Earticle

우리나라 블록형 집합주거의 설계 원칙을 수립하기 위한 기초연구로서 유럽 선진 블록형 집합주 거를 대상으로 입면의 형식을 연구하였다. 이는 다양한 마감재의 사용과 페인트에 의한 분할적 도포 로 특징이 나타나는 우리나라 집합주택 입면의 근본적 개선 방향의 모색을 위한 것으로서, 밀도가 높은 도시형 집합주거의 개선과 정책수립에 기여하고자 한다. 따라서 유럽의 선진 블록형 집합주거 를 대상으로 입면 구성요소인 창과 문, 디테일에서 심미적이면서 효율적 기능을 가진 사례들을 대상 으로 특징을 추출하였다. 분석결과 선진 블록형 집합주거의 가장 큰 특징은 ‘단순성’으로 나타났다. 장식적 요소나 덧붙여지거나 ‘분절이 없는 입면’을 유지하기 위한 단순한 형태와 재료, 단순한 색채 와 디테일로 일원화되어 있었다. 또한 단순성을 지원하는 공간구성 시스템이 입면디자인과 긴밀하게 연계적으로 이어지고 있었다.

Block housing in Korea has continuously recorded quantitative growth. However, from the quality point of view, it has many improvements, should be improved the viewpoint of being built without principles for the purpose of selling low-cost standards. Spatial quality is similar to ours, advanced block dwellings are not only dense but also economical due to the small area. However, many residents have high satisfaction and spatial quality. In this study, we tried to help establish the improvement of block housing in Korea, from the results of the basic study on the composition of the facade such as shape, material and color, and the system establishment for improving the satisfaction of the residents, therfore following conclusions were obtained. First, there was a simple and flat shape without change of the elevation. The elevation without a segment or bend that reveals a simple form was concise in the form of the dense interior space. Second, it is analyzed that the change of the elevation due to the type of balcony is the biggest morphological feature. It was evident to the diversity of the structure and form of the balcony. Third, a shielding system was included in the shutters and inside of windows. Window systems for changing sunlight, changing winds and maintaining privacy, is installed inside the window shield structure. The shielding structure was shown to simply maintain the elevation as well as the control of light and wind. Fourth, the use of simple materials with no detail has appeared in almost all cases. About 2-3 pieces of material were introduced, the properties of the material in which the processing of the material and the change of the details are minimized have appeared. Fifth, we could see the use of simple colors that do not divide. It is possible to observe the elevation structure in which the division of the surface by the color does not occur, as using the each frame of window and door frame uses the same material or the same color as the background color of the building.

1990년대 미술은 후기식민주의, 성정체성, 세계화의 영향으로 문화적 혼성주의, 다원주의가 거세 게 일어난다. 그로 인하여 미술과 비미술 사이의 경계가 불분명해지면서 예술의 식별 가능성은 기존 의 미학적 특질과는 다른 경향을 띤다. 큐레이터이자 미술평론가인 니콜라 부리요는 ‘관계’라는 개념 을 중심으로 미술을 보는 새로은 인식체계를 제안한다. 그는 관계적 미학과 포스트프러덕션을 통하 여 미술을 보여주는 형식과 방법의 변화, 작가와 관객, 작가와 작가, 전시와 작품이 맺는 관계를 중심 으로 1990년대 중반 이후 동시대 미술의 가능성을 탐색한다. 본 논문의 연구 대상인 프랑스 동시대 미술가 도미니크 곤잘레스-포에스터는 1990년대 초부터 물 리적인 작품 제작보다 큐레이팅, 글쓰기, 협업 등 다양한 활동을 매개로 작가의 정체성을 확장한다. 그의 작업은 방대한 참조목록으로도 잘 알려져 있는데, 이러한 측면이 작업의 의미를 파악하기 어렵 게 만드는 것으로도 유명하다. 따라서 본 연구는 형식적인 작품 분석과 의미의 맥락을 만들기보다 그의 예술 세계를 형성하는 이론적 기반과 관계 중심의 창작 활동을 조망한다. 본론인 II장은 관계- 중심-미술을 공공미술 또는 사회적 미술로 제약하는 해석의 한계를 조망한다. 이는 관계의 미학을 관객의 참여로 해석하려는 관습적 태도로 비롯된 한계로 볼 수 있다. 따라서 본 장에서는 관계의 미학이 가진 가능성을 제고할 것이다. III장은 곤잘레스-포에스터는 전통적 매체 대신 문학 ·영화 ·오 페라에 기입된 유토피아적 욕망의 배경인 시간과 공간을 작업의 소재이자 질료로 사용한다. 본 장에 서는 그의 예술세계에서 나타나는 매체적 특질을 분석한다. IV장은 포스트프로덕션 개념이 작업과 전시에 적용되는 매커니즘을 분석하고 이를 통하여 어떻게 관계의 미학이 실천되는가를 관찰한다. 끝으로 곤잘레스-포에스터는 정서적 감응을 통하여 관계를 형성하는 작가이기에 주제와 의미보다는 작업에서 나타나는 다원적 배경, 참조목록, 전시 방식을 중심으로 동시대 미술의 특징적 경향을 조망 하고자 하였다.

In the 1990s, art became more and more pluralistic in the cultural hybridism due to the influence of later colonialism, gender identity, and globalization. As a result, the boundaries between art and non-art are unclear, and the identifiability of art tends to be different from the existing aesthetic qualities. Curator and art critic Nicolas Bourriaud suggests a new perceptive system of seeing art around the concept of 'relationship'. He explores the possibilities of contemporary art since the mid – 1990s, focusing on the changes in form and method of showing art through relational aesthetics and post - production, the relationship between writers and spectators, writers and writers, exhibitions and works. This research approaches Dominique Gonzalez-Forester, a french contemporary artist, who has been expanding her identity through various activities as curating, writing, and collaboration rather than physical production since the early 1990s. Her work is also known as an extensive reference list, which is also famous for making it difficult to understand the meaning of work. Thus this study is overlooking the core of creative activity in relation to the theoretical basis for her artistic resources than interpreting the formal analysis of the work and meaning. Chapter II focus on Relations-centered-art that deals with the theoretical possibility that a rich and diverse aspects in relational aesthetics of public art to have reduced or social specific art. Chapter II figures out the limitations of the interpretation to constrain the relationship-centered-art to public art or social art. This can be regarded as a limit due to the conventional attitude of interpreting the relational aesthetics as participation of the audience. Therefore this chapter will enhance the possibilities of the relational aesthetics. Chapter III analyzes the characteristics of the media that constitute Gonzalez-Forester's work. She uses time and space as the medium of his work, instead of traditional media, which is the background of utopian desires written in modernity literature, film, and opera. Chapter IV analyzes the mechanism of post-production concepts applied to work and exhibition, and shows how relationship aesthetics is practiced through them. Finally, this paper focuses on the characteristic trend of contemporary art, focusing on the pluralistic background, reference list, and exhibition method that appear in the work rather than the theme and meaning because Gonzalez – Forester is an artist who establishes relationships through emotional response.

20세기 전체에서 대표적인 추상화가들 가운데 한명인 바실리 칸딘스키는 당대를 휩쓸던 러시아 혁명의 전체주의적 속성을 경멸하면서, 예술의 목적은 사회적 혁명이 아니라 인간의 영혼을 물질로 부터 해방시키는데 있다고 믿었다. 그에게 궁극적인 유토피아는 정치적이거나 사회적인 것과는 무관 한 정신의 진화였기에, 필요한 것은 잘 실행된 회화나 데생으로 환영을 만들고 감각의 만족을 꾀하 는 것이 아니라, 시선을 내적으로 돌리는 행위, 곧 ‘내적 응시’의 행위에 천착하는 것이었다. 그것을 통해서만 비로소 예술은 존재 너머의 지혜, 곧 어떤 ‘우월한 질서’를 드러내는 창구 역할을 할 수 있기 때문이다. 이는 칸딘스키가 자신의 추상회화의 존립기반으로 삼은 것으로, 그는 자신의 추상회화가 인간 정 신이 나아갈 길을 인도하고 영적 혁명을 완수하는데 기여할 것으로 확고하게 믿었다. 이러한 신념은 결정적으로 엘레나 블라바츠키(Helena Blavatsky)의 근대 신지학(theosophy, 神智學) 이론체계의 영 향 아래서 형성된 것으로, 실제 그의 추상화 담론은 그것에 결정적인 기반을 제공해준 신지학 이론 에서 차용한, 비교(祕敎)의 경전을 방불케 하는 용어와 개념들로 가득하다. 이 논의의 목적은 20세가 초 대표적인 추상화가인 칸딘스키의 추상화담론에 블라바츠키의 근대 신지학, 더 나아가 루돌프 스타이너(Rudolph Steiner)의 인지학(人智學, anthroposophy)이 미친 영향 을 요약해 살피고, 다음의 두 문제제기를 통해 그의 신지학적 추상회화 담론 가운데 일부를 비평적 으로 되짚어보는데 있다. 그 두 문제제기는 다음의 두 질문으로 함축될 수 있다. 첫째, 칸딘스키의 예술세계의 궁극적인 중심이 되는 주제에 관한 것으로, 전적으로 칸딘스키 자신 의 내적 경험 안에서 일어나고, 그의 추상적 회화표현을 통해 매개되는, 그가 ‘영적 왕국’이나 ‘미래 왕국’ 등으로 표현되기도 하는 초월계 자체에 관한 것이다. 문제제기는 이렇다. 어떤 표현이 지극히 사적일 뿐 아니라 신비주의적으로 경험된 ‘영적 상층부’의 기록이라면, 예술가 자신의 선언이나 주 장 외에 다른 어떤 방법으로 그 경험의 의미와 진위, 표현의 상응성 여부 등을 인식하거나 판단하는 것이 가능할 것인가? 둘째, 예술작품이 예술가 개인이 매우 내밀한 체험을 통해 터득한 우주적 지혜를 전수해, 인간의 영혼을 신적 단계로 이끄는 수단이라면, 그때 예술가의 위상은 사실상 신비주의 종교의 샤먼 (shaman)과 크게 다를 바 없다. 이는 필연적으로 다음의 딜레마를 동반한다. 예술가의 정체가 그렇 게 신화화되면, 역설적으로 예술가 외에 다른 어떤 크고 높은 세계도 부재하는, 오로지 ‘한 예술가의 종교(relision du seul artiste)’라는 가난한 시론(時論)만 남게 될 개연성이 크다는 것이 그것이다.

Wassily Kandinsky believed that the purpose of art is not to seek any revolution but to liberate the human soul from material, despising the Russian Revolution’s totalitarian stance. To him, an ultimate utopia was to attain a spiritual evolution, irrelevant to any political or social aspects. Thus, artists should turn their eyes to their inner world or an act of “inner gaze” rather than pursuing any sensuous gratification with the illusions engendered by well-performed paintings or sketches. This is because art is able to work as a window to unmask a “superior order” transcending being. Kandinsky had no doubts about the power of abstract painting; the power to lead the human spirit and contribute to carrying out a spiritual revolution. This belief is decisively influenced by the theory of modern theosophy by Helena Blavatsky. In fact, his discourse on abstract painting is made up of many terms and concepts appropriated from theories on theosophy and reminiscent of esotericism. This discussion aims to examine the influence of Blavatsky’s modern theosophy, and moreover Rudolph Steiner’s anthroposophy on Kandinsky’s discourse on abstract painting, critically analyzing this through the process of replaying two questions. The first question is apropos of the transcendental itself also referred to as the “spiritual kingdom” or “future kingdom” depending on Kandinsky’s inner experience and represented and intermediated by his abstract painting. If any expression can be thought of as a record of “spiritually upper parts” privately and mystically experienced, is it possible to perceive or judge the meaning of such experience or the value of expression in another way, irrespective of an artist’s announcement or assertion? The second question is concerned with the fact that the status of an artist is like that of a shaman in mystic religion if art is a means to lead human souls to the level of a god by inheriting cosmic wisdom each artist has empirically realized. However, if artists and their identification are mythicized, does it just leave behind “religion of the artist only” (relision du seul artiste) in which no larger or higher world exist in the end?

본 논문은 팔레스타인계 예술가인 모나 하토움의 작품을 디아스포라적 경험과 이주의 미학적 측 면에서 살펴보고자 한 것으로, 이스라엘과 팔레스타인의 충돌과 중동전쟁, 레바논 내전 등 20세기 들어 중동지역에서 일어난 대립구도와 분쟁의 역사에서 하토움의 작품의 의미와 가치를 찾고자 한 다. 또한, 그녀의 작품 속에 나타난 함축적 언어를 통해 디아스포라적 삶의 궤적을 추적해가며, 주체 성과 타자성의 문제를 비평적 관점에서 고찰해본다. 글로벌리즘과 함께 국경과 경계를 넘는 이동이 잦아진 요즘, 귀속과 정착의 의미는 퇴색되어가고 있지만, 이산을 경험한 하토움에게 땅을 둘러싼 경계의 의미는 통행과 거주의 허용과 금지 그 이상 으로 작용한다. 공식 국가로 인정받지 못하고 있는 팔레스타인은 하토움에게 자신의 존재를 깨닫게 한 공간이지만 영원한 이방인이라는 타자성을 부여한 공간이기도 하다. 현재 땅을 둘러싼 분쟁이 지속되고 있는 이곳은 갈등과 반목으로 점철되어 있지만, 하토움에게 자신의 존재를 찾아야 하는 당위성을 부여한 공간이기도 하다. 역설적이게도 이러한 갈등과 번뇌의 공간은 하토움에게 끊임없는 질문과 함께 예술 창작의 중요한 동인으로 작용하고 있다. 하지만, 하토움의 고민은 우리가 사는 현 실과 분리되어 존재하지 않는다. 하토움은 자신이 겪고 있는 복합적인 상황을 개인의 문제로 한정하 지 않고 사회와 국가의 문제로 전치시켜 때로는 적극적으로 이에 맞서기도 하지만 뒤로 물러나 함축적인 예술 언어를 통해 작품 창작에 임하고 있다. 따라서 본 논문에서는 이주와 망명을 경험한 디아 스포라 예술가인 모나 하토움의 작품을 후기 식민주의와 비평적 관점에서 논하고자 한다.

This paper examines the works of Palestinian artist Mona Hatoum from the perspective of diasporic experience and the migratory aesthetics. It also deals with the conflict between Israel and Palestine, the Middle East war, and the Lebanese civil war to find the meaning and value of Hatoum's work. In addition, through the implicit language in her works, tracing the trajectory of diaspora, it examines the issue of identity and otherness from a critical point of view. With globalization, the meaning of attribution and settlement has become faded. However, in Hatoum’s work, the meaning of boundaries surrounding land is more than the relationships between permission, prohibition, passage and residence. For Hatoum, Palestine is the space that made her determined to find the meaning of existence, but it is also the space that gave her eternal otherness. Paradoxically, this space of conflict and despair serves as an important driver of her art making, along with constant questions of being. However, Hatoum's anxiety does not exist separately from the reality in which we live. Hatoum is not confined to these problems of individual, but rather the problem of society and the state. Sometimes she actively opposes it, but she is stepping back and working on the creation of works using the implied artistic language. Therefore, this paper will provide a critical perspective and insight into the work of Mona Hatoum, a diaspora artist who has experienced migration and asylum.

현대미술에 등장한 사진매체는 복제와 인덱스 특성을 활용하여 모더니즘적 특성을 해체하며 포스 트모더니즘 미술의 중심으로 자리잡게 된다. 새로운 사진매커니즘에 대한 근거를 제시하면서 등장한 사진인덱스 이론은 현대미술 작품의 개념적 원리에 대한 설명을 가능하게 함으로써 후기구조주의적 담론을 펼칠 수 있게 되었다. 이러한 맥락에서 포스트모더니즘 작가들의 적극적인 사진매체의 활용 은 현대 미술에서의 복제성이 갖는 중요한 의미를 시사하고 있다. 20세기 초 사진의 개념적 특징에 주목하였던 마르셀 뒤샹(Marcel Duchamp)은 사진의 활용이 현대미술에서 지닐 수 있는 개념적 표 현가능성을 열어보였다. 이를 거치며 팝아트는 사진이 지닌 매체적 속성을 미술에 직접적으로 적용 하면서 현대미술의 직접적인 중심매체로서 표현적 개념적 영역을 확장시키게 되었다. 특히 사진의 복제적 특성은 앤디 워홀이 강조한 대중 매체적 이미지 환경에 대한 개념과 형식의 중요한 요소로서 복제이미지 기법을 펼치고 있다. 70년대를 거치며 등장한 로잘린드 크라우스(Rosalind E. Krauss)의 사진 인덱스 이론은 이와 같은 사진의 복제적 특징의 근거를 인덱스 개념에서 찾게 되면서 이제까지의 이분법적인 주체중심적 시각 개념에 대한 새로운 인식의 전환을 이루었다. 즉 인덱스 이론은 기존의 구조주의적 관점을 사진의 인덱스 특성을 통해 생성론적 관점으로 바라보도록 함으로써 이미지의 존재론적 정의를 가능하게 하였다. 또한 복제와 인덱스 특성은 이미지의 ‘원본성’이나 ‘독창성’의 여지를 차단시키고 있다는 점 에서 롤랑 바르트(Roland Barthes)의 ‘작가의 죽음’이라는 의미를 동시에 부각되시키고 있다. 결국 인덱스의 의미는 시간을 고정하고자 한 행위의 결과로 나타난 시간이 지시되는 일종의 징후적 자국 혹은 흔적으로써 새롭게 해석되어야하는 매개체로 현대미술의 맥락에서 접근해야할 것이다. 이러한 맥락에서 본 연구의 목적은 사진 인덱스론을 바탕으로 현대미술에서 복제매체를 활용하는 대표작가인 마르셀 뒤샹과 앤디 워홀의 작품세계를 고찰함으로써 이러한 특징들이 현대미술 속에서 그 의미와 가능성을 밝혀보는 것이다.

A photographic mediums has entered thr stage in the context of contemporary art as the core medium in postmodernism art, dissolving the concept of ‘originality’ and ‘creativity’ in modernism through its properties of duplicability and indexicality. The photo-index theory in the center of postmodernism discourse has been as the basis for explaining in full the conceptual principle of contemporary arts, by recognizing the theoretical background of photography’s modernity. In this context the aggressive use of photographs by postmodernism artists signifies a critical meaning of photography. The use of photography in contemporary art began from Marcel Duchamp, who early noted the conceptual features of photography, and continued to the techniques and concepts of Pop artists in the mid-1950s. Especially photography’s duplicability has been a mechanism reflecting the environment of reproduced images as a crucial element of the concept and form in Pop art. Pop artist drastically reflected diverse aspects of the mass media which became part of everyday life, underscoring the duplicability of photographic images. Rosalind E. Krauss’s photo-index theory emerged in the 1970s and brought about change in the notion of dichotomic, subject-centered visual perception, exploring the grounds of duplicability in the concept of index. An indexical trait of the index theory of photography brings about change in the notion of the subject-centered visual perception. The index theory has made possible the ontological definition of images by defining the structuralist point of view from the view of the theory of formation. Such duplicability and indexicality puts an emphasis on Roland Barthes’, ‘the death of the author’ in that it refers to a lack of ‘originality’ or ‘creativity’. As described above, This study explores the expressive properties and connotations of photographic duplicability and indexicality, exploring the pictorial possibility of in the comtemporay art process. In this relation with this study aims to elucidate contemporary artists’s pictorial connotation and expressive possibility through an analysis of their approachness using the duplacate image in their works.

프로이트는 트라우마의 강박적 반복을 미처 상실을 준비하지 못한 주체가 과거의 상실에 대비하 기 위한 뒤늦은 행위라고 정의한다. 이에 준하여 개별적인 경험에 근거한 트라우마를 내포한 현대 조각가들은 반복적 예술행위를 통해 어떻게 상실을 극복하며 승화의 과정으로 나아갔는지를 살펴보 고자 한다. 그러기 위해서 트라우마를 예술가 개인의 병적 증후가 아니라 억압된 감정을 어떻게 표 상화 하는가에 집중해야 할 것이며, 트라우마를 예술의 심리기제로의 역할에 무게를 실어 연구한다. 현대조각에서 트라우마가 예술의 심리기제로 쓰여졌을 때 반복적 표상과 반복적 행위에 집중하여 반복적 요소를 중심으로 연구하고자 한다. 그러므로 이 연구에서는 선행 작가의 작품 중에서 반복적 조형언어가 두드러지는 작품을 중심으로 살필 것이다. 트라우마는 결국 기억의 재구성을 통해 상처 받은 자아를 회복하는 것에서 시작하여 자아를 확립하고 치유하는 것으로 극복된다. 포스트모더니즘 이후 현대미술에서 가장 중요한 것 또한 자아라고 본다면, 예술은 기계화, 소비화되어지는 현대사회 에서 보다 상처 입은 개개인에게 집중하고 있다는 반증이라고 볼 수 있으며, 그로써 트라우마를 극 복하는데 현대미술의 제 기능을 찾을 수 있다고 본다.

Freud defines the obsessive repetition of trauma as a late act in which someone who has not prepared to lose and is late preparation for the loss of the past. In this regards, contemporary sculptors, including trauma based on individual experiences, try to see how the repetition of art works to overcome loss and process of sublimation In order to embrace the concept of sublimation through the repetitive formative language of sculpture, the trauma is concentrated not on the abnormal psychological symptom of the individual but on how to represent the repressed emotion. In the contemporary sculpture, when trauma is used as a psychological mechanism of art, it is concentrated more on repetitive elements such as repetitive representation and repetitive acts. Therefore, this study will focus on the work in which the repetitive formative language is prominent among the works of the preceding artist. The trauma is eventually overcome by restoring the wounded self through reconstruction of memory and establishing and healing one self. After postmodernism, the most important thing in contemporary art is one self and one’s identity, and it can be seen that art is focused on individuals who are more vulnerable and wounded by modern society, which is mechanized and consumed. In this regards, The function of contemporary art could be important to overcome trauma of oneself.

최근 도시재생의 필요성이 대두되면서 다양한 분야에서의 관심이 커지고 있다. 그런 도시재생에 ‘문화’를 활용한다는 것은 그 가치를 수용한다는 점에서 의미가 있다. 하지만 우리나라의 도시들은 여전히 개발이나 정비에 초점이 맞추어져 있어 그 가치를 발견하고 활용하는 것에 여전히 부족함이 많다는 지적이 있다. 이에 일찍이 산업을 주도했던 유럽의 도시들이 재건이나 개발의 의미가 아닌 재생이라는 의미를 통해 도시를 유지하고 도시 고유의 문화적 가치를 지키고 이어나감으로써 물리적 환경개선 뿐만 아 니라 경제, 사회적으로 도시에 활력을 돋게 하고, 도시 브랜드를 확보하여 지역관광산업까지 활성화 시키는 모습을 확인하고자 한다. 이를 통해 도시 문화유산의 보존과 활용에 대한 순기능을 확인하고 그 의미와 가치에 대한 공감대를 형성함으로써 도시의 전통과 역사성을 유지하는 지속가능한 도시재 생을 이어갈 수 있는 정당성을 확보할 수 있을 것이다.

With the recently-rising necessity of urban regeneration, it grabs the attention in diverse areas. Utilizing the 'culture' for urban regeneration is meaningful in the aspect of accepting its value. However, the cities in Korea are still focusing on the development or maintenance, so that it is not sufficient to discover/utilize the value. Thus, this study aims to verify the look of European cities that used to lead the industry, that improve the physical environment, vitalize themselves economically and socially, and secure the urban brands to activate the local tourism industry, by retaining the cities and protecting/passing down their cultural values not through the meaning of reconstruction or development, but through the meaning of regeneration. Through this, it would be possible to secure the legitimacy to continue the sustainable urban regeneration that maintains the tradition and historicality of cities, by verifying the positive functions of preservation and　utilization of urban cultural heritages, and also forming a social consensus of the meaning and value.

독일 카를스루에에 위치한 예술과 미디어 기술센터(ZKM)는 미디어아트 미술관을 주축으로 연구 소, 도서관, 교육시설 등을 갖춘 문화복합기관으로 유럽 미디어아트를 이끌어 간다. ZKM 미디어아 트 미술관의 역할은 예술로서 미디어아트를 선보이고 매체 사회에 관한 다양한 사회현상을 살펴볼 수 있는 전시 개최에 있다. 필자는 2015년 가을에 ZKM 미디어아트 미술관에서 개최한 매체의 발달 에 따른 정보화 사회의 변화를 성찰하는 전시에 주목하였다. 전시는 정보화로 인한 후기산업사회의 사회현상에 대하여 사회적, 철학적으로 고찰한 《세계적 정보 영역》전과 《세계의 통제와 감시》 전이다. 본 연구는 매체의 발전에 의한 세계적 정보화현상과 사회 변화에 대해 ZKM의 기획전 작품 을 분석해 정보화 사회의 단면을 살펴보았다. ZKM의 미디어사회에 관한 기획전은 전세계적으로 보 편화된 정보에 의해 움직이는 시대를 이해할 수 있었고 개인에 대한 통제와 감시를 하는 정보화 사 회에 대해 사회적 담론을 제기하고 있었다. 이러한 ZKM의 전시는 우리가 정보화 시대의 정보생태 계에 살고 있음을 인식하게 한다. 또한 미디어 사회에서 정보를 가진 자가 개인의 자유를 억압하고 통제하고 감시한다는 사실을 알림으로써 미술관의 공공적, 사회적 기능을 수행하고 있었다. 본 연구는 매체가 가져오는 사회현상에 관해 알리는 목적성을 가진 ZKM의 정보화 시대에 관해 비판하는 전시를 분석하였다. 이러한 연구를 통해 뉴미디어가 가져오는 인간과 매체와의 관계에서 나오는 문 제점을 나타내는 사회적 내용의 전시가 필요하다는 사실을 제시하고자 한다. 그리고 미디어아트 전 시를 개최하는 미술관은 예술의 사회적 역할을 수행 할 수 있는 매개체가 될 수 있다는 사실을 밝혀 보고자 한다.

A media art leader in Europe, the ZKM Center for Art and Media Karlsruhe is a total cultural institution, complete with a museum, research center, library and education facilities. Its roles include presenting media art to the public in exhibitions examining diverse social phenomena regarding media-oriented societies. The writer focuses on exhibitions at the ZKM in 2015, which invited reflection on social changes brought forth by improvements in media technology. They were "International: The Information Sphere" and "The World's Control and Surveillance," and involved social and philosophical investigations of our late industrial society's IT-produced social phenomena. This study examined a cross section of information-oriented societies by analyzing these exhibitions' works, which expressed the artists' criticism for global social changes caused by information technology and media's influence on our daily lives. While forming a discourse about information-oriented societies, which control individuals through surveillance, the exhibitions enabled me to understand our situation of being powered by information the world over. Through these exhibits at the ZKM, one can understand how our entire world lives in an information ecology, and in an information era. Also, by pointing out that those who control information also control and oppress the individual's freedom in media-oriented societies, the ZKM fulfills its public and social functions as an art museum. This study is intended to analyze an exhibition the ZKM organized to investigate what social phenomena the new media bring about and to criticize the information age. It asserts that any exhibition to raise the issues pertaining to the relation between man and media brought up by the new media is required. Meanwhile, it also tries to suggest that an art museum holding media art-related exhibitions can be a medium to carry out the social role of art.

뷰티분야에서는 사람의 얼굴과 신체를 치장하는 행위로 미적요소와 조형예술적 요소를 접목하여 그 범위를 확장하고 있다. 특히 메이크업에 있어서 아트마스크(Mask art)는 메이크업 이미지 뿐 아니 라 예술가의 작품에서 디자인의 영감 및 모티브를 도입시켜 디자인 개발과 다양한 표현기법의 아트 마스크 일러스트레이션을 발전시키려는 시도가 다양하게 이뤄지고 있다. 본 연구는 훈데르트바서의 일러스트레이션을 통해 구불구불한 곡선과 빙빙 도는 나선형태, 형상 과 배경, 그리고 화려한 색채의 특성을 고찰하고 그의 일러스트레이션에 내재되어 있는 조형언어의 특성을 분석한다. 그리고 그의 일러스트레이션을 통해 인간 상상력의 본질을 바탕으로 일러스트레이 션의 현대적 의미를 살피며 작품응용을 통해 아트마스크 일러스트레이션의 예술적 모티브의 확장과 미래지향적인 방향을 모색하는 데 연구목적이 있다. 연구방법은 그의 작품세계와 조형적 특성을 중심으로 다양한 텍스트를 통한 문헌연구와 관련된 전시회, 작품집을 통한 분석연구를 토대로 아트마스크 일러스트레이션의 제작 및 작품연구를 위주로 한다. 교육현장에서 일러스트레이션의 독특한 예술적 감성은 학생과의 소통을 통한 창의성 개발에 이해를 높일 수 있으며, 새로운 뷰티예술의 장르로서 역할 가능성이 클 것으로 기대해 본다.

In the beauty industry, aesthetic and formative-art factors have been added to face and body-decorating behavior. In particular, there have been diverse attempts to develop mask art illustrations through the introduction of inspiration and motifs in makeup images as well as in makeup. This study investigates winding curves, spirals, shapes and background, and elaborate colors through Hundertwasser’s illustration and analyzes the characteristics of formative language in his illustration. The aim of this study is to examine the meaning of illustration in modern times based on the nature of the human imagination through his illustrations and to determine the extension of artistic motifs and future-oriented directions through the application of his works. In terms of study methods, literature reviews and analysis were performed through exhibitions and his work collection focusing on his works and formative characteristics. The production and works of mask art illustrations were then examined. It is anticipated that the unique artistic emotions of illustration can help students develop creativity through communication and play a large role as a new genre of beauty art.

캐나다는 유럽 대륙에서 건너온 프랑스인과 영국인 상호간의 경쟁과 타협을 통해 정체성이 형성 되었다. 광활한 영토를 지닌 캐나다는 중요한 두 개의 언어·문화적 지역으로 구분되는데, 구체적으로 프랑스어를 사용하고 프랑스 문화를 향유하는 퀘벡 지역 그리고 영어를 사용하고 영·미 문화를 누리 는 그 외 지역으로 나눌 수 있다. 정치, 경제, 사회 분야에서의 영어권의 주도적 역할과 비교할 때 프랑스어권 지역은 문화와 예술 분야에서 강점을 보이고 있다. 연극, 무용 등의 문화예술은 물론 특 히 프랑스에서 탄생해 미국에서 꽃을 피우고 있는 영화예술에서 이 모습은 더욱 두드러진다. 작품 속에서 프랑스어를 사용하는 퀘벡 영화는 전통적으로 다큐멘터리와 애니메이션에서 강점을 보여 왔 다. 이밖에도 극영화 부문에서는 예술영화 및 작가영화를 통해 세계적 명성을 얻고 있으며, 다른 분 야에 비해 주목을 받고 있지 않지만 장르 영화 역시 꾸준히 제작되고 있다. 이 연구는 2006년에 개봉되어 퀘벡은 물론 캐나다 전역에서 큰 흥행을 기록한 장르 영화인 에릭 카니엘의 <굿 캅 배드 캅>을 통해 캐나다 프랑스어권의 정체성 발현을 살펴본 것이다. 이 작품은 장르 영화의 기본적 문법에 충실하면서도 영어를 쓰는 지역에 둘러싸인 퀘벡이라는 독립적 장소의 프랑스어권의 특징과 특성을 구체적으로 재현하고 있다. 대중의 기호을 대상으로 하는 장르 영화라는 미국적 특성에 기반하고 있지만, 퀘벡에서 사용되는 주알(Joual)이라는 독특한 프랑스어 그리고 캐나다의 가시적 문화 형태인 국기(國技) 아이스하키를 통해 고유한 퀘벡의 정체성이 작품에서 발현 된다. 장르적 측면에서도 스릴러 미스테리의 기본 형태에 퀘벡 장르 영화의 강점인 코미디를 융합하 면서 퀘벡 및 캐나다 관객과의 소통에 중점을 둔 작품이다. 프랑스어와 아이스하키라는 언어와 문화를 통한 영화 작품 속에서의 퀘벡의 정체성 발현은 이후 프랑스어권을 넘어 캐나다의 영어권과의 융합을 통해 인접한 국가인 미국에 대한 국가적 저항의 모 습으로 발전되어 나타난다. 이 작품을 통해 관객인 캐나다인들은 익숙한 장르 영화의 구조에 고유한 프랑스어권의 언어적, 문화적 요소가 흥미롭게 결합되고 있으며 나아가 두 개의 언어권으로 나뉜 캐나다의 융합과 화합을 목도하게 된다.

Canada was formed through competition and compromise between the French and the English who came from the continental Europe. Two most important language and cultural flows in Canada can still be divided into the Quebec region in which French is spoken with the widespread of the French culture, and the rest of regions in which English is a public language. Despite sharing same roots in Europe, two different languages and cultural communities show distinct differences in the field of culture and arts. Compared to clear initiatives of the English speaking zone in the political, economic and social fields, the French speaking region has great strengths in the field of culture. Beginning with theater and dance, Quebec's cultural predominance is more prominent in cinema. In Canada, the film has become one of tools for a manifestation of the identity of Quebecers who speak French. Although the manifestation of Quebec’s identity in French-language films have been limited to Auteurism films, documentaries and animations, it is also found in popular and genre films. This paper looks at the manifestation of the linguistic and cultural identity of Canadian French in genre films through Eric Canier's Good Cop, Bad Cup that was open in Quebec, Canada's top box office, in 2006. Even though the film is based on the genre film that is american characteristic, it reflects the uniqueness of a Quebec genre film through the reproduction of French language and culture. In addition, the film features a theme of ice hockey, a national sport in Canada, which is an external manifestation of the cultural identity of English Canadians as well as French Canadians. In the end, it reaches the goal of convergence and unity of Canada as a whole. In this film, all Canadians find a work that combines the linguistic and cultural elements of Quebec in the structure of genre films. They respond to this work, which was the result of the fusion of two cultures, and became the number one hit in Canadians films.