Earticle

이 연구는 폴란드 출신의 예술가 크지슈토프 보디츠코(Krzysztof Wodiczko)의 비디오 프로젝션 작품을 중심으로 그의 예술이 현대 사회와 정치적 담론에 어떻게 기여하는지를 탐구한다. 보디츠코는 공공 예술과 건축 프로젝션을 통해 사회적 불평등, 인권 침해, 전쟁과 평화, 그리고 개인의 목소리가 집단적 기억과 역사 속에서 발현되는 방식을 조명한다. 그의 작품은 단순히 미적 경험을 제공하는 것을 넘어, 관객이 사회적 문제를 새롭게 인식하고 적극적으로 참여하도록 유도하는 데 의의를 갖는다. 이 연구는 보디츠코의 비디오 프로젝션을 심층적으로 분석하여 그의 작업이 현대 사회와 정치적 담론을 어떻게 형성하며, 관객의 인식과 행동에 어떤 영향을 미치는지를 논의한다. 이를 통해 현대 미술이 사회 및 정치적 변화를 추구하는 강력한 도구가 될 수 있음을 입증하고자 한다. 나아가 보디츠 코의 작품이 어떻게 사회적 이슈를 조명하고, 정치적 담론을 형성하며, 궁극적으로 더 나은 사회를 위한 변화를 촉진할 수 있는지를 규명한다. 이를 통해 보디츠코의 예술적 기여와 사회적 의미를 고찰함 으로써 현대 예술의 역할과 기능에 대한 새로운 통찰을 제공할 것이다.

This study explores how the video projection works of Polish-born artist Krzysztof Wodiczko contribute to contemporary social and political discourse. Wodiczko illuminates issues such as social inequality, human rights violations, war and peace, and the expression of individual voices within collective memory and history through public art and architectural projections. His works go beyond merely providing aesthetic experiences; they are significant in that they encourage audiences to reexamine social issues and engage actively. This research offers an in-depth analysis of Wodiczko’s video projections, discussing how his work shapes contemporary social and political discourse and influences audience perception and behavior. Through this analysis, the study demonstrates that contemporary art can be a powerful tool for pursuing social and political change. Furthermore, it seeks to understand how Wodiczko’s works shed light on social issues, shape political discourse, and ultimately promote change toward a better society. By examining Wodiczko’s artistic contributions and social significance, the study provides new insights into the role and function of contemporary art.

본 연구는 프랑스 니스 출신의 상징주의 화가 귀스타브-아돌프 모싸(Gustav-Adolf Mossa)의 미술 세계를 소개하고자 한다. 그 하나의 일환으로 모싸의 대표작이라고 할 수 있는 <살로메> 연작을 통해 그가 살로메라는 전통적인 주제를 자신만의 독특한 방식으로 어떻게 재해석하고 있는지 고찰한다. 모싸는 ‘은접시 위의 세례 요한의 머리’나 ‘춤추는 살로메’와 같은 전통적인 표현 방식보다는 새로운 조형적 표현 - 거울, 잘린 손, 꿈, 공간적 배경 - 등을 통해 살로메 주제를 나타낸다. 그러한 상징적 표현의 의미를 이해해 보기 위해 자크 라캉의 ‘응시’ 개념, 유럽과 프랑스의 사회정치적 상황, 작가의 개인사적 배경 그리고 데카당스 개념을 통해 작품에 입체적으로 접근하고자 한다. 모싸의 작품 속 살로메는 두려움에 억압된 듯 심리적으로 불안정하고 고통스러워 보이기도 하며 때로는 팜므 파탈의 위협적인 모습 등 그 층위가 다양하게 나타난다. 즉 살로메에는 당시 유럽의 남성 중심적 보편적 가치관, 세기말 유럽의 사회, 정치적 문제, 개인이 겪는 고통과 같은 문제가 투영되 어 있다고 볼 수 있다. 따라서 본 논문은 모싸가 살로메를 통해 혼란스러웠던 19세기 말과 20세기 초 유럽의 시대적 상황과 개인적 문제를 어떻게 보여주고자 했는지 조명한다. 이는 모싸의 미술 세계를 이해하기 위한 첫 걸음이 될 것이다.

This study seeks to introduce the art world of Gustav-Adolf Mossa, a symbolist painter from Nice. Through the <Salome> series, which is considered one of Mosa's representative works, we sought to understand how newly he interprets the traditional theme of Salome through his own unique formative expression method. In Mossa's work, rather than using traditional motifs such as ‘John the Baptist's head on a silver plate’ or ‘Dancing Salome’, which symbolically represent the theme of Salome, his newly created formative expressions appear. Such expressions appear in the form of gaze, mirrors, severed hands, dreams, and spatial backgrounds. For a more in-depth understanding and interpretation, Jacques Lacan's concept of 'gaze', social and political situations in Europe and France, and the artist's personal history background are used. And I wanted to explore it from the perspective of Decadence. Salome in Mossa's work appears psychologically unstable and in pain, as if oppressed by fear, and also shows the dual appearance of a femme fatale. Salome highlights issues such as the male-centered universal values of Europe at that time, the social ills of fin-de-siècle Europe, and the suffering suffered by individuals. Ultimately, through Salome, Mossa wanted to show the historical situation and personal issues of Europe in the late 19th and early 20th centuries, when everyone was confused. This is the first step to understanding the art world of Mossa.

본 논문은 러시아 구축주의 작품에 구조화된 공간으로 등장하는 ‘계단’이 지니는 기능성, 조형성, 예술성 등을 분석하여 구축주의 예술이 어떻게 사회화 개념을 실현하는지를 연구하는 데 그 목적을 둔다. 구축주의 작가들은 자신의 현실을 확장하고 연구하여 인간적이고 정서적이면서 이데올로기적인 내용을 대상화하는 작품을 만든다. 또한, 작품에 나타나는 물질성에 대하여 일정한 형식을 부여하면서 예술 작품이 도달할 수 있는 미적 가치를 실현한다. 러시아 구축주의의 ‘구축(Construction)’은 고정적 인 의미만을 가지지 않는다. 시대와 상황, 그에 따르는 변화에 따라서 상징하는 의미로서 은유적 시각언어를 구축한다. 타틀린의 조각 작품 「제3인터내셔널 기념비」와 로드첸코의 사진 작품 「계단」은 사회를 반영하는 시각언어로 계단에 다양한 역할과 용도를 부여하는 동시에 풍부한 조형성과 상징성을 갖추었다. 타틀 린에게 공간은 물질적인 재료로 이루어지는 실제 공간의 구축이고, 로드첸코의 공간은 현실 상황을 투영하는 환영적 공간이다. 이 방식은 기존의 예술에서 공간을 예술의 요소로 끌어들이는 표현 방식에 발전을 이루었음을 알 수 있었다. 이는 일상적으로 접하는 계단이라는 공간이 단지 공간을 이어주는 건축적인 목적보다 사유적 공간으로 재구성됨으로써 계단이 갖는 예술적 가능성을 제시하고자 함이다.

This paper aims to analyze the functionality, formality, and artistry of 'stairs' that appear as structured spaces in Russian Constructivist works, and to study how Constructivist art realizes the concept of socialization. Constructivist artists expand and explore their reality, creating works that objectify human, emotional, and ideological content. They also assign a certain form to the materiality present in their works, achieving the aesthetic value that art can reach. The 'Construction' in Russian Constructivism does not hold a fixed meaning. Depending on the era, situation, and corresponding changes, it constructs metaphorical visual language as a symbolic meaning. Tatlin's sculpture 「Monument to the Third International」 and Rodchenko's photograph 「Stairs」 assign various roles and uses to stairs as a visual language reflecting society, while also possessing rich formality and symbolism. For Tatlin, space is the construction of actual space made up of material elements, whereas Rodchenko's space is an illusory space that reflects real situations. This method shows that there has been progress in the expression method that brings space into the elements of art in traditional art. This aims to present the artistic possibilities of stairs by reconstructing the space commonly encountered in everyday life not just as architectural means of connecting spaces, but as a speculative space.

설치미술은 개별 작품의 형태와 더불어 공간, 관객과의 상호작용을 중요시하며, 이를 통해 관계성을 촉진한다. 특히 보이스의 <7000그루의 참나무>, 곤잘레스 토레스의 <사탕> 연작, 강익중의 <해피 월드> 연작, 포어만의 <디스패치 워크>는 각기 다른 형식과 주제로 관객의 참여를 유도하며 그 참여로 써 작품이 완성된다. 이러한 작품들은 미술교육에서 학생들이 자발적으로 참여하고 자신의 아이디어 를 표현할 수 있는 기회를 제공함으로써 참여 중심 교육의 중요성을 명확히 보여줌을 확인한다. 참여 중심 설치미술이 제공하는 독특한 미적 경험을 통해 학생들이 창의성 증진을 통한 문제 해결력 향상, 자기 이해 증진, 다양성과 문화적 이해 증진을 통한 공동체성 회복력 등을 포괄적으로 발전시킬 수 있음을 확인하였다. 그 결과 참여 중심 설치미술 교육은 미적 체험과 표현 영역에서 요구하는 교육 목표 즉 다양한 매체를 다루는 과정을 통해 창의성과 미적 감수성을 기르고, 예술적 성취를 통해 세계 속에서 자신의 의미와 가치를 성찰하고 타인과 자신을 둘러싼 환경과 더불어 살아갈 수 있도록 전인적 교육을 지향하는 미술 교과의 역량 강화 목표를 달성할 수 있음을 확인할 수 있었다.

Installation art emphasizes the interaction between space and audience as well as the form of individual works, and promotes relationships through this. In particular, Boyce's <7000 Oaks>, Gonzalez-Torres' <Candy> series, Kang Ik-joong's <Happy World>, and Foreman's <Dispatch Work> each induce participation through different forms and themes and are completed through audience intervention. These works clearly demonstrate the importance of participatory education by providing opportunities for students to voluntarily participate and express their own ideas in art education. It was confirmed that the unique aesthetic experience provided by participatory installation art can comprehensively develop students' creativity through enhanced problem-solving skills, increased self-understanding, and community resilience through increased diversity and cultural understanding. As a result, it was confirmed that participatory installation art education can achieve the educational goals required in the areas of aesthetic experience and expression, namely, fostering creativity and aesthetic sensibility through the process of handling various media, and strengthening the capacity of the art curriculum, which aims for holistic education that reflects on the meaning and value of oneself and the world through artistic achievement and living together with others and the environment surrounding oneself.

페이스 링골드는 아프리카계 흑인 여성 예술가로서 2차 세계대전 직후 비대하게 발전하는 미국의 화려함 이면에서 활동한 비주류 하위 계층에 속한 작가이다. 이 연구는 미국 사회의 인종차별과 여성주 의 운동, 흑인 민권운동이 확산되던 시기에 활동한 링골드의 작업을 통해 견지된 흑인의 독자적 문화의 긍지와 흑인 정체성을 중심으로 재고찰하는데 목적을 두고 있다. 링골드는 1950년 이후에 유화, 탕카, 스토리퀼트 등의 다양한 재료를 사용하여 주류 사회에 대한 저항의식을 담은 사회참여적 작품을 본격적으로 제작하였다. 그녀가 사용한 퀼트는 여성위주의 저급한 노동으로 인식되었으나 시대의 인식변화와 맞물려 강력한 호소력을 가진 도구로 변화하였다. 아프리카 미국계의 유산과 할렘르네상 스의 기반 위에 생성된 ‘새로운 니그로’의 정체성은 백인과 흑인, 인종적 균열, 여성과 남성 등의 사회 권력의 이분법적인 틀을 깨고 고유한 아프리카계 미국인으로서의 문화적 우수성을 작품 속에 지속적으로 나타난다. <미국인 시리즈>와 흑인 위인들의 초상과 텍스트가 담긴 스토리 퀼트, <프렌치 컬렉션> 연작은 흑인의 집단적 정체성에서 벗어나 문화의 자긍심을 반영한다. 본 연구는 여성주의 중심의 편향된 인식을 넘어 흑인 문화의 우수성과 민족의식을 정신적 유산으로 남기고자 한 예술가로 서의 정체성에 주목하는데 의미를 두고 있다.

Faith Ringgold is an African-American female artist who belongs to the marginalized, non-mainstream lower class who worked behind the scenes of the rapidly developing American glamour immediately after World War II. This study aims to reexamine the pride in black culture and black identity maintained through Ringgold's work during the period of racial discrimination in American society, the feminist movement, and the spread of the black civil rights movement. After 1950, Ringgold began to produce socially engaged works containing a sense of resistance against mainstream society using various materials such as oil painting, Than-kas, and Story Quilt. The filth she used was perceived as low-level labor centered on women, but it changed into a tool with a powerful appeal in line with the changing perception of the times. The identity of the 'new Negro', created on the basis of African-American heritage and the Hallelujah Renaissance, breaks the dichotomies of social power such as whites and blacks, racial divisions, and women and men, and continuously displays the cultural excellence of a unique African-American in her works. <American Series> and the Story Quilts containing portraits and texts of black greats, and the <French Collection> series reflect cultural pride, breaking away from the collective identity of blacks. This study is meaningful in that it focuses on the identity of an artist who sought to leave behind the excellence of black culture and national consciousness as a new heritage beyond the biased perception centered on feminism.

본 논문은 프랑스의 생태학자이자 기획자인 브뤼노 라투르(Bruno Latour)의 ‘신기후체제’ 개념에 토대하여 그의 전시 기획을 분석하고 미적 전략을 도출하였다. 동시대 미술계의 영역에서 인류세 담론을 비롯해 기후 위기와 생태 등이 화두로 등장한 상황 속에서 브뤼노 라투르의 전시 기획을 생태적 관점에서 분석하는 데 목적을 두었다. 분석 대상으로 2016년《모더니티 재설정!》, 2020년 《임계 영역: 지구 정치를 위한 관측소들》, 2020년 제12회 타이베이비엔날레 《당신과 나는 같은 행성에 살지 않는다:새로운 외교적 충돌》 전시를 기후 위기와 생태적 관점에서 기획 의도와 작품 등을 접근하였다. 라투르는 2014년 인류세와 신기후체제라는 주제를 전면에 내세우기 시작한 이래 지속적으로 근대화에 대한 비판, 근대화로 인해 야기된 황폐화, 멸종, 기후 비상사태, 핵폐기물 등의 여러 사회적 논란들을 시각적 조형적으로 보여주었다. 라투르가 구현한 전시의 미적 전략은 근대화에 대한 성찰, 지구 행성에 대한 과학적인 인지와 접근, 그리고 생태정치학적인 실천과 집단지성이 지닌 힘의 필요성 등으로 압축할 수 있으며, 팬데믹으로 개발과 과학의 취약성을 목격했던 인류 사회에게 라투르의 이러한 미적 담론은 인간중심주의 사고관에 경종을 울리게 한다. 지난 2022년 타계한 라투르의 전시를 비롯한 일련의 연구와 실천들은 동시대 인류에게 많은 성찰과 반성을 촉구하고 있으며, 인간과 비인간의 연대, 생태와 환경과의 합의, 새로운 형태의 생명체에 대한 관심과 보살핌 등이 필요한 시점임을 시사한다.

Based on the concept of a ‘new climate system’ by Bruno Latour, a French ecologist and planner, this paper analyzed his exhibition plans and derived aesthetic strategies. The purpose of this paper was to analyze Bruno Latour's exhibition plans from an ecological perspective amid the emergence of the Anthropocene discourse, climate crisis, and ecology as well as the Anthropocene discourse in the contemporary art world. For the analysis, we approached the exhibition 《Reset Modernity!》 in 2016, 《Critical Zones: Observatories For Earthly Politics》 in 2020, and the 12th Taipei Biennale in 2020 《You and I don’t Live on the same planet》 from a climate crisis and ecological perspective. Since Latour began to bring the theme of the Anthropocene and the New Climate System to the fore in 2014, he has continuously shown criticism of modernization, and various social controversies such as devastation, extinction, climate emergency, and nuclear waste caused by modernization in a visual formative manner. The aesthetic strategy of the exhibition implemented by Latour can be compressed into reflection on modernization, scientific awareness and access to the Earth's planet, and the need for ecological and political practice and collective intelligence. Latour's aesthetic discourse is a wake-up call for anthropocentric thinking in human society, which has witnessed the vulnerability of development and science due to the pandemic. A series of studies and practices, including Latour's exhibition, which died in 2022, urge contemporary humanity to reflect and reflect on a lot, suggesting that it is time for human-non-human solidarity, agreement with ecology and the environment, and interest and care for new forms of life.

크리스티앙 드 포잠박의 건축은 대담한 디자인, 예술적 접근방식, 창의적이면서 독립된 오브제라는 건축적 특징을 나타낸다. 이와 같은 건축개념과 긴밀하게 연관되는 건축색채는 과감하지만 넘치지 않고, 다채색에 의한 독창적인 관점을 드러낸다. 따라서 그의 작품을 대상으로 다음과 같은 색채사용특 징을 추출할 수 있었다. 첫째, 건축 형태와 공간에 이격거리를 둔 다채색의 적용으로 ‘건축 볼륨의 지각적 분리효과’가 나타나고 있었다. 둘째, 고채도의 색채와 불규칙한 방식으로 ‘다채색에 의한 상징적이고 주목적인 특징’이 나타나고 있었다. 셋째, 형태와 긴밀하게 연계된 ‘대비색채에 의한 독립된 오브제로서의 조형 적 특징이 강화‘되고 있었다. 넷째, 건축요소에 적용된 다채색에 의해 건축 전체 형태와의 대비와 다채색 기반의 색채적용으로 ‘전체성과 다양성의 추구’와 연계되는 색채사용특징이 나타나고 있었다. 다섯째, 조명으로 적용된 색채에 의해 ‘움직임과 리듬감이 있는 표피’로 전환되면서 유동적 특징을 지닌 건축으로 연출되고 있었다. 마지막으로 단지의 형식, 건축의 방향에 따라 다르게 적용된 색채에 의해 ‘영역의 구분과 시점의 변화에 따라 전환’되는 색채사용특징이 나타나고 있었다. 이와 같이 포잠박 건축의 개념과 제3의 도시이론에서 언급되었던 자유로움과 다양성, 부분과 전체 성, 규율과 불규칙성, 대비성, 움직임 등이 색채사용방식과 밀접한 연관성이 있음을 알 수 있었다. 이는 포잠박 건축에 주요한 영향력을 지닌 체계로서, 색채가 건축의 개념적 가치를 수행하는 도구로 사용되고 있음을 확인하게 되었다.

Christian de Porzamparc's architecture is characterized by bold design, artistic approach, and creative, independent objects. Architectural colors, which are closely related to this architectural concept, are bold but not excessive, revealing a unique perspective through multicolor. Therefore, the following characteristics of color use could be extracted from his work. First, the ‘perceptual separation effect of the architectural volume’ was appearing through the application of multiple colors at a distance between the architectural form and space. Second, the ‘symbolic and notable characteristics of multicolor’ were appearing in highly saturated colors and in an irregular manner. Third, the formative characteristics as an independent object were being strengthened through contrasting colors, which were closely linked to form. Fourth, the multicolor applied to architectural elements showed the characteristics of color use linked to the ‘pursuit of wholeness and diversity’ through contrast with the overall architecture and color harmony based on multicolor. Fifth, the colors applied through lighting converted it into a ‘diverse skin with movement and rhythm,’ creating an architecture with fluid characteristics. Lastly, the characteristic of color use that ‘changes according to the division of areas and changes in viewpoint’ was shown by the colors applied differently depending on the form of the complex and the direction of the architecture. In this way, it was found that freedom and diversity, part and wholeness, discipline and irregularity, contrast, and movement mentioned in the concept of Porzamparc architecture and third city theory were closely related to the way of using color. This is a system with a perspective that has a major influence on Porzamparc's architecture, and it has been confirmed that color is acting as a tool to carry out the conceptual value of architecture.

<다원주의 미학적 관점에서 바라본 킨츠기 기법의 현대작품분석>은 다원주의적 미학관을 토대로, 새롭게 주목받으며 성장하고 있는 킨츠기 기법을 활용한 현대도예 작품들에 대한 성찰을 통한 연구이다. 킨츠기에 대한 이론적 고찰 및 다양한 기법에 대해서 알아보고, 킨츠기 기법을 통해 새롭게 완성된 작품이 지닌 미적 가치와 의미를 성찰하면서 바로, 현대에서 요구되는 예술의 새로운 역할로 의미 부여하고자 했다. 다원주의 시대의 현대예술은 장르 간의 경계뿐만 아니라 재료와 기법적인 측면에서도 통합적인 경향을 보이며, 또 다른 의미와 가치를 지속적으로 획득해 가고 있는 추세이다. 그러한 상황에서 특히, 근본적으로는 옻칠 공예장식으로 출발하고 있지만, 킨츠기 기법이 갖는 새로운 의미는 중요하다. 킨츠기 기법은 도자기 관련 수리와 복원을 위해서 일본에서부터 시작되었으며, 또한 현대도예에서 조형적 표현성을 확보하는 가운데, 현대 예술가들은 새롭게 재창작되는 예술작품으로서의 의미를 부여하고 있다. 킨츠기 기법을 활용한 현대작품들은 고유한 공예작품으로서의 의미를 확장하고 새로운 가치로 회복하고 있다. 이러한 의미는 곧 포스트 코로나 시대에 남겨진 상실감을 안고 살아가는 우리에게 새로운 위안으로 그리고 미적인 치유로서의 의미를 제공하고 있기도 하다. 국내외 킨츠기 관련 전시 및 동향 분석을 통해 구체적인 사례를 살펴보고 단순한 기법의 차원을 넘어서서 오롯이 예술의 역할을 담당하고 있는 킨츠기의 가치를 부여하고자 했다.

<Analysis of modern works using the Kintsugi technique from a pluralistic aesthetic perspective> is a study through reflection on contemporary large-scale ceramic works using the Kintsugi technique, which is gaining new attention and growing, based on a pluralistic aesthetic view. We studied theoretical considerations and various techniques of Kintsugi, reflected on the aesthetic value and meaning of works newly completed through Kintsugi techniques, and attempted to give to the new role of art required in modern times. Contemporary art in the era of pluralism shows a tendency to integrate not only the boundaries between genres but also in terms of materials and techniques, and is continuously acquiring new meaning and value. in such a situation, in particular, we fundamentally started with lacquer craft decoration. The meaning of the Kintsugi technique being performed is important. The Kintsugi technique originated in Japan for the repair and restoration of ceramics, and as modern ceramic gained formative expressiveness, it was found that over the years, it has come to be given meaning as a work of art that is newly recreated by modern artists. In addition, works using the kintsugi technique expand their meaning as unique craft works and even show recovery with new values. This meaning provides new comfort and aesthetic healing to those of us who live with the sense of loss left behind in the post-corona era. Through analysis of exhibitions and trends related to kintsugi at home and abroad, we looked at specific cases and attempted to give the value of kintsugi as a form of art beyond the level of simple techniques.

본 연구에서는 유럽의 주요 아트페어들의 현황과 성공 요인을 분석하였다. 아트페어는 미술 시장 활성화와 문화 예술 저변 확대에 중요한 역할을 하고 있으며, 그 수가 전 세계적으로 증가하고 있다. 그러나 성공적으로 운영되는 아트페어는 여전히 제한적이다. 한국에서도 다양한 아트페어가 매년 새롭게 등장하고 있지만, 여러 도전 과제와 한계로 인해 국제적인 수준으로 도약하는 데 어려움을 겪고 있다. 본 연구는 아트 바젤, 아트 쾰른, 프리즈 등 세계적으로 인정받은 아트페어들의 사례를 통해 한국 아트페어가 성장할 수 있는 전략을 모색하였다. 이를 위해 차별화된 콘텐츠 기획, 다채로운 문화 행사 기획, 후원 및 협찬 네트워크 확장 등의 구체적인 방안을 제시하였다.

This study analyzes the current status and success factors of major European art fairs. Art fairs play a crucial role in revitalizing the art market and expanding the cultural and artistic base, with their number increasing globally. However, the number of successfully operated art fairs remains limited. In Korea, various art fairs are newly emerging every year, but they face numerous challenges and limitations in achieving international recognition. This study explores strategies for the growth of Korean art fairs through the cases of globally renowned art fairs such as Art Basel, Art Cologne, and Frieze. To this end, specific measures such as differentiated content planning, diverse cultural event planning, and expansion of sponsorship and partnership networks were proposed.

본 연구는 디지털 기술을 활용해 후기 자본주의 시대의 한 양상을 보여주는 히토 슈타이얼 작품의 제도비판적 예술 가치에 대해 고찰하고자 한다. 본 연구에서는 슈타이얼의 미술 프로젝트를 통해 우리 시대 다양한 디지털 이미지들이 어떤 방식으로 소비되고 있는지 알아본다. 다시 말해 현대사회의 구조와 작동 논리에 나타나는 모순에 입각해 슈타이얼의 작업을 바라보는 것이다. 슈타이얼의 작품은 일반적으로 디지털 기술이 갖는 양면적인 특성에 주목한다. 슈타이얼은 이미지와 데이터로 표상되는 현대사회를 비판적으로 바라볼 것을 제안하면서도 오늘날 삶 전체를 둘러싼 디지털 기술이 올바른 방향으로 활용되는 방안에 대해서도 이야기한다. 이에 따라 본 논문에서는 슈타이얼 작품을 감시체계 와 정체성, 인공지능 및 알고리즘, 자본주의 시장과 연결 지어 사회적 제도에 비판적으로 접근하는 구체적인 사례들을 살펴보고자 한다.

This study aims to examine the institutional critical art value of Hito Steyerl’s work, which shows an aspect of the late capitalist era using digital technology. In this study, we examine how various digital images of this era are consumed through Steyerl’s art project. In other words, it looks at Steyerl’s work based on the contradictions that appear in the structure and operational logic of modern society. Steyerl’s work generally focuses on the two-sided characteristics of digital technology. While proposing to critically look at the modern society represented by images and data, Steyerl also talks about how digital technology surrounding the entire life is used in the right direction today. Accordingly, in this paper, I would like to look at specific examples of critically approaching the social system by linking Steyerl’s work with the surveillance system and identity, artificial intelligence and algorithms, and capit

본 연구에서는 유럽의 축제를 통해 지역마다 추구하는 문화예술의 특성과 도시재생의 사례를 살펴 보았다. 문화예술 활성화는 여러 가지 이유로 쇠퇴하는 도시와 지역문화에 새로운 활기를 주는 요소가 될 수 있다. 도시 환경에서 문화예술로의 가치 있는 공간 활용은 문화예술 프로그램의 새로운 예술 실험센터가 되기도 하고 지역 커뮤니티의 역할을 하기도 한다. 따라서 축제에서 나타나는 동시대 예술 표현과 정서는 예술교육의 참여와 지역 연계 등 공공예술의 가치 외에도 도시재생의 기능을 보이기도 한다. 이 연구에서는 축제와 함께 전통예술의 보존과 새로운 예술의 수용 방법을 이해하고, 우리 삶에서 문화예술의 역할과 도시재생의 관련성을 고찰하였다. 이를 통해 도시재생과 문화예술의 활성화 및 지역연계의 시사점을 찾고 축제에서 구현할 수 있는 문화예술의 실제적인 전략을 모색하고자 한다.

This study examined European festivals searching for the characteristics of arts and culture pursued by each region and cases of urban regeneration. Revitalization of arts and culture can be a catalyst that revives cities and regional cultures that experience decline due to various reasons. Valuable use of cultural and artistic spaces in urban environments can not only provide a new place for art experiment by cultural and artistic programs but also serve as local communities. In addition to the value of public art, contemporary artistic expressions and sentiment expressed in festivals can play the function of urban regeneration, such as participation in arts education and regional connections. This study explored the preservation of traditional arts and methods of accepting new arts along with festivals, and examined the role of arts and culture in our lives and the relevance of urban regeneration. The study aimed to find implications for urban regeneration, cultural and artistic revitalization, and regional connections, and to seek practical strategies for arts and culture that can be implemented in festivals.