Earticle

20세기 전반 두 차례의 세계대전을 겪으며 사람들은 이제 이전과 다른 방식으로 세상을 바라보게되었다. 그런 상황 속에서 등장한 퍼포먼스 아트는 지금까지 당연하게 여겨져 오던 일상적 관례나상식적 가치의 근거에 대해 의문을 던진다. 특히 여성 미술가들은 성, 젠더, 인종, 계급 등의 정체성이새겨진 몸을 적나라하게 때론 충격적인 방식으로 드러냈다. 그 중에서도 지나 판과 마리나 아브라모비치는 자학적인 상처내기를 통해 관객에게 불편과 고통, 충격을 주었다. 두 작가의 자학적 퍼포먼스가 지닌 다의성을 읽어내기 위해서 본 연구는 에리카 피셔-리히테의‘수행성’ 개념을 통해 분석을 시도하였다. 지나 판과 마리나 아브라모비치의 작품 속 자학적 상처는정치적 저항과 성소수자의 고통, 출산의 고통, 남성의 여성에 대한 폭력, 집단 심리, 공산주의의 억압, 어린 시절의 트라우마, 선배 작가에 대한 오마주 등 다양한 의미를 담고 있다. 또한 이들의 퍼포먼스를직접 혹은 사진과 인터뷰 등의 간접적 방식으로 접한 관람객들은 기존 사회에 내재된 모순을 깨닫고, 더 나아가 이들이 겪은 고통과 위기에 대하여 공감하게 되는 등의 커다란 변환을 경험하게 된다.

After two great wars in the first half of the 20th century, people now have a different view of the world. The performance art that emerged in such a situation raises questions about the grounds for everyday practice and common sense values that have been taken for granted so far. In particular, female artists revealed their bodies engraved with special identities such as sex, gender, race, and class in a stark and sometimes shocking way. Among them, Gina Pane and Marina Abramović caused discomfort, pain, and shock to the audience through ‘masochistic incision’. In order to read the polysemic signification of the two artists' masochistic performances, this article attempted to analyze them through Erika Fischer-Lichte's concept of “performativity”. The masochistic incision in Gina Pane and Marina Abramović's work have various meanings, including political resistance, sexual minority suffering, childbirth, male violence against women, collective psychology, suppression of communism, childhood trauma, and homage to senior artists. In addition, spectators who have encountered their performances in person or indirect ways such as photos and interviews experience transformations such as realizing the contradictions inherent in existing society and sympathizing with the pain and crisis they have experienced.

리히텐슈타인이 1961-65년 시기에 제작했던 초기 팝 아트 만화의 화면구조는 한 차례 변형 과정을거쳐 정착되었다. 그는 오하이오 주립대학교와 대학원에서의 지도교수였던 셔먼의 영향으로 형식주의미학을 신봉하게 되었다. 그러나 이후 그는 근·현대미술의 다양한 기법들을 차용하여 자신의 독자적인조합형 화면구조를 형성하기에 이르렀다. 그가 근대미술, 특히 인상주의, 신인상주의, 입체주의, 추상주의 등으로부터는 색상, 명도, 채도대비등의 효과를 차용하였으며, 추상 표현주의로부터는 제스처, 평면성, 형상-지향성 개념, 그리고 재료의물성을 강조하는 이념도 선택적으로 차용했다. 그리고 그는 거기에 60년대 미국의 매스 미디어 소재들- 광고, 연재만화, 잡지, 그래픽 디자인, 소설 등-의 이미지를 차용하고 변형시키는 시도를 하였다. 그의 화면구조는 그러한 소재들의 차용 과정에서 변형을 거쳐야만 했다. 왜냐하면 출발점이었던형식주의 틀에 그 소재들을 결합시키는 작업은 여러 모순을 유발했기 때문이다. 대안으로 그가 찾아낸것은 벤데이 망점 기법이었다. 당시의 상업 인쇄술에서 널리 사용해왔던 그 기법을 차용, 변형함으로써그는 만화 그림의 위상을 고급미술의 수준으로 끌어올리려 하였다. 아울러 당시에 유행했던 연재만화의 말풍선 기법도 차용, 변형하여 그와 동등한 수준으로 격상시키려 하였다. 그러한 일련의 제작기법상차용, 변형의 시도가 결과적으로 그의 만화 그림을 고급미술의 창작성 개념에 도전하게 만들었다. 말하자면 그가 1961-65년 시기에 제작한 만화 그림들은 당시 미국의 유명한 인물들로부터 순정만화주인공들, 그리고 전쟁영웅들에 이르기까지의 팝적 소재들을 대상으로 작품화했기 때문이다. 결과적으로 그의 만화 그림들은 1960년대 미국에서 새로운 팝 아트의 신기원을 이룩했다고 판단된다.

The compositional structure of early comic strips that Roy Lichtenstein produced in the period from 1961 to 65 was established after one time transforming process. He became to trust in the aesthetics of Formalism under the influence of Prof. Sherman as his guiding professor of Ohio State University and its Graduate School he attended. But, then, Lichtenstein came to erect his own creative compositional structure in the form of combination by borrowing various techniques from modern and contemporary arts. From Impressionism, Neo-impressionism, Cubism, Abstraction, etc. of modern art, he borrowed the effects of color contrast, luminosity contrast, chromatic contrast, etc., and furthermore selectively borrowed the concepts of gesture, flatness, form-ground directedness, and the idea to emphasize the material’s property from Abstract Expressionism. And then he attempted to combine them with subject-matters of mass media-advertisement, comic strips, magazine, graphic design, novel, etc. in the USA of the sixties. In that process of borrowing, his compositional structure was driven to be transformed, for the work to combine those subject-matters with the frame of Formalism as the starting point evoked some contradictions. One thing he discovered as an alternative was the Ben-day dots technique. By borrowing, transforming that technique that was widely used for the commercial print at that time, he introduce it into the realm of high art. He, by borrowing, transforming the balloon technique from comic strips that was popular at that time, also tried to upgrade it to the same level of high art. His effort to borrow, transform them in the serial processes of production, in effect, made his paintings to challenge the existing concept of originality of high art. For he changed Pop materials ranging from contemporary American famous figures, characters of romance cartoon to war heroes with his creative compositional structure and idea. In conclusion, his comic paintings during 1961-65 seem to be a new horizon of American Pop art.

도시 공간은 근대화 과정 이래 그 중요성이 지속해서 제기되며, 최근에는 예술적, 문화적 가치의측면에서 새롭게 논의되고 있다. 몇 년간 지역의 수많은 도시가 ‘개발’의 문제에서 벗어나 도시 ‘재생’ 을 위해 오래된 건축물을 재사용하고, 그 가운데 여전히 ‘예술’과 ‘문화’는 핵심어다. 오늘날까지공적 공간에서 미술이 다양한 방식으로 사용되었음에도 그 평가에 대해서는 부정적이다. 이 논문은 도시 공간 속 미술에 대해 비판적인 진단을 토대로 현대 미술이 여전히 생산적인 담론을펼치며 인간과 공간을 매개할 수 있는지에 대한 가능성을 되묻는 것이다. 이를 위해 우리는 서구의도시 속 미술의 다양성, 특히 예술 형식과 활동에 주목하면서 창조적인 예술프로젝트로 연결되는과정에 주목한다. 이는 한국 도시예술이 다양한 창작 방향 및 자율성을 보장받으며 성장할 가능성을탐구해 보기 위한 것이다. 이를 통해 우리는 공적 공간에서의 예술작품을 통해 철학적, 역사적, 정치적, 문화적 파생력을 감지하고 도시예술에 대한 새로운 담론의 장을 확장할 수 있을 것이다.

The importance of urban spaces has been newly discussed in terms of artistic and cultural values. Many local cities have escaped from the problem of development and reused old buildings for urban regeneration, and art and culture are still the key words. With the expectation that art will act as a positive medium Korean information has been supported culture and arts policy in various urban spaces for more than 30 years. In Korea even though art has been used in various ways in public spaces but its evaluation is still negative. This study asks back on the possibility of art in industrialized urban spaces being able to mediate between humans and spaces through a productive discourse based on a critical diagnosis of contemporary art in urban spaces. In particular it explores the possibility that Korean art can grow while being guaranteed various directions in the government-led Korean culture support policy while analyzing the process in which the street art area utilizes urban spaces in various ways and leads to creative art projects. Through this we will be able to detect the philosophical historical political and cultural derivation that occurs in urban spaces and expand the field of new discourse on urban arts.

이 논문에서는 르네상스 미술의 여성 화가 소포니스바 앙귀솔라(Sofonisba Anguissola)의 초상화에나타나는 여성의 이미지가 어떻게 표현되고 있는가에 대해 알아보았다. 르네상스 미술의 거장 미켈란젤로와 르네상스 미술사가 조르조 바사리가 극찬했던 화가인 앙귀솔라는 자신만의 특색 있는 초상화를 만들어내는 데 성공했음을 확인할 수 있었다. 그녀는 여성으로서 사회적 한계와 그녀만의 범주내에서 주체적인 여성의 이미지를 구현해냈으며, 르네상스 시대의 또 다른 여류작가 라비니아 폰타나와 후에 바로크 미술의 아르테미시아 젠틸레스키 등의 다음 세대 여성 화가들의 진보에 많은 영향을미쳤다. 지금도 미술사가들에 의해 편견의 동굴에서 발굴되고 재평가되고 있는 앙귀솔라의 작품은르네상스의 인본주의적 사상과 문화를 담고 있으며, 당대 사회문화의 보편적 이념을 함축하고 있다는점에서 의의가 있다.

The thesis examined how the image of a woman is expressed in the portraits painted by Sofonisba Anguissola who was a female painter in the Renaissance period. It was evident that Anguissola—the painter who was highly praised by one of the masters of Renaissance, Michelangelo, and the art historian, Giorgio Vasari—succeeded in painting her own authentic portraits. She was able to realize the autonomous female image on her own terms despite social limitations as a woman. She has made a significant influence on the advancement of female painters in the next generations, including Lavinia Fontana from the same Renaissance era and Artemisia Gentileschi in the Baroque period. Anguissola's paintings have been continuously rediscovered in the sea of prejudice, and reevaluated by art historians. Her works carry humanistic ideas and the culture of the Renaissance and it is significant that her works contain popular social and cultural ideologies of that period.

2014년 광주가 미디어아트로 유네스코 창의도시에 선정되었다. 한번의 재수 끝에 일궈낸 쾌거였다. 많은 도시가 유네스코 창의도시 네트워크(UCCN: UNESCO Creative Cities Network)에 선정되기를희망한다. 세계 각국의 도시들이 앞을 다퉈 UCCN(UNESCO Creative Cities Network)에의 가입을희망하는 것은 무엇 때문일까. 글로벌 시대에 세계에 도시를 어필하지 않으면 살아남기 힘들기 때문이다. 특히 20세기 후반부터 도시 단위의 경쟁력이 치열해졌고 각 도시는 문화를 내세워 도시 브랜드확보에 나서고 있다. 본 연구의 목적은 미디어아트 도시 광주가 도시 이미지와 위상을 드높이고 지속가능한 창의도시로거듭나기 위해선 어떻게 해야 하는가를 고찰하는데 있다. 대표적인 미디어아트 창의도시인 오스트리아 린츠, 독일의 카를스루에의 미디어아트 관련 정책과 사업을 분석했다. 그리고 광주는 그들 도시와어떤 점에서 같은 흐름으로 가고 어떤 점에서 다르게 가는지를 고찰했다. 세 도시는 모두 미디어아트로 선점효과를 누리고 있다. 린츠는 2014년 광주와 비슷한 시기에 선정되었으나 미디어아트와 관련해선 오랜 역사를 지녔다. 1979년 아르스 일렉트로니카 페스티벌을 개최한점을 고려하면 40년이 넘는 전통을 갖고 있다. 카를스루에는 2019년 다소 후발 주자로 미디어아트창의도시에 선정되었지만 미디어아트도시의 기반이 된 ZKM(Zentrum für Kunst und Medien)의 개관이1989년이라는 점을 감안하면 꽤 오랜 역사를 자랑한다. 광주는 아시아에선 두 번째, 세계적으론 네번째로 미디어아트 창의도시에 선정되며 미디어아트와 관련된 정책과 사업에 열정을 불태우고 있다. 본 연구자가 분석한 바에 따르면 세 도시는 같은 방향을 가면서도 부분적으로는 차별화된 정책과사업을 진행하고 있다. 세 도시의 공통점으로는 열정적 의지를 비롯해 미디어아트 페스티벌, 플랫폼운영, 협업 추진 등을 들 수 있다. 그에 반해 도시의 배경에 따라 지향점이 다르고 추진방법이 다르다는점이 확연하게 나타났다. 광주는 2019년 AI((Artficial Intelligence)허브도시를 선포하고 제4차산업의전진기지임을 선포한 바 있다. AI(Artficial Intelligence)와 미디어아트의 접점을 이루며 도시의 미래혁신성장을 도모하려 하고 있다. 본 연구는 광주의 미디어아트 추진 방향이 올바르게 진행되고 있는지를 살펴 도시가 안고 있는이슈를 미디어아트를 기반으로 하여 해결하는 토대를 삼고자 한다. 또 나아가 아시아문화중심도시, 비엔날레도시, AI(Artficial Intelligence)허브도시와 연계해 미디어아트가 광주의 실질적인 성장동력이되기를 기대한다.

In 2014 Gwang-ju was selected as UNESCO-CREATIVE city. It was a great achievement after a single attempt. Many cities wants to be slected as UNESCO=CREATIVE city. Why do many cities of the world hope to join UNESCO? Because it is difficult to survive in Global era if Cities don’t appeal to the world. Especially, since the late 20th century, urban competitiveness has been grown up and each city is trying to secure its brand by promoting its culture. The purpose of this reasearch is to consider how a media art city Gwang ju should enhance its city image and status and reborn as sustainable creative city. For this purpose, we should analyze the policy and business of Austria Linz and Germany Karlsruhe related with Media art. In addition, it is essential to consider whether Gwang-ju is going with the same flow of other city or not and to find the way that Gwang ju should follow. Three cities all get the benefict of the preoccupation effect by Media art. Even if Linz was selected around the same time as Gwangju in 2014, it has long history related with Media art. Considering that Linz held Ars electronic festival, it has over 40 years tradition. Even though Karlsruhe was selected as Media art city in 2019 and it was not so early selection, it has long history because open of ZKM as known as infrastructure of media art city was 1989. Gwangju has been selected as the Second Asian and fourth media art creative city in the world, getting the benefit of the preoccupation effect. According to the analysis of the researcher, common features of three cities are media art festivals, platform operations, and collaboration promotion. The difference is that style of collaboration, business and policy focus is various, because of the city’s background. Based on this, the purpose of this reasearch is to find out whether gwangju’s direction of media art is proceeding well and to make the foundation based on media art for sloving the city’s problems. Futhermore, it is hoped that medai art will become a practical growth motivation for Gwangju, Gwangju connecting with Asian cultural hub cities, biennale cities, and Ai hub cities.

한국은 2019년 국내 체류 외국인이 250만 명을 돌파하면서 바야흐로 다인종, 다문화 사회로 진입하였다. 이 가운데 다문화 학생의 비율은 2006년부터 지속해서 증가세를 보임에 따라 교육부는 2012년다문화 교육정책을 통해‘다양성을 이해하는 창의적 글로벌 인재양성’이라는 새로운 목표를 발표하였다. 이는 전 사회적인 협력강화라는 측면에서 다문화가정, 다문화 학생 교육에만 국한하지 않고 일반학생의 상호이해를 바탕으로 문화 다양성의 역량을 강화하기 위해 교육의 기회를 사회 전반에 확대하는 방안이었다. 이 논문은 ‘문화 간의 모든 형태의 상호작용’을 지칭하는 상호문화성이 모두를 대상으로 하는 교육원리로 작용하고 있음을 주목하고, 상호문화교육의 관점에서 박물관의 사회적 역할과 접목시켜 누구에게나 다양한 교육을 제공할 수 있는 연계방안과 방향성을 재고해 보았다. 이에 상호문화교육의 개념과 목적은 무엇이며, 박물관교육과 어떠한 연관성을 보이는가를 분석하기위해 다문화 사회화를 대표하는 프랑스를 중심으로 상호문화교육의 발전·과정과 이를 적용한 프랑스박물관교육의 현황을 살펴보고 국내 박물관교육의 사회적 역할과 실천방안을 논의하였다. 상호문화교육을 토대로 박물관의 역할을 살펴보는 것은 교육적 원리를 적용함으로써 다문화 교육의 분명한 목표를제시하고, 다가올 미래 사회에 대처할 수 있는 효과적인 교육 방안을 새롭게 모색하기 위함이다. 무엇보다 문화의 정체성 및 다양성을 포괄적으로 수용할 수 있는 교육의 장으로서 박물관의 방향을 개념화하여 공공성의 기능을 확대하고 동시에 다문화 교육에 관한 인식의 장을 넓히고자 한다.

When more than 2.5 million foreign people were staying during the time of 2019, it clearly indicated that South Korea already became the multi-cultural and multi-racial society. As the ratio of the intercultural students among them was constantly on the increase since 2006, the Department of Education announced in 2012 a new intercultural educational policy called “creative and global leadership training based on the understanding of diversity.” This policy was a break from the traditional approach of confining intercultural education program within the intercultural families and students. From the perspective of the enhancement of the comprehensive social cooperation, it attempted to expand the educational opportunity to the society in general, aiming at the mutual understanding of all the students. This paper highlights that inter-culture that is indicative of “all forms of intercultural interaction” is operational as the educational principle applicable to all participants and investigates the new directions and ways of diverse educational programs for everyone by exploring the social role of museum in terms of intercultural education. Thus in order to analyze the concept and purpose of intercultural education and to explicate the correlation between inter-culture and museum, the paper deals with the educational programs of museum in France known as its excellence in the intercultural socialization; further, it also compares the findings in the case of France with the role and practice of the South Korean museum. This investigation into the role of museum through the lens of the principle of intercultural education will clearly suggest the purpose of diversity education and help to search for the effective educational ways to prepare for the future society. This paper is especially interested in the conceptualization of the new direction of museum education for the educational field inclusive of cultural identities and diversity. It will also contributes to the expansion of the social recognition of diversity education and ultimately, to the enhancement of the public role of museum.

네덜란드 장르화를 연구함에 있어 정확한 미술사적 정의를 시작으로 네덜란드 장르화의 특징을 구분해내는 것은 필수적인 과정 중 하나다. 국내에서 선행된 17세기 네덜란드 장르화에 대한 연구로는 17세기의네덜란드의 상업 발달과 미술 수요 계층의 상승을 네덜란드 장르화의 발달 요인과 연관한 연구 등이있다. 본 연구에서는 장르화의 미술사적 정의에 대해 당대의 서술과 후기 학자들의 장르화에 대한 정의를네덜란드 장르화의 탄생과 성행할 수 있었던 사회문화적 맥락을 통해 명확히 하고자 한다. 이를 위한예시로, 요하네스 베르메르의 장르화를 연구대상으로 선정하여, 화가가 사회문화적 환경을 지각한 과정에관해 서술하고, 그러한 배경이 회화에서 표현된 방식에 관해 연구하고자 한다. J.베르메르에 관해 국내에서 진행된 연구들은, 17세기 네덜란드의 장르화 특성에 관한 연구 또는 회화의 공간구조에 중점을 두고이루어졌다. 특히, 17세기의 네덜란드의 사회적 배경이 J.베르메르의 작가적 삶에 준 영향 또는 회화속 인물 표현에 미친 영향 등 그 인과관계에 관해 서술한 연구들 또한 부분적으로 찾아볼 수 있다. 국외 연구로는 J.베르메르의 회화적 구조에 관해 주목한 연구로, 미술사학자 하인리히 뵐플린이 언급한네덜란드 장르화의 ‘내진성’을 내포한 구조적 특징을 비롯하여 다니엘 아라스의 J.베르메르의 회화가가지는 내밀성, 메를로 퐁티의 ‘베르메르 구조’ 등 다수 학자의 해석을 찾아볼 수 있다. 본 연구에서는, 이중 뵐플린이 언급한 ‘내진성’과 D. 아라스가 연구한 ‘내밀성’에 관한 서술을 토대로 장르화로서의J.베르메르 회화에 관해 서술하고, 회화의 구성요소로써 배경과 인물의 관계를 면밀하게 분석하여 회화의구조적 특징을 파악하고자 한다. 또한, 면밀히 파악된 구조적 특징들이 사회문화적 배경과 어떠한 인과관계가 있었는지 전개하여, 네덜란드 장르화 분석법에 대한 사회 맥락적 방법론의 예시를 제안하고자 한다.

In Dutch genre painting studies, one of the essential processes is distinguishing the characteristics of Dutch genre paintings, starting with an accurate art historical definition. Studies of seventeenth-century Dutch genre paintings by Korean scholars concern such issues as the relationship of the commercial development of the Netherlands in the seventeenth century and the concomitant rise in demand for art with the development of genre painting. With regard to the art historical definition of genre painting, this paper will clarify the descriptions of contemporary art historical trends and the definition of genre paintings by later scholars through the socio-cultural context of the emergence and success of genre painting in the Netherlands. For example, after selecting the genre paintings of Johannes Vermeer as a research subject, this paper will describe how Vermeer perceived the social and cultural milieu and study how such backgrounds were melded into his paintings. Studies of Vermeer published in Korea mainly focus on the characteristics of Dutch genre paintings in the seventeenth-century or on the spatial structure of his paintings, and a number of studies looked at the influence of the social background of seventeenth-century Netherlands on such things as Vermeer’s artistic life or his expression of the characters portrayed in his paintings. Studies on Vermeer published overseas are focused on his pictorial structure, on which interpretations by various scholars can be found, including art historian Heinrich Wölfflin’s observation on the structural features that imply the “profound/emphasizing depth” of Dutch genre paintings, Daniel Arasse’s discussion on Vermeer’s “intimité,” and Maurice Merleau Ponty’s analysis of the “Vermeer structure.” Of these, this paper discusses Vermeer’s paintings as genre paintings based on Wölfflin’s “profound/emphasizing depth” and Arasse’s “intimité,” and aims to understand the structure of Vermeer’s paintings by analyzing in detail the relationship between the background and characters, the two main components of his paintings. Furthermore, this paper aims to develop an example of a social contextual methodology as a method for Dutch genre painting analysis by exploring the causal relationship between Vermeer’s structural characteristics and the socio-cultural background.

본고는 프랑스 미술사가 다니엘 아라스(Daniel Arasse)의 미술사 방법론인 ‘분석적 도상학(Iconographie Analytique)’을 소개하고 이를 미술작품 분석에 적용하는 연구이다. 에르빈 파노프스키(Erwin Panofsky)의도상해석학(Iconology)은 미술작품의 내용과 주제 그리고 본질적인 의미를 밝히는 데 목적이 있다. 하지만아라스는 도상해석학이 잘못된 전제와 가정에 따르고 있음을 지적한다. 도상해석학은 이미지와 텍스트의관계, 화가라는 주체의 특성, 역사 서술 방법을 숙고하지 않았으며, 미술작품 속 ‘형상(figure)’과 ‘형상화(figurabilité)’의 중요성을 간과했다. 도상해석학의 한계를 극복하기 위해 아라스가 제안한 분석적 도상학은 전통적인 도상학(Iconography), 미술의 사회사적 접근과 정신분석학의 개념을 결합시킨 것이다. 아라스는 미술작품이 꿈처럼 응축(condensation) 또는 중층결정(surdetermination)를 통해 생성된다고 간주한다. 그에 따라 분석적 도상학은 화가라는 주체의 예술적 개성이 드러나는 형상에 집중하여, 그 속에 응축된화가의 내밀성을 밝히는 데 목적을 둔다. 본 논문은 분석적 도상학을 미켈란젤로의 <모세>와 티치아노의<신중함의 알레고리>에 적용하여 미술사 방법론을 확장하는데 기여한다.

This paper introduces the French art historian Daniel Arasse's art history method, 'Iconographie Analytique', and applies it to the analysis of works of art. Erwin Panofsky's Iconology aims to clarify the content, subject, and essential meaning of an art work. However, Daniel Arasse points out that Erwin Panofsky's iconology is based on false premises and assumptions. Iconological analysis did not consider the transparency of meaning, the characteristics of the subject as a painter, and the method of describing history, and overlooked the importance of 'figure' and 'figurabilité' in art works. Analytical iconography, which Arasse proposed as an alternative to Panofsky's Iconology, is a method that implies plural temporality that combines the concept of traditional iconography, the social history approach of art, and Freud's psychoanalysis. This method regards artwork as being created through condensation or surdetermination like a dream. Accordingly, the analysis of the work focuses on the figure that reveals the artistic individuality of the subject as a painter, and reveals the painter's intimacy condensed in it. By applying 'Iconographie Analytique' to Michelangelo's <Moses> and Titian's <The Allegory of Prudence>, we can expect the expansion of art history.

프랑스어 명사 ‘댄디 dandy’는 대부분의 경우 남성과 관련하여 인식되고 논의된다. “댄디즘을 표방하는 남성”이라는 사전적 정의에서 볼 수 있듯이 여성은 고찰의 대상이 아니며, 여성명사 역시 존재하지 않는다. 하지만 댄디즘은 그 핵심이라고 할 수 있는 ‘우아한 외양’에서부터 ‘여성적’ 속성을 빌리고있고, 이는 댄디의 정체성을 결정하는 주요한 특징이 된다. 여성댄디즘은 일반적으로 스탈부인이나조르주 상드로부터 시작되었다고 본다. 댄디즘이 그랬듯이 여성댄디즘 역시 아직은 다양한 논의가진행되는 중이고, 여러 오류를 포함하고 있으며, 때로는 그 범위가 지나치게 확대되거나 그 경계선이모호한 경우가 많다. 또한 댄디즘과 마찬가지로 여성댄디즘의 학문적 기반을 다지는 데 있어 가장중요한 개념은 그것이 가진 ‘젠더’에 대해 성찰하는 것이다. 댄디에게 있어 ‘젠더’는 삶이 가지고태어난 천재성이며, 예술을 완성시켜 주는 동력이다. 그것은 갈등을 조장하기 위한 빌미가 아니라영혼과 육체를 연합시킬 존재적 필요조건이다. 댄디는 자신을 자연스럽게 태어난 존재가 아닌 미적으로 계산된 자아로 여긴다. 그리고 이 ‘미적 계산’을 통해 완성된 존재는 브러멀에게서는 정련된 형태로, 바르베 도르비이에게서는 인위적 형태로, 보들레르에게서는 조심스럽고 완고한 형태로, 오스카 와일드에게서는 ‘해방된 성’ 형태로 드러난다. 여성댄디는 외적으로는 남성 또는 여성의 외양을 한 우아하고 재능 있는 존재이며, 내적으로는 자기 정화가 가능한 저항적 존재의 특징을 가진다. 따라서 여성댄디가 새로운 삶의 양식을 표명한 것은 시대에 대한 저항으로 이해할 수 있다하지만 아이러니하게도 육체적·정신적 ‘조화’를 궁극적 목표로 삼았던 댄디는 여성에 대해 혐오적태도를 드러낸다. 댄디즘의 기원이라고 할 수 있는 브러멀은 여성을 지적 파트너로 여겼지만, 그발전과정에서 여성은 불안정하고 결핍된 존재로 변해버린 것이다. 또한 여성댄디가 남성적 외양을통해 새로운 삶의 양식을 표명한 것은 한 편으로는 시대에 대한 저항으로 이해할 수 있지만, 다른한 편으로는 여성성에 대한 불안, 모순, 자가당착, 더 나아가 자기혐오의 한 부분으로 오해될 여지가있다. 물론 그럼에도 불구하고 그것은 영혼과 육체의 결합이라는 철학을 흔들지 못했고, 오히려 댄디로하여금 전통적인 남녀의 이분법을 파괴하고 시대의 금기를 결행하여 미의 형이상학에 이르게 했다. 혐오를 포함한 젠더의 복잡한 수사학이 결과적으로 댄디즘을 부르주아 사회의 야만을 지체시킨 문화예술 운동으로 남을 수 있게 한 것이다. 결론적으로 댄디즘은 현대사회가 당면한 문제들, 즉 성의확대, 성적 갈등, 성의 왜곡, 성차별 등을 성찰하는 데 있어 매우 중요한 경험치를 제공한다. 그리고이것이 바로 그들을 ‘패셔니스타’가 아닌 ‘철학자’들로 불러야 하는 이유일 것이다.

‘Dandy’, a french noun, is usually recognized and discussed in relation to men. As you can see from the dictionary definition “a man who advocates dandyism”, women are not considered and female nouns do not exist. But dandyism borrows feminine properties from the ‘elegant appearance’, which is the heart of dandyism and the main characteristic of dandy's identity. Woman dandyism is generally believed to have originated with Madame de Staël or George Sand. As with dandyism, woman dandyism is still undergoing a variety of discussions and contains multiple errors. Sometimes its scope is too broad or its boundaries are ambiguous. And like dandyism, the most important concept in building the academic foundation of woman dandyism is to reflect on the 'gender' it has. For Dandy, the 'gender' is a genius born with life and a driving force for completing art. It is not an excuse to foster conflict, but an existential need to unite the soul and the body. Dandy regards himself as an aesthetically calculated self, not a natural being. This 'aesthetic calculation' results in a refined form for Brummel, an artificial form for Barbey d'Aurevilly, a cautious and stubborn form for Baudelaire, and a positive form for Oscar Wilde. Female dandy is an elegant and talented figure who externally has the appearance of a male or female and internally has the characteristics of a self-purifying resistant being. But ironically, dandy, whose ultimate goal was physical and mental harmony, shows an abhorrent attitude toward women. Brummell, the origin of dandyism, regarded women as intellectual partners, but in its process of development, women have become unstable and deficient. The female dandy's manifestation of a new lifestyle through its masculine appearance is, on the one hand, understandable as a resistance to the times. But on the other hand, it can be misunderstood as part of the anxiety, contradiction, self-contradiction, and further self-loathing of femininity. Nonetheless, it did not shake the philosophy of the union of the soul and the body. Rather, dandy destroyed the traditional dichotomy between men and women and practiced the taboo of the times, leading to the metaphysics of beauty. Gender's complex rhetoric, including hate, has consequently called dandyism to remain a cultural and artistic movement that has delayed the barbarism of society. In conclusion, dandyism provides a very important experience in reflecting on the problems facing modern society such as expanding sex, sexual conflict, gender distortion, gender discrimination, etc.. And that's why they should be called 'philosophers' instead of 'fashionistas.'