Earticle

본 연구는 크리스토프 코녜(Christophe Cognet)의 『뼈 조각들』(2019)과 다큐멘터리 영화 <눈먼 발걸음으로>(2021)를 중심으로 나치 수용소에서 비밀리에 촬영된 사진들의 역사적, 윤리적, 미학적 의미를 고찰한다. 크리스토프 코녜는 프랑스 영화감독이자 시각문화 연구자로서, 수용소 내에서 수감자들이 목숨을 걸고 촬영한 이미지들을 통해 홀로코스트 재현의 윤리와 한계를 탐구한다. 본 연구에서 우리는 다하우, 부헨발트, 미텔바우-도라의 집단 수용소 사진들, 라벤스브뤼크의 생체 실험 사진들, 그리고 아우슈비츠-비르케나우의 존더코만도 사진 네 장을 분석한 코녜의 작업을 소개한다. 이들 사진은 단순한 기록이 아니라 극한 상황에서 촬영된 ‘시선의 흔적’이며, 흔들리고 흐릿한 이미지의 결함들조 차 윤리적 진정성의 징후로 해석된다. 크리스토프 코녜의 작업은 클로드 란츠만과 조르주 디디-위베르 만의 이미지 논쟁의 지형을 재구성하며, 사진 이미지를 ‘물질적 흔적이자 행위’로 이해한다. 『뼈 조각 들』은 언어적 분석을 통해 이미지의 내부로 파고들고, <눈먼 발걸음으로>는 현장을 걸으며 감각적 지식을 추구한다. 두 작업 모두 과거의 고통 앞에서 현재 우리가 어떤 윤리적 응시와 책임을 져야 하는지를 묻는 실천적 철학을 제시한다.

This study examines the historical, ethical, and aesthetic significance of photographs secretly taken in Nazi concentration camps, focusing on Christophe Cognet's Éclats (2019) and the documentary film <A pas aveugles> (2021). Christophe Cognet, a French filmmaker and visual culture researcher, explores the ethics and limitations of Holocaust representation through images that prisoners risked their lives to capture within the camps. In this study, we analyze photographs from the concentration camps of Dachau, Buchenwald, and Mittelbau-Dora, medical experiment photographs from Ravensbrück, and four Sonderkommando photographs from Auschwitz-Birkenau. These photographs are not mere records but rather ‘traces of vision’ captured under extreme circumstances, where even the defects of shaky and blurred images are interpreted as signs of ethical truthfulness. Christophe Cognet's work integrates the image debate between Claude Lanzmann and Georges Didi-Huberman, understanding images as ‘physical traces and acts’. Éclats delves into the interior of images through linguistic analysis, while <A pas aveugles> pursues sensory knowledge by walking through the actual sites. Both works present a practical philosophy that questions what kind of ethical gaze and responsibility one should bear in the face of past suffering.

기후·환경 위기가 전 지구적으로 주요 화두가 됨에 따라, 교육계에서도 환경교육의 중요성이 더욱 강조되고 있다. 이에 따라 각 교과의 특성에 부합하는 다양한 환경교육 방법론이 개발되고 있으며, 미술 교과에서는 특히 ‘업사이클링 아트(upcycling art)’가 주목받고 있다. 그러나 현실에서는 유사한 재료와 활용 방식이 반복되거나, 일회성 체험 활동에 그치는 경우가 대부분이다. 또한 기존의 폐품 활용 미술 활동과 차별성이 모호하여, 환경교육으로서의 실질적인 효과 역시 명확하게 드러나지 않는 한계가 있다. 이에 본 논문에서는 환경교육으로서 업사이클링 아트가 진정으로 지속가능한 교육이 되기 위해서 나아갈 방향을 탐색하기 위해 국제적으로 주목받고 있는 이탈리아의 레미다(Remida) 센터 사례를 분석하였다. 레미다 센터는 지역 기업과의 협업을 통해 업사이클링 아트의 재료가 되는 다양한 종류의 폐자재를 수거하여 지역 학교 및 교육 기관에 공급할 뿐 아니라 다양한 대상을 포괄하는 프로그램 제공을 통해 지역 사회의 환경의식 고취에 기여하고 있다. 레미다 센터 사례 연구는 국내의 업사이클링 아트 활용 환경미술교육의 지속가능성 고찰에 있어 중요한 시사점을 제공해 줄 것이다.

As the climate and environmental crisis has emerged as a major global issue, the importance of environmental education is being increasingly emphasized in the field of education. Accordingly, diverse approaches to environmental education have been developed in alignment with the characteristics of each subject, with particular attention drawn to upcycling art in the field of art education. However, in practice, most activities remain limited to either the repetitive use of similar materials and methods or one-off experiential events. Furthermore, they often lack a clear distinction from existing art activities utilizing discarded materials, and their tangible effectiveness as environmental education remains ambiguous. This study analyzes the case of the internationally recognized Remida Center in Italy to explore the direction upcycling art should take to become truly sustainable education. The Remida Center not only collects a wide range of industrial waste in collaboration with local companies and supplies them to schools and educational institutions, but also contributes to raising environmental awareness in the community through programs designed for diverse audiences. The case study of the Remida Center offers valuable insights for examining the sustainability of environmental art education utilizing upcycling art in Korea.

본 논문은 과정 미술에서의 과정이 단순히 절차의 나열을 넘어 새로운 조형적 의미를 창출하는 방식을 분석한다. 과정 미술은 1950년대 미니멀리즘 형식주의에서 파생되어, 제작 과정을 예술의 핵심 주제로 삼으며 재료와 행위의 의미 전환을 시도해왔다. 본 연구에서는 대상에 대한 조형적 해석을 대상의 경험, 감정 그리고 사고와 신념 등의 가치 체계에 주목한 뒤, 이를 자신의 감각과 사유를 거쳐 재구성하고, 그 결과를 창작 행위를 통해 시각적으로 전달하는 과정을 연구한다. 이는 일상적 오브제나 재료의 활용을 통해 삶의 경험을 예술적 탐구로 전환하고, 결과보다는 생성의 과정을 강조하 는 특징을 지닌다. 본 연구에서 주목할 만한 사례로 과정 미술을 조형적으로 탐구한 리처드 세라 (Richard Serra, 1938–2024)의 1968년부터 1973년까지의 작업을 중심으로, ‘지시어’를 활용한 조형 행위와 손의 움직임이 드러내는 해석적 전환을 중점적으로 살펴본다. 특히 이 시기의 작업들은 세라가 유럽에서의 예술적 기반을 확립하고 활동 영역을 넓히는 데 중요한 계기가 되었으며, 그의 독창적인 접근은 국제 미술계에서 주목받았다. 본 연구는 이러한 과정을 통해 대상이 어떻게 재구성되며, 그 변형이 객관적 이해로 이어질 수 있는지를 탐색한다. 나아가 동시대 예술 창작에서 과정 중심의 사고가 지니는 새로운 의미와 가능성을 연구하고자 한다.

This study analyzes how Process Art transcends mere procedural execution to generate new formativeness, focusing on Richard Serra’s seminal works from 1968 to 1973. Situated within the Post‑Minimalist lineage—where Process Art emerged as a critical response to the formalism of 1950s Minimalism and emphasized bodily, material, and temporal concerns the study examines Serra’s instruction-based 「Verb List」and embodied practices such as 「Gutter Splashes」 and 「Props」. Serra’s 「Verb List」, a handwritten set of action-oriented directives—“to lift, to curl, to roll” etc.—reveals his reduction of art-making to performative verbs, drawing on movement and choreographic influences Through art‑historical and hermeneutic lenses, the research demonstrates that his methodologies provoke interpretive shifts: conceptual instructions materialize into forms that recalibrate spatial and perceptual relationships among viewer, body, and object By exploring how repetitive gestures and embodied engagement reconstitute objecthood, the study argues that process-driven strategies can yield objective understanding beyond subjective improvisation. During this period, Serra consolidated his European artistic base, garnering international recognition for his kinetic and action-based approach. The findings underscore the theoretical and practical significance of process-centered thinking in contemporary art, positing creative methodology as a conceptual medium in its own right. The paper also proposes future research avenues into participatory, digital, and audience-engaged processual practices in art-making.

아모닉+마송 건축은 삶의 질 향상, 기능성과 미학의 조화, 곡선과 색채로 감성을 자극하는 공간, 도시환경과의 유기적 관계를 지향한다. 이러한 건축개념을 토대로 그들의 색채 사용 방식에는 다음과 같은 특징이 있다. 첫째, ‘색채 일치에 의한 형태 단순화’로 벽체와 주요 건축 요소들에 동일한 색채를 적용하여, 군더더기 없이 기초적 형태를 단순화한다. 둘째, ‘색채와 재료의 대비’로 색채와 재료의 차별적 사용을 통해, 매스가 분리되어 보이게 하면서 풍부하고 독창적인 미적 효과와 개성을 창출한다. 셋째, 색채와 재료를 혼합해 불규칙적으로 배치하여 ‘혼성적, 불규칙적 배열’, ‘화려하게 가공된 재료’ 에 의해 건축에 강한 상징성을 나타낸다. 넷째, ‘강조 색채의 사용’으로 높은 채도의 색채를 부분적으로 사용해 거주자에게 친밀함, 즐거움 등 긍정적이고 감각적인 경험을 제공한다. 다섯째, ‘내·외부, 주변 시설물과의 색채 연계’로 건물 내부와 외부, 그리고 주변의 시설물까지 색채를 통일되게 구성하여 건축적 정체성을 더욱 강화한다. 이처럼 아모닉+마송 건축은 색채와 재료를 단순한 장식이 아닌, 공간의 성격과 정체성을 드러내는 적극적인 “설계 도구”로 활용함으로써, 건축의 실험성과 고유한 미적 가치, 그리고 도시의 맥락성까지 모두 실현하는 것으로 알 수 있었다.

Harmonic+Masson architecture aims to enhance quality of life, achieve a balance between functionality and aesthetics, create spaces that stimulate emotions through curves and color, and pursue an organic relationship with the urban environment. Based on these architectural principles, their use of color is characterized by the following features: First, simplification of form through color uniformity: By applying the same colors to the walls and key structural elements, they simplify forms to their essence, eliminating unnecessary details. Second, contrast between color and material: By deliberately differentiating between colors and materials, they visually separate building masses, creating a rich and distinctive aesthetic effect and unique architectural character. Third, heterogeneous and irregular arrangement, and elaborately processed materials: Through the irregular arrangement and mixing of colors and materials, and the use of flamboyantly treated materials, they endow their architecture with strong symbolic meaning. Fourth, use of accent colors: By partially introducing highly saturated colors, they offer occupants positive and sensory experiences, such as a sense of intimacy and joy. Fifth, color cohesion between interior, exterior, and surrounding facilities: By achieving consistency in color schemes across the interior and exterior of the building and even extending to surrounding facilities, they further strengthen architectural identity. In this way, Harmonic+Masson architecture utilizes color and materials not merely as decorative devices, but as active “design tools” that reveal the character and identity of a space. This approach demonstrates how they realize architectural experimentation, unique aesthetic values, and even urban contextuality.

19세기 이래 서양의 수복(restauration) 이론은 대상을 원형으로 되돌리는 ‘수복’과 현상태를 유지하 는 ‘보존(conservation)’이라는 이분법을 기반으로 발전해 왔다. 이러한 접근의 중심에는 작품의 ‘객관 성’과 ‘진정성’을 확보해야 한다는 수복 원칙이 자리하고 있다. 그러나 기술의 발전과 작품 제작 매체의 다변화는 이처럼 확고했던 전통적 원칙에 근본적인 질문을 제기하였으며, 이는 동시대의 수복 이론과 실천에 대한 보다 폭넓은 사유를 요구하고 있다. 따라서 본 연구는 기존 논의에서 간과되어 온 ‘시간성 (temporalité)’ 의 관점을 핵심적인 분석틀로 도입하여, 19세기 이후 등장한 주요 수복 이론의 이론적 전제들을 비판적으로 재검토하고 수복 실천의 역사적 변화를 체계적으로 조명하고자 한다. 또한 동시 대 수복과 시간성의 관계를 심도 있게 검토하기 위해 ‘파티나(patina)’와 ‘스폴리아(spolia)’와 같은 구체적인 수복 사례를 분석한다. 나아가 수복의 시간성을 ‘아나크로니즘(anachronisme)’ 개념과 관련 지어 논의함으로써, 동시대 수복에 대한 인식 변화를 드러내고자 한다.

Since the 19th century, Western restoration theory has developed based on the dichotomy of “restoration,” which restores an object to its original state, and “conservation,” which maintains its current state. At the heart of this approach lies the principle of restoration, which asserts the importance of securing the “objectivity” and “authenticity” of a work of art. However, technological advancements and the diversification of artistic production media have raised fundamental questions about these steadfast traditional principles, necessitating a broader consideration of contemporary restoration theory and practice. Therefore, this study introduces the perspective of “temporality,” which has been overlooked in previous discussions, as a core analytical framework. This study aims to critically reexamine the theoretical premises of major restoration theories that emerged since the 19th century and systematically illuminate the historical evolution of restoration practice. Furthermore, to deeply examine the relationship between contemporary restoration and temporality, it analyzes specific restoration cases, such as “patina” and “spolia.” Furthermore, by discussing the temporality of restoration in relation to the concept of ‘anachronism’, we aim to reveal the change in perception of contemporary restoration.

변화하는 도시 공간에서 현대미술은 인간의 도시적 삶과 일상에서 다양한 방식으로 작동하며 도시 의 문화적·경제적 발전에 기여해 왔다. 본 논문은 도시의 문화 환경에 기여해 온 물리적 형태로서의 공공미술과는 다르게 지역의 사회적 삶과 공동체의 관계에서 수행해 온 도시 미술 프로젝트의 보편적 역할을 고찰한다. 더 나아가 이 논문은 다양한 유형의 도시 속 예술 프로젝트들 중 도시 미술 프로젝트 가 도시의 문화적 재생과 지역 공동체 형성에 어떠한 영향을 미치는지를 분석한다. 이는 단순한 미술사 적 접근을 넘어서 사회, 정치, 경제, 문화가 얽힌 복잡한 관계망 속에서 도시 미술의 기능과 의의를 조망하는 데 목적이 있다.

In the changing urban space, contemporary arts has played various roles in everyday life and urban life, and has contributed to the cultural and economic development of the city. This study analyzes what kind of universal role of urban art projects that have been performed in the relationship between social life and community, different from the special activities of traditional public art that contribute to the cultural environment of the city as a physical form. Furthermore, this paper analyzes hat kind of influence urban art projects, among various types of art projects, have on the cultural regeneration of the city and the local community. This aims to go beyond a simple art historical approach and examine the function and significance of urban art in the complex network of social, political, economic, and cultural relations.

포스트모더니즘 철학자 F.리오타르(Lyotard)는 칸트에 기대어 정립한 자신의 숭고론 속에서 ‘숭고’ 를 ‘현시’할 수 없는 이념 속에서 현시하고자 하는 특수한 과정 속에서 발생하는 감정으로 해석하고 현대 미술 속에서 어떻게 구현할 수 있는지를 논하였다. 바넷 뉴먼(Barnett Newman)의 회화는 추상표 현주의가 지향하는 실존적 물음 속에서 전개된 전위적 특성 속에서 ‘숭고’의 가치를 구현하고자 한 작가이다. 리오타르의 예술론은 뉴먼의 숭고회화 속에서 포스트모던 미술의 새로운 가능성을 발견하 며, 포스트모더니즘의 맥락에서 해석한 ‘숭고’의 가치를 주장하였다. 결국 리오타르는 뉴먼의 숭고회 화에서 구현된 개념과 표현에서 이제까지의 인간중심적 존재론의 구조를 해체하고, 현대미술의 새로 운 가치를 향해 나아갈 수 있는 가능성을 발견하고 있다. 이러한 맥락에서 본 논의는 리오타르의 숭고론을 바탕으로 한 바넷 뉴먼의 작품분석을 통해 그의 숭고의 개념과 표현특질들을 살펴봄으로써 포스트모더니즘 맥락에서의 숭고의 예술적 표현방법론과 현대 미술의 새로운 가능성들을 확인해보았 다. 작품 분석을 위한 범주는 칸트와 버크의 숭고개념을 새롭게 해석한 리오타르의 숭고에 따른 표현범 주를 적용하여 분석하였다. 이를 통해 현대미술에서 숭고가 지닌 “현시할 수 없는 것의 현시성”이라는 시각적 한계의 극복과 ‘숭고’의 회화적 가능성을 엿볼 수 있었다.

Postmodern philosopher F. Lyotard interpreted “Sublime” as an emotion arising from a special process of trying to present “Sublime” in an ideology that cannot be “present” in his sublime theory established by Kant and discussed how it can be adopted in contemporary art. Barnett Newman’s painting is an American abstract painting found in the avant-garde characteristics developed in the existential question that abstract expressionism aims for, and is an artist who seeks to embody the value of “Sublime.” In Newman’s sublime paintings, Lyotard discussed the new value of postmodern art and insisted on a new discourse of contemporary art. Lyotar’s sublime theory at the center of postmodern discussions eventually suggested a direction to dismantle human consciousness as a human-centered being so far, and discussed that the possibility could be found in Newman’s painting world. In this context, this study examined the concept of sublime and the methodology of artistic expression of sublime by examining examples of sublime interpretation through the analysis of Barnett Newman’s works based on Lyotard’s theory in the context of postmodernism. The category for the analysis of works was analyzed by applying the expression category according to the sublime of Lyotard, who interpreted in the context of postmodernism to the concept of sublime by Kant and Burke. Through this, we could see the possibility of sublime in contemporary art that can overcome the visual limitaion of the “representation of the unvisible” of the sublime.