Earticle

일반적으로 미술관에 있어서 경영자립은 공공성을 훼손하는 것으로 여겨진다, 공공성은 설립주체 와 상관없이 미술관의 존립근거가 되는 가치이기에, 경영자립의 큰 부분을 차지하는 재정자립은 미 술관 행정의 우선순위에서 멀어지게 되었다. 그러나 21세기의 미술관에게 요구되는 공공성은 과거의 것과는 분명하게 다른 성격의 것으로, 공공성과 경영자립의 양립문제는 더는 선택의 문제가 아니게 되었다. 문제에 접근하기 위해서는 이를 둘러싼 생태계의 급격한 변화를 인식해야 한다. 우선 미술관의 침범할 수 없는 가치인 공공성 개념이 변하고 있다. 문화와 예술에 대한 문화향유자의 요구가 다양 화되면서, 미술관도 보존과 연구, 교육 등의 전통적인 역할에 머물 수 없게 되었다. 이에 더해 점진적 인 공적 자금의 축소가 국공립미술관의 경영자립을 재촉하는 요인으로 작용하면서, 공공성과 경영자 립 간의 갈등은 더욱 심화되는 추세다. 이에 대응하기 위해 영국과 프랑스는 이미 국립미술관의 법인 전환을 통해 경영자립과 공공성을 도모해 왔다. 구체적인 방법에는 차이가 있지만, 양국은 미술관에 자율성을 부여하는 법인의 형태로 미술관 운영을 하고 있다. 공공성과 경영자립의 대립하는 두 과제를 관통하는 해법으로서 법인화라 는 경영자립 전략을 통해 미술관의 자율성 및 독립성을 오히려 보장해나가고 있는 것이다. 중요한 것은 영국과 프랑스의 경영자립 전략을 참고하여 우리만의 고유하고 혁신적인 동시에 기능적인 국공립 미술관의 경영자립 모델을 구축하는 것이다. 이를 위해서는 공공지원금의 축소라는 추세적 현실의 급박함을 인식하고, 경영자립의 대안을 통해 난관을 헤쳐 나가는 보다 전향적인 시도 가 필요할 때다. 이를 위해서는 논의와 모색의 과정에 예술계 안팎의 다양한 주체들의 참여와 소통 이 전제되어야 한다.

Seeking any kind of independence in art museum management is generally thought to damage publicness. Since publicness is regarded as the value that comprises the base of an art museum’s existence, financial independence as a big part of management independence is placed on the back burner in art museum administration. That being said, the publicness required of art museums in the 21st century is obviously different from that of the past. Thus, the matter of compatibility between publicness and management independence is no longer a matter of choice. We have to become aware of a rapid change in the ecosystem pertaining to a problem in order to approach it. The concept of publicness, an inviolable value of an art museum, is changing more than anything else. As demand by those who enjoy culture and art is diversified, art museums have become unsatisfied with its conventional roles of preservation, research, and education. The conflict between publicness and management independence is increasing as a gradual reduction of public funds works as a factor to stimulate management independence in art museums. England and France have sought after management independence and publicness through the conversion of national and public art museums into corporations. Both nations have run art museums in the form of corporations with autonomy even though a distinction exists in terms of concrete methods. They guarantee the autonomy and independence of art museums through a strategy of incorporation as the solution to tackling the two contrasting assignments of publicness and management independence. It is important to establish a model for national and public art museums’ management independence that is intrinsic, innovative, and functional. It is time to make a more forward-looking endeavor to overcome hardships through alternatives for management independence and understand urgency in reality such as the reduction of public funds. For this to be successful, it is necessary that a variety of subjects both inside and outside the world of art engage in a process of discussion and exploration and communicate with one another.

예술가의 작품은 인간의 경험이나 체험이 내면의 무의식 속에 저장되어 의식으로 표출되는 것이 일반적인 이해이다. 그러나 예술작품을 개인사적 경험이라는 단순한 외형적 혹은 시각화로 표현하기 에는 너무 제한적이고 편협한 이해라고 본다. 그런 점에서 일찍이 칼 구스타브 융(Carl Gustav Jung) 은 예술을 예술가의 개인적 생활사에서 보여주고 있는 심리학적인 접근방법으로 연구하여 예술가들 의 창조적 과정을 주목해 볼 것을 힘주어 강조한 바 있다. 그래서 융에게 예술가와 창조과정은 동시 성과 일체감으로 서로 호응하는 것이며, 작가의 의도에 따라 작품제작 보다는 창조적 관념이 작가를 압도한 나머지 작동되는 무의식적 충동의 일어남으로 보고 있다. 이 연구는 초현실주의 여성작가들의 작품에서 표현되는 원형상을 프로이트의 유아기적이며 성애 적인 이론분석이란 편중된 이해를 해소하고자 하며, 나아가 그들의 정당한 이해의 기틀이 제공되길 바라며, 칼 구스타브 융의 분석심리학적(Analytical Psychology) 관점으로 접근하고자 한 것이다. 여 성작가의 개인적인 삶과 예술적 관점이란 편협한 시각에서 벗어나고 예술의 창조자로서 자기실현 (Self-Realization)의 경향성에 도달하고자 하는 인류의 보편적 원형성을 여성주의적 작품 속에서 분 석하고자 한다. 여성작가의 작품에서 보이는 집단무의식의 원형은 어떠한 상징적 의미를 담고 있는가? 또한 작품 에서 재현된 무의식 원형을 어떻게 표출하고 있는지? 등의 문제제기를 갖고, 대표적인 여성 작가군을 선정하여 그들의 작품세계를 분석함으로써 예술의 상징적 원형을 아니마와 아니무스의 주제별 로 나누어 분석하고자 했다. 결국 집단무의식의 주제에 따른 원형이미지 분석의 결과는 여성예술의 원형은 자신들의 삶을 이루고 있었던 동시대적 삶의 반영이며, 인류공통의 경험으로서 도달하고자 하는 자기실현의 과정인 것이다.

Works of an artist are commonly a conscious expression of individual experiences that are stored unconsciously. However, it is a limited bias to say that they are merely a visual expression of individual experiences. Jung studied artwork by taking a psychological approach on personal lives of artists, and emphasized that interest should lie with the creation process of artists. Artists and their creation process align in simultaneity and unity. Artworks were regarded to have been created impulsively as the notion of creation overwhelms the artist, which stimulates unconsciousness, rather than by the intention of the artist. This study approaches the archetype of artworks by female surrealists with Jung’s analytical psychology theory in order to resolve the biased analysis that is focused on Freud’s theories rooted in children and sex. The purpose of this research is to study whether female artists can leave aside personal lives and artistic perspectives to achieve the tendency for self-realization and analyze the archetype of universality of humans. In regard to the question of what significance the archetype of collective unconscious has in works of female artists and how unconscious of human psychology has been drawn, images of archetype were analyzed based on the topic of collective unconscious – anima and animus. – In order to study the archetypes of artworks of leading female artists. As a result, archetypes of artworks of female artists reflected the life ofcontemporary era and were a process of reaching self-realization based on common human experiences.

세계적으로 도시 브랜딩에 대한 사회적 관심과 더불어, 도시 브랜딩 사업의 결과로 새로운 이미지 의 도시들이 재탄생하고 있다. 유럽에서는 이미 오래전 부타, 국가 브랜드 및 지역 브랜드에 대한 연구가 진행되었고, 유럽 국가들은 브랜드 사업에 대규모로 정책적 노력을 전개하여 왔다. 이러한 유럽 도시 브랜딩 추세는 지금도 계속되고 더욱더 확대되어 가고 있다. 특히, 유럽의 경우에는 수백 년 또는 수천 년 전부터 가지고 있는 문화유산을 바탕으로, 관광도시의 이미지를 구축해왔으며, 문화 예술을 기반으로 다양한 문화행사 들을 개최함으로써 문화예술 도시의 이미지를 구축했다. 관광산업 과 맞물려, 문화예술도시로서 거듭나려는 노력, 도시의 정체성을 구축하려는 노력 등, 유럽 국가들은 도시 브랜딩 사업에 많은 노력을 전개하여 왔으며, 성공적인 결과를 이룩한 도시들도 많이 있다. 본 논문에서는 다음과 같은 문제들을 살펴보고자 한다. - 도시브랜딩이란 무엇이며, 도시브랜드사업이 사업이 왜 필요한가? - 유럽 도시들은 어떠한 방식으로 도시 브랜드화를 이룩했는가? - 유럽도시브랜드 사업을 효율적으로 추진한 곳은 어디인가? - 관광 도시 및 문화예술도시로 브랜딩하기 위해 어떤 노력들 전개해왔는지? 브랜드란 일반적으로 기업이 상품이나 서비스를 경쟁자들로부터 차별화하기 위하여 사용하는 독특한 이름이나 상징물(로고, 등록 상표, 포장 디자인 등)을 의미한다. 도시 브랜딩이란, 도시의 특성 을 살려 그 도시를 상징화시킴으로써 도시의 독특한 정체성을 구축하는 것이다. 전통적인 도시 브랜 딩의 방법으로는, 도시를 상징하는 그림이나 도안을 만들어 깃발에 달거나 도시 곳곳에 배치하는 방법이 있었다. 마치 제품들이 고유 마크를 제품에 붙이는 것과 다를 바 없다. 이렇게 함으로써 기본 적으로 브랜드는 소비자에게 제품 생산자를 알려줌으로써 유사 제품을 공급하려는 경쟁자들로부터 소비자와 생산자를 보호한다. 도시브랜드 사업이 왜 필요한 지? 그 이유를 요약해보면, Globalization 글로벌리제이션에 따른 도시 간 자원 유치가 치열하였기 때문이다. 관광산업 수입이 국가 총수입의 높은 비율을 차지하고 있는 유럽 도시의 경우에는, 도시 브랜딩이 이러한 관광산업을 효율적으로 전개하기 위한 필수적인 수단이라고 할 수 있다. 기업들이 제품 브랜딩을 하듯이, 도시도 브랜딩을 통해 효율적인 지역 마케팅 과 지역 개발을 달성할 수 있는 것이다. 글로벌리제이션 현상이 곳곳에 일어나고 있는 상황에서는, 관광유치, 제품 판매, 외국인 투자 유치를 위해서는 적극적인 도시 브랜드화 사업 추진이 필요하다. 그러면 도시를 어떠한 방식으로 브랜딩 할 수 있는가? 기업과 달리 국가나 도시의 경우에는 정체 성이나 가치를 확립하기가 용이하지 않다. 특히 국가나 도시의 경우, 브랜드 정체성이나 가치를 변화 시키기 위해서는 법이나 정치 제도의 구조적인 변화가 수반되어야 하는 경우도 있으며, 지역 단위의 대대적인 노력이 필요하기도 하다. 동시에 브랜드 정체성을 확립하기 위해서 다양한 이해관계 집단 들과의 협의와 동의가 선행되어야 하는데, 이해의 조정에는 상당한 시간과 노력이 투입되어야 가능 하다. 도시 브랜드 정체성 확립이 어려운 또 다른 이유는 기업과 달리 국가에는 여러 가지 연상이나 가치가 혼재되어 있기 때문이다. 본 논문에서는, 이러한 어려움들을 극복하고 도시 브랜드화에 성공한 유럽 도시들의 예를 통하여, 도시 브랜딩 사업을 기획하고, 효율적으로 추진하기 위한 유럽 국가들의 노력에 대해 살펴보고자한 다. 특히, 관광도시, 문화예술 도시로서 브랜딩 사업은 어떠한 방식으로 기획되고 추진되었는지, 주 요 사업 영역은 무엇인지, 도시 브랜드 사업을 추진함에 있어 발생하는 문제점들은 어떤 것들이 있 는 지도 아울러 살펴보고자 한다.

Place branding practices started in the nineteenth century (around 1850 in the United States to attract population in rural areas, and later on for tourism purpose, especially in Europe, with famous posters of places). Only from 2010 there is a general trend to consider place branding as an emerging scientific field of study. One of the tenets of place branding posits that the struggle for attention and preference is not limited to commercial goods and services; it applies equally to geo-political entities. Countries and cities compete for tourist income, business, and often tax bases. Proponents of place branding argue that this heightened competitive environment makes it important for places, no matter their size or composition, to clearly differentiate themselves and to convey why they are relevant and valued options. Successful destination-brand management can be seen as an exercise of coordination where relevant variables; such as tourism infrastructures, quality of local services, and other destination-brand users need to be managed in order to achieve a coherent and desired destination-brand identity. Therefore, The destination branding is, in reality, a d coordination of all the variables that affect the destination image. City branding refers to all the activities that are undergone with the purpose of turning a City from a location into a destination. "Successful branding" can turn a city into a place where people want to live, work and visit. City branding is invariably related to the notion that places compete with other places for people, resources, and business. It is the process of image communication to a target market. City branding can be defined as the process employed by public administrations to intend to create city brands. It can even be considered as a governance strategy for projecting images and managing perceptions about places. City branding thus suggests that cities could be considered as brands, as long as perceived so. In this regard, many public administrations are implementing city branding strategies.

최근 문화 미술에서 성(Sex)과 젠더(Gender)에 있어서는 탈 젠더화와 초 페미니즘을 추구하려는 경향이 강해지고 있다. 더 나아가 젠더 이론은 여성의 성보다는 젠더의 사회적 관심에 더 초점을 맞추면서 여성의 성과 또 다른 각도를 보인다. 여기에 탈중심주의, 탈본질주의, 탈이성주의 등을 주 장함으로써 페미니즘의 주체와 사회적 방향성을 약화하는 결과를 초래하였다. 이제 페미니즘 미술은 젠더에 관한 모더니즘적인 사고를 거부할 뿐만 아니라 제3의 성과 다양한 변화 앞에 서게 되었다. 본 연구는 이러한 사실에 주목하고 미술과 미술비평에 따라 페미니즘미술과 제3의 성에 대해 고찰하 고자 하였다. 이를 위해 본 연구에서는 페미니즘의 사회적 문제들을 먼저 살펴보고 성에 대한 시각 등을 고찰한 후 제3의 성에 접근하고자 하였다. 제3의 성이 미술에서 어떻게 펼쳐지고 있는지를 살 펴보면서 젠더에 대한 문제점들을 간략하게 짚어봄으로써 제3의 성으로서의 젠더와 페미니즘 미술 의 변화와 변용에 대해 인지하고, 이를 통해 제3의 성과 젠더에 관한 인식을 새롭게 하는 데에 본 연구의 의미를 두었다.

This study examines the current status of contemporary feminist art based on the artistic approach and analysis of feminist art, and examines the position and possibility of the third gender in contemporary art. As the postmodern era came into being, various problems emerged in the midst of modernism, and the Western cultural trends had to change fundamentally. Particularly important in feminist art is the part about the social affairs that are related to man and woman. Aesthetic or artistic approaches to social issues and gender interests will be relevant to the status of women in today's contemporary art. The problem of gender that accompanies gender, which is the core of feminism debate since the advent of postmodernism or post structuralism, has become a crucial factor in analyzing and studying feminism. The social and artistic relations according to sex have become a very important part in modern society. Now, analysis and research on the location and relationship of women and men has become a necessary requirement in modern society. Furthermore, over time, it became a time to consider the social problems of women's discrimination as well as the third sex. Therefore, it is becoming increasingly difficult to examine the outline of gender simply by the theoretical approach of feminism. The purpose of this treatise is to review the value of gender and gender in gender in the previous research, to criticize the viewpoint of gender, and to explore the relationship between gender and art. To this end, this study will first examine other theories and feminist theories based on a broader philosophical thought. In addition, feminism with its perspective in postmodernism and post structuralism is skeptical of modernism, expertise, power, and knowledge, so that feminist thinking has caused changes in social phenomena and cultural fixed values in our time . This change and deconstruction of stereotypes makes us wonder how it affected the formation of feminist art in our time. This theories focuses on these aspects and analyzes the possibility of feminist art in Korean contemporary art more specifically.

서구의 현대 예술가들은 지배적인 예술적 테제와 제도에 변증법적으로 대응하며 제도권을 거부하 기도 했지만, 종종 연계되었다. 이 연구는 이러한 과정을 흥미롭게 보여주는 도시 공간에 주목했다. 예술(혹은 예술작품)과 사회(현실)에 대응하며 일부 예술가들이 거리에 개입했다는 점을 주목한다면, 다니엘 뷔랭의 거리활동에 대한 비판적 접근은 그의 작품 내용에 대한 분석에서 벗어나 새로운 시선 을 제공할 수 있을 것이다. 다니엘 뷔랭의 초기 작업이 기존의 지배 질서와 제도를 거부하는 예술적 태도를 보여줬다면, 1980 년대 중반 이후 그의 작업은 현대의 테크놀로지와 자본주의에 힘입은 설치 작업으로 변모하고 있다. 이에 이 논문은 뷔랭의 초기 작업 목적에서 벗어나 화려한 색채와 재료를 통해 관람객의 시선을 주 목시키는 후기 작업으로의 변화에 대해 비평적으로 분석한다. 이를 통해 이 연구는 도시 공간의 화 려한 변화 속에서 자본과 테크놀로지에 힘입은 예술작품이 그러한 작품을 지각하는 인간 주체에 어 떠한 영향을 끼칠 수 있는지 계속해서 연구하는 데 있다.

Contemporary artists have developed dialectically responding to dominant artistic institutions. This study has focused on the urban space that shows this interesting process. If we pay attention to the fact that some artists have intervened in the street in response to the art(or artwork) and the society(reality), we can the critical approach to Daniel Buren’s art works and activities on the streets and art museums. If Daniel Buren’s early work showed an artistic attitude that rejected the dominate art system, since the mid-1980s his work has been transformed into his installation based on contemporary technology and capitalism. Therefore, this study critically approach to the change of his work, which is different from the purpose of the early work, and focuses attention on the public’s gaze through colorful works in urban space. Through these discussions, I will continue to study how the art works based on the capital and the technology, affect the perception of human subjects in the spectacular transformation of urban space.

초현실주의는 20세기 예술운동 중에서 잘 조직된 운동이었으며, 예술과 문학뿐만 아니라 생활 방 식이나 철학적 전망의 표현까지 그 영역을 발전시켰다. 다다이즘에 뿌리를 둔 초현실주의는 인간의 상상력 확장과 사고의 자유를 근본으로 하면서 사회 현실을 변혁시키겠다는 혁명적 이념으로 인간 정신 해방을 목표로 삼으면서 인간을 억압하고 있는 의식으로부터 벗어나고자 했다. 초현실주의는 문학에서 출발한 예술사조로서 주창자는 앙드레 브르통이었다. 앙드레 브르통은 1924년 제 1차 초현실주의 선언에서 초현실주의를 ‘심리적 자동기술’ 즉 이성의 어떤 통제도 없는 상태에서 무의식적 충동을 자유롭게 기입하는 것으로 묘사했다. 인간 내면의 세계를 표현하는 초현 실주의는 프로이드의 자동기술법의 이론에 의거해서 다양한 시각적 양상을 띠면서 전개되어 왔다. 꿈과 환상을 자양분으로 심연의 무의식을 펼쳐내는 자동기술법은 이성적 사고를 배제하는 초현실주 의에게 적합한 표현 기법으로 작용한 것이다. 자동기술법을 구현한 앙드레 마송(Andre Aime Rene Masson)의 자동 기술적 드로잉과 호안 미(Joan Miro)와 이브 탕기(Yves Tanguy)의 자동주의에 의 거하면서도 기호와 상징들을 통한 은유와 환상성, 막스 에른스트(Max Ernst)와 오스카 도밍게스 (Oscar Dominguez)의 자동기술법에서 확장된 표현기법을 보여줌으로써 현대 미술에 있어서 인간 개인의 창의성과 자유의지를 시각화하면서 현대미술의 발전에 기여했다. 이처럼 꿈⋅잠⋅무의식을 인간 정신의 자유로운 발로로 보는 혁신의지와 이성과 합리를 거부하는 초현실주의의 논리를 시각적으로 표출하는데 자동기술법은 주요한 원리로 작동되었다. 개인적인 시 각의 강조가 초현실주의를 기법적인 면에서 이러한 초현실주의의 자동기술법은 예술가의 의식적인 활동이 아닌 적극적인 표현의지로서의 무의식 자체에 집중하면서 현대예술의 창조적․예술적 진보의 장의 개척했다는 데 의미가 있다. 이 연구는 초현실주의의 자동기술법의 미학적 원리와 경향 분석을 통해 현대미술의 표현적 확장성에 미친 영향을 발견하는데 의미가 있다.

Surrealism was the best organized movement in the 20th century art movement and developed not only art and literature, but also the expression of lifestyles and philosophical prospects. Surrealism, rooted in Dadaism, was a revolutionary ideology that would transform the social reality based on human imagination and freedom of thought. Surrealism was Andre Breton who advocated art as a starting point in literature. Andre Breton described surrealism in the first Surrealism Declaration of 1924 as "psychological automatic technology", a free description of unconscious impulses in the absence of any control of reason. Through this, we tried to escape the consciousness which suppresses human being while aiming at the liberation of human mind. Surrealism, which expresses the inner world of human beings, has been developed with various visual aspects according to Sigmund Freud's theory of automatic technology. The automatic technological law that unfolds the unconsciousness deeply with nourishment of dreams and fantasies serves as a suitable expression technique for surrealism that excludes rational thinking. Based on the automatic technical drawing of Andre Aime Rene Masson who implements the automatic technique and the automatic attention of Joan Miro and Yves Tanguy while showing metaphors and fantasies through symbols and symbols and extended expression techniques in Max Ernst and Oscar Dominguez's automatic techniques He has contributed to the development of modern art by visualizing human creativity and free will in contemporary art. In this way, modern technology is able to open up the possibilities of creative and progressive expression world with its innovative will to view dream, sleep, and unconscious as the free footsteps of human mind, and automatic technology law to visually express the logic of surrealism that rejects reason and rationality. I was able to. The surrealist automation technique is meaningful not only for the conscious activity of the artist but also for the expansion of the mental and visual expression of contemporary art, concentrating on the unconscious itself as an active expressive will.

최근 몇 년간 서구 문화기관에서 지원하는 중요한 의미를 갖는 아시아 현대미술전시가 있어왔다. 본 논문은 이 중에서도 독일 문화기관인 동아시아 괴테 인스티튜트의 ‘불협화음의 하모니’ (2015년 2월 7일-2015년 3월 29일) 서울 전시지원 사례에 주목하였다. 이 프로젝트는 서구에서 조화 (Harmony)라는 개념이 아시아를 바라보는 유럽의 관점을 단순화시킨 것으로 보고 아시아가 통일된 정치적, 문화적 공동체가 아니라는 불협 (Discordant)의 관점에서 시작한다. 따라서, 전시 제목 ‘불협 화음의 하모니’는 아시아 국가 간의 정치적, 문화적, 이데올로기적, 역사적 차이와 불일치를 드러내 고 인정하면서 아시아에 대한 새로운 개념을 구축하는데 목표를 두고 있다. 본 논문은 괴테 인스티 튜트의 지원 경위와 취지를 살펴보고 ‘불협화음의 하모니’ 서울 사무소 현대미술관 전시를 다각도로 분석하였다. 이러한 배경을 바탕으로 이번 전시가 서구에 의해 재편된 보편적 아시아의 개념을 어떻 게 비판적으로 성찰하였는지와 사회적 영향력을 가늠해보고자 한다.

In recent years, increasing numbers of Asian contemporary art exhibitions which have been organized by Western institutions have increased their influence on contemporary art. As the part of those phenomena, this study particularly focuses on the Goethe Institute in East Asia’s general supports of Discordant Harmony transnational exhibitions. Among the four exhibitions, the first Discordant Harmony exhibition (7th Feb, 2015 to 29th March, 2015) at the Samuso: Samuso for contemporary art answers the Goethe institution’s exhibition aim: how to redefine the Western view of the simplified notion of harmony in Asia. With the explanations about curatorial aims and artists’ works, the analysis of exhibition contents mainly consist of two parts: overcoming the Universal Notion of Asia and Limited Impact of Exhibitions. Here, this exhibition takes a critical view of Western perspective of the universal features of Asia. Additionally, the general public’s understandings are elaborated through the invisible relationship between the Discordant Harmony exhibition and the Goethe Institutions. In doing so, to what extent a Western institution’s sponsorship of an Asian Contemporary Art exhibition has successfully re-built the notion of harmony in Asia investigated.