩해서 정치적 이데올로기를 메시지로 고안했다. 이 과정에서 무솔리니를 다룬 선전물은 이 같은 메시지에서 가장 중요한 매체였다. 연구를 통해서 확인할 수 있었던 것은 그를 다루는사진, 포스터, 영화가 현실에서 차용한 이미지를 활용했지만 이를 조합하고 계열화 해서 독립적인파시즘의 상징적 의미 체계를 만들어냈다는 점이다.

Mussolini's image, which was immortalized during the twenty years of fascism, played a particularly important role in fascist propaganda. It became an allegory for fascist political ideology, and by virtue of this, his cult could be developed. Mussolini's representation was intended to establish a consensus, and to ensure the adherence of Italians to fascism. This study aims to provide an overview of the iconography of Mussolini, focusing on some of the recurring images found in remaining photographs, posters, and films. Changes in Mussolini's image over time, as his representation adapted to the development of propaganda, are also presented. Some concrete examples are explored to elucidate how Mussolini's representation, which borrows an image of reality and renders it more persuasive, created an independent metaphor for fascism, with its principles but also contradictions.

집합 주거의 재료가 다양화되면서 재료의 가공기술에도 급진적 발전이 이루어지고 있다. 선진집합주거 형식을 지닌 프랑스의 최근 집합 주거 20여 개를 대상으로 외부 입면재료와 사용방식을조사한 결과 다음과 같은 특징이 나타났다. 첫째, 단일한 재료로 벽체와 건축요소가 일체화되면서균질하고 조형적인 형태미가 유지되는 것으로 나타났다. 둘째, 다양한 재료가 사용된 경우 재료 조합방식이 영역별로 다르게 코디네이션 되고 있었다. 셋째, 재료의 본질적 속성이 드러나며, 시공방식이다르게 적용되면서 현상적으로 변화되는 표면효과가 나타나고 있었다. 넷째, 발코니는 조망을 중시한경량 재료와 가공방식의 다양화로 미적 효과와 함께 조망, 사생활 유지가 동시에 구현하게 되고 있었다. 다섯째, 세대 간의 경계는 간결한 디테일 처리로, 전체 형태의 조형성에 영향을 주지 않는 방식으로적용되고 있었다. 여섯째, 외부 입면 전체에 도입되는 재료는 무거운 재료보다 가벼운 느낌을 주는재료가 대부분 사용되고 있었다. 이처럼 프랑스 집합 주거 재료사용특징은 합리적이고 기능적인 재료사용의 관점을 넘어서서 거주성을 중시하는 관점으로 접근되고 있었음을 알 수 있었다. 이는 고밀도로지어지는 미래 집합주거에서 지속적으로 이어져야할 관점으로 생각된다.

With the diversification of materials in the collective housing, radical developments are also being made in the processing technology of materials. Therefore, the characteristics of material survey and method were extracted for about 20 French collective housings. The results of the study are as follows. First, it was found that the homogeneous and formative beauty of the shape was maintained as the wall and the building elements were integrated with a single material. Second, when various materials were used, the material combination method was coordinated differently for each area, indicating the distinctive originality of the collective housing. Third, the intrinsic properties of the material were revealed, and the surface effect was changed perceptually by applying the construction method and the connecting method differently. Fourth, the aesthetic effect, the view, and the maintenance of privacy were being realized at the same time by reducing the weight of the material and diversifying the processing method considering the view on the balcony. Fifth, it was shown that the boundaries between generations are realized by concise detail and light materials, maintaining the plasticity of the whole form. Sixth, it was been used lightweight materials rather than heavy and sturdy materials. As a result of the study, the material of the French collective housing shows that the characteristics of use should be actively reflected based on rationality and functionality, not just external finish. This should lead to the perspective of improving the future housing type and housing culture, and should continue with the residents-oriented material use system.

질 들뢰즈는 시간-이미지 개념을 정초하면서 결정체-이미지를 언급한다. 그에 의하면 막스 오퓔스의영화는 바깥을 환기하지 않는 완벽한 결정체를 이룬다. 이 글은 <롤라 몽테>에서 한 여인의 삶을스펙터클하게 나타내는 서커스 쇼를 중심으로 한 결정체-이미지가 나타내는 함의를 탐색했다. 결론부터 말하면 오퓔스는 이 영화에서 롤라 몽테의 삶에 대해서 잠재태와 현살태의 식별 불가능한 양상을통해서 시간의 결정체를 나타내서 끊임없이 변화해가는 인물의 시간을 그려냈다. 시간을 생성해 나가는 주체로서 롤라 몽테의 욕망에 대해 다루면서 그녀의 부단하게 이동하는 삶의 시간을 보여주고있다. 바깥이 환기되지 않는 양상은 완벽한 결정체를 나타내고 있으며 오늘날의 삶이 스펙터클이되어버렸음을 말하고 있다. 삶의 주체로서 롤라 몽테의 시간은 들뢰즈와 가타리가 말하는 욕망, 즉결여에 의한 것이 아닌, 현실의 영역 내에서 생겨나는 욕망을 추구하고 있음을 드러낸다. 이 영화의완벽한 결정체는 롤라 몽테의 삶의 시간을 통해 작가 자신의 시간에 대한 인식을 드러내고 있다.

Gilles Deleuze refers to the crystal image while defining the time-image. According to Deleuze, Max Opuls presents crystal image centered on a circus show that monstrates a woman's life in a spectacular way in <Lola Montès>. From the conclusion, Opuls portrayed the life of Lola Montès, expressing the crystallization of time through the indiscerniblity of the virtual image and the actual image, describing the essence of time that is constantly changing. As a subject who creates time, Lola Montès's desire, showing her life time in a constantly traversing space. The persistent aspect of the inside of crystal image represents a perfect crystal, suggesting that today's life has become a spectacle. As the subject of life, Lola Montès's time reveals that Deleuze and Guattari’s idea about desire that is not because of lack, but come from the aspect of the real. The perfect crystal of this film reveals the director's perception of time via Lola Montes's life.

박물관의 기원부터 시작하여 20세기 대형박물관이 건립될 때 까지, 각 시대별로 박물관의 의미및 역할, 운영 형태들을 살펴보았다. 현재 '박물관(museum)'이라는 용어는 고대 그리스의 '뮤제이옹(mouseion)'에서 유래되었으며, '뮤즈에게 헌납된 사원(the house of muse)'을 의미하는 '< 뮤제이옹>'은조형예술과 학문적 성과 등을 제례에 봉헌하고 이를 보관하는 역할을 했다고한다. 즉, 박물관의 수집및 보존의 기능이 '뮤제이옹(museion)'에서부터 시작된 것이다. 박물관의 고전적인 기능을 처음으로갖추었다고 추정되는 것은, 기원전 280년경 지어진 알렉산드리아 뮤제이옹(Museion of Alexandria)이다. 이 곳에는 70만권의 서적들이 소장되어 있어, 박물관이며 동시에 학자들의 연구를 위한 도서관이었다. 중세 유럽에서는 종교시설이 어느 정도의 박물관 기능을 수행한 것으로 추정된다. 주로 교회에서성유물 중심으로 수집되었고, 귀족이나 부호의 후원으로 수집되었다. 르네상스 시대에 와서야 부유한가문들이 재력을 과시하기 위해 작품을 수집하고 전시하게되었다. 이러한 개인소장품의 수집 열기는, 17세기 '호기심의 방(Cabinet of Curiosity)'으로 이어진다. 17세기에 와서야, 소장품 자체의 가치를인정하고, 소장품을 유물로서 잘 보관하고자하는 생각을 하게 되었다. 17세기말 애슈몰린 박물관이최초의 공공박물관으로 문을 연 이후, 점차 박물관의 사회적 역할, 즉 대중에게 공개되는 공공 박물관으로서의 가치가 강조된다. 18세기에는 영국의 대영박물관을 위시하여 유럽 각국에 대형 박물관들이건립되기 시작했다. 19세기에 제국주의가 팽배해지면서, 유럽 강대국들은 식민지에서 가져온 유물을기반으로 근대박물관들을 건립하게 된다. 이들 유물 외에도, 당시 수집가들이 기증한 개인의 소장품과함께, 19세기 박물관들은 대부분 제국의 문화적 우월성을 증명하기 위한 용도였으므로 박물관들이거대하고 화려하게 지어졌다. 또한, 19세기부터 보다 전문화되고 세분화된 박물관이 나타나기 시작했다. 산업혁명 이후 과학적 사고방식에 의해, 박물관의 소장품들을 보다 체계적으로 분류하고, 세분화시키면서 전문박물관이 설립된 것이다. 20세기 후반에 이르러 유럽 박물관들은 또다시 변모하게된다. 기존의 박물관들이 대대적으로 증축되면서. 전시 및 보존이라는 수동적인 박물관의 역할에서부터이제는 박물관이 대중에게 교육 및 서비스를 제공한다는 적극적인 역할을 수행하게 되었다. 20세기의 박물관은 '복합 문화센터'로서, 관람객들의 다양한 문화적 욕구를 충족시키고, 교육프로그램을 운영하는 종합적인 예술 공간으로 재탄생하게된 것이다.

Étymologiquement, le terme musée vient du grec Mouseîon, temple et lieu consacré aux Muses, divinités des arts. Ce terme désigne le premier « musée » construit à Alexandrie vers 280 av. J.-C. Le museion reprend les préceptes du Lycée d'Aristote en Grèce et les savants qui le fréquentent peuvent utiliser une bibliothèque. Au Moyen Âge, c'est le collectionnisme qui fait son apparition, grâce aux trésors des églises médiévales et des temples anciens qui deviennent pour les rois et les nobles des réserves de matières précieuses. C'est à la Renaissance, notamment en Italie, qu'on nomme ainsi des galeries où sont réunis des objets d'arts : le mot musée conserve l'idée de lieux habités par les Muses. Mais la signification qui renaît se précise dans l'Italie de la seconde moitié du XVe siècle, à la période de la Renaissance. Les princes italiens sont les premiers à envisager l'idée d'une collection de tableaux et de sculptures, rassemblés, offerts aux regards des voyageurs et des artistes à l'intérieur des cours et dans les galeries. Ils associent les notions d'oeuvre d'art, de collection et de public (très restreint au départ), préfigurant ainsi le concept de « musée des arts ». Du milieu du XVIe siècle au XVIIIe siècle, avec la multiplication des voyages d'exploration, vont s'y ajouter des collections d'Histoire naturelle, C'est l'âge d'or des cabinets de curiosités. Toutes ces collections vont peu à peu s'organiser par spécialités à partir de la fin du XVIIe siècle, et s'ouvrir petit à petit à un public plus large que celui des princes et savants. À partir du XVIIIe siècle et surtout du début du XIXe siècle, les ouvertures des collections privées se multiplient partout en Europe. Les musées sont créés en vue de constituer des collections publiques pour l'éducation des artistes et des citoyens. On est ainsi passé des musées traditionnels perçus comme des conservatoires aux musées «Centres culturels» qui présentent des collections à des fins d'étude, d'éducation et de délectation. La loi relatif aux musées de France (Loi n° 2002-5 du 4 janvier 2002) qui tient compte de l'évolution sans précédent des musées, précise en effet que les musées de France ont pour mission de conserver des collections reconnues d'intérêt public, destinées à être exposées au public, dans le cadre d'une mission de service public.Les missions croissantes obligent les musées à envisager la dimension économique de leurs activités et à adopter de nouvelles démarches de management. Les lois les plus récentes favorisent le mécénat ou l'initiative privée. Dans le même temps, les très grands musées, devenus de véritables entreprises, bénéficient d'une autonomie renforcée. Dans cette évolution, les nouveaux liens entre musées et publics apparaissent comme déterminants. Les politiques culturelles pour réaliser actions éducatives et culturelles contribuent incontestablement à faire des musées des lieux de transmission, d'éducation et d'intégration sociale.

이 논문에서는 헤테로토피아 이론을 개념적으로 설명하고 미술과의 연관성을 확인하였다. 그리고미술계에서 설치미술로 가장 주목받는 작가인 아니쉬 카푸어와 올라퍼 앨리아슨의 작품을 분석하여헤테로토피아의 공간이 미술로 구현된 양상을 살펴보았다. 두 작가의 공간 표현법에 초점을 두고살펴본 결과, 일상에서 인식하기 어려운 헤테로토피아의 공간을 감상자들이 보다 쉽게 지각할 수있도록 작업하였고, 헤테로토피아의 공간을 표현하기 위해 건축, 과학, 공학 등과 협업함으로써 해당분야의 집약된 기술을 이용하였음을 확인하였다. 이는 미술이 앞으로 어떻게 발전해야 하는지를 보여준 것으로, 특히 설치미술의 공간에 대한 개념 확장에 기여하여 정치, 사회, 문화, 역사적인 공간으로까지 설치미술의 외연을 한층 넓혔다는 점에서 의미가 있다. 아울러 미술에서 헤테로토피아 공간의재현이 푸코의 이론을 실현한 것임을 확인할 수 있었다.

In this paper, we explained the concept of Heterotopia theory and confirmed the association with art. And we analyzed the works of Anish Kapoor and Olafur Eliasson, the artists who are most noted for installation art in the art world, and looked at the aspect of Heterotopia's space being embodied in art. As a result of focusing on the two authors' spatial expression method, it was confirmed that the viewer perceived Heterotopia more easily and that the space of Heterotopia was used in the field by collaborating with architecture, science, and engineering to express the space of Heterotopia. This shows how art should develop in the future, especially in that it has contributed to the expansion of the concept of installation art space and expanded the appearance of installation art to include politics, society, culture, and historical space. It was also confirmed that the reproduction of Heterotopia in art was a realization of Foucault's theory.

본 연구의 목적은 문화도시를 위한 시민예술교육의 내용과 활동의 사례를 통하여 시민예술교육의방향성을 찾고 우리 공동체에서 구현할 수 있는 융복합 프로그램을 제안하는 것이다. 문화도시의형성을 위해서는 시민의 삶 속에서 향유하는 예술이어야 하고 바람직한 시민성 함양이 무엇보다중요하다. 문화도시로 대표되는 유럽의 예술교육 프로그램을 토대로 고찰할 때, 개방성과 소통으로전 세대를 포괄하는 시민예술교육에서는 융복합적인 사고와 내용에 공통적인 시사점이 있다. 시민예술교육에서 ‘버스킹’과 ‘스토리텔링 콘서트’와 같은 연주방법은 이러한 특성을 잘 구현할 수 있는방법이다. 하지만 ‘버스킹’과 ‘스토리텔링 콘서트’가 도시의 문화로 안정적인 정착을 위해서는 공공예술의 개방성을 고려하여 무분별한 거리연주를 지양하고 지역의 정체성에 기초한 전문가 및 지자체와의 협업을 통한 지속적인 관심과 개발이 필요하다.

The purpose of this study is to find a direction for the citizen arts-education aimed at creating culture city and propose convergence art education program that can be realized in our community through a case study on the contents and activities of the existing citizen arts-education. For the formation of culture city, enjoying of art in life and desirable citizenship is important. This paper searches for the direction for the citizen arts-education by examining the representative art education programs in European culture cities. Because citizens from various backgrounds of the society are the leading subjects of the citizen arts-education, expression of convergence art becomes a common factor, along with openness and rapport. The implication lies in the contents that express artistic ideas and imaginations that cover diverse generations. In citizen arts-education, performance methods of "busking" and "storytelling concert" are some of the skills that can implement these attributes well. For the stable settlement of the "busking" and "storytelling concert" as the culture of a city, continued interests and development through a collaboration with experts and local government based on the regional identity is required by considering the openness of public art, while rejecting from rash street performances.

본 연구의 목적은 몬드리안(Piet Mondrian, 1871∼1994)의 신조형주의 후기추상작품이 지닌 ‘해체적’ 특징을 신지학적 관점에서 분석을 시도함으로써 몬드리안 후기시기양식과 신지학 사상과의 연관성을 밝혀보고자 한다. 신지학 사상과 몬드리안 예술의 연관성은 초기작품을 포함한 그의 신조형주의양식이론의 배경에서 연구되어왔다. 이는 몬드리안의 고전기 신조형주의 양식이 그가 삶 속에서 갈망한 우주론적 삶의 구현이라는 절대적 질서와 보편성이라는 신지학 사상의 배경에서 쉽게 읽혀질수 있기 때문이다. 일반적으로 몬드리안의 회화세계는 형식주의라는 모더니즘적 맥락에서 해석되어온바 후기시기에 나타난 양식적 변화는 부정적 평가로 제한되어온 측면이 있다. 그럼에도 불구하고그가 후기양식에서 보여준 해체적 특성은 모더니즘적 시각의 범위를 넘어선다는 점에서 그의 작품에대한 새로운 접근이 필요하다. 이에 따라 그의 후기작품 속에서 나타나는 ‘해체적’ 특성은 다른 각도에서 그의 예술에 반영된 신지학 사상의 발전적 해석을 가능하게 한다. 이러한 맥락에서 본고에서는몬드리안의 후기추상양식의 작품 속에 나타나는 ‘해체’적 특성의 분석을 통해 급격하게 변화된 신조형주의 양식과 그 배경에 자리 잡고 있는 신지학이라는 종교철학의 연관성을 짚어보고자 한다.

This thesis aims to find the relationship between Mondrian’s late-Neo-plasticism style and ‘Theosophy’ through the analysis of his late-abstracts paintings in which has ‘re-construction’ traits in the context of ‘Theosophy’. It is mostly studied to focus Mondrian’s early paintings in his Neo-plasticism for the relation to ‘Theosophy’ until now, and is easily read to Mondrian’s classical Neo-plasticism style which is to show his’s desire rlated to ‘Theosophy’ which is to realize the universal life which is the harmony and the absolute order. Generally, Mondrian’s Paintings is approached to the analysis with ‘Formalism’ in which is context of Modernism, and the evaluation of the drastic change in his late-painting style is noted to the skeptic evaluation in one hand. Nevertheless, ‘re-construction’ traits in his late-paintings style is to need re-interpretation regarding to the right analysis for his art world, the traits makes possibly his late-paintings to the developing analysis in the context of ‘Theosophy’ concept. In this context, this thesis tries to find the relationship Mondrian’s ‘Neo-plasticism’ which contains to ‘re-construction’ in his traits late-abstract paintings and ‘Theosophy’ which is the religional philosophy and is related to Neo-plasticism.