Earticle

현대미술은 도시 재생 사업의 주요 매개체이며 도시 형성과 경제 부흥에 주력한다. 미술은 어떤 평가를 받아왔던 도시 발전과정에서 도시 환경 속의 존재물이었으며, 공공 공간에서 다양한 형태로 공존하면서도 인간의 삶과도 관계하고 있다. 그 가운데 공공미술은 지역 사회에 영향을 행사하며 문화 민주주의의 모델로 평가받았다. 동시에 이 분야는 여전히 많은 논쟁을 유발하고 있다. 이에 본 연구는 공공미술이 한 도시에 체계적으로 드러나는 프랑스 리옹시의 공공미술에 주목하며 도시의 삶에서 공공미술의 상관관계를 알아본다. 오늘날 한국 사회에서 문화적 도시재생의 하나로 여전히 공공미술이 활성화되는 동시에 비판적인 시각이 공존하는 현 상황에서 이 연구는 공공미술의 발전적 가능성을 논의할 수 있을 것이다.

Contemporary art is a major medium in urban regeneration projects and focuses on urban formation and economic revitalization. It was an existence in the space and environment in the process of urban development which received a certain valuation and coexisted in various forms in public space, but it is also related to human life. Among them public art exerts influence on urban development and local communities and was evaluated as a model of cultural democracy. At the same time, this genre still generates a lot of controversy. Therefore this study focuses on public art in Lyon of France, where public art is systematically revealed and examines its correlation in the city. In the current situation where public art is still active as one of the cultural urban regeneration in Korean society and critical perspectives coexist, this study will be able to discuss the developmental potential of public art.

이 논문은 채프먼 형제의 작품에 나타난 언캐니 이미지를 정리하고, 이에 적용된 미학개념으로서의‘언캐니’가 어떠한 전략과 효과를 도출하는지 분석한 것이다. 언캐니 밸리 현상으로 우리에게 친숙한언캐니는 프로이트의 ｢두려운 낯설음｣(1919)에서 동시대 미학으로서의 가능성으로 발전되었다. 프로이트는 ‘언캐니’에 대해 공포감의 변종으로 이상하게 불안하게 하는 것으로 정의하며 인간이 지니는‘불안’이란 심리적인 경험과 언캐니를 구분 지었다. 이러한 언캐니 이미지를 이끌어내는 조형적인특징은 쉬클로프스키의 ‘낯설게 하기’ 이론을 차용하였다. 쉬클로프스키는 이 ‘낯설게 하기’의 방법적측면에서 지각의 과정 자체가 미적 목적이므로, 원래의 형식을 변형함으로써 지각에 소요되는 시간을연장시켜야 한다고 주장했다. 채프먼 형제의 작품은 신체의 절단과 접합을 통한 그로테스크한 신체이미지와 폭력적이고 적나라한 죽음의 이미지를 통해 시각적 충격을 전달한다. 이러한 관점에서 채프먼형제의 작품에서 드러나는 언캐니 이미지를 첫째 절단과 접합, 둘째 죽음의 표상 덧씌우기, 셋째상실된 지표성으로 정리하여 분석하였다. 채프만 형제의 예술세계에 드러나는 언캐니 이미지들은불편하지만 효과적으로 예술의 영역과 역할에 대해 고찰해보게 만든다. 채프먼 형제의 작품은 보는사람으로 하여금 언캐니 이미지를 통해 자신들의 의도를 효과적으로 전달하고 있음을 확인할 수있었다

This paper summarizes the uncanny images in the Chapman brothers' works and analyzes what effects ‘uncanny’ as an aesthetic concept applied to that. Uncanny, which is familiar to us due to the Uncanny Valley phenomenon, developed its potential as a contemporary aesthetics in Freud's “Das Unheimliche”(1919). Freud defined “Uncanny” as strangely disturbing as a variant of fear and distinguished it from the psychological experience of “anxiety” possessed by humans. The formative feature that make this uncanny image brought ‘Defamilarization’ by Shiklovsky. Schiklowski argued that the process of perception itself is an aesthetic purpose, so the time required for perception should be extended by transforming the original form. The Chapman brothers' works give visual shock through images of the body cut or bonded and images of violent and death. The based on this, the uncanny image revealed in the Chapman brothers’ works was summarized and analyzed as the first cutting and bonding, the second death representation, and the third indicator lost. The uncanny images revealed in the Chapman brothers' work are uncomfortable but make us think about the area and role of art. It was confirmed that the Chapman brothers' works effectively convey their intentions to the viewers through the Uncanny image.

2006년에 SOAS University of London은 보관하고 있던 19세기에 중국에서 촬영된 사진을 공개했다. 이 아카이브의 디지털 버전은 University of Southern Califonia의 디지털 도서관에 있다. 이 중에 한국인 을 촬영한 것으로 추정되는 여섯 점의 사진이 있다. 이 사진들은 중국 연경(燕京)에 파견되었던 연행사 신(燕行使臣) 일행을 촬영한 것으로 밝혀졌다. 조르주 드 생 프리스는 1863년에 러시아 사진가 레프 스테파노비치 이고레프가 연행사신(燕行使臣) 일행의 사진이 포함된 ‘A Russian’s view of China, 1861-1864’을 촬영했을 가능성이 매우 높다고 했다. SOAS의 소장품에 그 러시아 사진가의 self-portrait 가 있는 것도 확인하였다. 이 자료를 토대로 『연행일기(燕行日記)』기록을 참고하여 최초의 한국인이 촬영된 사진을 분석했다. 이 사진 속의 빛의 상태, 사진자의 방향 등은 이 사진들이 촬영된 순서를 파악할 수 있는 근거가 되었다. 그리고 사진 속의 인물이 입고 있는 의복을 조선시대의 의복에 나타난 특징을 근거로 1863년에 연경(燕京) 촬영된 사진 속에 있는 일부 사람들의 이름과 신분을 추정할 수 있었다.

In 2006, SOAS University of London released a photograph of its collection. The digital version of this archive is placed on the Digital Library of the University of Southern California. Among them, there are six photos that are believed to have taken Koreans. The photographs were found to have taken a group of the Diplomatic Corps who had been dispatched to China in 1863. Georges de Saint-Priest said that it is very likely that Lev Stepanovich Igorev shot ‘A Russian's view of China, 1861-1864’, which includes photos of the Diplomatic Corps. I also found a photo of the Russian photographer on the site of SOAS. Based on this, the order of the photographs was identified considering the records of the “Yeonhaeng ilgi” and the state of light and the direction of shadows shown in the photographs considered to have taken the first Koreans. And based on the characteristics of the clothing of the Joseon Dynasty, the names and identities of some people in the photographs taken in 1863 were estimated.

프리다 칼로는 1920대에서 1940년대 멕시코의 격동기에 장애와 사고로 얻은 육체적 아픔을 온몸으 로 겪으며 고통과 함께 살다간 강인한 여성 화가이다. 그녀는 자신의 육체를 그림의 주제로 하여 여성으로서의 경험과 모성으로서 상상을 사실적이고 진실하게 작품에 표현하고 있다. 본 연구는 프리다 칼로의 삶과 작품을 통하여 그녀의 자아 형성과정을 탐색해 본다. 프리다 칼로의 자아 형성과정은 세 가지 관점에서 접근해 볼 수 있다. 디에고 리베라와의 관계를 중심으로 한 여성으 로서 자아, 임신과 출산의 욕구와 관련된 모성으로서의 자아, 이를 모두 포용하여 형성된 대지로의 통합적 자아가 그것이다. 프리다 칼로의 자아 형성과정을 작품 전체를 통한 통찰적 시각으로 살펴보는 것은 이전까지 연구되 었던 프리다 칼로의 자아에 관한 연구 영역을 페미니즘의 시각을 넘어 통합적 자아로까지 확장해 본다는 데 본 연구의 의의가 있다고 하겠다.

Frida Kahlo is a passionate female painter who was destined to suffer in agony going through all these physical pains caused by her own disabilities and accidents that she had gotten during the turbulent period of Mexico from the 1920's to the 1940's. She mainly dealt with her own body as topics for her work, and that was what had led her to present her experiences as a woman and motherly imagination as well in realistic and authentic fashion. This study aims to explore how Frida Kahlo built up her egos as looking into her life and work. How Frida Kahlo had formed her egos could be observed from the three points of view. The egos are believed to say an ego as a woman focusing on a relationship with Diego Rivera, an ego based on motherhood related to these desires for pregnancy and childbirth, and an integrative ego of the earth which had been formed as it would embrace all of the other previous ones. In terms of how this study discusses how Frida Kahlo built her egos as observing the whole work from an insightful perspective, it helps this study considered significant for it has expanded an range of any previous research on Frida Kahlo's egos all the way to the integrative ego going even beyond the perspective of feminism.

프란시스 베이컨(Francis Bacon)과 루시안 프로이트(Lucian Freud)는 영국을 대표하는 구상화가로 전후 현대미술계에서 가장 주목받는 작가들이다. 이들은 1979년 알 비 키타이(R.B.Kitaj)가 명명한 런던스쿨(School of London)의 핵심적인 작가들로 인간 실존의 의미를 그들만의 독자적인 조형 언어로 표현해냈다. 프로이트의 사후 10년이 지났지만 두 사람의 개별적 연구는 많이 진행되었으나 두 작가만 따로 묶어서 작품세계를 비교한 연구는 거의 없어서 이 글을 통해서 살펴보려 하였다. 따라서 본 논문에서 는 작가로서 두 사람의 관계와 작품세계를 비교 분석 하였다. 먼저 두 사람이 1945년에 처음 만나서 거의 1980년 까지 친교를 나누며 작가로서 교류한 관계를 주목하여 어떠한 영향을 주고받았는지 찾아보았다. 19세기 대표적인 영국의 화가로 늘 함께 거론되는 윌리엄 터너(Joseph Mallord William Turner)와 존 컨스터블(John Constable)처럼 베이컨과 프로이트는 미술사적으로 같이 묶이기는 하지만 차이점도 분명히 있다. 공통점으로는 샤르트르와 실존주의의 영향을 받은 이들은 전후 사회의 우울하고 불안한 인간상 에 대한 본질적인 리얼리티를 추구하였다. 프로이트가 에칭 작업을 병행하였지만 두 작가 모두 평생 인물화 위주의 평면회화 작업에 천착했다. 또한 유화물감의 물성을 통한 몸과 ‘살(Flesh)’의 표현을 중시했다. 그리고 차이점은 베이컨은 직관적인 방식으로 인체의 단순한 재현이나 심리묘사를 하기 보다는 존재의 상태를 나타내려 하였고 프로이트는 냉철하게 대상을 분석하여 인물 자체의 심리적 표현에 치중하였다. 베이컨은 우연성에 기대어 사진을 보고 빠른 속도로 작업하였고 프로이트는 실제 모델을 앞에 두고 긴 시간에 걸쳐서 절제된 색채로 그림을 그렸다. 이 외에도 다양한 작품세계의 공통점과 차이점을 찾아보았고 살을 통한 신체표현의 의미와 해석 방식을 비교분석 하였다. 이런 연구를 통해 서구 미술세계의 주변부에 불과했던 영국에서 동시대에 두 거장이 출현과 이들의 예술적 성취가 20세기 후반 회화의 지평을 넓혀 오늘날 영국 현대미술의 발전에 공헌을 한 의미를 생각해 보고자 하였다.

Francis Bacon and Lucian Freud are Britain's leading figurative painters, and they are the most notable artists in the post-war contemporary art world. They are the core artists of the School of London named by R.B.Kitaj in 1979 and expressed the meaning of human existence in their own formative language. Although 10 years have passed since Freud's death, many individual studies have been conducted on the two men, but few studies have compared the world of works by separately grouping only the two authors. Therefore, in this thesis, the relationship between the two as artists and the world of artwork were compared and analyzed. First, I looked at the relationship between the two people who met for the first time in 1945 and had a close friendship until 1980 and exchanged as artists to find out what kind of influence they had. Like Joseph Mallord William Turner and John Constable, who are always mentioned as representative British painters of the 19th century, Bacon and Freud are tied together in art history, but there are also clear differences. In common, they were influenced by Chartres and existentialism pursued the essential reality of the depressed and anxious human image of post-war society. Although Freud performed etching works in parallel, both artists devoted their lives to flat painting work centered on portraits. Additionally, emphasis was placed on the expression of the body and ‘flesh’ through the physical properties of oil paint. And the differences are that Bacon tried to express the state of existence rather than simply representing the human body or describing the psychology in an intuitive way, and Freud concentrated on the psychological expression of the character itself by analyzing the subject coolly. Bacon leaned on chance and looked at the photos and worked at a fast pace, while Freud painted the real model in front of him over a long period of time with understated colors. In addition to those, the commonalities and differences of the various worlds of artwork are searched, and the meaning and interpretation method of body expression through flesh are comparatively analyzed. Through this study, I tried to think about the significance of the emergence of two masters at the same time and their artistic achievements in England, which was only at the periphery of the Western art world, broadening the horizons of painting in the second half of the 20th century and contributing to the development of contemporary British art.

본 논문은 60년대 후반 데이비드 호크니(David Hockney, 1937-)의 로스앤젤레스 시기 작품들에서 읽혀지는 구상과 추상을 확인하는 것에 의의를 둔다. 이 시기의 호크니 작품은 자신과 가까운 인물들을 작품의 주요 소재로 삼는다. 회화 속 인물은 전통적 구상 회화의 것을 따르는 것 같기는 하지만 완전한 재현의 결과물은 아니다. 그는 인물의 표현을 구체화 시키는 방법으로 사진이라는 매체를 보조 수단으 로 활용하는데, 이는 구상 회화적 특징인 재현과 내러티브를 연상시킨다. 이와 함께 호크니는 구상의 상대적 개념으로 등장한 추상을 자신만의 방식으로 활용한다. 그는 캔버스 위에 자신의 작품을 하나의 이미지처럼 배치하고, 추상 회화의 작품들을 차용하여 회화 속 공간을 채운다. 이는 그린버그(Clement Greenberg, 1909-1994)가 강조하는 미술의 절대적 속성인 평면성(flatness)의 표현이다. 현대적 의미에 서 구상과 추상의 경계를 나누는 일은 시대착오적인 이분법적 사고로 이해될 수 있다. 그럼에도 불구하 고 그가 활동했던 시대적 상황에 견주어 보았을 때, 자신만의 방식으로 구상과 추상을 흡수한 호크니의 독자적인 방식을 분석하는 일은 당위적이다.

This thesis is significant in that it investigates the figuration and abstraction read in the works David Hockney(1937-) produced in Los Angeles in the late 1960s. During this period, he used people close to him as the main objects of his works. The figures in his paintings seem to follow the frame of traditional figurative paintings, although they are not the outcomes of a complete representation. As a way to materialize the expression of a person, he utilized photography as an auxiliary means of medium, which is reminiscent of representation and narrative, the characteristics of figurative painting. At the same time, Hockney employed abstraction which emerged as a relative concept of figuration in his way. He arranged his work like an image on the canvas, and filled the space in his painting by borrowing the works of abstract painting. This is an expression of flatness, an absolute attribute of purity which was emphasized by Clement Greenberg (1909-1994). In a modern sense, dividing the boundary between figuration and abstraction might be treated as an anachronistic dichotomous way of thinking. Nevertheless, it shall be regarded justifiable to analyze Hockney's independent method of absorbing figuration and abstraction in his own way, in view of the circumstances of the times in which he was active.

이 논문은 GPS 기술과 융합한 보행예술의 사례를 분석함으로써 디지털 시대에 보행예술이 역설적 으로 반디지털적 경험을 추구하며 현 시대에 대한 성찰적 가치를 지님을 강조하기 위한 연구다. 20세기 후반 디지털 기술의 보편화로 인류의 삶과 경험의 양상은 크게 변화되었다. 특히 GPS 기술의 대중화는 스마트폰, 내비게이션 장치, 지도 서비스 등과 연동되며 인류가 공간과 관계 맺는 방식에 커다란 변화를 이끌었다. 그러나 이러한 기술들은 삶의 편의성과 효율성을 높여준 대신 인간이 속한 공간의 의미와 이동 경험의 가치를 축소하는 촉매제가 되기도 하였다. 20세기 말 이후 보행예술의 두드러진 활성화 양상은 점차 추상화, 가상화되어가는 디지털 시대의 문화에 대한 예술적 반응으로 해석될 수 있다. 특히 GPS와 보행예술의 융합은 디지털 기술을 보행 활성화를 위해 역설적으로 전유한다는 점에서 그 상징성이 크다. 이 논문에서는 디지털 기술과 융합한 보행예술의 대표적 사례로서 제레미 우드(Jeremy Wood)의 GPS 드로잉(GPS Drawing)을 분석하여 디지털 시대에 보행예술이 지니는 실천적, 성찰적 가치가 무엇인지 도출하였다.

This thesis, analyzing a case of walking arts fused with GPS technology, is a study to emphasize that this kind of walking arts paradoxically pursue anti-digital experiences in the digital era and have a reflective value for the present era. With the advent of digital technology in the second half of the 20th century, the aspect of human life and experiences has changed significantly. In particular, GPS technology, linked to smartphones and car navigation devices and map services, has led to great changes in the relationship between mankind and space. However, while these technologies have increased the convenience and efficiency of life, they have become a catalyst for reducing the meaning of the space to which humans belong and the value of the experience of moving. The remarkable activation of walking arts since the end of the 20th century can be interpreted as an artistic response to the culture of the digital age which is gradually becoming abstract and virtualized. In particular, the convergence of GPS and walking art is very symbolic in that it paradoxically appropriates digital technology to activate human walking. In this paper, the practical and reflective value of walking arts in the digital age was derived by analyzing Jeremy Wood's GPS Drawing as a representative example of walking art fused with digital technology.

본 연구는 부리오의 『관계 미학』 발간 이후, 2014년 타이페이비엔날레 전시에서 보여준 ‘확장된 관계’ 개념으로 인간-비인간의 관계를 탐색하는 동시대 새로운 예술적 실천을 규명하고자 하는 시도이 다. 연구의 목적은 첫째, 부리오의 1990년대 ‘관계 미학’ 이후 2014년 타이페이 비엔날레를 통해 보여주었던 ‘확장된 관계’ 개념이 어떤 의미가 있는지 살펴보는 것에 있다. 둘째, 부리오의 ‘확장된 관계’ 개념에 입각하여 인간과 비인간 간의 관계성을 탐색한 작품들을 인간-자연, 인간-새로운 생명체, 인간-기계, 이렇게 세 가지 유형으로 나누고 이를 분석하여 미학적 가치를 조망하는 것이다. 동시대 인간-비인간의 관계를 탐색하고 있는 새로운 작품 유형들을 분류하는 것은 작품의 가치를 평가할 때 평가범주로서 작동될 수 있을 것이며, 새로운 서사를 만드는 기준점으로 활용될 수 있을 것이다.

This study is an attempt to closely examine new contemporary artistic practices exploring the relationship between humans and non-humans through the ‘expanded relationship’ concept displayed at the 2014 Taipei Biennial, following the publication of Bourriaud’s Relational Aesthetics. The study’s purpose is, firstly, examining the significance of the ‘expanded relationship’ concept presented through the 2014 Taipei Biennial since Bourriaud’s 1990s ‘relational aesthetics.’ Secondly, it aims to categorize artworks that explored the relationality between humans and non-humans by the three patterns of human - nature, human - new life-form, and human - machine based on Bourriaud’s ‘expanded relationship’ concept, and to analyze this to survey the aesthetic value. The categorizing of new art types exploring the contemporary relationship between humans and non-humans will be able to operate as an evaluation range when assessing the value of the art, and it will lend itself to use as a datum point for creating new narratives.