Earticle

구동독 지역에 위치한 라이프치히는 2차 세계대전 후 사회주의 체제에 있었으며 이 시기 예술가 들은 사회주의 사실주의를 근간으로 한 선전화와 사회주의 역사화를 그렸다. 1990년 독일이 통일된 후 라이프치히의 작가들은 사회주의의 전통과 독일 전통미술을 기반으로 새로운 양식을 도입하였다. 사회주의 전통과 독일 표현주의 미술 양식의 기반 위에 성장한 라이프치히 작가들은 2000년대 들어 서면서 세계미술시장 중심에 위치한다. 본 연구는 신라이프치히 화파의 작가들을 세계적인 예술가로 만든 배경에 있어 다각적인 예술지원, 특히 작가들을 지원하는 예술단지인 스피너라이에 주목하였 다. 더불어 본 연구자는 세계미술시장에 소개한 게르트 하리 립케와 같은 화상의 역할, 독일갤러리들 과 미술관들의 지원, 독일 정부의 라이프치히 청년작가를 위한 미술 브랜드화 정책이 동반되었음을 알게 되었다. 이 연구는 라이프치히 청년작가들을 전세계적으로 알리는 데 기여한 세계적인 미술시 장 네트워크의 역할, 독일 정부 및 미술관과 갤러리의 지원 과정, 국제미술시장에 신라이프치히 화파 의 작품이 거래되는 과정을 알아본다. 더불어 라히프치히 청년작가들이 자신들이 배운 사회주의 미 술 전통을 국제 미술시장에 적합한 양식으로 발전시킬 수 있었는지 그 배경에 관해 논의하고자 한다. 이러한 논의를 바탕으로, 이 연구는 청년예술가 지원 정책을 통해 미술시장을 활성화 시키는 사례로 서 의의를 가질 수 있을 것이다.

Located in East Germany, Leipzig fell under the socialist system after World War II. Artists there during this period worked on propaganda paintings and socialist history paintings that were predicated upon socialist realism. After German reunification in 1990, Leipzig artists embraced a new mode based on both the socialist tradition and traditional German art with which they had grown up. They later found themselves placed at the center of the global art market in the 2000s. This study pays heed particularly to the Spinnerei, a former industrial site that is used today as an artistic complex. The Spinnerei has contributed greatly to transforming Leipzig artists into world-class artists through its multilateral support. This study also pays attention to the role of art dealers like Gerd Hari Lipke, support from German museums and galleries, and the German government’s branding policy for young and up-and-coming Leipzig artists. It researches the role of the international art market’s network that was dedicated to promoting young Leipzig artists worldwide, the process of support offered by the German government and its museums and galleries, and the procedure by which artists traded their works in the international art market. In addition, this study is a discussion on how such artists were able to further their own socialist tradition as a mode befitting the international art market. Based on this discussion, this study explores cases that are meaningful to revitalize art markets through support policies for young artists.

본 연구는 인상주의 시대에 활발하게 활동했던 여성 작가인 베르트 모리조와 메리 카사트의 작품 에 초점을 맞춘 것으로서, 이들이 생활하고 작품으로 표상한 공간이 인상주의의 다른 남성 화가들이 보여준 공간과 어떻게 다른지를 알아보고자 한 것이다. 또한, 여성 예술가들이 표현한 공간이 당시의 시대적, 사회적 체제 및 이데올로기적 구조 속에서 어떠한 의미를 담고 있는지를 여성주의의 다양한 관점에서 살펴보고자 한다. 인상주의는 1860년대 파리에서 발생한 미술 운동이다. 당시 파리는 유럽에서 가장 역동적인 변화 가 일어나는 곳이자, 오랜 전통을 지닌 미술의 중심지였다. 하지만 나폴레옹 3세가 집권한 제2제정 시기(1852-1870)에는 아카데미즘에 입각한 엄격한 미술 규범 때문에 많은 화가들이 전시의 기회를 갖지 못했고, 이러한 미술 제도는 예술가들의 거센 반발을 샀다. 19세기 후반 인상주의 운동은 이전 시대에 추구했던 고전으로의 회귀나 역사적 사건을 작품화하는 것과는 달리 부르주아의 삶과 여가활 동, 가정 생활과 같이 당시의 삶과 생활 풍속을 작품의 주제들로 삼았다. 인상주의 화가들은 공식적 인 제도를 거부함으로써 자신들만의 전시 모임을 만들었고, 베르트 모리조와 메리 카사트와 같은 여성 작가들에게도 남성들과 동등하게 전시에 참여할 수 있는 기회를 주었다. 여성 작가들은 남성 화가들에 비해 대담한 소재나 풍경을 작품으로 담지는 못했지만, 주어진 환경에서 최선을 다하며 적극적으로 작품 제작에 임하였다. 하지만, 이들의 노력에도 불구하고, 많은 비평가들은 여성 작가들 의 소재의 한계와 한정된 공간을 문제점으로 지적하며, 작품을 폄하하였고 의도적으로 미술사에서 이들의 활동을 삭제하였다. 인상주의 시기에 활동했던 여성 작가들과 이들이 만들어낸 여성성의 공간은 이들 의 삶 자체의 반영이자 이들의 끊임없는 노력의 결과였다. 즉, 여성성이라는 것은 역사적, 사회적으로 구성된 이데올로기 속에서 만들어진 기호이자 당시 사회상이 만들어낸 모습이며, 세대와 지정학적 공간에 따라 유동적으로 변화할 수 있는 것이었다. 따라서 본 연구를 통해 19세기 후반에 등장한 인상주의 여성 예술가들이 표상한 이미지와 그 공간의 의미를 조금 다양하게 이해해보고 해 석해 보기를 바란다.

This research explores the works of Berthe Morisot and Mary Cassatt, who were actively involved in the Impressionist movement. It also focuses on how the represented spaces in their works are different from male artists of Impressionism. In addition, it will examine the meaning of the space represented by women artists in the social system and ideological structure of the time. Impressionism is an art movement that took place in Paris during the late nineteenth century. At that time, Paris was one of the most dynamically changing cities in Europe and a center of art from a long tradition. However, during the Second Empire (1852-1870), when Napoleon III ruled, many artists could not take the opportunity to exhibit their works because of the strict rules within academism, a strict academic system that drew strong opposition from artists. Unlike the return to the classics that was pursued in the previous era, the themes of the Impressionist movement in the late nineteenth century were the life and lifestyle of the time, such as leisure activities and family life of the bourgeoisies. Impressionist painters held their own exhibitions, rejecting the formal system, and they gave women artists such as Berthe Morisot and Mary Cassatt the opportunity to participate in the exhibition. Although the women artists were treated as equal within the exhibition space, their work could not carry the same bold subjects or scenes as bourgeois men because of limitations put on women in society. They tried their best in the given opportunity and environment, but despite these efforts many art critics have identified the limitations of their work as a serious problem and have depreciated the value of their works. Moreover, it is true that women artists’ works and their activities have been intentionally removed from art history. The women artists who worked during the Impressionist period and the spaces of femininity that they created were the reflection of their lives and the result of their endless efforts. In other words, femininity is a symbol created in historical and societal ideology, and a figure created by society at the time, and it can be changed flexibly according to the generation and geopolitical space. Therefore, this study gives an understanding and interpretation of the images presented by the impressionist women artists and the meanings of the space they created.

인간은 그동안 인간중심과 기계론적사고관으로 자연을 바라보았으며 자연을 정복의 대상으로 인 식하고 착취하였다. 그로 인하여 자연은 파괴되고 오염되기 시작하였다. 근본생태주의자들은 기존의 환경보호주의운동은 산업화 된 국가들의 정치적, 사회적 틀 내에서 인정하는 상황 안에서 자연개발 계획을 완화시키는 소극적인 일만 한다고 비판하면서 새로운 패러다임을 통해 자연을 지켜야 한다고 주장하였다. 훈데르트바서의 예술적 근원은 자연에 대한 애정에서 시작되었다. 그는 평생도록 자연 과 인간의 조화로운 관계망에 대해 관심을 가지고 작업을 하였다. 훈데르트바서는 화가로 작업을 시작하였으며 이후 건축과 우표디자인, 환경운동까지 그 영역을 확장하였다. 훈르트바서는 자연은 하나의 유기체적 존재로 스스로 혼자 존재하는 것이 아니라 서로 연결되어 있으며 인간은 이러한 관계망을 유지하고자 하는 노력을 해야 한다고 하였다. 이러한 그의 사상은 근본생태주의자들의 주 장과 그 맥을 같이 한다. 훈데르트바서는 인간과 자연을 중심에 놓고 작업을 하였으며 현재 인류가 처한 환경에 대한 문제의식과 그에 대한 방안을 회화, 건축, 실천적 프로젝트 등 다양한 방식을 통해 드러내고 있다. 특히 훈데르트바서는 생태학적 순환의 관점에서 인간과 자연의 유기적 관계성과 생 명평등주의를 강조하는 작품을 하였다.

Humans have seen the nature from the human-centered and mechanistic worldview and perceived it as something to conquer and exploit. As a result, the nature became destroyed and polluted. Deep Ecological criticize that traditional environmentalist movements are passive in that they only ease nature development projects within the real that is politically and socially accepted in industrial countries and argue that the nature must be protected based on a new paradigm. Hundertwasser’s art began from his love for the nature. Throughout his life, as an artist, he was interested in the harmonious network between the nature and humans. His artistic career began as a painter and later expanded to include architecture, post stamp design, and environmental movement. He argued that the nature is an organic being that does not exist in isolation and is connected with one another, and that humans must make effort to maintain such network. His ideas are compatible with those of environmental fundamentalists. Hundertwasser turned the theme of nature and humanity into artworks and revealed his ideas related to contemporary environmental issues and solutions through various methods including painting, architecture, and practical projects. His works especially emphasize the organic relationship between humans and nature from the viewpoint of ecological circulation and egalitarianism.

21세기 다양한 매체, 콘텐츠가 예술과 융합되고, 예술과 일상생활의 경계가 허물어진 현 시대에서 범람하는 콘텐츠는 대중들이 잘 해석하고 선별할 수 있는 ‘창의적 감성’과 ‘상상력’이 중요한 키워드 로 대두된다. 즉, 우리는 기존의 지식에 상상력이 융합된 ‘개념의 시대(Conceptual Age)’를 살아가고 있다.1) 정보의 시대를 넘어선 고도의 ‘개념’이 중요해진 현 시대에서 소셜미디어 콘텐츠란 무엇인 가? 인공지능에 의해 인간의 두뇌가 대체되어 가고 자동화와 연결성이 극대화되는 4차 산업혁명이 라고 일컫는 디지털 시대에서 마케팅의 방식 또한 달라지고 있다. 이러한 디지털 혁명 시대에 소셜 미디어는 이미 일상생활에 필수불가결한 것이 되었다. 소셜미디어(Social Media)는 개방, 참여, 공유 의 가치로 요약되는 웹(web)상의 소셜 네트워크의 기반 위에서 개인의 생각이나 의견, 경험, 정보 등을 서로 공유하고 타인과의 관계를 생성 또는 확장시킬 수 있는 개방화된 온라인 플랫폼이다. 소셜미디어는 디지털 시대의 유동성에 기인해 급속도로 확산되었는데 그것은 소셜미디어가 가지고 있는 사용 자들의 자발적 참여에 의한 콘텐츠(contents) 생성과 자체적인 창발 시스템에 희한 파급 에 그 이유가 있다고 본다. 사용자들의 참여에 의한 콘텐츠에는 상호작용적(interactive) 특성이 내재하는데, 그것은 모든 예술 작품에서 일어나는 것과 같다. 아서 단토의 예술의 종말 이전의 거대 내러티브 시대의 모더니즘적 예술을 경험할 때 상호작용성은 관람자의 정신적 영역에서 일어나는 반응에 국한되었다면, 디지털 소셜 환경에서의 상호작용적 특성은 향유자(관람자)의 예술작품에 대한 새로운 방식의 접근과 적극적 인 기여를 가능하게 한다. 따라서 소셜미디어 환경에서 범람하는 마케팅 콘텐츠 또한 상상력과 창의적 인 아이디어로 그것을 만들어내는 기본 원리에 따라 예술, 특히 미디어 작품에 내재하는 특성인 상호작 용성과 관객의 참여라는 작품의 구성 원리가 작동한다는 점에서 그 구분이 모호하다고 본다. 이러한 점에서 앞으로의 디지털 세상에서 상상력이 기반으로 한 마케팅 콘텐츠의 전략 또한 예술 작품이 그러하듯 인간만이 느낄 수 있는 감성영역에 기반하는 사람의 마음을 움직일 수 있는 전략이 필요할 것이다. 또한 4차 산업혁명시대 소셜미디어 환경의 마케팅 플랫폼이 성공하기 위해서는 디 지털 변화를 적극적으로 읽어내고, 그것들을 사용자에게 유리한 방향으로 흡수하는 것이 중요하다. 시대의 변화에 따라 개방적이고 누구나 참여 가능한 플랫폼으로 변화되어야 한다고 본다. 소셜미 디어 환경에서 커뮤니티 플랫폼을 만들고, 그들이 브랜드나 콘텐츠 관련 이야기들을 나눌 수 있는 장치들을 만드는 것이 좋다. 디지털 세상의 사용자들의 심리 특성은 콘텐츠 사용자에게 특정행위를 지나치게 강요할 경우, 사람들은 기업이 원하는 행동에 정확히 반대되는 행동을 보인다. 억지로 무언 가를 강요하면 그 반대로 행동하고 싶어 하는 것이 바로 청개구리 심리다. 현 시대 대중에게 사랑받 고 있는 기업들은 독특한 진정성을 담은 가치를 보여주고 있다. 즉, 디지털 시대에는 진정성만이 고 객들의 영혼을 감동시키고 그들의 마음을 움직여 제품이나 콘텐츠를 사게 할 수 있다. 그렇다면 사람들의 마음을 움직이도록 진정성을 얻는 방식은 무엇인가? 첫째, 소비자들이 진정성 을 느낄 수 있는 요소들을 기업의 브랜드나 제품에 심는 것이 중요하다. 소비자들이 진정성을 인정 할 때까지 꾸준하고 일관성 있어야 한다. 진정성을 느낄 수 있도록 자연스럽고 동시에 효과적으로 연출해야한다. 직접적으로 진정하다고 이야기하기 보다는 소비자, 즉 콘텐츠를 사용하는 사람들이 진정성을 직접 체험할 수 있는 다양한 장치들을 마련하는 것이 좋다. 셋째, 진정성을 체험하고 경험 한 사람들이 적극적으로 다른 사람들에게 그 진정성을 이야기할 수 있도록 만들어야 한다. 소셜미디 어 환경에서 커뮤니티 플랫폼을 만들고, 그들이 브랜드나 콘텐츠 관련 이야기들을 나눌 수 있는 장 치들을 만드는 것이 전략이 필요하다. 디지털 시대 콘텐츠 사용자의 특성을 잘 이해하고 분석하여 넛지(Nudge), 진정성, UGC(User Generated Contents)을 활용한 콘텐츠 사용자의 진정성 있는 지지를 이끌어낼 마케팅 전략이 필요할 때라고 본다.

Humans communicate, study, shop, spend leisure time, and spend much of their lives in the digital world on digital webs such as smartphones, tablet PCs, and PCs. As a new world created by the digital environment, cyberspace is increasingly becoming the driving force of our daily lives. In the cultural arts, the boundaries of the arts are lowered as the artists communicate directly with the spectators through the social media platform. As a result, the audience who received only the artwork became able to share the process of work, the story, the intention to be created, the emotion of the artist, and share the process of reinterpreting with the audience. The social media based environment outside the geographical and time limits has had a great influence on the daily life including the ways of human relations, the way of thinking, and the way of collaboration. Social media redefines the relationship between social media environment, art, consumers, and creators in the process of proposing new art forms. Social media and arts clearly point out different things, but one works in conceptual social media content. The distinction between original and duplication in painting disappears with the repetition of the same thing in the image of the media environment. In the digital image stage, the original and duplication can be constantly superimposed, reinterpreted and re-created through the process of transformation. With the advent of the digital world, everyone can produce images, and anyone can easily create and market content on a daily basis. There is a need for a strategy that frees content users and attracts a lot of interest and participation from users who enjoy the content. If you give users more freedom in a digital environment, they will be more loyal. By passing the option to the user, users can get a favorable feeling. The more interest and affinity you get, the more positive the positive word-of-mouth effect you get. When control and choice are passed to content users, users are more likely to be satisfied with the results they choose, and authenticity is naturally achieved through interaction with users rather than being forced. In a digital environment, a strategy with authenticity is more important. If the development of artificial intelligence coexists with humans and machines, and the era when the human realm becomes a machine replacement becomes important, securing a unique realm that only humans can do will become important. The real emotional and emotional realm that only human beings can see is that artificial intelligence can’t penetrate. Therefore, I think that it is important to move the mind of users who consume the human mind and contents, and the authenticity to gain empathy naturally. Self-organizing and emergence, which is the complexity principle of the characteristics of the digital environment, is more prominent in the SNS platform. In the social media age contents, it is necessary to make devices that utilize the principles of self-organization and emergence principle in the social marketing platform in that the distinction between producers and consumers of contents is blurred and created together. It is time for a smart marketing strategy that will lead to genuine support of content users who utilize nudge, authenticity and UGC (User Generated Contents) by understanding and analyzing characteristics of content users in the digital age.

과거 가부장적인 이데올로기 아래 미술 속 여성의 이미지는 그에 부합하여 수동적이고 연약하며 아름다운, 여성적인 것으로 편협하게 인식되었다. 그러나 자신만의 독자적인 색을 띄며 화풍을 구축 한 여성 화가들도 있었다. 아르테미시아 젠틸레스키는 17세기 바로크 시대에 이탈리아에서 활동했던 여성 화가로서, 역사화 와 종교화에서 선구적이었다. 당대에는 드물게 여행을 다니며 남성들과 동등한 삶을 살았다. 이는 그녀의 작품에서도 표현된다. 성경 또는 신화의 주인공을 주제로 그림을 그리며 서양 역사상 최초의 위대한 여성 화가가 되었다. 화가였던 아버지 오라치오 젠텔레스키는 아르테미시아를 직접 가르치기도 했고, 그의 동료 미술 가에게 배우게 함으로써 훈련을 끝마치게 했다. 그녀는 아버지와 함께 작업하기도 했는데 후에는 아버지보다 더 유명해지게 된다. 그녀는 당대의 사회적 이데올로기 속에서 표현하기 어려웠던 여성의 모습을 당대 화가 카라바조 의 양식을 흡수해 사실적이고 과감하게 표현했다. 구약성서의 유디트 이야기를 재구성하여 묘사한 그녀의 작품은 드라마틱하게 표현되어 많은 페미니스트들에게 관심의 대상이 되어 왔다. 아르테미시 아는 주체적이고 능동적인 자세로 당당히 승리를 얻어낸 새로운 유디트 이미지를 탄생시켰다. 그녀의 유디트는 여성들도 정의를 구현할 수 있다는 메시지를 당당하게 내세운 중요한 상징성을 지닌 작품이기도 하다. 공적 영역에서 여성을 배제해왔지만 여성 역시 도덕적인 행위를 할 수 있음을 보여줌 으로써 남성에게 맞추어졌던 규준을 초월해 여성 영웅의 이미지를 형성하는 데 중요한 역 할을 했다. 아르테미시아가 남성중심의 가부장적 이데올로기 속에서 만들어낸 대담한 여성상은 여성 미술의 역사에 있어 시사하는 바가 크다고 할 수 있겠다.

Images of women in the art of under the past patriarchal ideologies were narrowly perceived as being passive, delicate, and beautiful, and feminine. However, there were female artists who painted the painting with their own unique works. Artemisia Gentileschi was born in Italy during the 17th-century Baroque Period in Italy, and was pioneering in history and religion. During the time of the day, she lived on a rare journey and on a par with men. It is also expressed in her works. She became the first female artist in Western history to paint the main theme of the Bible or mythology. Her father, Orazio Gentileschi, teached to Artemisia, and ended up perfecting her training by learning to teach his fellow artist. She worked with her father and later became more famous than her father. She portrayed the image of a woman who was unable to express herself in the social ideology of her time and expressed herself in a realistic and bold manner. Her work, portraying the story of the Old Testament, has been a dramatic expression and has become a focus of many feminist groups. Artemisia has created a new Judith image that proudly wins the winning and active position. Her Judith image is also an important symbolic sign of the message that women are capable of implementing justice. Women have played an important role in shaping a female hero's image, transcending the norm, although women have excluded women from the public realm, but they also show that women can perform moral acts. The bold feminine belief created by Artemisia's patriarchal ideology is that it has a significant meaning in the history of women's art.

본 논문의 ‘주제어’인 ‘변형 캔버스’는 전통적으로 쓰이던 사각의 캔버스를 벗어나 화면의 자율성 을 추구하면서 오브제로서의 특성을 드러내는 과정을 통해 인간이 자신의 정체성을 찾아가는 행위의 하나로 이해 될 수 있다. 본고에서는 현대미술에 있어서 정형적인 캔버스의 형태를 벗어나 물성을 극대화하여 하나의 오브제(object)로 존재하게 된 ‘비정형화면(shaped picture planes)’ 즉, ‘변형 캔 버스’에 주목하고, 미술사적 측면에서 변형 캔버스의 출현과정을 살펴보았으며, 이의 핵심개념으로 ‘사물성’과 ‘오브제의 속성’, 그리고 ‘공간개념의 변화’라는 세 가지 특이사항으로 ‘변형 캔버스의 개념’을 이해하였다. 변형 캔버스 작업은 오브제로서의 특성과 더불어 벽면공간의 활용을 통해 벽면을 비정형적인 공 간으로 분할함으로써, 전시공간에서 새로운 공간을 생성해 내면서 작품의 정체성을 드러낸다고 할 수 있다. 이는 평면 회화의 설치에 있어서 벽면공간의 역할의 변환 혹은 확장을 의미한다. 즉 벽면공 간이 변형 캔버스의 비정형성으로 인하여 잔여 공간 역시 비정형적인 형태를 드러내게 되면서 전시 를 위한 벽면이 ‘단순배경’으로부터 ‘표현적 공간’으로 변환되는 것이다. 연구자는 이 부분에 주목하 였으며, 차후 정형 및 비정형의 작업을 전시함에 있어서 잔여공간의 역할과 활용에 관하여 연구 할 기회를 갖고자 한다.

The ‘subject’ of this thesis: Shaped Canvas, can be interpreted as an extension of acts of self-defiance in humanity, as it represents a process which distinguishes the picture plane’s integrity as an object, through its establishment of self autonomy and liberation from traditional formality of rectangular canvases. This thesis focused on ‘shaped canvas, or ‘shaped picture planes’, which diverged from traditional canvas and became an object by maximizing its physical property, examined the progression of shaped canvas work in art historic point of view, and established three mainpoints that define the concept of shaped canvas: objecthood, objet quality, and change of spacial concept. Consequently speaking, shaped canvas work reveals its identity by creating an alternative space within the exhibited space by subdividing the wall space into free-formed spaces, which signifies a change or expansion in the role of the wall space via installation. In other words, shaped canvas work, with its free-formed nature, leaves the negative space free-formed as well; transforming the wall space from a ‘background’ into an ‘expressive space’. Above being the primary focus of the thesis, it is the researcher’s intention to further explore the roles and utilization of the negative space in future installations of formally structured and unstructured art work.