Earticle

옵티컬 아트는 반복미학의 추상적 표현을 통한 시 각적 착각을 유도하는 망막의 예술로서 단순히 현대 미술의 영역과 범위를 넘어서 다양한 분야에서 디자 인의 원천으로 활용되고 있다. 아트메이크업은 얼굴 및 인체에 주제에 따라 미적 이고 예술적인 감성을 시각적으로 이미지화하여 자 유롭고 창의적인 메이크업을 구현하는 것이다. 아트 메이크업 디자인은 다양한 예술 분야와 조합을 통해 예술적 가치를 높일 수 있는 개성있는 디자인에 대 한 관심이 높아지고 있다. 본 연구는 옵티컬 아트에 나타난 조형적 특성과 대표 작가들의 작품의 특성, 디자인 사례들을 분석 하고, 이러한 모티브를 응용하여 아트메이크업 디자 인을 연구하고자 하였다. 옵티컬 아트 디자인의 조형적 특성을 예술적 경향 에 근거한 아트 메이크업 작품으로 재해석하여 제작 함으로서 창의적 발상과 응용력을 높이고 대중적인 예술사조와 융합하는 상징적인 조형예술적 아트메이 크업 디자인 개발과 새롭고 개성있는 이미지 구현의 방향을 모색하는데 그 목적을 두고 있다. 옵티컬 아 트와 아트메이크업에 관한 자료를 고찰하고 조형적 특성을 분석한 후 아트메이크업 작품을 제작하였다. 연구결과 반복과 착시의 형태조형, 입체조형, 색채 조형 등 기하학적 옵티컬 아트의 조형 예술적 표현 들이 얼굴 및 신체의 입체성과 융합하여 독특한 옵 아트 디자인의 구현이 가능하다는 것을 확인하였다. 아트메이크업의 독창적인 작품 가능성과 미적 가치 를 높이고 새로운 예술적 이미지를 전달하고 있음을 알 수 있었다.

Optical art is the art of retina which induces a visual illusion through an abstract expression of repetition aesthetics and has been utilized as a source of design in the various fields beyond the scope and area of contemporary arts. Art makeup is to make aesthetic and artistic emotion become an image visually according to faces and human bodies and achieve a liberal and creative makeup. Art makeup design has focused on a unique design which can enhance an artistic value through the combination with various art areas. This study analyzed formative characteristics and design cases of optical art and works of representative optical artists and researched art makeup designs applying optical art motives. This study reinterpreted formative characteristics of optical art into art makeup works based on an artistic trend in order to develop symbolic formative art makeup design which is harmonized with popular art trend and create a new and unique image. After it investigated materials of optical art and art makeup and analyzed their formative characteristics, it produced art makeup works. As a result of the study, it was confirmed that formative shape of repetition, illusion and colors, and artistic expressions of geometrical optical art could crate unique optical art designs when they were mixed with facial and physical solidity. In addition, it was found that original functionality and aesthetic value of art makeup was enhanced and a new artistic image was delivered.

This study aimed to investigate the formative characteristics of illusion makeup implemented through the human face, focusing on the works of the illusion makeup artist ‘Yoon Da-in’. For this purpose, a total of 140 images of artworks were selected for analysis. Based on previous studies, five types of morphological elements were established: form manipulation, color and tonal contrast, pattern and repetition, spatial composition and viewpoint manipulation, and perceptual effect–oriented elements. Each work was then classified and analyzed according to its dominant element. The analysis revealed that form manipulation accounted for the largest proportion. In particular, the deconstruction and reconstruction of the facial structure and proportions emerged as the core formative strategy in Yoon Da-in’s works. Furthermore, pattern and repetition weakened the centrality of the face while reinforcing its visual surface quality, whereas color and tonal contrast functioned structurally to fragment the face or lead viewers to perceive it in a dual manner. In addition, spatial composition and viewpoint manipulation presented the face as a structure in which multiple viewpoints and spatial layers overlap. This study is meaningful in that it systematically interprets illusion makeup as a structured morphological language by analyzing Yoon Da-in’s illusion makeup through the organizational principles of face-based morphological elements.

本研究以错觉化妆艺术家尹多仁的作品为对象旨在分析以面部为媒介所呈现的错觉 化妆之造型特征为此本研究选取140幅作品图像作为分析对象在先行研究基础上确立 形态操控色彩与明暗对比图案与重复空间构成与视角操控以知觉效果为核心要素这 五种造型要素类型并以各作品的核心要素为中心进行分类与分析分析结果显示形态操 控要素所占比重最高对脸部结构与比例进行解构与重构的方式是尹多仁作品的核心造型 策略此外图案与重复弱化了脸部的中心性强化了视觉表面性色彩与明暗对比则起到 分割面部或使人产生双重认知的结构性作用空间构成与视角操控则呈现出将脸部表现为多 视角与多空间重叠结构的特征本研究从面部基础造型要素的组织方式角度解析尹多仁的错 觉化妆在将错觉化妆整理为系统化造型语言方面具有重要意义

아르데코 예술양식은 산업화된 공업적 생산 방식 을 미술과 결합시켜 단순하고 기능적인 직선미를 중 요시하였다. 1930년대 이후 기능주의와 기하학적인 형태, 신소재의 사용 등 모던한 요소가 가미되면서 대량생산에 적합한 스타일을 추구하였다. 또한 이국 적이고 이질적인 양식을 절충한 아르데코는 기능성 에 따른 장식적인 성향, 과감한 색상배합의 특징을 나타내며 조화롭게 발전되었으며, 현재까지 꾸준히 다양한 분야에서 독특함과 대중성을 표방하며 활용 되고 있다. 판타지 메이크업 일러스트레이션은 얼굴 및 데콜 테를 대상으로 입체적 특성을 고려하여 표현하고자 하는 주제에 따라 추상적 또는 특별한 이미지를 시 각화하여 디자인하는 것이다. 본 연구는 아르데코 예술양식에 나타난 조형적 특 성과 대표 작가들의 작품의 특성, 디자인 사례들을 분석하고, 이러한 미적 모티브를 응용하여 판타지메 이크업 일러스트레이션을 연구하고자 하였다. 아르데코 디자인의 조형적 특성을 예술적 경향에 근거한 판타지 메이크업 일러스트스트레이션 작품으 로 재해석하여 제작함으로서 대중적인 예술양식과 융합하는 차별화된 조형예술적 판타지 메이크업 디 자인 개발과 독특한 이미지 구현의 방향을 모색하고 자 하였다. 아르데코 예술양식과 판타지 메이크업 일러스트레이션에 관한 자료를 고찰하고 조형적 특 성을 분석한 후 판타지 메이크업 일러스트레이션 작 품을 제작하였다. 연구결과 기능적이고 반복적인 직선·사선·방사 형, 유선형 등의 기하학적 표현, 모던함과 화려함의 색상 배색 등 아르데코 조형 예술적 표현들이 얼굴 및 데콜테의 입체성과 융합하여 독특한 아르데코 디 자인의 미적 이미지 구현이 가능하다는 것을 확인하였다.

Art deco style emphasized simple and functional straight beauty by combining industrial production methods with art. Since the 1930s, modern elements such as functionalism, geometric forms, and the use of new materials have been added, and the styles suitable for mass production have been pursued. In addition, Art deco, which compromises exotic and heterogeneous styles, has been developed harmoniously, showing decorative tendencies and bold color combinations according to functionality, and has been steadily used representing uniqueness and popularity in various fields. Fantasy makeup illustration is to visualize and design abstract or special images according to the subject to be expressed in consideration of the three-dimensional characteristics of the face and decolte. This study analyzed the formative characteristics and design examples of the works of representative artists in the art style of Art deco, and tried to study fantasy makeup illustration by applying these aesthetic motifs. By reinterpreting the formative characteristics of the Art deco design into fantasy makeup illustrations based on artistic trends, this study tried to find a way to develop differentiated formative artistic fantasy makeup designs and realize unique images that fuse with popular art styles. It produced fantasy makeup illustration works after reviewing data of Art deco art style and fantasy makeup illustration and analyzing their formative characteristics.

목적: 본 연구는 개인의 감정과 사고를 적극적으로 표현하기에 적합한 마스크를 통해 내면의 모습을 창의적으로 시각화 할 수 있도 록 하고, 이를 유형화하여 특성을 분석하고자 하였다. 방법: 창의적디자인도출(CDI) 교수학습법을 적용한 수업에서 마스크를 도구 로 각자의 페르소나를 자유롭게 표현하도록 하여 제작된 작품을 유형화하고 조형성 분석을 하였다. 결과: 작품의 분류는 엽기적이 고 괴기스러우며 그로데스크한 이미지를 데카당스(Decadence), 환상적이며 몽환적이고 화려한 이미지를 판타지(Fantasy), 해학적 이며 저속하고 우스꽝스러운 이미지를 키치(Kitsch), 사이버적이며 미래지향적인 최첨단 이미지를 하이퍼 테크노(Hyper Techno), 사랑스러우며 귀엽고 달콤한 이미지를 스위티(Wweety)의 5가지 유형으로 도출하였다. 결론: 이 연구에서 도출된 유형은 다양한 디 자인 영역에서 활용될 수 있으며, 페르소나 시각화는 창의적인 디자인 활동에 도움이 될 것이다

Purpose: The purpose of this study was to visualize the inner figure creatively through a mask suitable for positively expressing individual feelings and thoughts. The visualized works were typed and their characteristics were analyzed. Methods: A class based on creative design inducing (CDI) was able to freely express individual personas using masks. The typed works were analyzed and formative analysis was done. Results: The categories of the works are derived from five types of images: “Decadence” which means bizarre; “Fantasy” which means fantasy, dreamy and brilliant; “Kitsch” which means humorous, vulgar and ludicrous; “Hyper Techno” which means a cosmic and futuristic; “Sweety” which means lovely, cute and sweet. Conclusion: The types presented in this study can be used in various design areas, and persona visualization will help creative design activities.

目的: 通过适合积极表达个人感受和思想的面具创造性地想象内心人物。对可视化作品进行打字并分析其特征。 方法: 基于创意设计诱导（CDI）的课程能够使用面具自由表达个人角色。对打字的作品进行了分析，并进行了 形成性分析。结果: 作品的类别来自五种类型的图像：“Decadence”，意味着奇怪；“Fantasy”意味着幻想，梦 幻和辉煌；“Kitsch”意味着幽默，粗俗和荒唐；“Hyper Techno”意味着宇宙和未来主义；“Sweety”意味着可 爱，可爱和甜美。结论: 本研究中提出的类型可用于各种设计领域，角色可视化将有助于创意设计活动。

본 연구는 패션 브랜드 마린 세르의 지속 가능 패션 디자인에 나타난 조형적 특성을 분석하는 데 목적이 있다. 이를 통해 오늘날 패션에서 지속 가능성이 어떠한 방식으로 시각화되고 확장되는지를 살펴보고자 하였다. 연구 방법으로는 선행 연구를 바탕으로 한 이론적 고찰과 함께, 마린 세르 컬렉션에 나타난 사례 분석을 병행하였다. 분석 대상은 마린 세르가 파리 컬렉션에 데뷔한 2018년 S/S 컬렉션부터 2026년 F/W 컬렉션까지로 설정하였으며, 공식 자료를 바탕으로 업사이클링 및 데드스톡 소재 활용 여부가 확인 가능한 사례를 중심으로 분석하였다. 이를 바탕으로 마린 세르의 지속 가능한 패션의 조형적 특성을 도출하였으며, 선행 연구에서 제시된 다양한 특성을 검토한 후 이를 재구성하여 분석 기준으로 설정하였다. 본 연구에서는 자원순환과 재사용 개념을 환경성으로, 수공예적 요소와 장식적 표현을 강조한 개념을 쿠튀르적 장식성으로, 과거 복식및 문화적 요소를 재해석한 표현을 전통성으로, 이질적 소재와 기능의 결합을 의외성으로, 그리고 기존 의복구조를 분해하고 재조합하는 방식을 해체성으로 구분하여 총 다섯 가지 조형적 특성으로 범주화하였다. 분석 결과, 마린 세르의 지속 가능한 패션 디자인은 단순한 친환경적 실천을 넘어 다양한 소재와 구조의 재구성을 통해 독창적인 조형적 표현을 형성하고 있음을 확인할 수 있었다. 또한, 각 조형적 특성은 개별적으로 나타나기보다 상호 결합하여 복합적인 방식으로 구현되는 경향을 보였다. 본 연구는 마린 세르의 지속 가능한 패션디자인을 환경적 관점에 국한하지 않고 조형적 특성이라는 측면에서 분석함으로써 디자인 표현 방식에 대한 이해를 확장하였다는 점에서 의의가 있다. 향후 연구에서는 이러한 조형적 특성이 가지고 있는 미적 가치와 내러티브에 대한 심층적 연구가 계속 이루어지길 기대한다.

This study aims to analyze the formative characteristics of sustainable fashion design found in the collections of the fashion brand Marine Serre. Based on this analysis, the study examines how sustainability is visually expressed within contemporary fashion. The research methodology combines a theoretical review based on previous studies with a case analysis of Marine Serre’s collections. The analysis focuses on collection images and materials obtained from professional fashion platforms and official channels. After reviewing various classification systems proposed in previous studies, this study reconstructed the analytical criteria into five formative characteristics: environmental sustainability, couture-like decorative characteristics, traditionality, unexpectedness, and deconstruction. Environmental sustainability refers to resource circulation and reuse; couture-like decorative characteristics emphasize handcrafted and decorative expressions; traditionality involves the reinterpretation of historical costumes and cultural elements; unexpectedness reflects the combination of heterogeneous materials and functions; and deconstruction denotes the disassembly and recomposition of conventional garment structures. The scope of analysis includes collections from Marine Serre’s debut at Paris Fashion Week in the Spring/Summer 2018 season to the Fall/Winter 2026 season. The selected cases focused on works employing upcycling techniques identified through designer interviews, the official websites, the YouTube channels, Instagram, and fashion-related articles and reports. The findings reveal that Marine Serre’s sustainable fashion design extends beyond environmentally friendly practices and creates distinctive formative expressions through the recombination of various materials and structures. Furthermore, these formative characteristics tend to be manifested in integrated and hybrid expressions rather than isolated elements. This study contributes to a broader understanding of sustainable fashion design from a formative perspective rather than limiting it to environmental considerations. Future studies should further explore the aesthetic values and narratives embedded within these formative characteristics.

티베트 장식과 민요는 티베트 문화의 핵심 요소로, 티베트 물질문화와 정신문화의 직접적인 구현된 형태 이다. 티베트 민요는 역사적 발전과 함께 의식, 생활, 감정 등 사회의 모든 면을 아우르는 폭넓은 장르로 자리 잡았다. 특히, 티베트 민요의 가사는 티베트 장식의 아름다움과 상징적 의미를 생생하게 묘사하여 티베트인 의 생활양식, 문화, 심미적 가치관을 보여준다. 본 연구의 목적은 티베트 민요에 표현된 장식의 조형성을 고 찰하여 티베트 복식 문화의 미의식을 이해하는 것이다. 본 연구는 티베트 민요 가사가 티베트 복식 문화의 미적 가치를 담고 있다는 점에 주목하였으며, 티베트 복식의 형성과 그 미적 특성을 중점적으로 분석하였다. 이를 통해 티베트 장식에 대한 깊이 있는 이해를 도모하고, 관련 연구의 확장 가능성을 제시하였다. 연구 결과는 티베트 장식은 다채로운 색채와 감정 표현, 자연과의 연결, 동적인 아름다움과 생동감이라는 세 가지 주요 특성을 통해 티베트인의 삶과 문화를 반영한다는 것을 시사한다. 이와 같은 분석을 통해 티베트 민요 속 장식의 조형성과 미의식을 탐구함으로써, 티베트 문화의 복잡성과 심오함을 이해할 수 있었으며, 이는 티베트 복식의 문화적 가치와 미적 표현을 체계적으로 설명하는 데 기여한다. 향후 연구는 다양한 지역적, 시대적 배경 속에서의 티베트 복식의 변천사를 탐구하고, 그러한 장식이 현대 티베트 문화와 어떻게 상호작 용하는지를 심도 있게 살펴볼 필요가 있다. 이러한 연구는 티베트 복식의 지속적인 문화적 가치와 재해석의 가능성을 이해하는 데 크게 기여할 것이다.

Tibetan decorations and folk songs form an essential part of the Tibetan cultural identity, directly embodying both material and spiritual aspects of Tibetan life. With the historical development, Tibetan folk songs have evolved into a broad genre covering all aspects of society, including rituals, life, and emotions. Specifically, the lyrics in these folk songs vividly portray the beauty and symbolism of Tibetan decorative clothing, showing the lifestyle, culture, and aesthetics of the Tibetan people. This study aims to investigate the structure and form of decorative attire as depicted in Tibetan folk songs, seeking to uncover the aesthetic awareness present in Tibetan clothing culture. The research highlights the aesthetic importance of Tibetan attire culture as shown in the lyrics of folk songs, focusing on analyzing how Tibetan clothing was formed and what aesthetic features it has. To this end, the study aims to deepen understanding of Tibetan decorative attire and offers ways to expand research in this area. The findings suggest that Tibetan decorative clothing reflects Tibetan life and culture through three main traits: vibrant colors associated with emotions, a close relationship with nature, and dynamic beauty full of vitality. By examining the form and beauty of clothing in Tibetan folk songs, this analysis adds to the understanding of the depth and complexity of Tibetan culture, systematically explaining the cultural and aesthetic value of Tibetan attire. Further research should explore how Tibetan attire has changed across different regions and times, and how it connects with modern Tibetan culture. These studies would contribute significantly to understanding the enduring cultural value of Tibetan attire and its potential for reinterpretation in the modern era.

본 연구는 주얼리를 액세서리의 한 종류로 인식한 보편적인 개념이 아닌 의복의 장식 요소로 활용된 사례를 통해 확장된 주얼리 장식의 개념과 조형적 특성을 활용하여 창의적인 패션디자인에 활용할 수 있는 가능성을 확인하는 데 목적이 있다. 연구 방법은 먼저 주얼리의 개념과 유형에 대해 이론적으로 고찰하였다. 또한 현대 패션디자인에서 주얼리 장식의 유형과 특성을 분석하기 위해 2020년부터 2021년까지 뉴욕, 런던, 파리, 밀라노의 S/S, F/W 컬렉션에서 보석, 금속, 비즈, 체인 등 다양한 소재의 주얼리를 주요 장식 요소로 활용한 여성복 이미지를 추출하였다. 149점의 컬렉션 이미지를 조형적 요소에 따라 분석하고 특성을 규명하였다. 연구 결과는 첫째, 현대 패션디자인에서 장식적 의미로서 표현 가능한 주얼리 특성은 반복성, 상징성, 공간성, 유동적 가변성이 있었다. 둘째, 액세서리의 한 종류로 활용되던 주얼리 장식이 현대 패션디자인에서 활용 범위가 확대될 수 있음을 확인하였다. 본 연구는 디자이너가 주얼리 장식을 활용한 창의적인 디자인을 개발 하는데 도움이 되는 자료로서의 의의를 가지며, 나아가 의복에 적용할 수 있는 다양한 주얼리 장식에 대한 가능성을 확인함으로써 개성 표현에 대한 소비자의 니즈에 적합한 패션디자인을 개발하는 데 도움을 줄 수 있다.

The objective of this study is to verify the possibility of utilizing the expanded concept and formative characteristics of jewelry decoration for creative fashion design through the cases of utilizing jewelry as a decorative element of clothing rather than the universal concept regarding it as a type of accessory. As for the research methodologies, first, the concept and types of jewelry were theoretically considered. In addition, to analyze the types and characteristics of jewelry decoration in contemporary fashion design, this study extracted the images of women’s clothing using jewelry made of various materials such as jewel, metal, bead, and chain as main decorative elements in S/S and F/W collections of New York, London, Paris, and Milan from 2020 to 2021. This study analyzed and examined the characteristics of total 149 collection images according to their formative elements. The research findings showed that, first, the characteristics of jewelry that could be expressed as a decorative meaning in contemporary fashion design included the repeatability, symbolism, spatiality, and fluid variability. Second, this study verified that the jewelry decoration which was used as a type of accessory could be expansively utilized in contemporary fashion design. This study is significant in that it provided the data helpful for designers to develop such creative designs using jewelry decorations. Moreover, it could be also helpful for developing fashion design suitable for consumers’ needs of individuality expression by verifying the possibility of various jewelry designs applicable to clothing.

코로나19 유행은 디지털 기반의 가상 세계인 메타 버스 플랫폼의 발전과 확장을 불러왔다. 메타버스 내 사회, 경제, 문화 활동은 급속도로 다양화되고 있으 며, 사용자들은 메타버스 플랫폼에서 또 다른 나를 창조하고 여러 사용자들과 소통한다. 이러한 소통 과 정에서 대중의 이목을 끄는 가상 인플루언서가 등장 했으며 그들의 활동 영역은 점차 넓어지고 문화 트렌 드를 주도하기 시작했다. 본 연구는 메타버스 플랫폼에서 활동하는 가상 인 플루언서의 중심 키워드 중 하나인 패션의 조형적 가 치와 현상을 알아보기 위하여 패션 조형 시각 요소 틀을 만들어 분석하였다. 분석 대상으로는 가상 인플 루언서의 활동을 위해 체계적인 시스템을 구축하고 있는 메타버스 플랫폼 제페토와 제페토 플랫폼에서 활동 중인 가상 인플루언서 이마를 선정하였다. 이마 의 인스타그램 이미지와 제페토 이미지를 비교 분석 하였고, 결과를 정리하면 다음과 같다. 인스타그램과 제페토에서 나타나는 이마의 신체 요 소는 비율, 얼굴형, 눈, 머리 모두 차이가 있었다. 의 상, 색채, 소재 요소의 경우 인스타그램에서는 과감하 고 개성 넘치는 이미지로 묘사됐으며, 제페토에서는 이마의 개성 있는 스타일이 온전히 표현되지 못하고 있었다. 다만 배색, 무늬 요소는 두 플랫폼에서 모두 다양하게 나타나는 공통점이 있었다. 본 연구는 가상 인플루언서의 패션을 조형 시각 요소로 분석하여 메타버스 플랫폼에서 활동하는 가상 인플루언서의 발전 가능성을 알아볼 수 있었다. 앞으 로 더욱 실재감 있는 조형적 표현이 가능하도록 예술 적, 기술적 논의가 필요할 것이며, 향후 가상 인플루 언서의 패션 조형에 관한 후속 연구에 기초 자료를 제공하는 데 그 의의가 있다.

The COVID-19 pandemic has led to the development and expansion of the Metaverse platform, a digital-based virtual world. Social, economic, and cultural activities in the metaverse are rapidly diversifying, and users reinvent themselves and communicate with multiple users in the metaverse platform. In the course of such communicative process, virtual influencers who draw public attention have appeared, and their scope of activities are gradually expanding, taking the lead in cultural trends. This study, through a framework for examining the formative and visual elements of fashion, analyzed the formative value and phenomenon of fashion which is one of the central keywords of virtual influencers in the metaverse platforms. The subjects of this research included ZEPETO, a metaverse platform with well-established system for supporting the activities of virtual influencers, and Imma, one of the famous virtual influencers on ZEPETO. A comparative analysis was performed for the images of Imma on Instagram and ZEPETO. The results of this study are as follows. The shape of Imma on Instagram and ZEPETO was different in physical elements including body proportion, face shape, eyes, and hair. Regarding clothes, colors, color schemes, and materials, Imma was described as bold and unique image on Instagram, but such unique style was hardly seen in ZEPETO. Pattern elements of texture, however, were expressed in diverse ways on both Instagram and ZEPETO. This study explored the features of virtual influencers and its potential for improvement by analyzing the formative characteristics of fashion of virtual influencers in the metaverse platform. Further artistic and technical discussion is needed to create formative characteristics with a greater sense of presence. For future research, the findings of this research may provide insight into understanding fundamental formative characteristics of fashion design of virtual influencers.

현대의 패션은 우리의 상상을 넘어 급격히 다양한 변화의 물결을 타고 있으며, 21세기의 시작과 더불어 과학과 기술 등 다른 분야와 협업을 통해 문화, 과학, 기술 등과 활발한 융복합을 시도하고 있다. 미래적 이미지의 실험성이 강한 의상들은 디지털 기술의 개발에 따라 신소재와 하이테크놀로지의 접목을 시도하 면서, 지금까지 볼 수 없었던 새로운 컬러들과 텍스추어, 문양들을 가지고 타인과의 인터랙티브 패션으로 다양하게 나타나고 있다. 본 연구는 현대 의상 중 패셔너블 테크놀로지를 접목시킨 미래지향적 이미지의 사례 분석을 통하여 패션 유형별 표현 특성을 도출하였다. 그 결과 첫째, 발광형 패션으로서 EL을 사용한 의상들, 센서에 의해 반응하는 LED 의상들, 타인과의 인터랙티브 개념이 적용된 의상 등, 빛과 센서를 이 용한 패션이 많이 등장하였다. 둘째, 쉬프팅 웨어로서, 리모트 컨트롤에 의한 형태 변환, 에어로솔 기법에 의한 다양한 스프레이온(spray-on) 디자인 창출, 다목적 개념을 적용한 의상의 형태와 용도 변환으로 분류 되었다. 세 번째는 버추얼 패션으로서, 영상 프로젝션에 의한 즉각적이고 가변적인 텍스타일 이미지 연출, 디지털 사운드에 의한 패션 이미지의 연출, 공감각에 의한 패션쇼와 전시의 연출로 나타났다. 연구를 통해 오늘날 많은 디자이너들이 단순히 의상만을 보여주는 형식에서 빛, 공간, 움직임, 사운드, 영상 등의 디지 털 테크놀로지를 전시와 쇼에 접목시켜 다양한 개념적 의상을 창출하고 있음을 알 수 있었다. 또한 패셔너 블 테크놀로지는 다른 사람과의 인터랙티브 시스템 형태를 통해 감성적 교류를 표현하고 사회문화적 흐름 과 상황까지도 표출해내는 미래지향적인 장르임을 확인할 수 있었다.

The language of today’s fashion is becoming more diverse day by day, and it has been pursuing cultural, scientific, and technological integration through communication with science, technology and other genres since the late 20th century. Through the development of various digital technologies, fashion’s experimental nature has met with new materials and high technologies, presenting special colors, textures and patterns in interactive fashion. This study analyzed the types of future-oriented fashion which apply technology to fashion elements. The results were as follows. First was digital skin images. This includes luminescent light fashion using EL, LED and various sensory surfaces, and interactive fashion. Second was shifting silhouette. This includes silhouette transformation by remote control, spray-on design using aerosol, and multi-functional design converting to different uses. Third was virtual fashion image. This includes the creation of instant and diverse color and pattern through multi-media images, images that change with sound, and virtual fashion shows and exhibitions focusing on synesthesia imagery. Study implications and future research avenues are also discussed. This research found that the clothing of various concepts is created by numerous designers through integrating digital technology with exhibitions or shows by virtue of light, space, movement, and sound instead of showing simple clothing. In addition, it shows that fashion as an interactive art that communicates with the audiences was attempted.

무대예술은 고대부터 지금까지 인간의 유희적 본능을 만족시키기 위해 발전해온 시각 예술이다. 20세기 초부터 지금까지 무대예술 분야에 한 획을 그은 오스카 슐레머는 1922년 선보인 Triadic Ballet 무용공연에 서 기하학적 실루엣의 복식우선형 의복을 선보여 화제를 모았고, 이후 현대 아티스트에게 큰 영향을 미쳤다. 이에 본 연구는 선행연구와 매체에서 그로부터 영향을 받았다고 언급된 세 명의 아티스트인 아힘 프라이어, 안드레이 바르테네브, 그리고 어슐러 색스가 연출한 무대의상의 조형적 맥락이 오스카 슐레머와의 유사점과 차이점은 무엇인지를 비교․분석해 보고자 하였다. 오스카 슐레머의 Triadic Ballet 무대의상의 조형적 특징 은 첫째, 색채의 측면에서 칸딘스키가 주장한 삼원적 색채론이 주를 이뤘다는 것과 둘째, 형태적 측면에서 기하학적 도형 형태의 복식우선형이라는 것, 셋째, 소재의 측면에서 기존의 발레공연 무대의상과는 다른 소 재를 사용했다는 것이다. 또한, 무대의상 외적인 요소의 특징은 네 가지로 정리할 수 있었는데 이는 첫째, 흰 칠을 한 얼굴 표현, 둘째, 기하학적 형태의 소품 활용, 셋째, 소재로 인한 무용수의 동작 제한, 넷째, 무대의 상과 배경의 관련성이다. 오스카 슐레머와 3인의 아티스트의 무대의상은 복식우선형에 기본을 둔 의상이라 는 점에서 형태의 측면에서 가장 높은 유사성을 보였다. 차이점을 살펴보면, 아힘 프라이어는 무대배경에서 회화적인 표현을 사용했다는 점, 안드레이 바르테네브는 무용수가 장치를 달고 의상을 제어했다는 점, 어슐 러 색스는 무대의상을 유연한 소재로 제작하여 무용수들이 자유롭게 움직일 수 있다는 점이지만 상기 언급 한 차이점들은 조형적 차이라기보다는 연출방식에서의 차이였기 때문에 조형적 측면에서 바라보았을 때 아 티스트의 개별적인 독창성이나 차별성은 미흡했다. 최근 발표된 다수의 선행연구에서 현대 무대예술은 기술 적 요소에만 의존하여 시각적 효과를 남용한다는 비판과는 대조적으로, 오스카 슐레머는 순수예술의 조형적 요소들 간의 조화를 연출력과 무대의상을 통해 보여주었다는 점에서 현대의 아티스트들에게 기본적 조형원 리의 중요성을 다시 한번 상기시켜준다. 따라서 본 연구는 무대예술사와 복식사 분야 모두에서 그 학술적 가치를 지녔다고 사료된다.

Stage art has been developed since ancient times to satisfy human’s entertainment instincts. Oskar Schlemmer, who made a mark in the field of stage art, drew attention when he presented his geometric clothing at the 1922 “Triadic Ballet” dance performance, which later greatly influenced modern artists. Thus, this study tried to compare the similarities and differences between Oskar Schlemmer and three modern artists, Achim Freyer, Andrey Bartenev, and Ursula Sax, who were mentioned to have been influenced by him in prior research and media. The formative features of Oskar Schlemmer’s “Triadic Ballet” stage costumes were: First, the use of Kandinsky’s color theory, second, the form of geometric shapes as the clothing-first type, and third, a different material from that of the existing ballet costumes. Next, the characteristics of the external elements of his stage costumes could be summarized into four categories: First, the expression of faces painted white, second, the use of geometric props, third, the restriction of the movements of the dancers due to the material, and fourth, the connection between stage costumes and the background. The stage costumes of Oscar Schlemer and the three artists showed the highest similarity in terms of form such as the clothing-first type. As for their differences, Achim Freyer used pictorial expressions in the stage background, Andrey Bartenev had control of the costumes through the device, and Ursula Sax utilized flexible materials to make dancers move freely. However, the above-mentioned differences originated not from forms but from directing method, and each artist’s individual originality could not be found in their costumes. In contrast to the criticism that modern stage art abuses visual effects by relying on technological elements, Oscar Schlemmer’s stage costumes showed the harmony of the formative elements of arts. This study has its academic value in both the performing arts history and costume history in that his works showed the importance of basic formative principles.

철학사유와 연동된 주름 개념은 예술과 디자인 전반에서 논의되는 하나의 패러다임이다. 본 연구의 목 적은 들뢰즈의 근원적인 주름디자인 사유 체계의 탐구를 통해 현대패션디자인에 표현된 주름의 조형적 특 성을 살펴보고 현대 패션디자인에 의해 표현될 수 있는 주름의 조형적 가치를 통해 점차 다각적으로 표현 되는 현대패션디자인의 다양한 창의적 전개 방향을 고찰하는 데 있다. 들뢰즈의 철학적 개념으로 주름표현 의 형식과 내용을 탐구함으로써 보다 구체적인 예술이론인 들뢰즈의 주름디자인의 의미에 입각한 현대패 션디자인에 나타난 주름의 내적의미를 차이에 의한 다양성, 경계소멸에 의한 상호관계성, 본질개념의 부정 에 의한 탈 중심성으로 분류하였다. 현대패션에 표현된 주름디자인의 조형적 특성은 차이의 입체성, 연속 성, 유동성, 잠재성으로 분류하였다. 들뢰즈의 주름사유는 복식공간에 적용됨으로써 주름사유를 형태화하 여 다양한 형태와 공간감을 부여하는 잠재력을 가지고 새로운 복식조형 공간 구축을 통해서 디자인 영역 확대의 가능성을 제시하고 있다.

The concept of fold related to philosophical speculation is a paradigm that is generally discussed in art and design. This study is aimed at looking into Deleuze’s fundamental speculation system on fold design, and to find out the formative characteristics of the folds that are expressed in modern fashion design. By studying the formative value of folds that can be shown in modern fashion design, we consider the various and creative future directions of the modern fashion design industry. By studying the form and content of fold expressions based on the philosophical concept of Deleuze, this paper classifies the internal meanings of folds in modern fashion design in terms of art theory and Deleuze’s concept of fold design into diversity with differences, mutual relation with boundary extinction, and decentralization with refusal of the fundamental concept. The formative characteristics of fold design in modern fashion design are classified into three-dimensionality of differences, continuity with space expansion, liquidity with changes, and creative potentiality. The fold speculation of Deleuze gives form to fold speculation through clothes and has the potential of lending various forms and space senses. Therefore, the speculation suggests the possibility of expanding the boundary of design by establishing a new formative space of design.

조선왕조 마지막 임금인 순종의 정비 순명효황후(1872~1904)의 친필 언간체의 조형적 특징을 장법미-결구미-용필미 분석을 통하여 밝혀낸 것이다. 아울러 순명효황후의 언간체는 시어머니인 명성황후(1851~1895) 친필 언간체의 영향을 얼마나 받았는가를 탐색하기 위하여 두 황후의 편지글씨(언간체)를 모두 비교 분석하였다. 두 황후는 며느리와 시어머니 사이이며 같은 여흥 민씨이고 두 황후 모두 33세, 45세의 젊은 나이에 세상을 떠난 황후였지만 일찍이 예술적 감각이 뛰어난 한글서간체를 남겼다. 즉 순명은 10편, 명성은 124편의 아름다운 한글 서체의 언간을 남겼다. 이 중 각각 3편씩을 선정하여 비교 분석하였다. 순명효황후는 11세에 입궐하여 왕비로써 소양교육을 받으면서 한글 쓰기에 대한 시어머니인 명성황후의 영향을 크게 받았다고 볼 수 있다. 이러한 서로의 관계에서 한글언간체 형성에도 관계가 깊이 있으리라고 보고 두 언간체의 장법적-결구적-용필적 특징을 심층 분석하였다. 그 결과 두 언간은 기본적인 필법은 같으나 서풍적 필체의 특징은 다른 것으로 분석되었다. 즉 순명은 명성보다 정통 궁체의 필법에 맞게 썼으며, 유려하고 시원한 느낌의 한글흘림체의 언간으로 분석되었다. 이를 장법-결구법-용필법으로 나누어 특징을 요약하면 다음과 같다. 첫째 장법적 특징이 각각 다르다. 명성편지는 행수가 적고 배자를 자유분방하게 나타냈으나 순명의 장법은 행수가 많고 배자를 가지런하게 나타내었다. 둘째 결구법-용필법적 특징이 각각 다르다. 순명은 명성보다 문자사이의 연결선을 굵고 힘차게 나타냈으나, 명성은 순명보다 부드럽게 나타내어 역동적인 맛이 없어 보인다. 순명은 명성 언간체 보다 강하고-곧고-유려하게 표현한 것으로 나타났다. 이상과 같이 같은 시대, 같은 장소, 같은 신분, 같은 교육, 같은 가문 등으로 직접적으로 명성황후의 영향을 받은 순명효황후의 언간체는 명성보다 더 조형미가 돋보이는 것으로 분석되었다. 이것은 명성보다 더 어린 나이에 들어와 궁중의 법도를 익히며 궁체를 익혔을 것으로 추정되며, 서로의 직접적인 수직관계에서 답습하는 것이 아닌 향상적인 관계로 발전했다는 점에서 높이 평가되는 언간체 형성의 본보기라고 말 할 수 있다. 앞으로 또한 장렬왕후(1624~1688), 인선왕후(1618~1674), 명성왕후(1642~1683), 인현왕후(1667~1701)등 거의 한 시대에 살았던 왕후들의 글씨가 비슷한 서풍을 지니고 있는 것과 같은 맥락이며, 앞으로의 연구과제는 비슷한 그 시대의 서풍을 분석하여 조선조 왕후들의 언간체에서 언간이 지니는 예술적 가치를 학문으로 승화시킬 수 있는 계기가 되기를 고대해 본다.

This paper illuminates the formative characteristics of Korean letters written by Empress Sunmyŏnghyo (1872-1904), the wife of the last Chosŏn emperor Sunjong. It analyzes the usage of a sentence, the closing of a phrase, and the usage of the brush in her letter writing style. Furthermore, to examine how much her letter writing style was influenced by her mother-in-law, Empress Myŏngsŏng (1851-1895) who also left many Korean letters, it compares the letter writing styles of the two empresses, who were not only in-laws but also from the same family, Min of Yŏhŭng. They both died young at 33 and at 45 respectively, and left letters that showed their superb artistic senses in their Korean letter writing. Sunmyŏnghyo left 10 letters and Myŏngsŏng left 124 letters in beautiful Korean. I chose three letters for each and compared them for this analysis. Empress Sunmyŏnghyo entered the royal palace at 11, and while trained as a queen, was influenced greatly by her mother-in-law Empress Myŏngsŏng. This relationship must have left some imprint in Empress Sunmyŏnghyo's letter writing style. Therefore, I tried an in-depth analysis of the two letter styles for their usage of a sentence, their closing of a phrase, and their usage of the brush. The result shows that they shared the fundamentals of the brush manipulation but did have different styles in their writing. That is, Sunmyŏnghyo wrote more in coordination with the traditional court style while showing a free flowing and brisk style of Korean cursive writing. Her style in three aspects of the usage of a sentence, the closing of a phrase, and the usage of the brush can be summarized as follows; Firstly, they had different usages of a sentence. Myŏngsŏng's letters had only few lines and distributed characters quite freely. Sunmyŏnghyo had many lines and distributed characters evenly. Secondly, they had different closing of a phrase and different usage of the brush. Sunmyŏnghyo expressed the connecting lines between characters more broadly and strongly than Myŏngsŏng whereas Myŏngsŏng's soft connection lines did not show the dynamic power of Sunmyŏnghyo's. Sunmyŏnghyo's letter writing style was stronger, straighter, and more beautiful than that of Myŏngsŏng, As discussed, while they shared the same time, the same place, the same status, the same education and the same family, Sunmyŏnghyo's letter writing style that was under direct influence of Myŏngsŏng showed formatively more superb characteristics. Presumably, it is due to the fact that Sunmyŏnghyo entered the palace at a younger age and came to acquire the court style while learning the ways of the court. At any rate, it was an exemplary formation of a good letter writing style in that it was not a hierarchical imitation but a development from her senior's style. It is also in the same line with the fact that the queens living around the same time period such as Queen Changryŏl (1624~1688), Queen Insŏn (1618~1674), Queen Myŏngsŏng (1642~1683), and Queen Inhyŏn (1667~1701) showed the similar letter writing styles. My future research would analyze the letter writing styles of the letters of the similar age with the aim to academically sublimate the artistic values of the letter writing styles from letters of Chosŏn queens and empresses.

패션디자인 표현기법 중 ‘풀로 붙이기’라는 뜻에서 유래한 콜라주는 소재와 색상, 무늬 등을 자유롭게 활 용해 다양한 패션디자인을 개발하는 데 중요한 역할을 했다. 특히, 유희적인 이미지를 전달하고자 할 때 주로 사용되고 있기도 하다. 이 연구의 목적은 남성복에 표현된 콜라주 기법의 특징과 유형을 분석하고, 나아가 연구의 결과를 바탕으로 콜라주 기법을 활용한 남성복 디자인을 개발하는 데 사용할 수 있는 기초 자료를 얻기 위함이다. 연구의 방법으로는 선행연구와 조사연구를 병행했고, 문헌 연구에서는 남성복에 적용된 콜라 주의 사례를 고찰했으며, 조사연구에서는 남성복 컬렉션에서 콜라주 기법이 적용된 실제 사례를 수집해서 분석했다. 구체적인 연구의 방법으로는, 문헌 연구 단계에서 콜라주와 유희의 개념과 유형, 남성복 패션디자 인에 나타나는 콜라주를 이용한 유희적 표현 방법에 대해 살펴보고 콜라주의 개념과 표현 방법을 분석하여 조사연구에 필요한 프레임을 설계했다. 그리고 조사연구에서 2015년 S/S 시즌부터 2019년 F/W 시즌까지의 남성복 컬렉션 이미지를 WGSN과 VOGUE를 중심으로 콜라주 기법의 표현방식에 따라 총 147개의 이미지를 수집 및 분류했다. 이 중 콜라주 기법의 특징이 시각적으로 선명하게 드러난 대표 이미지를 패션디자인 박사 2명과 함께 선정했으며, 이 이미지들은 선행연구에서 도출된 패션디자인의 조형적 특성 요소에 따라 실루엣 과 색상, 패턴, 소재 등을 바탕으로 분석해서 연구의 결과를 도출했다. 패션컬렉션의 남성복 디자인에서 콜라 주 기법을 활용한 이미지는 크게 다양한 색상을 사용한 표현과 다양한 패턴을 결합한 표현, 그리고 예상치 못한 소재를 사용한 표현과 이질적인 아이템을 결합한 표현의 네 가지로 분류할 수 있었다. 또한, 콜라주 기법은 다양한 표현 방법으로 남성복 디자인에 사용되고 있음을 확인할 수 있었으며 이를 통해 다양한 유희 적 메시지도 함께 전달하고 있음도 알 수 있었다. 이 연구는 콜라주 기법이 적용된 패션디자인에 관한 연구를 남성복까지 확장 시켰다는 것과 콜라주 기법을 활용한 새로운 남성복 패션디자인의 개발로 이어질 수 있는 디자인 기초 자료를 제공했다는 데 가장 큰 의의가 있다.

Collage, which originated from the meaning of ‘pasting glue’, played an important role in developing interesting fashion designs by freely utilizing materials, colors and patterns. The purpose of this study is to analyze the playful expression techniques and formative features that appear in modern menswear. To this end, the concept and type of play were examined through prior research and literature, and the concept and method of playfulness and collage appearing in modern fashion design were examined to design the frame needed for survey research. To collect images of modern menswear, a total of 147 images were collected and classified according to the expression method of the collage technique, focusing on WGSN and VOGUE from the 2015 S/S season to the 2019 F/W season. Among them, a representative image that visually revealed the characteristics of the collage technique was selected and classified along with two Ph.D. in fashion design. This was analyzed based on silhouettes, colors, patterns and materials, depending on the factors of the formative characteristics derived from the preceding study on the formative characteristics of fashion design. Research shows that images of menswear using collage techniques in modern fashion collections could be classified into expressions using different colors, those combining different patterns, those using unexpected materials, and those combining disparate items. This study is intended to open the possibility of developing more diverse designs which can be used as practical materials when developing a playful fashion design with collage techniques.

4.27. 판문점 선언을 계기로 남북의 미술 교류가 활발해지고 있다. 북한 미술뿐 아니라 디자인 측면에 초점을 맞춘 연구가 필요한 시점이지만 북한의 미술 분야 연구는 1900년대에 국한된 연구가 대부분이며, 2000년대 이후의 연구는 매우 부족한 실정이다. 이 러한 이유로 최근 북한의 김정은 체제하에 급변하는 사회 분위기와 함께 기존의 폐쇄적이고 전체주의적인 정치 체제 이미지가 주를 이루고 있던 프로파간다 포 스터가 어떤 조형적 특성을 보이며 변화되어 가고 있 는지를 분석하는 것이 본 연구의 목적이다. 국내 문 헌과 통일연구원의 연구 결과를 토대로 최근 북한 그 래픽디자인의 경향과 시대상을 김정은 체제 이전과 비교하여 고찰하였으며, 인터넷 선전 및 선동 매체인 ‘우리민족끼리’에 게시된 61개 프로파간다 포스터 를 이미지 표상, 구도, 타이포그래피, 색채 경향을 각 각 분석하였다. 연구 결과, ‘시민의 이미지’ 등 현 대적 이미지를 적극적으로 활용하였고, 통일을 상징 하는 ‘철마’와 함께 은유적 표현의 포스터가 나타 나는 등 감성적 소구방법이 증가하는 경향을 보였다. 색채사용 측면에서는 붉은색 활용의 빈도가 줄었지만 파랑, 노랑, 초록 등 다양한 색채 사용을 시도한 것이 특징적이며, 이러한 변화는 김정은 체제의 정책적 변 화에 따른 행보가 선동 매체인 그래픽포스터 디자인 분야에서도 같이 나타나는 것으로 분석된다.

Because of Panmunjom Declaration of Apr. 27, 2018, arts are actively exchanged between South Korea and North Korea. It’s time to study on not only Northern arts but also their design, but most of studies on Northern arts are limited to the 1900s and studies on after the 2000s are very insufficient. Therefore, the purpose of this study is to analyze which formative characteristics of propaganda poster whose main is the images such as existing strict and totalitarian political system are recently shown with rapidly changing social atmosphere under the system of Kim Jung Eun of Northern Korea. Based on the results of research of domestic documents and Korea Institute for National Unification, this researcher considered recent tendency and periodical phase of Northern graphic design in comparison with that before the Kim Jung Eun system as well as analyzed image symbol, structure, typography, and colors of 61 propaganda posters in ‘Wooriminjokiri’, internet propaganda and instigation media respectively. As a result of research, modern images such as ‘citizen image’ were actively utilized and emotional appeal methods such as ‘iron horse’ symbolizing unity and poster of metaphorical expression were increased. From an angle of color using, the frequency of red utilization was reduced and it’s tried to use various colors such as blue, yellow, green, etc. Those changes showed that walking of Kim Jung Eun system’s political changes was same in the field of graphic poster design that is instigation media.

Image has more power in the 21st century than ever before. With the advance in technology and media, image is either made or received more easily and promptly using digital technology. Because of that, it has been hard for digital images to gain value as a work of art. But after NFT technology was developed and then applied to digital images, we have come to distinguish the original from the copy of it. People are trying various ways to allow digital images to be acknowledged as art, and changing the nature of digital images that makes new paradigms in the history of art. Through NFT artworks rising as a new style, this paper analyzed and investigated the new properties and changing characteristics of digital images in order to anticipate the characteristics of artworks that the public produces, enjoys, and consumes. This study is grounded on experimental analysis methods, and this author expects that it can contribute to figuring out which kinds of visual culture and artworks digital image is influencing currently from various perspectives.

18세기 양주(揚州)는 대운하가 서로 교차하는 중국의 대도시 중 하나로 수운을 통한 편리한 교통과 부를 축적한 염상들을 중심으로 거대한 소비 능력을 갖춘 상업 도시로 성장하였다. 그리고 이러한 상업 도시가 가지는 지역적 특징을 바탕으로 양주를 대표하는 ‘양주팔괴(揚州八怪)’라는 화파가 형성되었다. 특히 양주 염상들은 부의 축적과 경제력으로 서화가들을 후원하였으며 ‘양주팔괴’를 중심으로 한 문화예술 형성에 영향을 미쳤다. 이들의 화풍은 서로 일치하지 않았지만 양주의 강한 상업적 분위기와 맞물려 문인화 전통을 갖추면서 보다 대중 융합적 소재를 다루며 ‘기이한’ 취향과 특징을 반영한 작품을 제작하였는데 이를 ‘괴(怪)’라고 불렀다. 이들의 화풍은 당시 정통파를 따르는 사람들의 눈에 ‘이단’으로 보였을 것이다. 즉, 옛 사람들의 법에 얽매이지 않고 새로운 화풍을 드러내며 정해진 틀을 따르지 않고 전통을 지양하며 변화를 추구하는 정신은 이러한 화파가 가지는 ‘괴’의 중요한 특징이라고 할 수 있다. 이러한 진취적 정신은 명대 서위(徐渭, 1521-1593)에서 시작해 팔대산인(八大山人, 1624-1703), 석도(石濤, 1642-1708) 등의 개성적 화풍과 창작 방식을 흡수하고 발전시킨 것으로 이해할 수 있다. 본 논문에서는 양주팔괴로 불리는 금농(金农, 1687-1764), 황신(黄慎, 1687-1770), 나빙(罗聘, 1733-1799)의 인물화 속 조형적 특징을 다음의 네 가지, 즉 첫째, 현실 반영과 대중 융합적 주제, 둘째, 지두화(指頭畵)를 통한 필묵 표현의 확장, 셋째, 서체를 이용한 선의 변화, 넷째, 전통적 구도방식과 색채 탈피로 나누어 분석하고자 하였다. 이들은 문인이자 직업화가 그룹으로서 중국의 서화가 근대로 나아가는 중요한 통로가 되어 중국 회화사의 새로운 시대를 개척하였다.

在18世纪, 扬州地域是大运河相互交叉的中国的大城市之一，以通过水运交通的便利和积累财富的盐商为基础, 成长了一个巨大的消费能力的商业城市。而且，根据这一商业城市的扬州地域的特征, 形成了称为‘扬州八怪’的画派。 特别扬州盐商用财富的积累和经济实力赞助了书画家们，以‘扬州八怪’爲中心對文化藝術的形成产生了很大影响。虽然他们的画风不同步, 不过扬州地域的商业氛围吻合，具备以前的文人画传统和更选择了大众融合的题材，而在作品上反映了‘奇异’的取向和特点，此都称为‘怪’。这个画家的画风从当时追随正统派的人来看，他们的风格被视为‘异端’。 换言之，在古人的法律并没有拘泥, 表示新的画风与不遵守规定的框架, 扬弃传统和追求变化, 这种精神是成为扬州八怪的重要特征。如此开拓精神就是吸收了從明代活動的徐渭(1521-1593)開始到八大山人(1624-1703)以及石濤(1642-1708)等个性派画风与创作方式。 在本论文中, 以被称之为‘扬州八怪’金农(1687-1764), 黄慎(1687-1770), 罗聘(1733-1799)的人物画为中心, 把他们的形式特点分爲以下的四个方面: 第一, 现实生活反映和符合大众的主题, 第二, 通过指畵笔墨表现的扩张, 第三, 使用书体的笔线变化, 第四, 传统构图方式和色彩模式。他们是职业画家同时也文人画家, 中国的近代书画家的进入近代的重要通道, 开辟了中国绘画史的新时代。

본 연구는 남성 정장에 대한 전반적인 이해를 바탕으로 ‘더 스튜디오 케이(the Studio K)’의 ‘라피규라(LA FIGURA)’ 남성 정장 라인의 기존 디자인의 성향을 연구 및 분석하고, 라피규라 바이 더 스튜디오 케이 맨이지향하는 남성 정장의 ‘위트(wit)’가 무엇인지 조형적 특성을 통해 파악하며, 브랜드를 중심으로 우리나라 남성 맞춤 정장 디자인의 발전된 방향을 제시하는 것을 목적으로 한다. 남성 맞춤 정장 디자인 발전 방안으로역사적 배경 및 소재와 실루엣, 디테일을 중심으로 문헌조사와 실태조사를 병행하여 연구하고자 한다. 첫번째로, 남성 정장의 현대화가 시작된 대표적인 시점인 17세기 중반의 찰스 2세 왕정 당시부터 20세기까지남성 정장의 역사를 연구 분석한다. 두 번째로, 현대 남성 정장에 적용된 나라별 정장 디자인의 다양한 스타일과 각 스타일이 탄생하게 된 계기를 영국, 이태리, 미국을 중심으로 분석 및 요약한다. 세 번째로, 스튜디오케이 맨 정장의 전체적인 종류와 주요 특징을 알아보고, 위와 같은 정보를 토대로 2013년 F/W부터 현재까지의 라피규라 바이 더 스튜디오 케이 맨의 디자인 특징을 색상과 소재, 실루엣과 디테일을 중심으로 분석하여차별화 요소 및 라피규라 바이 더 스튜디오 케이 맨만의 남성 정장의 위트가 무엇인지를 찾아서 위의 연구를중심으로 트렌드에 따른 시즌감을 반영하여 디자이너 브랜드의 특성 부각, 체형에 따른 패턴의 연구, 캐쥬얼과 매칭 할 수 있는 부각된 스타일링 팁으로 브랜드를 발전시키는데 핵심요소가 되는 연구를 진행 하고자한다. 결과적으로 남성 정장에서 가장 중요한 핵심요소와 라피규라 바이 더 스튜디오 케이 맨의 발전 전개를위하여 반영해야 하는 요소들을 제시하는 것이 이번 연구의 절차이다.

The purpose of this research is to introduce a fashion brand, ‘LA FIGURA by the studio K Men’ and analyze men’s classic suits designed by LA FIGURA. By studying men’s classic suits from the early 17th century to the current trend first, the tendency of procedures continues knowing philosophy of LA FIGURA’s own creations for bespoke tailoring that LA FIGURA’s custom-made suits delicately represent selective styles for men’s classic suits not only for those styles reflected from the general tradition of men’s suits but also LA FIGURA’s ‘wit’ of the suit designs through the formative characteristics. At last, the research suggests a future reference of what direction LA FIGURA could aim for and specific design ideas for the successful business such as a fabric, silhouette and a design detail. To briefly delineate the study, first, it describes chronological knowledge on men’s classic suits from the early 17th century when the first modernization of suit’s design had started and up until now about the current trend for men’s bespoke suits. Second, the study focuses on the analysis of LA FIGURA’s bespoke tailoring in terms of its previous collections from F/W of 2009 until the present. The analysis addresses three main styles of men’s suit including the British, Italian and the American suits to reflect on LA FIGURA’s bespoke design. It interprets how each style of suit has occurred based on the historic backgrounds for men’s classic suit design and some example of their brands. Third, the paper concludes with the suggestion for improvements for LA FIGURA’s brand image and techniques for suit’s design including fabric, silhouette and design detail.

채용신의 ‘삼국지연의도’는 지금까지 일부 제한적 시각에 머물렀던 채용신의 평가에 대한 새로운 미술사적 의미와 가치를 부여할 수 있는 성과이다. 무엇보다 삼국지연의도는 대한제국기 전후 절박한 시대적 상황에서 제작되었다는 점과 채용신의 초상화가 지닌 조형적 특징을 새로운 측면에서 재평가할 수 있다는 점에서 의미와 가치가 있다. 이에 본 연구는 크게 삼국지연의도에 내재된 표현정신과 조형적 특징의 두 가지 측면에 주목하였다. 첫 번째로 채용신이 활동했던 시대 상황과 관련하여 삼국지연의도에 내재된 표현 정신은 ‘충의정신’, ‘민족정신’, ‘관우신앙’의 세 가지로 정리할 수 있다. 삼국지연의도가 제작된 1912년을 기준으로 보면 당시 역사적 배경은 물론 삼국지연의도의 제작동기와 목적을 추론할 수 있다. 특히 삼국지연의도 중 <單刀赴肅>에 적은 ‘壬子孟春上澣從二品前定山郡守 臣蔡龍臣寫上”墨書는 삼국지연의도와 관련한 제작의도를 추론할 수 있는 핵심적인 부분이다. 또한 1910-20년대 초는 채용신의 민족의식이 가장 고취되었던 시기였던 만큼 그가 남긴 많은 우국지사의 초상작품들과 비교하면 삼국지연의도에 나타난 민족정신을 짐작할 수 있다. 이러한 과정을 토대로 볼 때 채용신의 삼국지연의도에 내재된 표현정신은 단순한 감상용이나 개인적 관심분야를 넘어 충의정신과 민족정신을 담아 국가적 재건을 염원하는 구국의지를 표현한 그림이라고 평가할 수 있다. 두 번째는 三國志演義圖에 나타난 조형적 특징에 대한 전반적인 연구이다. 총 8폭으로 구성된 채용신의 三國志演義圖는 그림의 성격상 각 장면마다 주제가 뚜렷하게 드러난다. 이러한 주제의 표현을 위해 채용신은 크기, 형태, 구도, 색채, 기법, 묘사 등에서 기존의 三國志演義圖 작품들과는 차별화된 개별성과 독자성을 표출했다. 채용신의 삼국지연의도에 나타난 다양한 조형적 특징은 ‘궁화형식’, ‘복합시점․복합구성’, ‘대조법’, ‘서구적 기법 변용’으로 정리할 수 있다. 먼저, 채용신의 三國志演義圖는 8폭에 편액이 그려져 있으며, 채색화를 구사했다는 점에서 궁화형식이다. 보기 드물게 큰 화폭 역시 삼국지연의도가 궁화형식임을 뒷받침하는 요소이다. 또한, 삼국지연의도에 표현된 조형적 특징은 여러 시점과 기법을 한데 모아 조합했다는 점에서 복합시점 또는 복합구성이라 할 수 있다. 삼국지연의도에 나타난 조형적 특징 중 빼놓을 수 없는 것은 대조법이다. 대조법은 삼국지연의도에서 작품의 내용적 전달과 표현효과를 극대화하기 위해 사용한 대표적 방법이다. <赤璧大戰>은 삼국지연의도 중 대조법을 가장 효과적으로 활용한 작품으로 꼽을 수 있다. 채용신은 초상화제작에서 유지해오던 전통적 특징과 당시 신문물과 신문화의 물결 속에서 수용했던 여러 서구적 기법을 변용하여 삼국지연의도의 조형적 완성도를 높였다. 결론적으로 채용신의 三國志演義圖는 급변하는 시대위기 상황에서 민족의식을 고취하고 한국적 화풍을 새롭게 정립하고자 했던 조선말 한 화가의 끊임없는 탐구와 열정의 결과물이라 할 수 있다.

This thesis,「A study of formative characteristics and spirit of expression in Chae Yong-shin's 'Samgukji Yeonuido'」is about Chae's Paintings 'Samgukji Yeonuido(Pictures inspired by The Romance of the Three Kingdoms) which is found recently. The finding of Chae's Paintings 'Samgukji Yeonuido' is the great discovery which changes the evaluation of Chae's works, from underestimated to get his value properly in art history. Most of all, the 'Samgukji Yeonuido' is very meaningful and valuable in two aspects which are made in very critical situation historically, such as during the period of the end of The Greanter Korean Empire and are reevaluated it's value of the characteristics in new aspect. Because of that, this study took a look in two aspects. At first, I believed the spirit of his works melting in spirit of expression is three different spirit such as the loyal spirit, the national spirit, Cult of Guan Yu. I tried to understand his work underlining spirit which is not only his personal interest and emotion, but also the faith of reconstruction of his country containing the national spirit and the loyal spirit. I could infer his purpose and intention to make 'Samgukji Yeonuido' by examining historical background in 1912 and personal relationship with Chae and the last Emperor Gojong. Secondarily, I studied all aspects of characteristics shown in 'Samgukji Yeonuido'. Each of all 8 pictures have there own subjects. He used unique technique in size, form, composition, color, technique, description and it gave unique and differentiation from ordinary 'Samgukji Yeonuido''. Since I analyzed his characteristics of 'Samgukji Yeonuido' in ‘forms of the Royal Court’, ‘complex viewpoint. complex composition', 'counterpoint', 'change the West technique'. Specially, I tried to reevaluate the meaning and the value of his work in art history by analysing 'A great war of Red Cliff', which showed his unique drawing atmosphere most, with his the other works. On the conclusion, the purpose of this study is the on the way of processing overcoming the limitation of former Chae's studies and reevaluation of his work properly in art history.

우리나라는 지자체의 무분별한 캐릭터의 개발로 전 반적으로 개성이 느껴지지 않는 획일적인 형태를 보 이고 있으며 수부도시의 경우에도 다르지 않다. 지자 체 캐릭터의 효과적인 활용은 지역의 문화산업을 성 장시키고 부가가치를 창출할 뿐만 아니라 지역에 친 근감을 상승시키기 때문에 이를 위한 전략적인 기술 이 필요하다. 그 방법으로 수부도시 캐릭터의 형태를 등신과 비례를 살펴보고 재질, 색채의 주조 색을 중 심으로 살펴보았다. 그리고 캐릭터의 얼굴을 조형적 특징을 이목구비 중심으로 살펴보고 선행된 연구 자 료와 수부도시가 운용하는 웹사이트를 조사하고 활용 하여 연구의 기초로 하였다. 결과적으로 대부분이 비 슷한 조형적인 특징을 가지고 있으며 차별성을 가지 기 위해서 독특한 이미지의 형태와 색, 소재 등의 표 현방법을 개성적이고 독창적인 요소의 도입이 필요하 다. 또한, 캐릭터 형태의 조형적인 특징이 지역적인 차이점에 대해서 살펴보고 활용하는데 필요한 문제 점을 살펴보았다. 당연히 아름다운 형태로 보이는 캐 릭터의 조형미와 기능을 잘 갖춘 캐릭터가 지역민의 요구를 충족시키며 높은 인지도를 기대할 수 있다. 본 연구에서는 국내 지자체의 수부도시 캐릭터의 조 형성을 분석하여 장기적인 관점에서 캐릭터를 활용할 수 있는 방법을 알아본다. 이를 통하여 지자체의 캐 릭터 개발에 자료로 활용하는 데 이바지할 수 있기를 기대한다.

In Korea, the reckless development of characters by local governments makes it a uniform form that does not make one's personality felt in general, and in the case of a water city, it is no different. The effective use of local government characters not only grows the local cultural industry and creates added value, but also raises friendliness in the region, so strategic technology is needed for this purpose. In that way, we looked at the shape of the Suburban character, focusing on the imbeciles and epithets, and the casting colors of the material and color. And the character's face was based on the study by looking at the features of his or her facial features and researching leading research data and websites operated by a nursing city. As a result, most have similar plastic features and in order to be differentiated, it is necessary to introduce individual and original elements such as the shape, color and material of unique images. In addition, we looked at the regional differences and looked at the problems needed to utilize the plastic features of the character form. Naturally, characters well equipped with the formative beauty and function of characters that look beautiful can meet the needs of the local people and expect high recognition. In this study, we analyze the composition of the water city characters of local governments to find out how they can be utilized from a long-term perspective. Through this, we hope to contribute to the development of characters by local governments.

본고는 한글소설 방각본 『구운몽』ㆍ『삼국지』ㆍ『소대성전』ㆍ『심청전』ㆍ『장풍운전』ㆍ『조웅전』ㆍ『홍길동전』 등 7종의 경판본과 완판본을 중심으로 서체의 조형적 특징을 살펴보고자 하였다. 7종 한글소설 방각본 版權紙의 발행연도는 경판본은 7종 모두 京城翰南書林에서 大正九年(1920)에, 완판본은 大正三年(1914)과 大正五年(1916)에 全州多佳書舖에서 두 차례, 明治四十四年(1911) 全州書溪書鋪에서 한 차례 발행한 것이다. 그러나 본문 말미의 책판 간기는 戊午紅樹洞新刊(1858), 己未孟夏紅樹洞新刊(1859), 壬戌孟秋完山開板(1862), 己酉孟春完山新刊(1885), 大韓光武十年丙午孟春完西溪新刊(1906), 丁未仲花日完南開刊(1907), 戊申仲春完龜洞新刊(1908)이다. 이에서 보면 본고의 경판본은 1850년대부터 출간되고, 완판본은 1860년대부터 간행되어 20세기 초까지 유통 된 것이다. 7종의 체재는 평균 경판본이 31장, 완판본이 61장 정도로 완판본이 경판본보다 배 정도 분량이 많다. 책 크기(세로×가로)는 평균 경판본 24.5×19.3cm, 완판본 26.5×18.8cm로, 완판본이 세로 2cm 정도 크다. 반엽광곽은 경판본 21.2×16.9cm, 완판본 20.4×16.6로 경판본이 세로로 0.8cm 정도 크다. 따라서 경판본과 완판본의 板木은 비슷한데, 완판본이 책을 크게 출판하였다. 문자는 두 판본이 평균 1.2cm의 행간에 왹곽이 1cm 內外로써 완판본의 문자가 경판본의 문자에 비해 가로로 0.2cm 가량 큰 문자를 배자하였다. 서체의 조형적 특징은 경판본은 7종 모두 흘림체로 자형은 대부분 같고, 완판본은 흘림체인 󰡔구운몽󰡕을 제외하고 6종이 정자체다. 완판본 흘림체의 󰡔구운몽󰡕 자형도 점․획을 결구 할 때 가벼운 연결획을 사용한 정도로 문자의 원형을 유지하고 있어 6종과 대체로 같다. 완판본 서체의 특징은 치음 ‘ㅈ ㅊ’의 ‘ㅈ’자형이 흘림체인 경판본과 같으며, 종성을 초․중성 사이에 끼워 넣는 등 문자 외곽의 세로길이를 줄여 완판본 특유의 정자체를 구사하고 있다. 그 외 경판본과 완판본 자형의 차이는 모음 ‘ㅔ’의 두 세로획이경판본은 長短의 차이가 크고 완판본은 길이가 대체로 같다. 또한 ‘ㅌ’字에서 경판본은 모두 ‘ㄷ’위에 ‘ㅡ’획을 분리하여 결구하였으나 완판본은 ‘ㄷ’의 가운데 ‘ㅡ’이 위치하고 있으며, ‘ㅇ’자형에서 경판본은 둥근 형태이며, 완판본은 삼각형(△)의 형태이다. 그리고 흘림체 『구운몽』 완판본과 경판본 및 세책본 등 궁체와 대부분 서체가 같은 점 등에서 방각본이 유행한 19세기중기이후에는 궁중을 중심으로 정형을 이룬 궁체가 전주지역에서도 쓰인 것을 알 수 있었다.

This paper intended to investigate the formative characteristics of letter form focused on the seven gyeongpanbon (block-printed books published in Seoul) and wanpanbon (block-printed books published in Jeonju) such as Guunmong, Samgukji (Romace of the three kingdoms), Sodaeseongjeon, Simcheongjeon, Jangpungunjeon, Joungjeon, Honggildongjeon. According to the copyright paper of banggakbon of the seven Hangeul fictions, gyeongpanbon was all published in Gyeongseonghannamseorim(京城翰南書林) in 1920, and wanpanbon was published two times in Jeonjudagaseopo(全州多佳書舖) in 1914 and 1916 and one time in Jeonjuseogyeseopo(全州書溪書鋪) in 1911. However, according to the imprints at the end of the text, they said 戊午紅樹洞新刊(1858), 己未孟夏紅樹洞新刊(1859), 壬戌孟秋完山開板(1862), 己酉孟春完山新刊(1885), 大韓光武十年丙午孟春完西溪新刊(1906), 丁未仲花日完南開刊(1907), 戊申仲春完龜洞新刊(1908). As a result, gyeongpanbon has been published since the 1850s, wanpanbon has been published since the 1860s, and both editions have been distributed until the early 20th century. In terms of format, the average page of gyeongpanbon is 31, and that of wanpanbon is 61, so the pages of wanpanbon are twice as many as those of gyeongpanbon. In terms of book size (length × width), the average size of gyeongpanbon is 24.5 × 19.3cm, and that of wanpanbon is 26.5 × 18.8cm, so the height of gyeongpanbon is 2cm longer than that of wanpanbon. The size of the half-leafed outline of gyeongpanbon is 21.2 × 16.9cm, and that of wanpanbon is 20.4 × 16.6cm, so gyeongpanbon are 0.8cm longer in height. Therefore, the woodblock sizes of gyeongpanbon and wanpanbon are similar, but wanpanbon was published in a large size. The average space between the columns of both editions is 1.2cm, and the space between the outline and the edge is around 1cm, and the width of the letters of wanpanbon is 0.2cm wider than that of gyeongpanbon. In terms of the formative characteristics of letter form, the seven books of gyeongpanbon have the same letter form, which is cursive script. The letter form of six books of wanpanbon are regular script, and only Guunmong has cursive script, but it is mostly the same as the letter form of the other six books because it keeps the original form of the letter while using only light connection between dots and strokes. The characteristic of the letter form of wanpanbon is that the letter form of ‘ㅈ’ of dental sound (ㅈ, ㅊ) is the same as gyeongpanbon, which is a cursive version, and that it has a unique regular letter form reducing the vertical length of the outer part of the letter by embedding a final consonant between an initial consonant and a vowel. The difference between gyeongpanbon and wanpanbon is that the length difference between two vertical strokes of the vowel ‘ㅔ’ is big in gyeongpanbon but small in wanpanbon. Also, the letter form of the consonant ‘ㅌ’ is different. The horizontal stroke ‘ㅡ’ is separately placed over the consonant ‘ㄷ’ in gyeongpanbon, but the horizontal stroke ‘ㅡ’ is placed in the middle of the consonant ‘ㄷ’ in wanpanbon. In addition, the letter form of ‘ㅇ’ is round in gyeongpanbon, but almost triangular (△) in wanpanbon. Moreover, it was found that the court style of writing Hangeul script had also been used in Jeonju area since banggakbon was prevailed in the mid-19th century because of the similarity of the letter form of a cursive version of Guunmong wanpanbon published in Jeonju and that of Guunmong wanpanbon and sechaekbon published in Seoul.