Earticle

본 연구는 제1,2차 세계대전을 겪고, 평생을 천식이란 지병과 투병하면서도 자신만의 독특한 미술 세계를 보여주었던 그뤼버를 소개하고자 한다. 그의 대표작 중 하나로 평가되는 <욥>을 통해 그가 얼마나 서양미술의 전통을 당대의 정치, 사회적 상황과 연결하고자 했는지를 이해하고자 하였다. 그뤼버의 작품 속 주인공인 욥은 전통적인 멜랑콜리의 자세인 팔을 머리에 괴고 있는 모습으로 나타난다. 이렇게 ‘욥’을 표현하는 도상은 독일 르네상스의 거장 뒤러의 작품 속 욥의 자세와 관련이 있다. 뒤러의 작품 속 욥이 당시 유행하던 페스트와 같은 유행병에 대한 두려움에서 그려졌듯, 그뤼버 는 ‘욥’이란 주제를 독일군의 프랑스 점령 시기의 큰 고통을 경험했던 파리 시민들의 억압 상징으로서 탐구하고자 했다. 그뤼버의 작품 속 멜랑콜리한 욥은 고민하고 회의한다. 그는 보편적 윤리, 인권 등의 문제를 핵심으 로 부각한다. 결국 전쟁으로 인한 혼란 이후, 모두가 징벌과 재건의 수단에 대해 궁금해하는 시기에 그뤼버는 인간의 구원과 도덕적 교화에 대해 성찰했다.

Francis Gruber is not classified as a so-called avant-garde artist in the first half of the 20th century. Besides he died at the young age of 36. For that reason, his works are not widely known and have not even been properly evaluated. This study aims to introduce Gruber, who went through World War I and II and showed his own unique art world while struggling with asthma all his life. Through <Job>, which is evaluated as one of his representative works, this article tried to understand how much he tried to connect the tradition of Western art with the political and social situation of the time. Job, the main character in Gruber's work, appears with his arms resting on his head, a traditional posture of melancholy. The iconography of ‘Job’ like this is related to the posture of Job in the work of Durer, a master of the German Renaissance. Frederick III, Elector of Saxony, who ordered this painting from Durer in his work <Job and his wife>, ordered this painting out of fear of an epidemic like the plague. In a similar vein, Gruber's desire to explore the theme of 'Job' as an allegory for Paris during the German occupation of France, that is, as a symbol of oppression of Parisians who did not lose hope and faith and experienced great suffering, is well illustrated. Job in the traditional Bible is a man who has not lost his absolute faith in God. However, the melancholic Job in Gruber's work agonizes and doubts. He is rebellious. Dangerously, he gets to the point of articulating human beliefs. Now, the story of Job highlights issues such as universal ethics, human rights, and the question of divine justice and human justice. Gruber found in Job a figure who evoked the ethical, legal, and theological ambiguity raised by the purges and expulsions in France during and after the German occupation.

이 연구에서는 전쟁 트라우마를 극복하기 위한 일환으로 추모와 제의를 표현한 작품과 치유와 승화를 표현한 작품을 살펴보았다. 추모와 제의는 예술가들이 상징적으로 표현해 내는 작품들을 제작 하거나 모두가 공감할 수 있는 휴머니즘적 가치를 작품 주제로 설정하였다. 치유와 승화는 현실을 비판하면서 앞으로 나아갈 세상에 대한 방향성을 알리거나 전쟁의 상흔을 극복하기 위한 태도를 보여주었다. 이 작품들은 일시적인 기억으로 지나칠 수 있는 숭고한 죽음들을 추모하기 위한 애도의 표현 도구이자 관람자들에게 숭고한 희생에 대한 가치를 되뇌게 하는 장치로 기능하여 전쟁 트라우마 에 대한 위로의 메시지를 전달하였다. 또한 시각예술을 통해 과거와 현재의 사람들이 사회적 공감대를 형성하여 치유와 승화를 도모하는 사회 통합의 기능을 수행하였다. 이 외에도 전쟁 트라우마에 내재된 어두운 면을 객관적으로 바라보아야 하고, 전쟁 트라우마의 상흔을 지닌 희생자들을 애도하는 기회로 삼아야 함을 주장하였다.

In this study, works that express memorial and ritual as a means of overcoming war trauma, and works that express healing and sublimation, were examined. Memorial and ritual were expressed symbolically by artists creating works or setting themes for works with humanistic values that can be sympathized by everyone. Healing and sublimation criticized reality while indicating the direction for the future world or showed the attitude to overcome the scars of war. These works serve as a means of expressing mourning for the noble deaths that can pass away as temporary memories, and also function as a device that reminds the audience of the value of noble sacrifices. They deliver a message of solace in regards to war trauma. Through visual art, past and present people form a social empathy and promote healing and growth. Additionally, it is argued that it is necessary to objectively view the dark aspects inherent in war trauma and to take the opportunity to mourn the victims who bear the scars of war trauma.

이 논문은 제59회 베니스 비엔날레의 전시 주제와 구성에서 드러난 포스트휴머니즘에 대한 고찰이 다. 이러한 시도는 이번 비엔날레에 대한 논쟁이 성별과 국적의 편중성에 집중되었던 점에서 시작되었 다. 이러한 논쟁에 대한 객관적 평가를 위해 이 논문은 총감독 세실리아 알레마니의 기획 의도와 전시 구성, 선별 작품을 분석하였다. 이를 통해 알레마니의 기획 의도가 전시를 통해 효과적으로 뒷받침되었는지를 고찰하였다. 결과적으로 과거 여성 작가 중심의 전시 구성이 21세기적 관점의 포스 트휴머니즘을 드러내는 데 방해 요인이 되었음을 도출하였다. 이러한 고찰 시도가 향후 베니스 비엔날 레가 나아가야 할 방향에 대한 토론을 활성화하는 데 기여하길 기대한다.

This thesis is a study on the post-humanism revealed on the exhibition theme and composition of the 59th Venice Biennale. This attempt began when the debate about this biennale was focused on the bias of gender and nationality. In order to objectively evaluate this controversy, this thesis analyzed the planning intention, exhibition composition, and selected works of general director, Cecilia Alemani. Through this, it was examined whether Alemani's intention was effectively supported through the exhibition. As a result, it was derived that the exhibition composition centered on female artists in the past was an obstacle to revealing the post-humanism of the 21st century. It is hoped that this attempt will contribute to expanding the forum for discussion on the direction of the Venice Biennale in the 21st century.

런던의 잡지회사인 프리즈(Frieze)가 기존의 아트페어와 차별화된 젊고 실험적인 작품을 대거 선보 이는 런던 프리즈 아트페어(Frieze Art Fair)를 2003년 시작하였으며 이후 2012년 뉴욕, 2019년 로스앤 젤레스에 이어 2022년 서울까지 개최도시가 확장되었다. 여타 국제적인 아트페어와 비교했을 때 상대 적으로 역사가 길지 않은 프리즈 아트페어는 단시간에 세계 3대 아트페어로서 미술시장을 넘어 미술계 에서 입지를 강화하고 있다. 또한 아시아권에서 프리즈 서울이 처음으로 개최되면서 미술시장에 대한 국내외의 관심이 더욱 고조되는 상황이다. 특히 미술시장이 작가와 비평가 중심에서 아트 딜러와 컬렉터 중심으로 그리고 2000년대 이후에는 경매회사와 아트페어 중심으로 형성되고 있으며, 아트페어가 국제 미술계에서 입지는 강화하는 추세이다. 이러한 미술시장의 흐름 속에서 프리즈 런던의 성공 전략을 기업의 후원 및 마케팅 차원과 전시의 관점, 도시의 관점에서 분석하고자 한다. 프리즈 런던은 도이치뱅크가 2004년부터 메인 스폰서로 협찬하기 시작하면서 그 규모가 크게 확장 되었으며, 이는 곧 안정적인 재원 조달이 필요함을 시사한다. 이와 함께 프리즈 런던을 전시의 관점에서 보면 동시대 미술의 담론 장인 비엔날레 등에서 보여졌던 경향들을 미술시장 체제 안에서 실행시키면서 또 다른 미술적 권위와 담론의 지표로서 역할을 강화하 고 있음을 알 수 있었다. 특히 런던의 문화예술 인프라를 잘 활용하면서 프리즈 런던 기간 동안 미술관 및 갤러리들이 자국 미술을 알리거나 주력하는 전시를 개최하면서 도시 전역이 문화예술 현장으로 활성화되고 있었다. 본 소논문은 런던 프리즈 아트페어의 성공 전략을 마케팅, 담론, 도시 활성화 차원에서 분석하면서 국내 아트페어를 비롯해서 축제에도 적용하는데 목적이 있다.

London magazine Frieze launched the London Frieze Art Fair in 2003, which presents a large number of young and experimental works that are different from existing art fairs. Since then, the host city has expanded from New York in 2012 to Los Angeles in 2019 to Seoul in 2022, and the Frieze Art Fair, which has a relatively short history compared to other international art fairs, is strengthening its position in the art world beyond the art market in a short time. In addition, with the first Frieze Seoul held in Asia, domestic and international interest in the art market is increasing. In particular, in the art market, art fairs have been formed from artists and critics to art dealers and collector, and since the 2000s, art fairs have been centered on auction companies and art fairs, and art fairs are strengthening their position in the international art world. Frieze London's success strategy was analyzed from the perspective of corporate sponsorship and marketing, exhibition, and city. Frieze London expanded significantly when Deutsche Bank began sponsoring Fair as its main sponsor in 2004, suggesting that it needed stable funding, expanding from the image of the art market for art sales, holding various academic events, and implementing trends in the biennale. In particular, while making good use of London's cultural and artistic infrastructure, art galleries and galleries held exhibitions promoting or focusing on their own art during the Frieze London period, expanding the entire city to cultural and artistic sites. Through this thesis, I hope it can be applied to festivals as well as domestic art fairs.

동시대는 물질적 풍요와 허무를 동시에 겪었던 17세기 네덜란드와 유사하다. 당시 유행했던 바로크 정물은 삶과 죽음에 대한 근본적이고 철학적인 사유를 담고 있는 바니타스 알레고리를 함축하고 있다. 튤립, 해골, 등 다양한 바니타스 정물 도상들은 각각 특정한 상징과 메시지를 지니고 있다. 필립 드 샹파뉴는 간결한 정물 도상으로 바니타스 주제를 강하게 표현한다. 사진은 시각적으로 재현된 회화의 또 다른 표현 수단이다. 어빙펜은 사진이라는 새로운 매체와 기법으로 정물 도상을 재배치, 구성하여 바니타스 알레고리를 확장하였다. 본고는 바니타스 정물이 출현한 시대의 유사한 사회적 배경과 철학을 이해하고 도상학적 분석으로 작품에 나타난 상징을 연구한다. 바니타스는 시.공간을 초월하여 동일하게 재현되고 있다. 동시대에 등장한 NFT 예술은 NFT 광풍이란 신조어를 만들며 다양한 예술작품이 창작되어 지고 있다. 특정한 부분에서 17세기 튤립파동의 사회적 상황으로 야기된 바니타스 알레고리를 연상하게 하는 특성이 표현되고 있다. 본고는 삶의 의미를 성찰하고 바니타스와 관련된 예술작품의 다양하고 창의적인 연구의 필요성을 말하고자 한다.

Contemporaries are similar to the 17th century Netherlands, which experienced both material abundance and vanity. The Baroque still life, which was popular at the time, implies the theme of Vanitas, which contains fundamental and philosophical thoughts about life and death. Tulips, skeletons, and many other Vanitas still lifes have specific symbols and messages. Philippe de Champagne strongly expresses the theme of Vanitas with a simple still life. Photography is another means of expression of visually reproduced paintings. Irving Penn expanded the Vanitas allegory by rearranging and organizing still life icons with a new medium and technique called photography.Vanitas is an NFT art that expands the meaning of conflict chaos and is expressed in a new form. This study understands the similar social background and philosophy of the era when Vanitas still life appeared and studies the symbols shown in the works through iconographic analysis. Vanitas transcends time and space and is reproduced in the same way. The purpose of this study is to reflect on the meaning of life and to suggest the necessity of diverse and creative research on vanitas-related works of art.

MVRDV는 공간의 용도와 필요성, 법적 규제 등 공간형성을 위한 요구사항과 문제점을 정량화 한 데이터스케이프(Datascape)에 의한 생성적 가치와 개념으로 건축을 진행해왔다. 특히 계획과정에서 그들의 개념과 함께 색채의 연계적 특징이 매우 명확하게 나타난다. 따라서 그들의 공동주택을 대상으 로 건축개념에 부합되는 색채사용방식을 연구한 결과 다음과 같은 색채사용특징을 추출하게 되었다. 첫째, 데이터스케이프(Datascape)와 연관된 체계로 공간의 구분과 기능, 용도에 따른 각기 다른 재료의 병치적 색채사용방식이 나타나고 있었다. 둘째, 자연의 형태를 개념으로 하는 스태킹(Stacking)과 연계 된 체계로 기본형태 마감재와 건축요소의 동일한 색채 부여로 조형적 특징의 부각과 자연스러움을 근간으로 하는 불규칙한 색채사용방식이 나타나고 있었다. 셋째, 혼합사용(Mixed Use)의 개념과 연관 된 체계로 예상하지 못한 급진적 변화와 대비를 만들어내는 색채사용방식이 나타나고 있었다. 넷째, 더 많은 경험(Experience More)과 연관된 체계로 강조색에 의한 참여의 유도, 응집력의 형성과 공간의 구획, 다양성을 나타내기 위한 다채색의 사용 등의 색채사용방식이 나타나고 있었다. 다섯째, 지속가능 성(Sustainability)을 기반으로 하는 재료기반의 색채로 유지의 용이성과 단순한 디테일을 부여하기 위한 분리 없는 일치적 재료 기반색채사용방식이 나타나고 있었다. 이와 같은 색채사용방식은 색채가 건축의 개념과 밀접한 연계성을 지닌 체계임을 의미하는 것으로 건축가의 개념을 강화하고, 건축 개념의 확고한 체계를 형성하는 기반이 된다.

MVRDV has been conducting architecture with generative values and concepts by Datascape, which quantifies the requirements and problems for space formation, such as the use and necessity of space and legal regulations. Especially in the planning process, the linking characteristics of colors with their concepts appear very clearly. Therefore, as a result of studying the method of using colors in accordance with the architectural concept for their apartment houses, the following characteristics of using colors were extracted. First, as a system related to Datascape, the method of juxtaposing color use of different materials according to space division, function, and use was shown. Second, as a system connected with Stacking, which is a concept of natural form, irregular color usage based on naturalness and emphasis of formative characteristics was shown by giving the same color to the basic shape finishing materials and architectural elements. Third, as a system related to the concept of Mixed Use, a method of using colors that creates unexpected radical changes and contrasts was appearing. Fourth, as a system related to Experience More, the method of using colors such as inducing participation by emphasizing colors, forming cohesion and dividing space, and using multicolored colors to express diversity appeared. Fifth, a method of using consistent material-based colors without separation to give ease of maintenance and simple details with material-based colors based on Sustainability has emerged. This way of using color means that color is a system that is closely related to the concept of architecture, reinforcing the concept of the architect and forming a solid system of the concept of architecture.

이 연구는 스트리트 예술가로 불리는 뱅크시(Banksy)의 작품에 나타나는 행동주의 미술(Actvism Art)의 저항성 분석이다. 먼저 뱅크시가 행동주의 미술가임을 입증하기 위해, 동시대 세계 미술을 주도하는 영국의 미술 그룹 활동과 문화예술정책을 고찰하였다. 새롭게 확립된 영국예술의 제도권 내에는 행동주의적 성향은 나타나지 않았다. 두 번째로 뱅크시와 행동주의 미술의 연계성을 파악하기 위해 행동주의적 미술의 개념과 담론 속에서 알랭 바디우(Alain Badiou)의 투쟁(저항)예술이 나갈 방향과 뱅크시의 예술을 점검한 결과, ‘현장예술, 공공예술, 실험예술’의 주제 내에서 뱅크시의 행동주 의 미술과 개연성을 찾을 수 있었다. 이를 통해 뱅크시의 작품에 나타나는 행동주의 미술적 저항성의 질문을 갖고 ‘장소, 언어, 실험’으로 새롭게 해석했다. 뱅크시의 행동주의적 예술의 저항성은 ‘고발과 공론의 장소화, 목적과 의미의 언어화, 현실과 사건 의 실험화’로 귀결되었고 그가 행동주의 예술가임을 입증했다. 그동안 뱅크시가 그라피티 형식 때문에 스트리트 미술가로 고착된 인식을 허물고 동시대 행동주의 미술가로서 ‘예술과 사회의 현실적 관계 역할을 모색해 나가는 행동적 예술가임’을 재인식하는 계기를 요구한다.

This study is an analysis of the resistance of Activism Art in the artwork of Banksy who known as a street artist. First of all, to prove that Banksy is an activist artist, the activities of the British art group that leads contemporary world art and culture and arts discipline were considered. Activist tendencies did not appear within the newly established british law system. Second as a result of examining the direction of Alain Badiou struggle(Resistance) art and Banksy’s art in the concept and discourse of behavioral art to understand the connection between Banksy and behavioral art, we found a connection with Banksy’s activism art within the theme of Field Art, Public Art, and Experimental Art. Through this, it was newly interpreted as ‘place, language, and experiment’ with the question of the activism art resistance that appears in Banksy’s work. The resistance to activist art of Banksy resulted in the localization of accusations and public speaking, the linguization of purpose and meanging, and the eventification of reality and creation. Those can proved to be an activist artist. It has been calls for Banksy to break down the perception that it has become a street artist due to its graffiti form and re-recognize ‘the behavioral artist who seeks the role of constitutional relations between art and society’ as contemporary activist artist.