Earticle

본 연구의 목적은 유럽 문화도시의 축제 프로그램에 나타난 다양한 예술표현 형태를 기반으로 지역문화와 예술교육의 역할 그리고 시민 문화예술 향유에 대하여 논하는 것이다. 이를 위하여 유럽 문화도시로 지정된 글래스고, 아비뇽, 베를린 축제의 특징을 살펴보고, 시민들이 참여하는 예술교육의 분석을 통하여 예술교육의 방향성을 찾고자 한다. 또한 문화도시에서 축제 프로그램의 동향과 예술구 현 방법에서 나타난 시민예술 향유 및 문화예술교육에 대한 가치를 살펴보고자 한다. 문화도시의 대표적인 축제에서는 지역사회와 위원회를 중심으로 시민의 자발적 참여를 유도하였으며, 축제 프로 그램에서 예술표현은 예술가의 작품과 공연에서 공간적 자율성을 내포하고 있다. 따라서 축제 프로그 램을 통한 예술교육은 지역적 인프라와 인적자원의 활용이 축제의 성공과 관련이 있으며, 공공성 있는 예술교육을 위해서는 소통과 예술단체의 내실 있는 운영이 필요하다. 그리고 축제 프로그램에서 는 일시적인 예술 공연보다는 양질의 예술교육에 가치를 두고 공공예술의 차원에서 지속적으로 공동 체와 함께 개발해야하는 시사점을 논하였다.

In this study, we discuss the role of local culture and art education, and local residents’ enjoyment of art and culture based on various forms of artistic expressions found in cultural festivals that take place in European cities. To this end, we identify the characteristics of festivals in designated European cultural cities of Glasgow, Avignon, and Berlin, and explore the direction of art education that engages local residents. We also examine the value of local residents’ enjoyment of art and art education as manifested in the trend of art festival programs and the methods of artistic expressions. Our investigation shows that art festivals taking place in the European cultural cities encourage voluntary participation of local residents, driven by the local community and festival committees. And the art festival programs show that artistic expression contains spatial autonomy in terms of artists’ artwork and performance. Successful art education through art festival depends on utilization of local infrastructure and human resources; and, to implement art education in a way that brings public benefit, it is important to ensure good communication and sound management of art organizations. As for art festival programs, it is important to work with the local community continuously to develop programs with an emphasis on quality art education to bring public benefit, instead of focusing on one-off performances.

본 논문은 백남준(白南準, 1936-2006)의 ‘미디어 아트(Media Art)’에 나타난 ‘상호작용성 (Inter-activity)’에 대한 고찰 연구로서, 그의 ‘미디어 아트’ 형성의 근저에 자리잡은 매체성과 개방성 에 기반한 철학적 개념과 양식적 특성을 분석함으로써, 백남준 예술의 ‘상호관계성’의 개념형성의 구체적 근거를 살펴보고자 한다. 미디어의 매체성에 기반한 백남준의 예술에서 ‘상호작용성’은 그의 예술전반을 관통하는 양식적⋅개념적 특성으로 해석된다. 이러한 특징은 그가 60년대 초 플럭서스 (Fluxus) 활동시기 영향받은 스승 존 케이지(John Cage)로부터 얻어낸 ‘불확정성(Indeterminacy)’ 개념 에서 그 철학적 근거를 찾을 수 있다. 백남준은 독일시기(1956-1963)의 ‘플럭서스’ 활동에서 존 케이 지를 통해 ‘불확정성’을 주목하며 자신의 철학적 개념으로 발전시킨다. ‘불확정성’은 존 케이지가 일본의 선(禪, zen)사상가 스즈키로부터 영향 받아 그의 예술양식에서 발전시킨 개념으로 불교적 배경에 해박했던 백남준은 자신의 예술세계에서 독창적인 개념적 특질로서 발전시키게 된다. 이러한 맥락에서 본 논문은 백남준의 작품세계의 해석에 대한 개념적 특질을 동서양의 통합적 관점에서 고찰하는 것을 목적으로 한다. 이를 위해 백남준 예술의 양식적 특성인 매체성에 내재한 ‘상호작용성’을 바탕으로 현대예술 ‘플럭서스’의 ‘불확정성’과 ‘선(禪)’의 관점에서 비교분석한다.

This paper is a review of 'Inter-activity' in 'Media Art' by Nam June Paik (1936-2006), and aims to examine the specific basis of the conceptual formation of Nam June Paik's art by analyzing the philosophical concepts and stylistic characteristics based on media and openness. In Paik Nam-jun's art based on media media media, 'Inter-activity' is interpreted as a stylistic and conceptual characteristic that penetrates his entire art. This characteristic can be found in the philosophical basis of the concept of "Indeterminacy" that he obtained from his teacher John Cage, who was influenced by Fluxus' activities in the early 1960s. In the "Fluxus" activity of the German period (1956-1963), Paik Nam-joon focuses on "uncertainty" through John Cage and develops it into his own philosophical concept. "Uncertainty" is a concept developed by John Cage in his art style under the influence of Japanese Zen thinker Suzuki, and Paik Nam-joon, who was well versed in Buddhist backgrounds, develops this concept as an original conceptual trait in his art world. In this context, this paper aims to examine the conceptual characteristics of Paik Nam-jun's interpretation of the world of work from an integrated perspective of East and West. To this end, it is compared and analyzed from the perspective of "Indeterminacy" and "Zen" of modern art "Fluxus" based on the "interactionality," which is derived from the media nature a stylistic characteristic of Paik Nam-joon's art.

공동주택의 수준이 향상되면서 외부 마감재에 재료 사용범위가 확장되었다. 이로서 재료기반의 색채사용방식에 관한 복합적 연구가 필요하다고 생각된다. 또한 건축의 계획 개념에 부합되는 공동주 택의 색채사용체계에 관한 연구도 부족한 편으로 생각된다. 따라서 이번 연구에서 독특한 삶의 다양성, 지속가능성, 사치스러움을 개념으로 조성된 하노버 펠리칸 비에르텔 공동주택단지를 대상으로 색채사 용특징을 추출하였다. 색채 사용방식의 분석 기준은 형태, 경관, 재료와 색채의 관계, 거주자의 관점으 로 접근하였다. 그 결과 형태적 관점에서 나타난 색채사용 특징은 ‘건축의 단순성 유지’, ‘시각적 분리가 없는 형태유지’, ‘건축 형태와 구성요소의 색채 일치’로 나타났다. 재료와 색채의 관점에서는 ‘재료와 페인트 색채의 일치’, ‘가공된 재료의 표면색과 색채의 일치’, ‘재료의 표피와 질감에서 나타나 는 색채 기반의 전체 색채 팔레트’ 형성으로 나타났다. 경관적 관점의 특징은 ‘유사계열의 색채에 의한 맥락성 유지’와 ‘명도차이에 의한 변화’가 나타났다. 거주자의 관점에서 나타난 특징은 ‘세대의 경계와 영역을 구분하지 않는 방식’, ‘공동시설 용도에 따른 지각의 지원이 없는 색채사용방식’이 나타났다. 이와 같은 연구의 결과는 공동주택 가이드라인 형성과 외부 입면설계에 도움을 줄 것으로 생각되며, 지속가능한 주거문화의 가치구현과 선진적 공동주택 색채사용방식 정책수립에 기여하게 될 것으로 생각된다.

As the level of apartment houses improved, the range of material use for external finishing materials expanded. As a result, it is considered necessary to conduct a complex study on the method of using color based on materials. In addition, research on the color use system of apartment houses that conforms to the concept of architectural planning is considered insufficient. The characteristics of color use were extracted from the Hanover Pelikan Viertel apartment complex, which was built with the concept of unique diversity of life, sustainability, and luxury. Analysis criteria on color usage method were analyzed in terms of shape, landscape, relationship between material and color, and the resident's point of view. As a result, the characteristics of the use of color from a morphological point of view were 'maintaining the simplicity of architecture', 'maintaining the form without visual separation', and 'the matching of colors between the architectural form and components'. In terms of material and color, it was found to be ‘concordance of material and paint color’, ‘concordance of color with processed surface color of material’, and ‘total color palette based on color appearing in the skin and texture of material’. Characteristics of the landscape point of view were 'maintaining contextuality by selecting colors of similar series' and 'changes due to differences in brightness'. From the resident's point of view, there were no 'methods that do not distinguish the boundaries and areas of furniture' and 'a method of using colors that do not support perception according to the use of communal facilities'. The results of this study are thought to be helpful in the formation of guidelines for apartment houses and the design of exterior facades, contributing to the realization of sustainable housing culture values and the establishment of advanced policies for the use of color in apartment complex.

1889년~1900년 사이에 이라크의 수도 바그다드에서 백마일 정도 떨어진 고대 수메르의 유적지 니푸르에서 기원전 천년 전에 수메르인들이 만든 것으로 추정되는 수천 개의 점토판과 파편들이 발굴되었다. 여기에는 수메르인의 문학 작품이 수백 편이 기록되어 있었는데, 약 오십 줄에서 천 줄 정도의 다양한 형식이고, 그 내용은 수메르인의 삶과 종교와 윤리관을 보여주는 것이었다. 이 작품들은 일리아드와 오디세이아보다 천년 정도 앞선 것이다. 지난 이천여 년간 감춰졌던 역사를 발굴하면서 확인된 것은 성경을 비롯한 모든 예술 작품이 수메르인의 세계관에서 비롯되었다는 것이 다. 오래전부터 수메르인들은 신화와 서사시, 찬미가와 애도가, 그리고 수많은 속담, 우화, 에세이 등 여러 장르의 뛰어난 문학을 창작했고, 이것을 종교 의례에서 노래로 불렀고, 수메르인의 학교에서 교과서로 활용했던 것이다. 앞으로 진행될 연구에 의해 감춰진 인류의 역사가 더욱 분명하게 드러날 것이다.

Between 1889 and 1900, thousands of clay plates and debris were excavated from Nipur, an ancient Sumerian site about a hundred miles from the Iraqi capital Baghdad, believed to have been made by the Sumerians 1,000 BC. There were hundreds of Sumerian literary works recorded here, various forms of about 50 to 1,000 lines, and the contents showed Sumerian life, religion and ethics. These works are about 1,000 years ahead of Ilia De and Odysseya. What was confirmed by the excavation of the station that had been hidden for the past 2,000 years is that all works of art, including the Bible, originated from the Sumerian world view. For a long time, the Sumerians created excellent literature of various genres, including myths and epics, praise and adoration, and numerous proverbs, fables, and essays, and called it a song in religious rituals, and used it as a textbook in Sumerian schools. The history of mankind hidden by future research will be more evident.

19세기 프랑스 회화에서 자포니즘은 예술 사조이기보다 일본 예술 애호 경향으로 볼 수 있다. 이는 동방 이미지의 차용과 유사한 형태로, 타국의 문화와 자국의 문화 간 우열 비교를 통한 자국의 ‘문화적 정체성 확립’이라는 정치적 목적을 두고 있기 때문이다. 에드워드 사이드(Edward Saïd, 1963-2003) 가 부여한 오리엔탈리즘(Orientalism)의 정의는 지정학적으로 동방을 동양으로 본 관점에 가깝다. 그는 1978년 발표한 저서 '오리엔탈리즘(Orientalism)'에서 서구에 의한 동양 사회의 정의 및 규정은 지적 폭력이며, 이러한 일방적 시선에 따른 고정관념들이 오리엔탈리즘의 본질이라고 설명한다. 이에 따라, 시각 예술에서 오리엔탈리즘은 작가의 생태적 환경과 사상이 조성된 문화적 여건에 기반한 동양 이미지의 유, 무의식적 묘사라 볼 수 있다. 신고전주의 시대부터 낭만주의 시대까지 프랑스 회화의 오리엔탈리즘 경향은 동방에 대한 묘사를 통해 나타났으며, 대표적으로 장-오귀스트-도미니크 앵그르 (Jean-Auguste-Dominique Ingres, 1780-1867)와 외젠 들라크루아(Eugène Delacroix, 1798-1863)의 회화에 서 동방은 야만적이며 향락적인 모티프가 주를 이루었음을 알 수 있다. 19세기 인상주의 화가들을 필두로 유행한 자포니즘(Japonisme) 경향 역시 이러한 오리엔탈리즘 경향에서 비롯되었다. 따라서 프랑스의 이국 취향은 미적 기호에 따른 취향의 문제 이전에, 문화의 계층화를 통한 정체성 의 확립이라는 비판적 해석을 제시할 수 있다. 그러나 동방을 주제로 했던 오리엔탈리스트들의 회화와 는 달리, 자포니스트(Japoniste)들의 회화에서는 일본 회화에서 나타나는 화법과 화면 구성 요소를 사용하는 경향을 찾아볼 수 있다. 이에, 본 고에서는 19세기 프랑스에서 자포니즘이 발생한 배경과 그 수용 과정을 당대 화가들과 후원자들의 경향에 따른 사회적 흐름을 바탕으로 살펴보고, 자포니즘의 이국 취미적 특징 중 ‘일본 모티프의 차용’과 ‘일본 화법의 수용’을 구분하고, 19세기 프랑스 회화의 자포니즘 경향에 대한 해석을 다양화 하고자 한다.

In 19th-century French painting, Japonism can be seen as a dilettantish trend in Japanese art rather than an art period Japonism. In a similar form to the borrowing of Eastern images, it has a political purpose of establishing its own 'cultural identity' through comparison of superiority and inferiority between cultures of other countries and their own cultures. The definition of orientalism (L’orientalisme) given by Edward Saïd(1963-2003) is closer to the geopolitical perspective of viewing the East as the Orient. In his book ‘Orientalism(1978)’, he explains that the definition and regulation of Eastern society by the West are intellectual violence, and that these stereotypes based on one-sided views are the essence of Orientalism. Accordingly, Orientalism in a visual sense can be seen as the conscious/unconscious description of the oriental image based on the cultural background where the artist’s ecological environment and idea was established in. From the era of neoclassicism to romanticism, the tendency of orientalism in French painting has been shown as the description of the Orient. Representatively in the paintings of Jean-Auguste-Dominique Ingres (Jean-Auguste-Dominique Ingres, 1780-1867) and Eugène Delacroix (Eugène Delacroix, 1798-1863), the East was depicted with uncivilized and hedonic motifs. Japonism (Le japonisme), which was a concept very popular among 19th century impressionism painters, also originated from orientalism tendency. In other words, a critical interpretation can be suggested that the foreign country taste of France is about the establishment of identity through the stratification of culture, before it is about the taste depending on aesthetic preference. However, unlike the paintings of the orientalists who used the Orient as their main theme, the paintings of Japonistes tend to proceed to the changes in the screen composition elements as well as the drawing techniques affected by Japanese paintings. The report reviews how Japonism was established and got accepted in the 19th century France based on the social flow depending on the tendency of 19th century Japonism artists and their sponsors, classify the borrowing of Japanese motifs and acceptance of Japanese drawing techniques in terms of Japonism’s exoticism, and diversify the interpretations of Japonism in the paintings of 19th century France.

인공지능, 메타버스, NFT 등의 등장은 미술의 패러다임이 지난 세기와 현저히 다른 흐름을 맞고 있음을 보여준다. 또한 COVID-19은 온라인으로 연결되는 가상교실을 교육현장에 빠르게 도입시킨 결과가 되었다. 미술교육은 이러한 추세에 맞추어 미래사회를 대비할 수 있는 혁신적인 변화를 요구하 고 있으며, 이를 이끌어 나갈 미술 교사의 전문성 함양, 즉 역량 강화가 중요하게 대두되고 있다. 독일은 20세기 초 미술교육의 혁신을 통해 현대교육을 선진적으로 이끌어 나간 역사적 경험이 있으며, 현대 미술의 중심에서 세계적인 미술의 흐름을 주도하고 있다. 이러한 경험이 풍부한 독일 미술 대학의 교사 교육과정에 대한 연구를 통해 한국 미술교육의 나아가야 할 방향을 모색해보고, 교사 역량 강화에 대한 방법을 마련해 보고자 한다. 독일은 지방자치제도에 따라 교육방법이나 정책, 체계가 주마다 다르며, 교사 양성을 위한 미술대학의 교과 내용이나 과정 또한 각 주마다 다르기에 이번 연구에서는 독일 남서부에 위치한 Baden-Wüttemberg주와 Saarland 주의 미술대학을 중심으로 살펴보았다.

The emergence of artificial intelligence, Metaverse, and NFT shows that the paradigms of art are facing a considerably different flow from the past century. COVID-19 has facilitated the fast introduction of virtual classrooms connected online in the field of education. In keeping up with these trends, art education calls for innovative changes to prepare for a future society. The cultivation of professionalism or the reinforcement of competence in art teachers that will take a leading role in this is emerging importantly. Based on its innovation of art education in the early 20th century, Germany has historical experiences of leading modern education to an advanced level and is taking the lead in the global flow of art at the center of contemporary art. By conducting research on the teacher education curriculums of German art universities with an abundance of such experiences, this study set out to search for the future directions of art education in South Korea and find ways to reinforce the competence of teachers. Since Germany introduced local autonomy years ago, different provinces have different methods, policies, and systems of education and also different subject content and courses to cultivate teachers at art universities. The present study focused its examination on art universities in Baden-Wüttemberg and Saarland in northwestern parts of Germany.

팬데믹 이후, 개방성과 탈중앙화를 지향하는 NFT와 메타버스가 급격히 성장하고 있다. 이를 기반으 로 한 여러 가상 플랫폼은 예술가, 미술 갤러리, 신생 NFT 갤러리, 메타버스 관련 거래처 등이 참여한 다. 미술관 역시 온라인 이용을 넘어 가상세계에 관한 관심을 가지며, 메타버스 전시와 예술작품의 NFT 발행으로 다양한 논쟁의 장에 올랐다. 서구 미술관들이 운영 기금 마련을 위해 미술시장과 문화산 업에 뛰어들기 때문이다. 새로운 시장과 미술관 운영 방법 개선에 내던져진 미술관에 대한 존재 물음이 필요한 시점이다. 메타버스와 같은 가상 세계 플랫폼의 이용자들은 지속적인 문화 관심을 유발하는 잠재적인 관람객으 로 성장할까? 메타버스는 예술교육과 가상 전시장의 기능을 할 수 있는 창·제작 센터일까? 이 글은 메타버스와 NFTs의 잠재력에 대한 무한한 가능성을 피력하는 디지털 사회에 내재하는 보이지 않는 함정을 살펴보고, 이러한 시대의 미술관에게 요구되는 새로운 역할과 기능이 무엇인지 논의의 장을 확대하는 데 있다. 더불어 이 연구는 오늘날 변화하는 예술 생태계 속 한국 미술관이 나아갈 방향을 모색한다.

After Covid-19 pandemic, NFTs and Metaverses that aim for openness and decentralization are growing rapidly. Several virtual platforms include artists, art galleries, new NFT galleries, and metaverse-related business partners. Art museums are also interested in the virtual world beyond online and have been on the cusp of various debates with the Metaverse exhibition and NFT of works of art. This is because Western art museums are entering the art market and cultural industry to raise operating funds. It is time to question the existence of art museums thrown into a new market. Will users of virtual world platforms such as Metaverse grow into potential spectators who generate continuous cultural interest? Is Metaverse a center for creative production that can function as art education and virtual space of exhibition? This study examines the invisible pitfalls inherent in the digital society, which reveals the infinite potential of NFTs, and seeks the direction for the Korean art museum in today’s changing art ecosystem.