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예술교육은 창의적 활동과 현장실습을 통한 적용이 중요하다. 최근 교육현장에서도 예비교사의 현장역량을 함양하고 실무형 교육 강화를 발표하였다. 이러한 배경에는 변화하는 시대에 대비하고, 미래사회에 필요한 실습교육을 하려는 노력으로 보여진다. 학교현장에서 예술교육은 예술교과적 지식 을 학습하고, 이에 기초한 다양한 실습을 통해 이루어진다. 예술교육은 예술의 향유가 삶 속에서 지속적으로 이루어질 수 있는 방법으로 실제 현장에서 체득한 경험과의 조화로운 학습을 지향한다. 본 연구의 목적은 학교현장에서 예술교육의 실습에 대한 의미를 찾아보고, 예술교육이 지역사회와 연계하며 그 활성화 방안을 찾는 것이다. 이를 위하여 유럽에서도 현장실습을 강조하고 있는 영국을 중심으로 실습 방법과 예술교육 그리고 사회예술교육을 연계한 지역사회 파트너십을 살펴보고자 한다. 지역과 연계한 영국 학교현장의 예술교육은 문화예술기관과 사회가 함께 연결하여 학생들이 예술교육에 참여하고 실습할 수 있는 다양한 프로그램의 특징이 있었다. 이를 기반으로 학교현장 실습과 지역사회 연계 그리고 예술교육 파트너십에 대한 시사점을 도출하고자 한다.

Creative activities and the application of these activities in through field practice are important in art education. Recently, South Korea announced its a plan to strengthen practical-based education in at schools and to cultivate the practical capabilities of prospective teachers. The purpose of the plan is to prepare the students for the a rapidly changing environment and to provide education that can accommodate the future society. Art education inat schools is implemented by teaching the students about the knowledge of art subjects and engaging them in various practices based on what they have learnedt. Art education aims to link real-life experiences and school learning to enable students to experience the joy of art in all aspects of their livesArt education aims at learning in harmony with experiences that the students obtain in real life so that they can continuously enjoy the art in their livesfe. Art education in the U.K. is known for its emphasis on practical-based training. Due to links between art education and art and cultural institutions and societies in the U.K., students can participate in diverse art education and practice programs. This study focused on art education of students in the U.K. and examined practical training in schools and art education-related partnerships with local communities. The purpose of this study was to find the meaning of educational practice in school settings and search for effective ways to revitalize art education in collaboration with local communities. Drawing on data from diverse school and social art education programs in the U.K., this study derived the characteristics and implications of the stable implementation of art education in schools and communities.

장 누벨은 프랑스를 대표하는 건축가로 실용적 공간과 함께 건축의 의미와 정보, 지식, 시간 등 추상적인 요소들의 표현을 적극적으로 실행하는 건축가로 알려져 있다. 그는 가상성과 공간적 특성, 시간성을 주요 개념으로 건축을 이행하면서 건축의 개념을 전달하고 구현하는 도구로 색채를 적극적 으로 사용한다. 따라서 그의 건축을 대상으로 색채 사용특징을 살펴본 결과 다음과 같이 나타났다. 가상성의 개념 전달을 위해 다채색 또는 무채색의 불규칙한 반복, 재료의 가공을 통한 현상적 색채변화 의 유도, 색채에 의한 불확실한 경계 형성과 겹침(layer)을 사용하고 있었다. 공간적 특성을 기반으로 하는 색채 사용특징은 지역의 기조 색과 문화적 상징색채의 선택, 주변 환경 기반 배경색의 선택, 건물의 용도와 연관된 직유적 색채 사용이 나타났다. 시간성 기반의 색채 사용은 사실적 그래픽 도입, 주변 환경과 일치되는 색채의 선택, 시간에 따른 색채변화에 의한 지각체험의 극대화, 시점별로 다르게 나타나는 대비적 색채의 사용 등으로 나타났다. 이처럼 장 누벨 건축의 색채는 건축의 특징을 강하게 드러내는 차별적 요소로 건축의 개념을 이행하는 강력한 표현 도구임을 알 수 있었다.

Jean Nouvel is one of France's leading architects and is known as an architect who actively expresses abstract elements such as the meaning of architecture, information, knowledge, and time along with practical spaces. He actively uses color as a tool to convey and realize the concept of architecture while implementing architecture with virtuality, placeness, and temporality as the main concepts. Therefore, as a result of examining the characteristics of color use in his architecture, the following was found. The concept of virtuality was conveyed through the irregular repetition of polychromatic or achromatic colors, induction of phenomenological color change through material processing, and the formation and layering of uncertain boundaries by color. The characteristics of color use according to the sense of place were the selection of core colors and cultural symbolic colors of the region, selection of background colors according to the surrounding environment, and use of similar colors related to the purpose of the building. The use of color based on temporality was shown by the introduction of realistic graphics, the selection of colors that match the surrounding environment, the maximization of perceptual experience through color changes over time, and the use of contrasting colors that appear differently at each point on the screen. As such, it can be seen that the color of Jean Nouvel's architecture is a direct and powerful expression tool that embodies the concept of architecture as a distinctive element that strongly reveals the characteristics of architecture.

본 연구의 목적은 국내외 NFT 아트 전시의 주요 동향을 살펴보고, 이를 통해 NFT 아트 전시의 시장성과 대중성에 대한 분석과 향후 방향성을 고찰하는 것이다. 이를 위해 2021년부터 시행된 NFT 아트 전시에 대한 자료를 온라인으로 수집하였으며, 오프라인 개최 전시에 한해 국내 전시와 유럽 전시 동향을 분석하였다. 분석 결과, NFT 아트 전시는 2021년 NFT를 거래 수단으로 한 디지털 아트의 판매 부흥과 함께 확산되었다가 이후 줄어드는 추세를 보이고 있다. 그러나 NFT가 예술가와 수집가의 소유 및 저작권을 보호하고 새로운 작품 거래 방식으로 자리매김하고 있다는 점과, 앞으로 메타버스와 AI 등 디지털 기술의 발달을 접목한 예술 향유가 확산된다는 점에서 향후 NFT 아트 전시에 대한 지속적인 조망과 탐색을 요한다.

This study aims to examine the main trends of NFT art exhibitions, analyze their marketability and popularity, and consider future directions. To this end, materials related to the NFT art exhibition, which has been in effect since 2021, were collected online. Domestic and European exhibition trends were analyzed only for offline exhibitions. As a result of the analysis, the number of NFT art exhibitions spreads with the sale of digital art using NFT as a means of transaction in 2021, and then shows a decreasing trend. However, NFT protects the ownership and copyright of artists and collectors and is establishing itself as a new way of trading works. In addition, art appreciation that incorporates technological developments such as metaverse and AI is spreading. On this basis, continuous observation and exploration of future NFT art exhibitions are required.

모더니티 경향은 사회학적 관점에서 해석할 때에는 탈 시대성을 함의 하여, 모더니티 추구 경향은 전 시대의 회화에서 읽어낼 수 있는 하나의 회화의 특성으로 관찰할 수 있다. 이러한 모더니티 추구경 향이 프랑스 벨 에포크 시대에는, 특성의 범위를 벗어나, 주제적 형식과 같이 중점적으로 나타난다. 이 시기의 프랑스는 많은 걸출한 예술가들이 출현하여, 살롱 문화, 도시재건 프로젝트를 통한 대도시의 탄생, 산업화 등과 같은 시장 중심주의의 부르주아 문화가 중심을 이루는 시기라 볼 수 있다. 계몽주의 와 파리 코뮌의 영향으로 인해 이성중심주의와 시장 민주주의가 형성된 시기로, 이러한 사회적 환경은 곧 벨 에포크 시대의 모더니티의 특징이 된다. 앙리 드 툴루즈 로트렉의 회화는 벨 에포크 시대의 유행과 대도시의 부르주아 집단이라는 내부적 결속을 보다 치밀하게 묘사한 작품으로, 모더니티 경향 을 객관가치와 개인의 주관가치의 동시적 재현이라는 면에서 해석할 수 있는 연구 대상이다. 이를 위해 본 연구에서는 툴루즈 로트렉의 회화뿐만 아니라, 동시기의 다른 회화들 또한 모더니티의 관점에 서 총체적 분석을 시도하고, 동 시기의 회화와 비교하여 툴루즈 로트렉의 회화가 가지고 벨 에포크 시대의 문화적 계층화와 작가의 정체성 확립에 대한 해석을 회화의 사회적 취향 전개에 따라 유기적으 로 제시하고자 한다.

Sociologically, the trend towards modernity can be seen as a characteristic of a painting that can be read in the painting of the previous period. This trend towards modernity appears in the French Belle Epoque era, beyond the framework of characteristics, as a thematic form. France during this period is considered to be the centre of a market-oriented bourgeois culture such as the trade show culture, the birth of large cities through urban reconstruction projects, industrialization, etc. A time when idealism and market democracy were formed under the influence of enlightenment and the Paris Commune, this social environment was quickly characteristic of the modern Bel Epoque era. The painting by Henri de Toulouse Lautrec is a work that describes more precisely the trend of the Bel Epoque era and the internal cohesion of the bourgeois group of major cities, which can be interpreted in terms of simultaneous representation of objective and individual subjective value. To this end, this study attempts to analyse not only Toulouse-Lautrec's painting, but also other simultaneous paintings from the perspective of modernity, but also to present organically the interpretation of the cultural stratification and establishment of the author's identity during the Belle Epoque era.

본 논문은 형상적 환원을 통한 탈재현적 회화세계를 구현한 프란시스 베이컨 회화의 특성과 의미를 ‘형상(Figure)’과 ‘해체 전략’ 방법론으로 고찰해봄으로써 새로운 현대회화의 가능성의 지점을 살펴보 는 것을 목적으로 한다. 프란시스 베이컨의 예술세계는 애초 양차 세계대전 사이의 표현주의 회화의 맥락에서 해석되어온 바 기존 모더니즘적 카테고리에서 연구되어왔다. 20세기 초 시작된 표현주의 미술에 대한 연구는 양차 세계대전의 소용돌이 속에서 빚어진 인간의 실존적 존재에 대한 물음을 바탕으로 한 해석의 구상회화의 틀에서 다루어졌다. 그럼에도 불구하고 1970년대 이래 베이컨의 비정형 회화는 현대 철학 자 질 들뢰즈의 ‘형상’이라는 새로운 해석의 예술개념의 등장과 함께, 후기구조주의 철학을 관통하는 ‘해체주의’적 예술비평에서 다양한 논의가 이루어져 왔다. ‘감각주의’적 ‘형상’ 회화에 대한 베이컨에 대한 들뢰즈의 해석은 회화의 가장 기본개념인 재현(Representation)의 탈재현개념으로 인식되었으며, 모더니즘의 자율성 확보의 가능성으로 평가되어짐으로써 현대회화의 새로운 지평을 열어보였다. 이러 한 맥락에서 본 연구는 베이컨 회화의 새로운 회화 가능성과 의미를 ‘형상’과 ‘해체전략’ 특성에서 짚어보고자 한다.

This paper aims to examine the possibility of new modern painting by examining the ‘Ex-representaion’ characteristics of Francis Bacon’s painting, which embodies new pictorial possibilities through shape reduction, in the 'Figure' and 'Dismantling Strategy' methodologies. Francis Bacon's art world has been studied in the existing modernist category, which has initially been interpreted in the context of expressionist painting between World War II. The study of expressionist art, which began in the early 20th century, was dealt with in the framework of a conceptual painting of interpretation based on the question of human existence in the vortex of World War II. Nevertheless, since the 1970s, Bacon's atypical painting has been discussed in various art criticisms that go through post-structural philosophy, with the emergence of a new interpretation of the art concept of "Figure" by modern philosopher Jill Deleuze. Deleuze's interpretation of Bacon's 'sensory' 'figure' painting was recognized as a de-reproduction concept of representation, the most basic concept of painting, and opened a new horizon for modern painting by being evaluated as a possibility of securing autonomy of modernism. In this context, this study aims to point out the possibility and meaning of new conversations in Bacon’s painting in the characteristics of 'Figure' and 'Dismantling strategy'.