Earticle

엔리케 올리베이라는 이질적인 목재 형상을 공간에 접합하여 도시와 자연, 유기체와 구조, 예술과 과학 사이를 오가며 예측 불가능한 환상적인 세계를 구성하는 작가이다. 이 연구는 엔리케 올리베이라의 설치 작업을 중심으로 공간 표상 양식을 범주화하여 현실에 구현된 올리베이라의 표상 공간이 어떠한 의미를 갖는지 고찰하는 것을 목적으로 한다. 연구를 위한 이론적 방법은 미술사 내에서 공간이 표현되고 강조되는 여러 사례를 포착하여 연계시킨다. 먼저 전통적 공간 표상 방법론인 원근법의 흐름과 파노프스 키의 원근법에 대한 견해를 빌려 공간의 다층적 구조가 공간 표상의 하나의 방법이 될 수 있음을 확인하였다. 또한 20세기 이후 설치미술의 전개 양상을 통해 다양한 방식으로 구성되는 공간의 특징을 참고하였다. 엔리케 올리베이라의 공간 표상 방식을 정리하면, 첫째, 다층적 공간 표상의 양상을 보여준 다. 전시 공간과 건축적이고 기하학적인 구조물과 같은 일상적 공간에 목재 형상을 기생시켜 총체적 예술 공간을 창출한다. 다층적 공간 표상은 다양한 공간의 맥락을 동시에 보여주는 장치이자, 그의 작업이 전달하는 메시지를 명확하게 만드는 주요 수단으로 사용된다. 둘째, 신체적 공간 표상의 특징을 드러낸다. 이는 목재의 확장과 구조가 갖는 생명체적 이미지와 더불어 거대 설치 작업 속에서 관객에게 요구되는 신체성까지 아우르며 의미의 극대화를 이룬다. 이러한 공간 표상 방식이 종합되며 엔리케 올리베이라의 작품은 극적인 효과를 내며 관람자에게 다채로운 사유를 이끌어낸다. 본 연구를 통해 공간 표상을 통해 자연과 도시적 관계의 변화를 비롯한 다양한 담론에 대해 숙고하고, 표상된 공간을 통해 드러나는 작가의 정체성과 예술 세계를 입체적으로 조명한다.

Henrique Oliveira is an artist who combines heterogeneous wood shapes with space to construct an unpredictable and fantastic world. The purpose of this study is to examine how space is represented in his work, focusing on Henrique Oliveira's installation work. Theoretical methods for research are captured within art history. It was confirmed that the multi-layered structure of space can be a method of spatial representation, borrowing views on the flow of perspective and Panovski's perspective, which are traditional spatial representation methods. Categorizing Henrique Oliveira's spatial representation method, first, shows the aspect of multi-layered spatial representation. It creates a holistic art space by parasiticizing the wood shape in the exhibition space and the everyday space such as an architectural and geometric structure. Multilayer spatial representation is a device that simultaneously shows the context of various spaces, and is used as a main method to clarify the message delivered by his work. Second, it reveals the characteristics of physical space representation. It encompasses the physicality and vitality of the expansion and structure of wood, as well as the physicality required of the audience in the massive installation work. This spatial representation method is synthesized, and Henrique Oliveira's work has a dramatic effect and brings out various thoughts to the viewers. Through this study, it was possible to consider various discourses through spatial representation, and to illuminate the artist's identity and art world revealed through the represented space in three dimensions.

이 논문은 21세기 현재 전 세계의 ‘뜨거운 감자’로 부상한 인류세에 대한 대응 방안을 토마스 사라세노의 작품을 통해 살펴본 것이다. 인류세는 지구 환경이 자연의 순리가 아닌 인간의 행위에 의해 변화되는 것으로 홀로세 이후의 새로운 지질시대를 위해 크뤼천이 고안한 용어이다. 인류세는 크게 기술 낙관론의 생태 근대주의, 종말론적 관점의 생태사회주의, 탈인간 중심주의의 신유물론 관점으로 해석된다. 사라세노는 이 중 비인간의 행위성을 인정하며 인간과 비인간의 공존을 중시하는 신유물론 관점에 기반한 작품 활동을 펼친다. 사라세노는 예술과 건축, 과학의 간학제적 접근과 환경친 화적 소재를 통해 인류세 시대의 희망적인 지구의 모습을 그린다. 그의 <에어로센> 프로젝트와 <에어- 포트-시티>, <클라우드 시티> 프로젝트는 미래형 주거공간을 통해 우리가 꿈꿔오던 유토피아의 세계 를 실현 가능한 것으로 바꾸었다. 이런 의미에서 지구의 이상적인 미래를 실천해나가는 사라세노의 작품은 인류세 시대의 대안 방안으로써 주목할 가치가 있을 것이다.

This study is aimed at looking into the plan for responding the Anthropocene, which has emerged as a global ‘hot potato’ in the 21st century, through the artworks of Tomas Saraceno. The Anthropocene refers to the epoch where Earth’s environment is altered by human actions rather than the laws of nature, and it is a term coined by Crutzen for a new geological era after the Holocene. The Anthropocene is interpreted with the perspective of technological optimism in ecological modernism, with the apocalyptic perspective in eco-socialism, and with the perspective of new materialism in post-human-centric animism. Saraceno engages in artistic activities based on the perspective of new materialism in which the coexistence of humans and non-humans is emphasized under the acceptance of non-human agency. Saraceno, through his interdisciplinary approach involving art, architecture, and science and eco-friendly subjects, envisions hopeful Earth in the Anthropocene era. His projects such as the ‘Aerocene’ project, ‘Air-Port-City’ and ‘Cloud City’ transformed the notion of utopia into something realistic by using the futuristic living spaces. In this sense, Saraceno's works, which embody the idealistic future of Earth, are noteworthy as an alternative in the Anthropocene era.

코로나19 대유행 여파로 3년 만에 2022년 제59회 베니스비엔날레가 순연 되어 개최되었다. 즉 제59회 베니스비엔날레가 열리던 시기는 코로나 여파로 전 지구촌이 유례없는 비상 상황이었으며 이러한 시대적 배경은 세계 1차 대전 이후부터 2차 대전 전까지 초현실주의가 왕성했던 지구촌 위기와도 중첩된다고 할 수 있다. 실제로 제59회 베니스비엔날레는 ‘꿈의 우유(The Milk of Dreams)’라는 전시 타이틀로 열렸으며, 초현실주의 화가 레오노라 캐링턴의 책 〈The Milk of Dreams〉에서 착안 되었다. 1920년대부터 1930년대까지 유럽과 미국에서 성행한 초현실주의는 두 차례 세계대전 사이에서 여타 미술운동 보다 더욱 응집력을 보였던 미술운동으로 1966년 앙드레 브르통의 죽음과 함께 막을 내리게 되었다. 그러나 동시대 불안정한 시대 상황 속에서 초현실주의가 다시 대두되는 경향을 보이고 있으며, 이는 제59회 베니스비엔날레에서 두드러졌다. 비엔날레는 인종 차별, 정체성 등의 타자에 대한 화두에서부터 기후 위기 등의 최근 몇 년 새 지구촌 현안까지 아우르면서 현대 사회의 맥락 안에서 미술로서의 개입을 시도하고 있다. 이러한 동시대 미술의 담론 형성의 장이자 실험적인 미술제도인 비엔날레에서 드러나는 속성으로 본 연구는 베니스비엔날레에서 드러난 초현실주의 경향을 분석해보고자 한다. 초현실주의가 보여줬던 인간과 비인간의 탈경계 등의 포스트휴먼 경향과 장르 간 협업 등 특성들은 동시대 미술 영역에서 목격되고 있으며, 특히 제59회 베니스비엔날레에서는 이러한 동시대 경향들이 응축되어 반영되 었다. 초현실주의의 동시대성 연구는 미술사 연구에 있어서 20세기 초중반 초현실주의 사조와 21세기 동시대 미술을 유연하게 연결하면서 미술사 연구의 비선형적 방법론으로 모색하는데 의미가 있을 것이다.

The 59th Venice Biennale, held three years after the outbreak of the COVID-19 pandemic in 2022, stands as a unique cultural event amid the unprecedented global crisis. During a time when the entire world was grappling with the consequences of the pandemic, the 59th Venice Biennale provided a platform for the resurgence of surrealism, echoing the historical context of the thriving surrealist movement in the interwar period, between World War I and World War II. Indeed, the biennale, titled "The Milk of Dreams," drew inspiration from Leonora Carrington's book of the same name, portraying surrealistic depictions of animals inhabiting an imaginary world. Surrealism, popular in Europe and the United States during the 1920s and 1930s, exhibited a remarkable cohesion between the two World Wars compared to other art movements. However, it faded away in 1966 with the death of Andre Breton. Nevertheless, amidst the contemporary backdrop of an unstable era, surrealism is experiencing a resurgence, a trend notably highlighted in the 59th Venice Biennale. The characteristics of surrealism, such as the dissolution of boundaries between human and non-human entities and collaborative efforts across genres, are witnessing a revival in the contemporary art scene. The biennale effectively reflects and encapsulates these contemporary tendencies. The exploration of the contemporaneity of surrealism holds significance in art historical research, linking the surrealist movement of the early to mid-20th century with 21st-century contemporary art. This flexible connection serves as a non-linear methodology in art historical research, shedding light on the dynamic nature of artistic expression across different eras.

19세기 낭만주의 예술은 시와 음악 그리고 미술까지 다양한 형태의 융합을 보인다. 이 연구에서는 예술가곡에서 나타나는 음악과 시의 융합적 표현으로 슈베르트의 예술가곡을 중심으로 그 의미를 살펴보고자 한다. 예술가곡의 형태에서도 ‘발라드’에 나타나는 예술적인 요소를 분석하기 위해 슈베르트 <마왕>을 중심으로 낭만시대의 시를 표현하는 음악적인 방법과 이들의 융합이 보여주는 새로운 예술표현을 논하고자 한다. 발라드의 악곡적인 특징은 작품의 조형성, 극적구조, 음악적 동기의 구조 등 보통의 가곡과는 구별된다. 따라서 슈베르트의 <마왕>의 작품을 통해 발라드의 내용과 형태를 알아보고 시와 음악의 조화가 주는 의미를 찾고자 한다. 이를 기초로 독일 예술가곡의 융합적 가치 및 시와 음악의 조화로운 표현을 통해 예술가곡의 가치를 제시하고자 하는 것이다.

Romantic art of the 19th century shows the fusion of various forms, including poetry, music, and art. In this study, we will examine the meaning of Schubert's art songs as a convergence of music and poetry that appears in them. In order to analyze the artistic elements that appear in ‘ballads’ even in the form of art songs, we will discuss the musical methods of expressing poetry of the Romantic era, focusing on Schubert’s <The Devil>, and the new artistry shown by their fusion. The musical characteristics of ballads are different from ordinary songs, such as the formativeness of the work, dramatic structure, and structure of musical motive. Therefore, through Schubert's <The Devil>, we will examine the content and form of the ballad and find the meaning of the harmony of poetry and music. Based on this, the aim is to present the value of German art songs through the convergence value of German art songs and the harmonious expression of poetry and music.

본 연구는 외젠 에마뉘엘 비올레르뒤크의 수복이론이 형성된 19세기 프랑스의 역사적 배경을 살펴 보고 그가 정의한 ‘수복(Restauration)’ 개념에 내재된 시간성을 논의한다. 예술작품은 그 작품이 처음 제작된 시기의 사회적 조건 속에서 태어나지만, ‘시간’의 작용들로 인해 그 외형과 기능이 달라지게 된다. 시간의 작용은 또한 예술작품의 ‘수복’ 개념을 현재적인 관점에서 재정의 하도록 만든다. 비올레 르뒤크는 19세기의 산업혁명과 학문적 진보에 근거하여 ‘수복’의 현대적 정의를 제시하였다. 그가 규정한 ‘수복’ 이란 건축물을 ‘고고학적’ 관점에서 조사하고, ‘해부학적’으로 해체한 후 유기적 일관성 을 가진 스타일로 재구축하는 과학적인 방법론이다. 본 연구는 비올레르뒤크의 수복 실천과 문헌을 분석하여 그의 ‘수복’ 개념에서 현대성(modernity)과 아나크로니즘(anachronisme)이라는 시간성을 고 찰한다. 프랑스의 기존 수복 관행에서 벗어나 현대적 수복의 기틀이 형성하고자 했던 비올레르뒤크의 시선을 따라가는 동안, 우리는 예술작품의 제작과 수용의 역사를 재고하며, 수복과 시간의 관계를 사유할 수 있을 것이다.

This study examines the historical background of 19th century France in which Eugene Emmanuel Viollet-Duc's restoration theory was formed. And we discuss the temporality inherent in the concept of ‘restauration’ that he defined. A work of art is born in the social conditions of the time it was first produced, but its appearance and function change due to the effects of ‘time.’ The action of time also forces us to redefine the concept of ‘restoration’ of a work of art from a current perspective. Violler-le-Duc presented a modern definition of ‘restoration’ based on the industrial revolution and academic progress of the 19th century. ‘Restoration’, as defined by him, is a scientific methodology that investigates buildings from an ‘archaeological’ perspective, dismantles them ‘anatomically’, and then reconstructs them in a style with organic consistency. This study analyzes Viollet-le-Duc's restoration practices and literature and examines the temporality of modernity and anachronism in Viollet-le-Duc's concept of ‘Restoration’. While breaking away from France's existing restoration practices and following Viollet-le-Duc's vision to form the foundation of modern restoration, we will be able to reconsider the history of the production and reception of works of art and think about the relationship between restoration and time.