Earticle

본 연구의 목적은 현대인의 문화예술교육과 예술 향유에 대한 욕구의 증가로 복합문화공간에 관한 관심이 높아짐에 따라 복합문화공간의 예술교육프로그램에 대한 활용과 양상을 검토해보고 그 방향성 을 논하는 것이다. 이를 위하여 유럽의 대표적 복합문화공간인 베를린 문화예술센터와 국내의 국립아 시아문화전당, 예술의전당을 중심으로 그 역할과 가치를 탐색하였다. 그 결과는 첫째, 베를린의 복합문 화예술 센터에서 제공하는 예술교육은 시와 지역민의 참여도가 높고 유대관계 또한 매우 컸으며, 상주단체인 베를린 필하모닉 오케스트라에서도 전문성을 기반으로 예술교육에 적극적으로 동참하고 있었다. 둘째 아시아문화전당의 운영에서는 동시대 예술을 추구하는 설립목적의 정체성과 어린이 프로그램의 다양성이 돋보였으며, 전문인력 아카데미의 프로그램을 통해 기술적인 인력을 자체적으로 양성하고 있었다. 셋째, 예술의전당에서는 장르별 실습 교육이 꾸준하게 이루어지고 있었는데 미술에 가장 높은 참여를 보였으며 전문인력 아카데미 프로그램은 공연기획과 전시기획 그리고 예술경영 등으로 구분되어 있었다. 이러한 분석을 통한 시사점은 복합문화공간의 지역적 인프라와 인적자원의 활용이 공공성 있는 예술교육의 운영에 중요한 요소이며, 예술의 구현을 위해서는 보다 장기적 관점에 서 설계하고 예술교육의 지식정보와 교류에도 가치를 두어야 한다는 점이다.

The purpose of this study is to investigate how the art education programs of multi-purpose art spaces are being used and discuss their future direction, considering the current situation where people pay greater attention to multi-purpose art spaces, following their increasing demands for culture/art education and art appreciation. For this purpose, this paper examined the role and value of multi-purpose art spaces by focusing on Berlin Culture and Art Center, which is one of the representative multi-purpose art spaces in Europe, and Asia Culture Center and Seoul Arts Center in South Korea. The analysis results can be summarized as follows. First, the art education provided by the Berlin Culture and Art Center showed high participation from the city and local residents and deep bonding among the participants. Berlin Philharmonic Orchestra, which is a permanent organization of the center, was also actively participating in the art education based on the professionalism. Second, in the operation of the Asia Culture Center of South Korea, identity of the goal of foundation, which is a pursuit of contemporary art, and diversity of programs for children stood out. The organization was autonomously cultivating technical professionals through programs by the professional manpower academy. Third, in the Seoul Arts Center, practice education by each genre was being constantly implemented and the learners showed highest participation in painting, followed by music. The academy programs for expert workforce were divided into performance planning, exhibition planning, and art management. The results imply that the use of regional infrastructure and human resources of multi-purpose art spaces is an important element of implementing art education. For the realization of arts, art education should be designed from a long-term perspective and values should be put on the knowledge and information as well as exchange of art education.

본 연구는 뒤셀도르프 학파에 속하는 독일의 사진작가인 토마스 스투르스의 ‘타블로 형식’에 대한 사진 비평이다. 스투르스는 사진을 통해 공공 공간과 건축의 의미, 가족의 초상, 자연과 문화적 관계에 대해 다양한 시각적, 지각적, 감각적 실험을 한다. 본 논문에서는 스투르스의 <미술관 사진>과 <낙원에 서 온 사진>시리즈를 시지각적 측면에서 고찰하는데, 여기에는 문명과 원시성, 시공간성의 확대와 축소, 내러티브의 생성과 소멸이라는 상반되는 관점이 존재한다. 스투르스의 작업은 대형 포맷으로 유명한데, 인간의 눈으로 식별 불가능한 영역까지 고해상도의 선명한 기술을 활용하여 극사실적인 이미지를 만든다. 따라서 관람자는 오랜 시간 면밀히 작품을 관찰해야 하고, 그 과정에서 관람자는 몰입의 감정과 감각적 지각을 경험하게 된다. 스투르스의 사진은 유형학적 객관성과 모더니즘 회화의 특징을 동시에 보여주며, 회화적 가상성과 사진적 사실성을 중첩 시킨다. 사진과 회화적 경계를 넘나드는 그의 생동감 있는 사진을 ‘타블로 형식’이라 한다. 여기에는 실재성에서 파생되는 지표의 개념이과, 픽토리얼리즘이 지닌 사진과 회화의 우열 관계는 해체된다. 따라서 본 논문에서는 회화와 사진의 역할과 개념을 재맥락화하며, 새로운 사진적 실험을 하는 스투르 스의 사진을 중첩된 시각과 감각적 지각의 측면에서 살펴본다.

This study is a critique of the ‘tableau form’ photography by German photographer Thomas Struth. In his photography, Struth conducts various visual, perceptual, and sensory experiments on the meaning of public space and architecture, family portraits, natural and cultural relationships, and new technologies. In this paper, I consider the series of Museum Photography and New Pictures from Paradise in terms of their superimposed vision and sensory elements, which include civilization and primacy, expansion and reduction of spatio-temporality, and the creation and removal of narratives. These experiments connect the gap between the present and the past, the ego and the world, and leads to new photographic experiences. Although Struth's photographs take a typological approach, they simultaneously show the characteristics of modernist painting, and sought to overlay pictorial virtuality and photographic realism. In doing this, there are characteristics of individual and historical time, private and public space, figurative and abstract, control and immersion. Struth's work is famous for its large dramatic format, exploiting high-resolution sharpening techniques to areas that are not typically identifiable to viewers. Therefore, the viewer must take time to closely observe the photograph, and in the process, experiences emotions from immersion and sense-perception. During this time viewers also reflect on the society, culture, and art we live in and among. Thus, Struth’s art re-contextualizes the role and concept of painting and photography, and seeks to form a new discourse with ‘tableau form’ photography.

비잔틴 미술에서 6세기 필사본들은 아름답고 묘사가 뛰어나다. 로사노 복음서는 비잔틴 제국이 이탈리아를 재정복한 이후 쓰인 6세기 필사본이다. 본 연구는 비잔틴 미술에서 그리스도 도상의 원형 을 살펴본 후, 로사노 복음서에서 어떻게 그리스도 도상이 변화되었는가를 고찰하였다. 필사본은 시대와 지역에 따라 차이를 드러낸다. 수도원과 필사가, 화가에 따라 새로운 조형언어를 형성한다. 따라서 로사노 복음서와 동시대 제작된 시노페 복음서, 라불라 복음서, 빈 창세기와 비교하면서 로사노 복음서의 특징을 살폈다. 본 연구에서 그리스도의 이미지가 어떠한 기능을 가지며, 그리고 그 기능에 따른 그리스도 도상의 변화를 찾을 수 있을 것이다.

In Byzantine art the 6th century manuscripts are beautiful and descriptive. The Rossano Gospels is a 6th-century illuminated manuscript Gospel Book written following the reconquest of the Italian peninsula by the Byzantine Empire. This paper looks at the archetype of icon of Christ in Byzantine art and examines how the iconography of Christ in the Codex Purpreus Rossanensis. It is now proven that the manuscript shifts across different regions and ages, whose stylistic variations are informed by an interplay between monastery, scribe and painter. Therfore, the characteristics of the Codex Purpreus Rossanensis were examined by comparing them with the Codex Sinopensis, Codex Rabulensis, and Vienna Genesis, produced at the same time as the Codex Purpreus Rossanensis. In the study, what kind of function the image of Christ has, and the change of the iconography of Christ according to that function will be found.

본고는 미쉘 푸코(Michel Foucault)의 헤테로토피아(Heterotopia) 관점을 바탕으로 하여 사진작가 만 레이(Man Ray), 랄프 깁슨(Ralhp Gibson)의 작품, 그리고 영화 기생충을 읽어내는 데에 목적이 있다. 사진은 공간적 형상으로 우리 눈앞에 재현되며, 영화는 그보다 더욱 완벽한 생동감을 펼쳐낸다. 비슷한 듯, 다르게 작동하는 두 매체에 나타난 푸코의 헤테로토피아 이론 속 특징들을 재정립하여, 다각도의 시선으로 해당 작품을 분석해보고자 한다. 만 레이는 관습적 전통 매체의 사용을 뛰어넘어, 추상이 아닌 실제 사물과의 접촉으로 생겨난 기록을 표현해낸다. 그는 헤테로토피아의 특징과 연결되는 데페이즈망 기법을 사용, 모순적 상황을 표출해낸다. 랄프 깁슨의 경우 사진적 재현을 넘어, 일상 속 장소를 재탄생 시켜 무의식의 세계로 관객을 인도한다. 영화 <기생충> 속 공간들은 현실과 이질적인 공간으로 묘사되며, 따라서 다층적 양상으로 이해되고 는 한다. 서사 전개상 극적 사건이 발생하는 거실 공간은 캐릭터의 주체적 의지가 정립되는 욕망의 공간으로 설명할 수 있다. 또한, 끝없이 펼쳐지는 계단 공간은 환상을 넘어서는 환상성을 구현해낸다. 헤테로토피아적 특징을 드러내는 영화 속 계단 모습은 실제 촬영장소와는 전혀 다른 공간이다. 감독의 의도가 반영된, 철저히 구성, 편집된 공간인 것이다.

This paper aims to explore photographic works of Man Ray and Ralph Gibson together with South Korean film Parasite from the perspective of heterotopia, a concept introduced by Michel Foucault. Photography that creates a spatial form is reproduced right in front of our eyes while film conveys a higher level of—even near-perfect—vividness compared to photography. This paper reestablishes Foucault’s heterotopian characteristics in those two media—both of which work in a similar but different manner—and ultimately investigates the above-mentioned works from various angles. Man Ray goes beyond the use of conventional traditional media, expressing the record of contact with real objects, not abstractions. He expresses contradictory situations by using a ‘Depaysement’ technique that links to the characteristics of heterotopia. In the case of Ralph Gibson, beyond photographic reproduction, the place in his daily life is welcomed and recreated as a fantastic space, leading the audience to the world of unconsciousness. Places in the film Parasite are depicted in a way that they are distinguished from the real world. For such reason, the film is interpreted in diverse ways. Given its narrative development, the living room in the film where a dramatic event occurs can be explained as a subversive place that contains contradictory characteristics. Furthermore, the staircase that is differently organized and edited from the actual shooting place, also exhibits heterotopian characteristics. The staircase that seems there is no end visually constructs fantasy, going beyond just a fantastical element.

산업화 이후 과학기술의 발달이 가져온 다원화된 사회 현상은 문화예술계에도 많은 변화를 가져왔 다. 문화예술 향유 욕구의 확산과 더불어 발전해 온 복합문화공간은 공연, 전시, 교육, 회의 등이 한 곳에서 진행되어 사람들의 다양한 욕구를 충족시키는 역할을 수행하고 있다. 우리보다 선진 문화예 술을 자랑하는 유럽의 대형 복합문화공간의 전시 현황을 살펴보고 이에 대한 시사점을 통해 나날이 늘어나고 있는 복합문화공간 전시에 대한 방향을 살펴보는 것은 장르의 통합을 특징으로 하는 현대문 화의 발전방향을 위해서도 의미 있는 일이 될 것이다. 이 연구는 유럽의 복합문화공간 중 파리의 퐁피두센터와 런던의 바비칸센터의 전시 사례를 중심으 로 하여 전시 관람을 통한 복합문화공간 활성화 방안을 모색하기 위해 진행되었다. 유럽 최대 규모의 소장품을 자랑하는 퐁피두센터의 대규모 기획 초대 전시와 바비칸센터의 적극적인 작가 지원 등은 예술의 전당이나 국립아시아문화전당과 같은 국제적 규모의 국내 복합문화공간의 전시 운영에도 많은 시사점을 주고 있다.

With the development of science and technology after industrialization, the diversified social phenomenon has brought many changes to the cultural and artistic world. In addition to the spread of the desire to enjoy culture and arts, attempts were made to enjoy various contents in one place. The cultural complex is played in one place, with performances, exhibitions, education, and conferences serving various needs of people. Although research on the contents of cultural complex should be conducted more diverse than a single professional institution that only shows one content, not much research has been done so far. It would be meaningful for the development of modern culture, which characterizes the integration of genres, to look at the current status of large cultural spaces in Europe, which boast advanced cultural arts. With the aim of promoting revisit of cultural complex, this paper focuses on exhibitions of the Pompidou Center in Paris and the Barbican Center in London among European cultural complexes, The large scale exhibition of the Pompidou Center, which boasts Europe's largest collection, and the active support for artists of the Barbican Center, which transcends countries and genres, have many implications for revitalizing the international cultural complex. However, it is difficult to apply their exhibition cases to most cultural complexes in Korea, which are operated on a small budget. As a result, if the benefits of cultural complex are utilized to the fullest by operating exhibition-linked programs using various facilities, exhibition will be the best content for revitalizing cultural complex.

선진 공동주택 입면 마감 방식이 페인트에서 재료로 전환되면서 색채사용방식에 많은 변화가 나타 나고 있다. 따라서 이번 연구에서 바르셀로나 근교의 신도시인 루스피탈레트 데 류브레가트 (L'Hospitalet de Llobregat)지역 15개 공동주택을 대상으로 색채사용방식을 분석하였다. 그 결과 재료 색채에 부합되는 페인트 색채선택과 재료 마감 방식에 부합되는 색채사용방식으로 입면의 다층적 변화를 드러내는 연출 방식의 색채사용방식이 가장 많은 것으로 나타났다. 둘째, 단지의 특징을 나타내 는 상징색이나 강조색 없고 무채색계열의 재료와 색채가 대부분 사용되고 있었다. 셋째, 건축요소를 강조하거나 건축요소들을 그루핑하여 단순한 디테일로 구성하는 방식이 나타나고 있었다. 넷째, 재료 가 색채보다 외부에 많이 분포되면서 재료의 마감 방식과 긴밀하게 연계된 건축요소를 고려한 색채사 용방식이 나타나고 있었다. 다섯째, 거주자의 인지를 고려한 그래픽이나 사인의 도입은 거의 없었다. 이처럼 재료를 기반으로 하는 색채의 연계적 입면 구성방식은 이 지역의 가장 특징적인 색채사용방식 으로, 선진적 공동주택 입면의 전환적 관점을 잘 드러낸다.

With the transition from paint to materials in advanced apartment houses elevation finishing methods, many changes are occurring in the way colors are used. Therefore, in this study, color usage methods were analyzed for 15 apartment houses in L'Hospitalet de Llobregat, a new town near Barcelona in Spain. As a result, it was found that the multi-layered presentation method of the elevation is the most common method of choosing paint color that matches the color of the material and the method of using color that matches the detail of finishing the material. Second, most of the materials and colors of the achromatic series without a symbol or accent color representing the characteristics of the complex were used. Third, a method of emphasizing architectural elements or grouping architectural elements to form simple details was emerging. Fourth, as the material was distributed more outside than the color, the method of using color that was closely linked with the finishing method of the material and the method of using color mainly related to the architectural elements appeared. Fifth, there was almost no introduction of graphics or signs considering the perception of residents. As such, the material-based linkage composition method is the most characteristic method of using materials and colors in this area, and it is considered as a new system of advanced apartment houses elevation composition.

이 연구는 팬덤 연구와 팬 아트를 유럽문화의 맥락에서 검토하고자, 중세의 길드 제도 문화를 팬 아트의 문화 창조의 원전으로 보는 매니폴드의 이론과 영국의 골드스미스 대학교에서 출간한 ‘방법론으로의 팬덤’을 비교·분석하였다. 현대 팬덤 이론의 대부로 인정받는 헨리 젠킨스의 팬 아트론 을 비교의 준거로 설정하였다. 매니폴드는 청소년의 팬 아트 창작 요인은 정체성 추구에서 발현되며 팬덤을 통해 자신의 이해보다는 공동체를 위해 새로운 문화 창조를 이룬다고 주장한다. 이 과정을 중세의 길드 제도 맥락으로 설명하고 있다. 골드스미스 학파는 언더그라운드 이슈를 학문적으로 접근 하고 분석하기 위해 팬덤을 방법론으로 활용하는 실천중심의 연구를 선보였다. 방법론으로서의 팬덤 은 팬 아트를 팬-스칼라의 입장에서 DIY, 실천중심 리서치, 그리고 온라인·오프라인 팬덤의 혼합을 몇 개의 사례를 들어 설명하고 있다. 팬덤 구성에서 개인적, 정서적 요인과 팬 아트를 하위개념으로 인식하고 있는 젠킨스와 달리, 두 학파는 각각 예술실천과 팬 아트의 새로운 가능성을 적극적으로 탐색하고, 팬 아트가 독립적인 예술 영역으로 설 수 있도록 중대한 공헌을 끼쳤다. 매니폴드의 전통적 인 학문적 접근과 골드스미스의 실천중심 연구 접근은 팬덤 활동에서 확연한 차이점을 보이나, 양 학파는 팬덤 연구의 지향점을 글로벌 팬덤의 구축으로 추천했으며, 한국 팬덤 학계의 참여도 요구된다.

This study aims to compare Manifold’s theorization of fanart as crafting with the recent fanart study by ‘methodology as fandom’ in England. Within the context of European culture, we undertake a comparative analysis by illuminating the specific commonalities and differences between Manifold’s conceptualization of the Medieval guild’s crafting as a canon of comtemporary fanart’s creation of culture and ‘fandom as methodology’ espoused by the England Goldsmiths school. Toward this goal, Henry Jenkins’ version of fanart has been utilized as a reference point of comparison. Manifold argues that the youth motivations toward fanart production are mainly drawn from a search for self-identity. And the young fan artists further desire to contribute to cultural creation externally toward the prosperity of fandom community. He examined these processes from the historical evidences of crafting in the guild. On the while, Goldsmiths points to a practice-based research in order to unravel such underground issues as gender, class, and racism by delving into fandom study as a method for undertaking scholarly examinations over these. ‘Fandom as Methodology’ explains fanart or art practice from the cases of DIY, Practice-Based research, and combination of online and offline fandom. The major implications of this comparison indicate that, in contrast to Jenkins’s perspective downgrading personal emotions and affective elements, both explore new possibilities of fanart by highlighting the significance of affective elements in the construction of fandom. In so doing, both contribute to the opening of independent area of academic study for fanart. Nonetheless, we discover apparent differences with respects to fandom activities between Manifold’s traditional academic approach and Goldsmiths’s practice-centered research. The outcome of this study may recommend the pursuit for global fandom as for the future direction of fandom study, then Korea’s fandom school’s participation being urgently demanded.

이 연구에서는 코로나 시대에 국내 문화예술축제와 유럽 문화예술축제의 진행 상황을 살펴보았다. 그리고 코로나 팬데믹 상황에서 진행된 유럽의 린츠, 리옹, 카를스루에의 문화예술축제와 광주의 미디어아트페스티벌 사례를 분석하여 포스트 코로나 시대, 팬데믹 시대를 위한 문화예술축제의 운영 과 대응 방향을 제시하였다. 유럽의 경우 언택트 시대에 관람객들의 수요와 요구를 즉각 반영하여 다양한 온라인 시스템을 개발하고 4차 산업혁명 기술을 활용하여 수준 높은 서비스를 온라인으로 제공하였다. 광주의 경우에도 코로나19의 확산 방지와 안전한 축제 진행을 위해 작품을 여러 곳에 분산 배치하는 등 행사 방역관리 지침과 운영 준수사항을 마련하고 이를 충실하게 이행하였다. 이상의 사례들을 통해 팬데믹 시대에 문화예술을 어떻게 기획하고 준비해야 하는지 알 수 있었으며, 문화예술 축제의 새로운 변화와 가능성을 확인할 수 있었다.

This paper examines the progress of the Korean Culture and Arts Festival and the European Culture and Arts Festival during the Corona Pandemic. This paper also analyzes the cases of the Lintz, Lyon, Karlsruhe Culture and Arts Festival, and the Gwangju Media Art Festival. In Europe, a variety of online systems were developed to reflect the needs of visitors immediately in the Untact era. High-quality online services were provided using the technology of the Fourth Industrial Revolution. To further prevent the spread of covid-19 and conduct safe festivals, Gwangju also prepared and implemented guidelines for event prevention and operation management, such as distributing works in various places. These examples show how to plan and prepare culture and art in the post-corona era and identify changes and possibilities of the Culture and Arts Festival.

광주광역시와 (재)광주비엔날레가 2011년부터 추진해온 광주폴리 프로젝트는 쇠락해지고 공동화 된 도시에 세계적 건축 거장과 예술가들의 소형 건축물을 설치해 도시의 활성화를 꾀하는 도심 재생 프로젝트이다. ‘폴리’(Folly)란 건물이나 공원 또는 정원에 장식적인 목적으로 설치된 조형물을 뜻한다. 영국과 프랑스에서 시작해 유럽 전역으로 유행한 폴리는 유럽 대저택 정원에 있는 기능 없는 장식적 건축물을 의미했으며, 다양한 건축적 가설을 실험하는 도구로서 건축적 언어의 최소 단위로 간주되어 활용되기 시작했다. 이후 건축가 베르나르 추미(Bernard Tshumi)가 1980년대 프랑스 ‘라 빌레트 공원’ 에 35개 건축 구조물을 설치하면서 현대적인 의미에서의 폴리가 알려지게 됐다. 이러한 폴리에서 차용된 ‘광주폴리’(Gwangu Folly)는 공공공간 속에서 장식적인 역할 뿐 아니라, 기능성과 실용성이 가미되어 도시 활성화에 기여하는 건축물을 의미한다. 본 연구는 광주의 문화예술 활성화 장치로서 광주폴리가 10여 년 동안 지속되어온 시점에서 유럽 폴리의 기원과 특징에 이어 베르나르 추미의 설계안에 영향을 미친 자크 데리다(Jacques Derrida)의 해체주의 관점에서 폴리를 알아보고자 한다. 이와 함께 2010년 이후 해체에서 침투로 전환된 광주폴리의 특질을 분석해 보고자한다. 형식화된 틀과 규범으로 대변되었던 근대를 거쳐 1980년대 추미의 폴리가 형식과 틀, 규범을 해체했 다면 2000년대 이후 조성된 광주폴리는 지그문트 바우만(Zygmunt Bauman)의 ‘액체현대’처럼 삶과 사회가 가변적인 시대 상황 속에서 도시의 역사와 일상으로 섞어 들어가는 유동적이면서 융합과 혼성의 전략을 보이고 있다. 이러한 시대 흐름을 반영하는 광주폴리는 도시 브랜드에 기여하며 문화적 자생력을 더욱 확대해나가고 있다. 광주의 역사적⋅문화적 맥락 안으로 침투하는 광주폴리는 도시 브랜드 강화 및 문화 관광 자원으로 더욱 활성화되어야 할 것이며, 미학적⋅사회학적 관점에서 광주폴 리에 대한 연구도 다각적으로 진행되길 기대해본다.

The Gwangju Folly Project, which has been promoted by Gwangju Metropolitan City and the Gwangju Biennale since 2011, is a downtown regeneration project that aims to revitalize the city by installing small buildings of world-class architects and artists in declining and collaborated cities. Folly is a sculpture installed for decorative purposes in a building, park, or garden. Beginning in England and France, Folly meant functionless ornamental architecture in the European mansion garden, and began to be used as a minimal unit of architectural language as a tool to experiment with various architectural hypotheses. Later, Swiss-born French architect Bernard Tshumi built 35 structures in France's "Parc de La Villelette" in the 1980s, making Folly known in a modern sense. "Gwangu Folly", borrowed from such Folly, refers to buildings that contribute to urban revitalization by adding functionality and practicality as well as decorative roles in public spaces. This study aims to find out Folly from the perspective of Deconstruction of Jacques Derrida, who influenced the design of Bernard Tshumi, following the origin and characteristics of European Folly at a time when Gwangju Folly has been active for more than a decade. In addition, we would like to analyze the characteristics of Gwangju Folly, which has changed from dismantling to penetrating since 2010. If Folly dismantled its format, framework, and norms in the 1980s, Gwangju Folly, which was created after the 2000s, shows a flexible, convergence and hybrid strategy as life and society mix into the city's history and daily life in a variable era. Reflecting the trend of this era, Gwangju Folly contributes to the urban brand Gwangju and further expands its cultural lullaby in the city. Gwangju Folly, which penetrates into the historical and cultural context of the city of Gwangju, is spotlighted as a resource for urban brand enhancement and cultural tourism, and we hope that various studies will be conducted to analyze Gwangju Folly from various aesthetic and sociological perspectives.