Earticle

박물관의 기원부터 시작하여 20세기 대형박물관이 건립될 때 까지, 각 시대별로 박물관의 의미및 역할, 운영 형태들을 살펴보았다. 현재 '박물관(museum)'이라는 용어는 고대 그리스의 '뮤제이옹(mouseion)'에서 유래되었으며, '뮤즈에게 헌납된 사원(the house of muse)'을 의미하는 '< 뮤제이옹>'은조형예술과 학문적 성과 등을 제례에 봉헌하고 이를 보관하는 역할을 했다고한다. 즉, 박물관의 수집및 보존의 기능이 '뮤제이옹(museion)'에서부터 시작된 것이다. 박물관의 고전적인 기능을 처음으로갖추었다고 추정되는 것은, 기원전 280년경 지어진 알렉산드리아 뮤제이옹(Museion of Alexandria)이다. 이 곳에는 70만권의 서적들이 소장되어 있어, 박물관이며 동시에 학자들의 연구를 위한 도서관이었다. 중세 유럽에서는 종교시설이 어느 정도의 박물관 기능을 수행한 것으로 추정된다. 주로 교회에서성유물 중심으로 수집되었고, 귀족이나 부호의 후원으로 수집되었다. 르네상스 시대에 와서야 부유한가문들이 재력을 과시하기 위해 작품을 수집하고 전시하게되었다. 이러한 개인소장품의 수집 열기는, 17세기 '호기심의 방(Cabinet of Curiosity)'으로 이어진다. 17세기에 와서야, 소장품 자체의 가치를인정하고, 소장품을 유물로서 잘 보관하고자하는 생각을 하게 되었다. 17세기말 애슈몰린 박물관이최초의 공공박물관으로 문을 연 이후, 점차 박물관의 사회적 역할, 즉 대중에게 공개되는 공공 박물관으로서의 가치가 강조된다. 18세기에는 영국의 대영박물관을 위시하여 유럽 각국에 대형 박물관들이건립되기 시작했다. 19세기에 제국주의가 팽배해지면서, 유럽 강대국들은 식민지에서 가져온 유물을기반으로 근대박물관들을 건립하게 된다. 이들 유물 외에도, 당시 수집가들이 기증한 개인의 소장품과함께, 19세기 박물관들은 대부분 제국의 문화적 우월성을 증명하기 위한 용도였으므로 박물관들이거대하고 화려하게 지어졌다. 또한, 19세기부터 보다 전문화되고 세분화된 박물관이 나타나기 시작했다. 산업혁명 이후 과학적 사고방식에 의해, 박물관의 소장품들을 보다 체계적으로 분류하고, 세분화시키면서 전문박물관이 설립된 것이다. 20세기 후반에 이르러 유럽 박물관들은 또다시 변모하게된다. 기존의 박물관들이 대대적으로 증축되면서. 전시 및 보존이라는 수동적인 박물관의 역할에서부터이제는 박물관이 대중에게 교육 및 서비스를 제공한다는 적극적인 역할을 수행하게 되었다. 20세기의 박물관은 '복합 문화센터'로서, 관람객들의 다양한 문화적 욕구를 충족시키고, 교육프로그램을 운영하는 종합적인 예술 공간으로 재탄생하게된 것이다.

Étymologiquement, le terme musée vient du grec Mouseîon, temple et lieu consacré aux Muses, divinités des arts. Ce terme désigne le premier « musée » construit à Alexandrie vers 280 av. J.-C. Le museion reprend les préceptes du Lycée d'Aristote en Grèce et les savants qui le fréquentent peuvent utiliser une bibliothèque. Au Moyen Âge, c'est le collectionnisme qui fait son apparition, grâce aux trésors des églises médiévales et des temples anciens qui deviennent pour les rois et les nobles des réserves de matières précieuses. C'est à la Renaissance, notamment en Italie, qu'on nomme ainsi des galeries où sont réunis des objets d'arts : le mot musée conserve l'idée de lieux habités par les Muses. Mais la signification qui renaît se précise dans l'Italie de la seconde moitié du XVe siècle, à la période de la Renaissance. Les princes italiens sont les premiers à envisager l'idée d'une collection de tableaux et de sculptures, rassemblés, offerts aux regards des voyageurs et des artistes à l'intérieur des cours et dans les galeries. Ils associent les notions d'oeuvre d'art, de collection et de public (très restreint au départ), préfigurant ainsi le concept de « musée des arts ». Du milieu du XVIe siècle au XVIIIe siècle, avec la multiplication des voyages d'exploration, vont s'y ajouter des collections d'Histoire naturelle, C'est l'âge d'or des cabinets de curiosités. Toutes ces collections vont peu à peu s'organiser par spécialités à partir de la fin du XVIIe siècle, et s'ouvrir petit à petit à un public plus large que celui des princes et savants. À partir du XVIIIe siècle et surtout du début du XIXe siècle, les ouvertures des collections privées se multiplient partout en Europe. Les musées sont créés en vue de constituer des collections publiques pour l'éducation des artistes et des citoyens. On est ainsi passé des musées traditionnels perçus comme des conservatoires aux musées «Centres culturels» qui présentent des collections à des fins d'étude, d'éducation et de délectation. La loi relatif aux musées de France (Loi n° 2002-5 du 4 janvier 2002) qui tient compte de l'évolution sans précédent des musées, précise en effet que les musées de France ont pour mission de conserver des collections reconnues d'intérêt public, destinées à être exposées au public, dans le cadre d'une mission de service public.Les missions croissantes obligent les musées à envisager la dimension économique de leurs activités et à adopter de nouvelles démarches de management. Les lois les plus récentes favorisent le mécénat ou l'initiative privée. Dans le même temps, les très grands musées, devenus de véritables entreprises, bénéficient d'une autonomie renforcée. Dans cette évolution, les nouveaux liens entre musées et publics apparaissent comme déterminants. Les politiques culturelles pour réaliser actions éducatives et culturelles contribuent incontestablement à faire des musées des lieux de transmission, d'éducation et d'intégration sociale.

본 연구는 부리오의 『관계 미학』 발간 이후, 2014년 타이페이비엔날레 전시에서 보여준 ‘확장된 관계’ 개념으로 인간-비인간의 관계를 탐색하는 동시대 새로운 예술적 실천을 규명하고자 하는 시도이 다. 연구의 목적은 첫째, 부리오의 1990년대 ‘관계 미학’ 이후 2014년 타이페이 비엔날레를 통해 보여주었던 ‘확장된 관계’ 개념이 어떤 의미가 있는지 살펴보는 것에 있다. 둘째, 부리오의 ‘확장된 관계’ 개념에 입각하여 인간과 비인간 간의 관계성을 탐색한 작품들을 인간-자연, 인간-새로운 생명체, 인간-기계, 이렇게 세 가지 유형으로 나누고 이를 분석하여 미학적 가치를 조망하는 것이다. 동시대 인간-비인간의 관계를 탐색하고 있는 새로운 작품 유형들을 분류하는 것은 작품의 가치를 평가할 때 평가범주로서 작동될 수 있을 것이며, 새로운 서사를 만드는 기준점으로 활용될 수 있을 것이다.

This study is an attempt to closely examine new contemporary artistic practices exploring the relationship between humans and non-humans through the ‘expanded relationship’ concept displayed at the 2014 Taipei Biennial, following the publication of Bourriaud’s Relational Aesthetics. The study’s purpose is, firstly, examining the significance of the ‘expanded relationship’ concept presented through the 2014 Taipei Biennial since Bourriaud’s 1990s ‘relational aesthetics.’ Secondly, it aims to categorize artworks that explored the relationality between humans and non-humans by the three patterns of human - nature, human - new life-form, and human - machine based on Bourriaud’s ‘expanded relationship’ concept, and to analyze this to survey the aesthetic value. The categorizing of new art types exploring the contemporary relationship between humans and non-humans will be able to operate as an evaluation range when assessing the value of the art, and it will lend itself to use as a datum point for creating new narratives.

본 연구는 인상주의 시대에 활발하게 활동했던 여성 작가인 베르트 모리조와 메리 카사트의 작품 에 초점을 맞춘 것으로서, 이들이 생활하고 작품으로 표상한 공간이 인상주의의 다른 남성 화가들이 보여준 공간과 어떻게 다른지를 알아보고자 한 것이다. 또한, 여성 예술가들이 표현한 공간이 당시의 시대적, 사회적 체제 및 이데올로기적 구조 속에서 어떠한 의미를 담고 있는지를 여성주의의 다양한 관점에서 살펴보고자 한다. 인상주의는 1860년대 파리에서 발생한 미술 운동이다. 당시 파리는 유럽에서 가장 역동적인 변화 가 일어나는 곳이자, 오랜 전통을 지닌 미술의 중심지였다. 하지만 나폴레옹 3세가 집권한 제2제정 시기(1852-1870)에는 아카데미즘에 입각한 엄격한 미술 규범 때문에 많은 화가들이 전시의 기회를 갖지 못했고, 이러한 미술 제도는 예술가들의 거센 반발을 샀다. 19세기 후반 인상주의 운동은 이전 시대에 추구했던 고전으로의 회귀나 역사적 사건을 작품화하는 것과는 달리 부르주아의 삶과 여가활 동, 가정 생활과 같이 당시의 삶과 생활 풍속을 작품의 주제들로 삼았다. 인상주의 화가들은 공식적 인 제도를 거부함으로써 자신들만의 전시 모임을 만들었고, 베르트 모리조와 메리 카사트와 같은 여성 작가들에게도 남성들과 동등하게 전시에 참여할 수 있는 기회를 주었다. 여성 작가들은 남성 화가들에 비해 대담한 소재나 풍경을 작품으로 담지는 못했지만, 주어진 환경에서 최선을 다하며 적극적으로 작품 제작에 임하였다. 하지만, 이들의 노력에도 불구하고, 많은 비평가들은 여성 작가들 의 소재의 한계와 한정된 공간을 문제점으로 지적하며, 작품을 폄하하였고 의도적으로 미술사에서 이들의 활동을 삭제하였다. 인상주의 시기에 활동했던 여성 작가들과 이들이 만들어낸 여성성의 공간은 이들 의 삶 자체의 반영이자 이들의 끊임없는 노력의 결과였다. 즉, 여성성이라는 것은 역사적, 사회적으로 구성된 이데올로기 속에서 만들어진 기호이자 당시 사회상이 만들어낸 모습이며, 세대와 지정학적 공간에 따라 유동적으로 변화할 수 있는 것이었다. 따라서 본 연구를 통해 19세기 후반에 등장한 인상주의 여성 예술가들이 표상한 이미지와 그 공간의 의미를 조금 다양하게 이해해보고 해 석해 보기를 바란다.

This research explores the works of Berthe Morisot and Mary Cassatt, who were actively involved in the Impressionist movement. It also focuses on how the represented spaces in their works are different from male artists of Impressionism. In addition, it will examine the meaning of the space represented by women artists in the social system and ideological structure of the time. Impressionism is an art movement that took place in Paris during the late nineteenth century. At that time, Paris was one of the most dynamically changing cities in Europe and a center of art from a long tradition. However, during the Second Empire (1852-1870), when Napoleon III ruled, many artists could not take the opportunity to exhibit their works because of the strict rules within academism, a strict academic system that drew strong opposition from artists. Unlike the return to the classics that was pursued in the previous era, the themes of the Impressionist movement in the late nineteenth century were the life and lifestyle of the time, such as leisure activities and family life of the bourgeoisies. Impressionist painters held their own exhibitions, rejecting the formal system, and they gave women artists such as Berthe Morisot and Mary Cassatt the opportunity to participate in the exhibition. Although the women artists were treated as equal within the exhibition space, their work could not carry the same bold subjects or scenes as bourgeois men because of limitations put on women in society. They tried their best in the given opportunity and environment, but despite these efforts many art critics have identified the limitations of their work as a serious problem and have depreciated the value of their works. Moreover, it is true that women artists’ works and their activities have been intentionally removed from art history. The women artists who worked during the Impressionist period and the spaces of femininity that they created were the reflection of their lives and the result of their endless efforts. In other words, femininity is a symbol created in historical and societal ideology, and a figure created by society at the time, and it can be changed flexibly according to the generation and geopolitical space. Therefore, this study gives an understanding and interpretation of the images presented by the impressionist women artists and the meanings of the space they created.

본 연구에서는 유럽의 축제를 통해 지역마다 추구하는 문화예술의 특성과 도시재생의 사례를 살펴 보았다. 문화예술 활성화는 여러 가지 이유로 쇠퇴하는 도시와 지역문화에 새로운 활기를 주는 요소가 될 수 있다. 도시 환경에서 문화예술로의 가치 있는 공간 활용은 문화예술 프로그램의 새로운 예술 실험센터가 되기도 하고 지역 커뮤니티의 역할을 하기도 한다. 따라서 축제에서 나타나는 동시대 예술 표현과 정서는 예술교육의 참여와 지역 연계 등 공공예술의 가치 외에도 도시재생의 기능을 보이기도 한다. 이 연구에서는 축제와 함께 전통예술의 보존과 새로운 예술의 수용 방법을 이해하고, 우리 삶에서 문화예술의 역할과 도시재생의 관련성을 고찰하였다. 이를 통해 도시재생과 문화예술의 활성화 및 지역연계의 시사점을 찾고 축제에서 구현할 수 있는 문화예술의 실제적인 전략을 모색하고자 한다.

This study examined European festivals searching for the characteristics of arts and culture pursued by each region and cases of urban regeneration. Revitalization of arts and culture can be a catalyst that revives cities and regional cultures that experience decline due to various reasons. Valuable use of cultural and artistic spaces in urban environments can not only provide a new place for art experiment by cultural and artistic programs but also serve as local communities. In addition to the value of public art, contemporary artistic expressions and sentiment expressed in festivals can play the function of urban regeneration, such as participation in arts education and regional connections. This study explored the preservation of traditional arts and methods of accepting new arts along with festivals, and examined the role of arts and culture in our lives and the relevance of urban regeneration. The study aimed to find implications for urban regeneration, cultural and artistic revitalization, and regional connections, and to seek practical strategies for arts and culture that can be implemented in festivals.

이 연구는 스트리트 예술가로 불리는 뱅크시(Banksy)의 작품에 나타나는 행동주의 미술(Actvism Art)의 저항성 분석이다. 먼저 뱅크시가 행동주의 미술가임을 입증하기 위해, 동시대 세계 미술을 주도하는 영국의 미술 그룹 활동과 문화예술정책을 고찰하였다. 새롭게 확립된 영국예술의 제도권 내에는 행동주의적 성향은 나타나지 않았다. 두 번째로 뱅크시와 행동주의 미술의 연계성을 파악하기 위해 행동주의적 미술의 개념과 담론 속에서 알랭 바디우(Alain Badiou)의 투쟁(저항)예술이 나갈 방향과 뱅크시의 예술을 점검한 결과, ‘현장예술, 공공예술, 실험예술’의 주제 내에서 뱅크시의 행동주 의 미술과 개연성을 찾을 수 있었다. 이를 통해 뱅크시의 작품에 나타나는 행동주의 미술적 저항성의 질문을 갖고 ‘장소, 언어, 실험’으로 새롭게 해석했다. 뱅크시의 행동주의적 예술의 저항성은 ‘고발과 공론의 장소화, 목적과 의미의 언어화, 현실과 사건 의 실험화’로 귀결되었고 그가 행동주의 예술가임을 입증했다. 그동안 뱅크시가 그라피티 형식 때문에 스트리트 미술가로 고착된 인식을 허물고 동시대 행동주의 미술가로서 ‘예술과 사회의 현실적 관계 역할을 모색해 나가는 행동적 예술가임’을 재인식하는 계기를 요구한다.

This study is an analysis of the resistance of Activism Art in the artwork of Banksy who known as a street artist. First of all, to prove that Banksy is an activist artist, the activities of the British art group that leads contemporary world art and culture and arts discipline were considered. Activist tendencies did not appear within the newly established british law system. Second as a result of examining the direction of Alain Badiou struggle(Resistance) art and Banksy’s art in the concept and discourse of behavioral art to understand the connection between Banksy and behavioral art, we found a connection with Banksy’s activism art within the theme of Field Art, Public Art, and Experimental Art. Through this, it was newly interpreted as ‘place, language, and experiment’ with the question of the activism art resistance that appears in Banksy’s work. The resistance to activist art of Banksy resulted in the localization of accusations and public speaking, the linguization of purpose and meanging, and the eventification of reality and creation. Those can proved to be an activist artist. It has been calls for Banksy to break down the perception that it has become a street artist due to its graffiti form and re-recognize ‘the behavioral artist who seeks the role of constitutional relations between art and society’ as contemporary activist artist.

본 연구는 AI 생성형 예술에서 나타나는 언캐니 표상의 구현 방식과 그 미학적 의미를 탐구하는 것을 목적으로 한다. AI 생성형 예술은 전통적인 예술 창작 방식과 달리 알고리즘 기반의 창작 과정을 통해 익숙하면서도 낯선 이미지를 만들어내어 관람자에게 심리적 불안과 긴장감을 유발한다. 이러한 감정은 익숙함 속의 낯섦이라는 지그문트 프로이트의 언캐니 개념과 밀접하게 연관된다. 이러한 특성 은 특히 AI의 창작 과정에서 더욱 두드러지게 나타난다. 본 연구는 AI 생성형 예술의 조형적 특징인 디테일의 초현실성, 스타일 융합과 변형, 알고리즘적 반복성, 언어적 유연성, 예측 불가능성을 도출하 고, 이러한 요소들이 언캐니 표상과 어떻게 연결되어 발현되는지를 고찰하였다. 이를 위해 보리스 엘닥슨, 마리오 클링게만, 안나 리들러, 레픽 아나돌과 같은 AI 기반 예술가들의 주요 작품을 분석하여 언캐니 표상이 시각적으로 어떻게 구현되는지를 살펴보았다. 연구 결과, AI 생성형 예술은 알고리즘적 특성과 예술적 표현의 결합을 통해 언캐니를 증폭시키며, 관람자에게 심리적 긴장감과 미학적 불안을 유발하는 것으로 나타났다. 본 연구는 AI 생성형 예술이 현대 미학과 예술 담론에서 중요한 역할을 수행하고 있음을 밝혔으며, AI와 예술의 융합을 통해 새롭게 등장하는 창작 방식과 미학적 가능성을 탐색하는 데 기초 자료로서 의미를 지닌다.

This study aims to explore the methods of implementing uncanny representations in AI-generated art and their aesthetic implications. Unlike traditional art creation methods, AI-generated art produces familiar yet unfamiliar images through algorithm-based creative processes, evoking psychological anxiety and tension in viewers. These emotions are closely related to Sigmund Freud's concept of the uncanny, which refers to the sensation of unfamiliarity within familiarity. This characteristic becomes more prominent in the creative process of AI. This study identifies the formative features of AI-generated art—such as hyperrealistic details, stylistic fusion and transformation, algorithmic repetition, linguistic flexibility, and unpredictability—and examines how these elements are connected to and manifest uncanny representations. To this end, the study analyzes key works by AI-based artists like Boris Eldagsen, Mario Klingemann, Anna Ridler, and Refik Anadol to investigate how the uncanny is visually embodied. The results reveal that AI-generated art amplifies the uncanny through the combination of algorithmic characteristics and artistic expression, inducing psychological tension and aesthetic unease in viewers. This research highlights the significant role of AI-generated art in contemporary aesthetics and art discourse, serving as a foundational resource for exploring newly emerging creative methods and aesthetic possibilities through the fusion of AI and art.

본 연구는 올라퍼 엘리아슨(Olafur Eliasson)의 예술 작품을 통해 기후변화와 인간-환경 상호작용을 시각적으로 탐구하는 방식을 고찰한다. 특히, 설치미술의 특성과 관객 참여 방식을 중심으로, 엘리아슨 의 작품이 환경 문제를 감각적이고 직관적인 체험을 통해 전달하며, 관객의 인식을 변화시키는 과정을 분석한다. 이를 위해 티모시 모턴(Timothy Morton)의 ‘어두운 생태학(Dark Ecology)’ 이론을 바탕으로, 예술이 인간과 자연의 긴밀한 상호작용을 드러내고, 기후 위기에 대한 공감과 경각심을 형성하는 방식을 살펴본다. 본 연구는 엘리아슨의 대표 작품들을 세 가지 측면에서 분석한다. 첫째, 기후변화의 시각적 표현을 통해 빙하의 소멸과 기상 현상의 변화를 감각적으로 재현하는 작품들을 검토한다. 둘째, 인간-환경 상호작용을 중심으로, 관람자가 자연과의 관계를 체험적으로 인식하도록 유도하는 예술적 전략을 탐색한다. 셋째, 지속 가능성과 에너지 문제를 다루는 프로젝트를 분석하여, 예술이 재생 가능 에너지, 재활용, 건축적 에너지 효율성과 같은 환경적 이슈에 대해 어떠한 통찰을 제공하는 지 고찰한다. 연구 결과, 엘리아슨의 작품들은 기후변화라는 추상적 개념을 감각적·체험적 방식으로 전달하여 관객의 공감을 유도하고, 환경 문제 해결을 위한 사회적 논의를 촉진하는 역할을 수행하는 것으로 나타났다. 또한, 예술이 인간과 환경의 복합적 얽힘을 시각적으로 구현하여, 관객이 자연 및 자원 소비에 대한 책임을 재고하도록 돕는 강력한 매개체임을 확인하였다. 본 연구는 예술이 기후 위기 대응을 위한 공공 담론 형성에 적극적으로 기여할 수 있음을 시사하며, 향후 환경 예술의 확장 가능성과 다양한 예술가들의 기후변화 관련 작업에 대한 비교 연구의 필요성을 제언한다.

This study examines how Olafur Eliasson’s artistic practice explores climate change and humanenvironment interaction through visual representation. Focusing on the characteristics of installation art and audience participation, this research analyzes how Eliasson’s works provide sensory and intuitive experiences that reshape public perception of environmental issues. By referencing Timothy Morton’s theory of Dark Ecology, this study investigates how art reveals the intricate entanglement between humans and nature, fostering empathy and awareness regarding the climate crisis. This research categorizes Eliasson’s major works into three key aspects. First, it explores artworks that visually represent climate change, including the disappearance of glaciers and changes in meteorological phenomena. Second, it examines how Eliasson’s projects encourage audience engagement, allowing viewers to experience the interconnectedness between humans and nature. Third, it analyzes projects addressing sustainability and energy issues, highlighting how art provides insights into renewable energy, recycling, and architectural energy efficiency. The findings reveal that Eliasson’s works effectively translate the abstract concept of climate change into tangible and experiential forms, enhancing public engagement and stimulating social discourse on environmental issues. Furthermore, his art visually demonstrates the complex interrelationship between humans and nature, prompting audiences to reconsider their responsibilities regarding resource consumption and environmental stewardship. This study underscores the role of art in shaping public discourse on climate change and suggests that artistic practices can actively contribute to raising awareness and fostering sustainable actions. Future research should further investigate the tangible impacts of Eliasson’s work on policy and behavioral changes, as well as explore comparative studies with other contemporary artists addressing climate change through artistic expression.

초현실주의는 20세기 예술운동 중에서 잘 조직된 운동이었으며, 예술과 문학뿐만 아니라 생활 방 식이나 철학적 전망의 표현까지 그 영역을 발전시켰다. 다다이즘에 뿌리를 둔 초현실주의는 인간의 상상력 확장과 사고의 자유를 근본으로 하면서 사회 현실을 변혁시키겠다는 혁명적 이념으로 인간 정신 해방을 목표로 삼으면서 인간을 억압하고 있는 의식으로부터 벗어나고자 했다. 초현실주의는 문학에서 출발한 예술사조로서 주창자는 앙드레 브르통이었다. 앙드레 브르통은 1924년 제 1차 초현실주의 선언에서 초현실주의를 ‘심리적 자동기술’ 즉 이성의 어떤 통제도 없는 상태에서 무의식적 충동을 자유롭게 기입하는 것으로 묘사했다. 인간 내면의 세계를 표현하는 초현 실주의는 프로이드의 자동기술법의 이론에 의거해서 다양한 시각적 양상을 띠면서 전개되어 왔다. 꿈과 환상을 자양분으로 심연의 무의식을 펼쳐내는 자동기술법은 이성적 사고를 배제하는 초현실주 의에게 적합한 표현 기법으로 작용한 것이다. 자동기술법을 구현한 앙드레 마송(Andre Aime Rene Masson)의 자동 기술적 드로잉과 호안 미(Joan Miro)와 이브 탕기(Yves Tanguy)의 자동주의에 의 거하면서도 기호와 상징들을 통한 은유와 환상성, 막스 에른스트(Max Ernst)와 오스카 도밍게스 (Oscar Dominguez)의 자동기술법에서 확장된 표현기법을 보여줌으로써 현대 미술에 있어서 인간 개인의 창의성과 자유의지를 시각화하면서 현대미술의 발전에 기여했다. 이처럼 꿈⋅잠⋅무의식을 인간 정신의 자유로운 발로로 보는 혁신의지와 이성과 합리를 거부하는 초현실주의의 논리를 시각적으로 표출하는데 자동기술법은 주요한 원리로 작동되었다. 개인적인 시 각의 강조가 초현실주의를 기법적인 면에서 이러한 초현실주의의 자동기술법은 예술가의 의식적인 활동이 아닌 적극적인 표현의지로서의 무의식 자체에 집중하면서 현대예술의 창조적․예술적 진보의 장의 개척했다는 데 의미가 있다. 이 연구는 초현실주의의 자동기술법의 미학적 원리와 경향 분석을 통해 현대미술의 표현적 확장성에 미친 영향을 발견하는데 의미가 있다.

Surrealism was the best organized movement in the 20th century art movement and developed not only art and literature, but also the expression of lifestyles and philosophical prospects. Surrealism, rooted in Dadaism, was a revolutionary ideology that would transform the social reality based on human imagination and freedom of thought. Surrealism was Andre Breton who advocated art as a starting point in literature. Andre Breton described surrealism in the first Surrealism Declaration of 1924 as "psychological automatic technology", a free description of unconscious impulses in the absence of any control of reason. Through this, we tried to escape the consciousness which suppresses human being while aiming at the liberation of human mind. Surrealism, which expresses the inner world of human beings, has been developed with various visual aspects according to Sigmund Freud's theory of automatic technology. The automatic technological law that unfolds the unconsciousness deeply with nourishment of dreams and fantasies serves as a suitable expression technique for surrealism that excludes rational thinking. Based on the automatic technical drawing of Andre Aime Rene Masson who implements the automatic technique and the automatic attention of Joan Miro and Yves Tanguy while showing metaphors and fantasies through symbols and symbols and extended expression techniques in Max Ernst and Oscar Dominguez's automatic techniques He has contributed to the development of modern art by visualizing human creativity and free will in contemporary art. In this way, modern technology is able to open up the possibilities of creative and progressive expression world with its innovative will to view dream, sleep, and unconscious as the free footsteps of human mind, and automatic technology law to visually express the logic of surrealism that rejects reason and rationality. I was able to. The surrealist automation technique is meaningful not only for the conscious activity of the artist but also for the expansion of the mental and visual expression of contemporary art, concentrating on the unconscious itself as an active expressive will.

본 논문은 백남준(白南準, 1936-2006)의 ‘미디어 아트(Media Art)’에 나타난 ‘상호작용성 (Inter-activity)’에 대한 고찰 연구로서, 그의 ‘미디어 아트’ 형성의 근저에 자리잡은 매체성과 개방성 에 기반한 철학적 개념과 양식적 특성을 분석함으로써, 백남준 예술의 ‘상호관계성’의 개념형성의 구체적 근거를 살펴보고자 한다. 미디어의 매체성에 기반한 백남준의 예술에서 ‘상호작용성’은 그의 예술전반을 관통하는 양식적⋅개념적 특성으로 해석된다. 이러한 특징은 그가 60년대 초 플럭서스 (Fluxus) 활동시기 영향받은 스승 존 케이지(John Cage)로부터 얻어낸 ‘불확정성(Indeterminacy)’ 개념 에서 그 철학적 근거를 찾을 수 있다. 백남준은 독일시기(1956-1963)의 ‘플럭서스’ 활동에서 존 케이 지를 통해 ‘불확정성’을 주목하며 자신의 철학적 개념으로 발전시킨다. ‘불확정성’은 존 케이지가 일본의 선(禪, zen)사상가 스즈키로부터 영향 받아 그의 예술양식에서 발전시킨 개념으로 불교적 배경에 해박했던 백남준은 자신의 예술세계에서 독창적인 개념적 특질로서 발전시키게 된다. 이러한 맥락에서 본 논문은 백남준의 작품세계의 해석에 대한 개념적 특질을 동서양의 통합적 관점에서 고찰하는 것을 목적으로 한다. 이를 위해 백남준 예술의 양식적 특성인 매체성에 내재한 ‘상호작용성’을 바탕으로 현대예술 ‘플럭서스’의 ‘불확정성’과 ‘선(禪)’의 관점에서 비교분석한다.

This paper is a review of 'Inter-activity' in 'Media Art' by Nam June Paik (1936-2006), and aims to examine the specific basis of the conceptual formation of Nam June Paik's art by analyzing the philosophical concepts and stylistic characteristics based on media and openness. In Paik Nam-jun's art based on media media media, 'Inter-activity' is interpreted as a stylistic and conceptual characteristic that penetrates his entire art. This characteristic can be found in the philosophical basis of the concept of "Indeterminacy" that he obtained from his teacher John Cage, who was influenced by Fluxus' activities in the early 1960s. In the "Fluxus" activity of the German period (1956-1963), Paik Nam-joon focuses on "uncertainty" through John Cage and develops it into his own philosophical concept. "Uncertainty" is a concept developed by John Cage in his art style under the influence of Japanese Zen thinker Suzuki, and Paik Nam-joon, who was well versed in Buddhist backgrounds, develops this concept as an original conceptual trait in his art world. In this context, this paper aims to examine the conceptual characteristics of Paik Nam-jun's interpretation of the world of work from an integrated perspective of East and West. To this end, it is compared and analyzed from the perspective of "Indeterminacy" and "Zen" of modern art "Fluxus" based on the "interactionality," which is derived from the media nature a stylistic characteristic of Paik Nam-joon's art.

본 연구는 디지털 기술을 활용해 후기 자본주의 시대의 한 양상을 보여주는 히토 슈타이얼 작품의 제도비판적 예술 가치에 대해 고찰하고자 한다. 본 연구에서는 슈타이얼의 미술 프로젝트를 통해 우리 시대 다양한 디지털 이미지들이 어떤 방식으로 소비되고 있는지 알아본다. 다시 말해 현대사회의 구조와 작동 논리에 나타나는 모순에 입각해 슈타이얼의 작업을 바라보는 것이다. 슈타이얼의 작품은 일반적으로 디지털 기술이 갖는 양면적인 특성에 주목한다. 슈타이얼은 이미지와 데이터로 표상되는 현대사회를 비판적으로 바라볼 것을 제안하면서도 오늘날 삶 전체를 둘러싼 디지털 기술이 올바른 방향으로 활용되는 방안에 대해서도 이야기한다. 이에 따라 본 논문에서는 슈타이얼 작품을 감시체계 와 정체성, 인공지능 및 알고리즘, 자본주의 시장과 연결 지어 사회적 제도에 비판적으로 접근하는 구체적인 사례들을 살펴보고자 한다.

This study aims to examine the institutional critical art value of Hito Steyerl’s work, which shows an aspect of the late capitalist era using digital technology. In this study, we examine how various digital images of this era are consumed through Steyerl’s art project. In other words, it looks at Steyerl’s work based on the contradictions that appear in the structure and operational logic of modern society. Steyerl’s work generally focuses on the two-sided characteristics of digital technology. While proposing to critically look at the modern society represented by images and data, Steyerl also talks about how digital technology surrounding the entire life is used in the right direction today. Accordingly, in this paper, I would like to look at specific examples of critically approaching the social system by linking Steyerl’s work with the surveillance system and identity, artificial intelligence and algorithms, and capit