Earticle

강력하고 효과적인 설교는 해석학적, 인지적 차원에 머물러서는 안 되며, 마음과 정서의 차원에까지 확장되어 청중들의 삶을 변화시킬 수 있어야 한다. 이 논문은 설교의 목적과 관련하여 그간 제기되었던 강해설교와 새설교학 (또 는 합리주의와 열광주의) 사이의 이분법을 극복하고 청중들로 하여금 하나님 의 말씀을 경험할 수 있도록 하기 위해 조나단 에드워즈의 설교 신학과 방법론 을 조명하는 것을 목적으로 한다. 일차적으로 에드워즈 설교의 특징들을 살펴 보고, 청교도의 설교 전통, 특히 솔로몬 스토다드의 설교 유산을 이어 받은 에 드워즈가 어떻게 자신의 설교에서 풍성한 성경적인 상상력을 토대로 비유와 은유, 모형론 및 이미지를 활용한 언어를 통해 청중들의 마음의 감각을 자극할 수 있었는지를 규명한다. 모형론에 대한 에드워즈의 신학이 주관주의에 빠진 다는 비판도 있지만 그의 신학 체계 속에서 그것이 어떻게 정당화되는지를 살 펴본다. 에드워즈의 설교가 그토록 깊은 울림을 줄 수 있었던 중요한 비결 중 하나는 살아 있는 듯한 생생한 표현과 청중을 사로잡는 적합한 단어 사용이었 다. 오늘날 설교자들도 본문의 의미를 생생하게 전달하여, 본문을 이해하는데 그치지 않고 본문에 나타난 하나님의 아름다움을 경험할 수 있도록 하기 위해 감각적인 이미지들과 그림 언어들을 사용할 것을 제안한다.

Powerful and effective preaching should no longer be understood solely as a cognitive enterprise. It must also address the emotional and volitional life of the hearers and speak to both the heart and the head. In this regard, preachers today need to learn from Jonathan Edwards's affective preaching. The primary aim of this paper is to elucidate the affective aspect of Edwards's preaching. This paper explores some of the insights presented throughout Edwards's works in order to build a more complete picture of Edwards's theories on the use of imagery and typology for his affective preaching. This paper begins by recognizing the legacy of Puritan preaching and its effect on Edwards's preaching theology and style, especially his debt to his grandfather Solomon Stoddard. It also discusses Edwards's beliefs about typology, which directly influenced his use of figurative language in his sermons. Following Edwards's belief that a preacher could, and must, use language to help his congregants see and taste the divine things, the analysis focuses particularly on his use of imagery and metaphor in his sermons. I propose that since a preacher's choice of words has a profound impact on the vividness of the message, preachers today need brave new words which enable people not only to understand the message but also to experience the beauty of God in Edwardsean sense.

본 논문은 인지행동치료에서 심상의 중요성을 기술하고, 인지행동치료에서 어떻게 심상을 파악하고 변형시킴으로써 내담자의 인지와 함께 정서와 행동을 변화시킬 수 있는지 살펴보았다. 이를 위해 심상개입을 위한 준비과정을 기술하였으며, 심상을 평가하는 방법과 심상을 활용하여 내담자에 대한 보다 정확한 정보를 파악하는 방법을 사례와 함께 제시하였다. 더불어 인지행동치료에서 활용할 수 있는 주요 심상기법을 체계적으로 제시하였는데, 그 첫 번째는 부적응을 유발하는 심상에 대한 개입기법이고, 두 번째가 긍정적인 심상을 활용하여 문제를 해결하고 새로운 존재방식을 창조하는 기법이다. 부적응을 유발하는 심상의 경우, 외상과 관련된 침입적 심상에 대한 개입법, 강박적으로 떠오르는 고통스러운 심상을 다루는 개입법, 부정적인 과거 기억을 다루는 개입법으로 구분하여 설명하였다. 한편 긍정적 심상을 활용한 개입기법의 경우 문제해결 및 대처기술을 위한 기법, 심상을 통해 새로운 존재방식을 창조해내는 기법으로 나누어 기술하였다. 본 논문은 한국인들이 지각 및 인지적 처리에서 분석적 접근보다 전체적 접근을 많이 사용한다는 점을 고려해 심상기법이 유용하게 활용될 수 있다는 점을 제안하였으며, 심상기법이 인지행동치료의 지평선을 넓힐 수 있을 것으로 보았다.

As one of the new frontiers of cognitive behavioral therapy, imagery holds rich promise for the treatment of clients. The purpose of this study was to provide a review on the various imagery interventions for the cognitive behavioral therapists. The history of imagery techniques and the reasons why imagery is important were briefly reviewed in the context of cognitive behavioral therapy. Before providing a general summary of imagery interventions, a detailed process of preparation for imagery intervention and imagery assessment was presented and illustrated with case examples. Then we presented a systematic review of the imagery interventions that were used in cognitive behavioral therapy. First, interventions that dealt with negative and disturbing imagery were introduced. Secondly, we provided interventions that could improve coping and problem-solving, and create a new way of existence. Because of limited space, the current review did not include schema therapy, mindfulness-based cognitive therapy, meta-cognitive therapy, and eye-movement desensitizaton and reprocessing therapy (EMDR) which have a strong imagery component. It was suggested that imagery could potentially enhance conventional cognitive behavioral therapy.

The “long sleeve” motif in musical and dance imagery on Han dynasty pictorial stones is a highly stylized visual pattern. Its widespread presence across regions and contexts points to deep cultural meanings. Taking the “long sleeve” motif as its focus, this study integrates literature review and image analysis to construct an analytical framework of “image → function → iconographic origin.” It begins with a “form-establishing” (lixiang) analysis of the “long sleeve” imagery in Han pictorial stones, examining the morphological genealogy of the motif, its codified movements, and compositional principles. On this basis, the study proceeds from “instrument to Dao,” exploring the “long sleeve” as a bodily technique, a form of ritual space, and a medium for communicating with the spiritual realm. Finally, through tracing the origins of meaning, it discusses the concept of “ritual protocol” as generated through three layers of imagery associated with the long sleeve motif. The study shows that the “long sleeve” motif functions as a visual-cultural symbol that condenses the core spiritual concepts of the Han dynasty. Its mechanism of core image formation reveals the fundamental logic of Han art, in which embodied ritual practices mediate between Heaven and humanity and reconcile life and death within a framework of “ritual protocol.” This research provides a micro-level interpretive case for understanding the aesthetic spirit of the Han era—marked by vitality within simplicity and lightness within solidity.

汉代画像石乐舞图像中的“长袖”，是一个高度程式化的艺术图形视觉母题，其超越地域与场景的普遍存在，指向深层的文化意涵。本研究以“长袖”母题为对象，综合运用文献法与图像分析法，构建了“图像→功能→意象溯源”的研究框架。首先对汉代画像石中乐舞“长袖”图形的“立象”分析，考察长袖母题的形态谱系、动作程式与构图法则；然后，在“立象”图形分析基础上，“由器入道”探讨“长袖”作为身体技术、仪式空间与通神功能；最终，通过探意寻源，讨论长袖母题由三重意象生成的“仪轨”观念。研究表明，“长袖”母题是凝结汉代精神核心观念的视觉-文化符号，其核心意象生成机制揭示了汉代艺术通过身体化仪式实践沟通天人、调和生死等“仪轨”观念的根本逻辑。本研究为理解汉代“朴拙中的灵动”、“厚重中的飘逸”的时代美学精神提供了“以微见著”的阐释个案。

본 연구는 천상병의 초기 시에 자주 나타나 있는 이미지에 대하여 분석하였다. 천상병의 시는 하늘과 새, 그리고 물과 길의 이미지를 중심으로 전개되며, 이를 통해 시인의 세계인식과 시 의식을 드러낸다. 하늘의 심 상은 지상적 삶과 대비되는 이상적 공간으로 나타나며, 시인의 지향점을 상징한다. 새는 현실의 고난과 연결되어 자유로운 비상, 존재론적 긴장, 밝음의 세계 지향 등 다양한 의미를 내포한다. 또, 물은 죽음을 염두에 둔 허무 의식을 드러내고 인간은 근원적으로 유한한 존재라는 것을 표현한다. 길은 초원적 세계에 대한 구체적 행위의 공간으로 출발과 도착, 그리고 탐색의 의미를 지닌다. 천상병의 초기 시에 드러나는 세계인식은 주로 삶의 비극성에 기반하 며, 이는 그리움, 비애, 슬픔 등의 정서로 표현된다. 특히 가난과 소외라는 구체적 현실과 맞닥뜨릴 때 이러한 비극성이 심화된다. 시적 자아는 이러 한 현실에서 내면 공간으로 도피하거나, 근원적 고향을 그리워 하는 모습 을 보인다. 그러나 이러한 근원 회귀의 의식은 단순한 도피가 아닌, 삶에 대한 정화된 인식으로 이어진다는 점에서 긍정적 의미를 지닌다. 결론적 으로 천상병의 초기 시에 나타난 이미지는 현실의 비극성을 인식하면서 도, 이를 초월하고자 하는 시인의 정신적 지향을 반영하고 있다.

This study analyzed the images that often appear in the early poems of Cheon Sang-byung. Cheon Sang-byung’s poetry revolves around images of the sky, birds, water, and roads, revealing the poet’s world perception and poetry consciousness. The image of the sky appears as an ideal space in contrast to earthly life, and symbolizes the poet’s direction. The bird is connected to the hardships of reality, the three of free flight, ontological tension, and brightness In addition, water reveals a sense of futility with death in mind and expresses that humans are fundamentally finite. The road is a space for concrete actions about the grassland world, and has the meaning of departure, arrival, and exploration. The world perception revealed in the early poems of Cheon Sangbyung is mainly based on the tragedy of life, which is expressed in emotions such as longing, sadness, and sadness. In particular, this tragedy intensifies when confronted with the concrete reality of poverty and alienation. In this reality, the poetic self escapes to the inner space or misses the original hometown. However, this consciousness of root regression has a positive meaning in that it leads to a purified perception of life, not just escape. In conclusion, the image that appeared in Cheon Sang-byung’s early poetry reflects the poet’s spiritual orientation to transcend it while recognizing the tragedy of reality.

요쿄쿠(謡曲)는 일본 전통 예능인 노가쿠(能楽)의 대본을 말한다.기존의 요쿄쿠 는 수천 곡이 있지만, 현재 노가쿠 무대에서 연출될 수 있는 연목은 약 250여 곡에 불과하다. 요쿄쿠는 대부분 역사나 이전 작품을 바탕으로 허구화되어 노가쿠의 대 본으로 사용된다. 현존하는 요쿄쿠는 고지키(古事記), 니혼쇼키(日本書記), 이 세 모노가타리(伊勢物語), 헤이케 모노가타리(平家物語) 등 일본 문학뿐만 아니 라 중국의 신화, 역사, 고전에서 소재를 취해 각색된 것도 많다. 요쿄쿠에 나오는 이야기의 전거(典據)는 본설(本説)이라고 한다. ｢소군출새(昭君出塞)｣, ｢황량일몽 (黃粱一夢)｣, ｢병법전수(兵法傳授)｣ 같은 중국 설화를 바탕으로 작성된 ｢소군(昭君)｣, ｢한단(邯鄲)｣, ｢장량(張良)｣ 등의 연목이 있으며 일본 문학을 본설로 하면서 중국 의 제재의 일부만 도입한 연목도 있다. 예를 들어, ｢호접(胡蝶)｣은 겐지 모노가타 리 고초노마키(源氏物語․胡蝶の巻)를 원전으로 창작되었으며, 중국의 전고 ‘장주 몽접(庄周夢蝶)’ 의 나비 꿈 이야기를 차용하기도 한다. 요쿄쿠는 보통 원전을 바탕으로 노가쿠 연출의 미적, 예술적 요구를 충족하도록 각색된다. 중국의 역사와 문화에 뿌리를 둔 이야기가 일본의 요쿄쿠로 각색되면 이문화의 영향을 받아 다양한 색채를 띠게 된다. 중국의 제재를 바탕으로 한 요쿄 쿠의 출처와 텍스트의 변천 과정은 중일 노가쿠 연구자들의 노력으로 밝혀졌다. 그런데 이러한 제재의 변천은 종교적 성격을 띠는 노가쿠 연출 텍스트의 모델 아 래에서 발전해 왔으므로 최종적으로 나타난 양상에는 몇 가지 공통점이 있다. 모 든 요쿄쿠의 줄거리와 설정을 일반화할 수는 없지만, 필자는 중국 제재를 인용한 요쿄쿠를 고찰하여 이런한 요쿄쿠의 특징을 1) 연수(延壽) 주제와 진헌(进献)의 시 테(仕手), 2) 당(唐)의 심상화(心象化), 3) 전(典)․악(樂)과 시인(詩人)의 문화적 본 보기(文化借鉴)이라는 세 가지 측면으로 정리하고 이를 통해 요쿄쿠에서 중국 취 재의 재현이 어떻게 이루어지는지에 대해 개관해 보았다.

Noh songs, the scripts of the traditional Japanese performing art Nohgaku, are numerous, with thousands of pieces existing. However, only about 250 songs are still being performed on Noh stages today. These songs are drawn from a wide range of sources, often inspired by historical events or literary works, which are creatively fictionalized to serve as scripts for dramatic performances. An analysis of Noh songs reveals their rich tapestry of influences, incorporating not only Japanese literary works but also Chinese myths, historical events, and literary classics. The themes of a Noh song, referred to as “本说,” may be rooted in Chinese sources or incorporate Chinese elements with Japanese literary traditions. In the creative process, the “本说” is adapted to align with the aesthetic and artistic requirements of Noh performances. When Chinese historical and cultural stories are adapted into Japanese Noh songs, they reflect a rich diversity shaped by multicultural influences. Chinese and Japanese Nohgaku scholars have extensively researched the sources and evolution of Chinese-themed Noh songs. However, the transformation of these themes within the religious contexts of Noh performance texts reveals some commonalities. Despite variations in plot and narrative development, examining Chinese-themed Noh songs helps identify the common characteristics shared among them.

이 연구는 한국과 중국의 고전시가에서 나타난 술 이미지를 비교 분석하여 이규보와 도연명 의 시가에서 술이 가지는 상징성과 문화적 의미를 고찰하였다. 이규보와 도연명은 술을 중요한 창작 매 개로 삼아 시를 통해 자신들의 삶의 철학과 감정을 표현하였다. 도연명의 시에서는 술이 고요함, 초탈 감, 자기 위안을 추구하는 매개체로 사용되며, 이는 그의 자연과 전원생활에 대한 동경과 사회에 대한 비판적 시각을 반영한다. 반면, 이규보의 시에서는 낭만적이고 호방한 색채가 두드러지며, 술을 통해 자유롭고 이상적인 삶을 추구하고, 현실의 어려움과 고뇌를 잊고자 한다. 본 연구는 이규보와 도연명의 시를 술에 대한 인식, 술에 담긴 자연 풍류, 술에 담긴 입신양명의 측면 에서 분석하였다. 두 시인은 모두 술을 통해 자신들의 이상과 자유로운 정신을 표현하고 있으며, 각자 의 시에서 나타나는 술 이미지는 당대의 사회적, 문화적 배경을 반영하고 있다. 이러한 비교 연구를 통 해 한국과 중국 고전시가의 문화적 차이와 공통점을 이해할 수 있으며, 술이 시가에서 중요한 상징적 역할을 한다는 점을 확인할 수 있었다.

This study comparatively analyzes the imagery of alcohol in classical Korean and Chinese poetry, focusing on the works of Lee Gyu-bo and Tao Yuanming, to examine the symbolic and cultural meanings of alcohol in their poems. Both poets used alcohol as a significant medium in their creative processes, expressing their life philosophies and emotions through it. In Tao Yuanming's poems, alcohol serves as a medium for seeking tranquility, transcendence, and self-consolation, reflecting his longing for nature and rural life and his critical perspective on society. Conversely, Lee Gyu-bo's poems are characterized by a romantic and bold tone, using alcohol to pursue a free and ideal life and to forget the hardships and pains of reality. This study analyzes Lee Gyu-bo and Tao Yuanming's poems in terms of their perception of alcohol, the natural elegance embedded in alcohol, and the pursuit of success and fame (ipsinyangmyeong) associated with alcohol. Both poets used alcohol to express their ideals and free spirit, with the imagery of alcohol in their poems reflecting the social and cultural backgrounds of their times. Through this comparative study, we can understand the cultural differences and commonalities in classical Korean and Chinese poetry and confirm the significant symbolic role of alcohol in poetry.

의상(意象)의 활용은 장애령 소설 문학 가치의 중요한 부분이다. 그중 거울 의 상은 장애령이 주제를 표현할 때 가장 잘 사용하는 의상 중 하나이다. 그녀의 소 설 속 거울은 미학적 기능을 담당하며, 독창적으로 인생에 대해 탐구한다. 그녀의 거울 의상 활용은 생활 속의 기억과 고전문학에서 비롯되었으며, 중국 전통 문화 와 작가 자신의 성장 과정에서도 큰 영향을 받았다. 이 의상에 대한 다각도의 서 사 기능의 해독을 통해 장애령 소설 속 인물의 복잡한 심리를 살펴볼 수 있고, 독자들은 인성에 대해 사색할 것이다.

The use of imagery is an important part of the literary value of Eileen Chang's novels. Among them, the mirror image is one of the images that Eileen Chang is best at using to express the theme. Exploring the "mirror" image in her novels will help to demonstrate the aesthetic function of Eileen Chang's novels and analyze the imagery. The search for human nature behind originality. The use of her "mirror" image not only comes from memory in life, but also inherits and transforms classical literature, and is deeply influenced by traditional Chinese culture and the author's own growth experience. By interpreting this image from multiple angles, it can be seen that Fan Yan, the complex psychological activities of the characters in Zhang Ailing's novels, brings readers a reading experience and at the same time introduces the concern of human nature.

意象运用是张愛玲小说文学价值的重要组成部分，其中镜子意象是张爱玲最擅 长使用表达主题的意象之一，对其小说中的“镜子”意象进行探究有助于展示张爱 玲小说的美学功能，分析意象独创性背后对人性的探寻。她的“镜子”意象的运用 既来自于生活中的记忆，也有对古典文学的继承与化用，受到中国传统文化和作 者自己成长经历的深刻影响。对这一意象进行多角度的叙事功能解读，可以看出 张爱玲小说人物复杂心理活动的范延，在为读者带来阅读体验的同时引入对人性 关怀的思索。

비록 예이츠는 『3월의 보름달』을 『거대한 시계탑의 왕』 보다 더 좋은 극으로 여겼지만 성격묘사와 연극적인 관점에서는 맞지 않을 수도 있다. 살로메 모티 브를 똑같이 가지고 있는 이들 연극들은 여러 가지 면에서 완전히 다르다. 본 연구는 『거대한 시계탑의 왕』 이 ‘공연’의 측면에서는 더 나은 작품이라는 것을 보여주기 위 하여 두 버전의 희곡들을 비교한다.

Although Yeats considered A Full Moon in March a better play than The King of the Great Clock Tower, this might not be the case in terms of characterization and theatricality. Having the same Salome motif, the two plays are completely different from each other in many ways. This study compares the two versions to demonstrate that despite Yeats’s preference, The King of the Great Clock Tower is a better play for theatre performance.

본고에서는 역사성과 심미성을 지닌 진대의 아방궁에 주목하여, 조선 문인의 한시에 나타난 아방궁의 심상을 검토하였다. 아방궁을 詩題로 하거나 본문의 내용에서 직접적으로 다룬 한시 작품들은 주로 조선 전기에서 중기에 분포하였다. 아방궁은 하늘에 닿을 듯 우뚝 솟아, 공중에서 사방으로 통하는 복도와 벌집같은 수많은 공간이 있는 모습 등으로 형상화되었다. 아방궁은 왕조의 멸망을 불러일으킨 원인으로 꼽히며 후대의 경계가 되는 부정적 대상으로 인식되었지만, 아방궁의 웅장하고 화려한 면모와 극적 서사, 허망하게 화염 속에 사라져버린 비극적 운명은 역사적 교훈성과 문학적 심미성을 아울러 지닌 모티프로서 작품 속에서 반복적으로 형상화되었다. 부려한 아방궁이 화염 속에서 재로 쇠락해버리는 장면은, 존재의 당위성을 상실한 권세와 욕망의 표상인 심미적 공간을 몰락시키는 카타르시스의 기제로서 아방궁의 대비적 심상을 만들어냈다. 본고에서는 조선 문인의 한시에 나타난 아방궁의 심상과 밀접한 관련이 있는 杜牧(803-852)의 ｢阿房宮賦｣에 주목하여, 본 작품의 내용과 표현이 조선 문인의 아방궁 소재 한시에 차용된 경우가 많았다는 점을 확인하였다. ｢아방궁부｣의 해석에 대한 논의도 주로 조선 중기에 이루어졌다는 점에서, 조선 문단의 ｢아방궁부｣에 대한 관심과 향유, 수용이 조선 문인의 아방궁 소재 한시 창작에 영향을 끼친 동인이자 아방궁 심상을 형성하는 주요한 요인이라고 볼 수 있었다.

The present paper examines the image of the Epang Palace in Chinese poetry produced by Joseon writers, focusing on the historical authenticity and aestheticism of the Epang Palace for literary work. This study found that the poetries dealing with Epang Palace as a main material mostly are from the early to mid-Joseon dynasty. The image of Epang Palace stands extremely tall that it can almost touch the sky, and in the bird’s view of having immense space with hallways connecting to all directions with rooms like beehive. From a political perspective, the Epang Palace was considered as the cause for the fall of the Qin dynasty thus recognized as a negative aspect of history that the posterity must be vigilant about. At the same time, the appearance of the Epang Palace with the grandeur and brilliance, dramatic story and tragic fate of disappearing futilely in flames, became a historical lesson and literary aesthetics. Therefore, the Epang Palace was repeatedly illustrated in works of art and literature. The dramatic contrast of the scene in which the magnificent Epang Palace deteriorates into ashes created the imagery as a catharsis by collapsing the aesthetic space that was a symbol of power and lust that have lost the justified of existence. Through a comparative study of poetry by Joseon writers and the “Fu on the Epang Palace” (｢阿房宮賦｣) of Du Mu (杜牧; “Du Mok” in Korean; 803-852), this study found that many Joseon writers borrowed the contents and expressions in “Fu on the Epang Palace” when composing poetry with the theme of Epang Palace. Also considering the fact that discussions and the interpretation of “Fu on the Epang Palace” mainly occurred in the mid-Joseon dynasty, it can be concluded that the interest, enjoyment, and acceptance of “Fu on the Epang Palace” influenced the production of Epang Palace-themed poetry by Joseon writers.

풍격이란 다른 사람과 구별되는 한 개인의 독특한 분위기를 말하는 것으로 풍격 자체는 가치중립적이다. 자연 현상의 하나인 ‘風’은 사람에게서 분위기를 나타내는 의미로 쓰이며, ‘格’은 가변적인 것을 고정시키는 의미로 사용한다. 서예에서의 풍격은 우열의 구분이 아닌 글씨의 분위기, 즉 서예작품의 독특한 특징을 말한다. 서예의 풍격은 다양하며, 서예가의 독특한 심미의식은 글씨의 풍격으로 드러난다. 金學智의 <新二十四書品>은 이러한 다양한 가치중립적 특징을 가진 서예의 풍격을 24개로 구분하여 분류한 것이다. 본 논고는 이 24개의 서품 중에서 철학적 접근이 가능한 미의식의 풍격을 구분하여 工巧, 方正, 勁健, 雄渾과 沉着의 풍격미는 유가적 미의식으로, 天真, 自然, 獷野, 拙撲, 瀟灑, 飄逸과 高古의 풍격미는 도가적 미의식으로 분류해 보았다. 또한 老成과 沖和의 풍격미는 유가와 도가의 미의식이 함께 있는 것으로 보았다. 서예는 시각예술인 동시에 서예가의 心象을 표현하는 예술이다. 따라서 시각적 작품을 통해 서예가는 자신의 감정과 의경을 표현하고, 감상자는 작품의 획과 결구, 장법 등 서법적 기법으로 표현된 작품에서 음양 요소들의 조합으로 이루어진 서체미를 감상할 수 있다. 또한 작품을 통해 그 서예가의 감정과 사상을 미루어 알 수 있는 것이다. 이러한 작업은 서예를 생활화하지 않는 현대인에게는 쉬운 일이 아니다. 김학지의 이 서론은 많은 작품을 예시로 들면서 각 서체의 풍격을 설명하였기 때문에 서예를 이해하는 데 큰 도움이 된다. 2000여년이 넘는 중국의 서예 서론의 역사에서 많은 서예가들이 남긴 작품에 대한 다량의 논평을 품별로 증명하였기 때문이다. 따라서 서예를 창작하거나 감상할 때 구체적으로 작품에 담긴 미의식을 표현하고 평가할 수 있는 자료로서 중요한 의미가 있다.

A character(風格) refers to the unique atmosphere of a person who distinguishes a person from another, and the character itself is a value neutral. One of the natural phenomena, wind(風) represents the meaning of the atmosphere of a person too, and case(格) means to fix the variable. The prevailing character in calligraphy is the unique atmosphere of calligraphy, rather than the distinction of dominance. The characters of calligraphy vary widely, and the unique aesthetic sense of calligraphy is reflected in the writing of calligraphy. In addition, Jinxuezhi's (金學智) 〈New 24 Calligraphy Categories〉 classifies the value neutral characters by dividing them into 24 categories. On this study there is trial to distinguish the aesthetic characters of the philosophical approach from those 24 categories; the aesthetic beauty of 工巧, 方正, 勁健, 雄渾 and 沈着 in Confucianism, 天真, 自然, 獷野, 拙撲, 瀟灑, 飄逸 and 高古 in Taoism, and 老成 and 沖和 in the both philosophies of Confucianism and Taoism Calligraphy is the visual art which is expressing the artist's imagery. Thus, through visual works, a calligrapher can express his emotions and artistic stage in mind and appreciator can appreciate the artwork through the calligraphic techniques; the quality of stroke and structure of letters and lines. We can admire the beauty of calligraphy in the combination of yin and yang's elements in the calligraphic works. We can also find the artist's emotions and thoughts through the works. Such work is not easy for modern people who do not make calligraphy to the way of life. The theory of Jinxuezhi can be a great help to understand the calligraphic style, because it is illustrating many examples per categories of each type of writing, which in over 2,000 years of Chinese calligraphy history, a large number of commentaries were written about the works of many calligrapher. Therefore, when we create or appreciate calligraphy, Jinxuezhi's (金學智) 〈New 24 Calligraphy Categories〉 is meaningful as the basic knowledge supplying how to express and evaluate aesthetic consciousness in a particular piece of work.

정지용은 서양과 일본 모더니즘의 영향을 받아 한국에서는 최초로 이미지즘 계열의 시를창작한 시인으로 정지 용이 이미지즘 시인임은 이미 공인된 사실이다. 정지용의 시적 특질을살펴보면 중국과 한국의 漢詩를 원용하 여 표현한 것이 많고 미학적으로도 시조, 가사, 漢詩에나타나는 절제와 단순소박의 미가 깔려 있다. 특히 정지 용은 시정신을 漢詩와 동양화론에서얻고자 했고 그의 시에서는 다분히 중국 漢詩의 요소가 발견되고 있으며 강한 회화성을 띠고있다. 중국 산수화는 보다 자유로운 공간을 확보하기 위해 다양한 시점으로 세계를 관찰하고 있다. 즉 자연을 관찰할 때 시선을 자유자재로 이동시켜 각기 다른 시점에서 관찰한 경치를 교묘하게 한 폭의 그림에 담아내는데 이런 기법을 산점투시라고 한다. <商山早行>은 소리, 색깔, 빛에 대한 감각과 뚜렷한 시적 화자의 시점이동을 통한 산점투시의 방법을 사용하여 上,下, 前, 後의 공간감각으로 시를 입체적이고 형상적인 화면을 독자들에게 제시 하고 있다. 중국의 漢詩는 반복적이고 밀집된 이미지를 열거하여 정서를 토로하고 의미를 나타내는데이미지의 반복적인 열거는 하나의 동일한 의미를 나타내게 된다. 마치원은 <天净沙․秋思>에서 자기의 쓸쓸하고 서러운 심정을 나 타내기 위해 많은 이미지들을 선택했는데 이런 이미지들은 시인의 정서와 느낌을 잘 표현하고 있으며 정서와 경물이 결합되어 한 폭의 완벽한그림을 그려내고 있다. 정지용은 대상을 이미지화하는 면에서, 이미지화를 통해 시를 繪畫화 하는 면에서 중국의전통 한시와 많이 닮 아 있다. 그러나 중국 漢詩들이 여러 개의 이미지들 가운데 사람(시적화자)을 중심으로 그림을 그려나가고 있 는 반면 정지용은 시적 주체가 거의 드러나지 않는데이는 이미지즘적인 요소가 보다 더 강하게 작용한 것이라 고 볼 수 있겠다.

Jeong Ji-yong is the first person to write imagist poems in Korea under theinfluence of modernism in the Occident and Japan, and is widely acknowledgedas an imagism poet. Borrowing from Chinese classical poems both in Korea andChina, and Oriental Paintings, his poems and verses feature aestheticregulation of language. The use of elements from Chinese classical poems andthe strong pictoriality is another salient feature of his poems. To ensure the more free space, the Chinese landscape painting reflects thelandscape form a multiple perspectives. In other words the painter moves hisline of sight freely when he observes the landscape. He subtly puts the observedscenes form difficult visual angles into a picture. This technique is calledscattered perspective. In the poem Early Departure at Shang Mountain, the author presents athree-dimensional and vivid image to the readers by demonstrating his sensesof hearing, color and light and by shifting perspectives. In Chinese classical poems, imageries are repeatedly and intensivelypresented to express a particular feeling, and the repetition of the imageriesis meant to convey a unified feeling. In Ma Zhiyuan’s Tune to “Sand andSky”----Autumn Thoughts, the poet successfully used a lot of imageries toexpress his loneliness and sense of desolation, and the combination of hisfeelings and the scenery presents a beautiful picture. The similarity betweenJeongJiyong’s poems and Chinese classical poems lies in the use of imageriesand vividness. But unlike Chinese classical poems, he seldom highlights theprotagonists, and imagism plays a more important part in his poems.

이 글은 19세기의 호남 문사인 나도규(羅燾圭, 1826~1885)가 지은 가전체 <죽 부인전>을 발굴하여 번역하고 주석한 것이다. 아울러 송나라 장뢰(張耒, 1054～ 1114), 원나라 양유정(楊維楨, 1296～1370), 고려 이곡(李穀, 1298～1351) 등의 <죽부인전>과 비교하면서 그 내용과 구성상의 특징을 살폈다. 나도규의 <죽부인 전>은 중국으로부터 수용된 죽부인의 서사가 고려후기 이곡을 거쳐 조선후기에까 지 연면하게 이어져왔음을 확인할 수 있었던 작품이다. 장뢰의 <죽부인전>은 ‘투한치산(投閑置散)’의 이미저리였다면, 양유정의 <죽부 인전>은 전혀 투기하지 않은 모습으로서 오로지 사대부 남성들의 소망스런 도덕이 투사된 ‘여성의 기품과 정절’의 이미저리였다. 이곡의 <죽부인전>은 이규보(李奎 報, 1168~1241)에 의해 ‘음전한 여인’으로서 칭송된 이미저리만이 아니라 대나무 의 절조(節操)도 못지않게 지녔음을 나타냈다. 반면, 나도규의 <죽부인전>은 두견새가 우는 저녁 무렵, 창오(蒼梧)의 들판에서 죽은 순(舜)임금의 비였던 아황(娥皇)과 여영(女英)을 만나 ‘투한치산’의 상황을 맞더라도 은총의 있고 없 음이야 마음에 담아두지 않지만, 세상 사람들이 염량세태(炎凉 世態)의 마음을 갖는 것이 한스럽게 생각한다고 하였다. 곧 군자의 좌우에서 모시 되, 물러나라 하면 감히 나아가려고 하지 아니하고, 나오라 하면 감히 물러나지 않 아야 한다는 것이다. 바로 작자 나도규가 ‘승순무위(承順無違)’라 한 것과, 또한 열부 라 칭해지는 이비(二妃) 앞에서 죽부인이 저같이 말한 것이 서로 중첩되게 함으로 써 해학적인 ‘여성의 정절’ 이미저리가 그려지도록 하였다.

This study translates and comments Gajeonche(假傳體), <Jukbuinjeon(竹 夫人傳)>, which was written by Nah Do-Gyu(羅燾圭, 1826~1885), a literary man in the nineteenth-century Honam. The study proceeded to compare with other Jukbuinjeons, written by Jang-Roe(張耒, 1054～1114) in Song(宋) Dynasty, Yang Yoo-Jeong(楊維楨, 1296～1370) in Yuan(元) Dynasty and Lee-Gok(李穀, 1298～1351) in Chosun(朝鮮) Dynasty, and then examined its contents and structural characteristics. For sure, it is a clear sign that Jukbuin(Bamboo lady) narrative was from China and then lasted from late Goryeo(高麗) to late Chosun. While Jang-Rae’s <Jukbuinjeon> is full of imagery of ‘Tohanchisan(投閑置 散)’, Yang Yoo-Jeong’s is imagery of ‘Women’s elegance and chastity’ which represented some kind of wishes of Sadaebu(士大夫) men’s ethics. Lee-Gok’s <Jukbuinjeon> showed imagery of ‘decent woman’ extoled by Lee Gue-Bo(李 奎報, 1168~1241) as well as constancy of bamboo. However Na’s <Jukbuinjeon> is like that: she meets Ah Whang(娥皇) and Yeo Young(女英) who are King Sun’s(舜) queens in the field of Chango(蒼梧) around evening and never cares about people’s conflict for management of property(投閑置散) but feels sorry that she can’t stand their opportunism(炎 凉世態). That is, Serve noble man(君子) by his side but don’t come forward if he wants you to step back and don’t decline if he wants you to be with. The point is that Na Do-Gyu made ‘Seungsunmuui(承順無違)’ and the preceding overlapped so the imagery of ‘women’s chastity’ became humorous.

예이츠는 전통적인 시극이나 동시대의 사실주의적인 극과는 또 다른 극을 창조하였다. 예이츠의 극은 아리스토텔레스의 극 이론을 거부한 특유의 극작법 때문에 동시대 작가들의 작품과는 다르게 보아야 한다. 그의 극 󰡔그림자 어른거리는 바다󰡕를 통해 예이츠는 관객에게 장엄한 무아경을 주려했다. 이 논문은 예이츠가 드라마틱한 형식, 즉, 시, 신비로운 분위기, 그리고 두 주인공 포겔과 덱토라의 시적 언어를 통해 그런 효과를 어떻게 달성하는지를 밝힌다.

Yeats invented a new poetic drama, which is different from conventional verse plays and the realistic plays of his day. His unique dramatic constructions, which set him apart from his contemporary playwrights, deviate from Aristotelian rules for drama. The Shadowy Waters is intended to lift the audience to ecstasy, and its intention is successful. This article investigates how it is achieved by means of his unique dramatic form, such as verse, the mysterious aura, and the poetic words of Forgael and Dectora.

본 논문은 조선 후기의 문인 存齋 魏伯珪(1727～1798)의 詩世界를 분석하여 거기에 내포된 心象(imagery)과 사유 방식을 포착하고 그 정신적 의미를 해명하는 데에 목적을 둔 것이다. 형태적 심상은 시각적인 것에 속하고 물질적 심상은 정신적인 것에 속한다는 논리 하에서 정신경계의 모습을 살피기 위해 심상 분석을 선택한 것이다. 또한 존재 시에 나타난 심상은 또렷한 주제의식을 드러내고 있으며 존재의 사유를 관철하고 있다는 기미가 보인다. 이를테면 傲霜孤節의 대명사인 매화를 자신의 울분을 토로하는 대상으로 쓰고 있다거나, 고요함 속의 소리의 울림, 그리고 트인 공간에서의 읊음 등이 무언가 전하려는 메시지가 담겨 있다고 판단되어 심상 분석을 시도해 보았다. 필자가 존재의 시를 살펴본 결과 우선 거기에는 밝은 것들에 대한 심상이 많이 등장함을 알 수 있었다. 별을 비롯하여 달빛, 등불, 맑은 물 같은 것들이 그것이다. 그리고 그 심상은 모두 天理에 대한 認識을 주제로 하고 있다. 달빛을 天理에 연결시켜 읊고 있는가 하면, 물을 통해 만물의 근원을 체인하고 이를 형상화한 것이다. 이 빛과 물은 소리도 없고 냄새도 없는 存在다. 말하자면 存在와 無의 접선에 있는 것들인데, 작자는 이러한 심상을 자주 시에 노출시키고 있을 뿐만 아니라 存在를 자각하는 심상으로 소리를 이용하기도 한다. 즉 존재 시의 시적 분위기는 고요한 것이 대부분인데 그 때마다 소리를 등장시키고 있으며, 그것이 의미하는 것은 바로 작자 자신에 대한 存在의 자각으로 사용되고 있었다. 한편 存齋의 시에는 산을 소재로 읊은 작품이 散在해 있다. 이들은 단순한 소재에 머물러 있지 않고 상승과 고도의 심상을 통해 남다른 심사를 쏟아내고 있는데 그것들의 정신적 의미는 자신의 포부를 펼치지 못한 울분을 달래며 이를 정신적으로 극복하여 쾌활한 정신을 지향하는 데 있었다.

The purpose of this thesis is to analyze the poetry works of Jonjae Wibaekgyu (1727～1798), the literary man of late Josun Dynasty, to grasp the implicit image and minimal thinking in the works, and finally to explain their spiritual meanings. There are lots of poetry works reciting nature as subject matters in the poems of Jonjae. It is certain that the ideology of human beings and literature comes from accumulation of the ideas through the relationship with nature, especially, the idea of poetry literature is usually rooted in nature and its subject matters. First, there are lots of images of light in the poetry of Jonjae such as stars, moon light, light, flowers and water. Jonjae draws the conception of being careful when being alone through light, also he shows his deep depression with apricot flower. However, all the works have the themes of recognizing the logic of the sky. It is proved by the fact that Jonjae directly mentions the logic of the sky by connecting water to moon light. In fact, light and water are the existences without sounds and smells. So to speak, they are the things between existence and the notion of nothing, Jonjae not only presents such images frequently but also uses the sounds as an image of recognizing the existence. That is to say, the echo of the sound is to recognize the Jonjae of the writer himself and to make the poetic imagery towards the response. Therefore, there are lots of images of tranquility and sounds in the poetry of Jonjae, and they are the products of scholar of the realist who emphasized on practical learning. Jonjae‘s poetry has many works which recite atmosphere of beautiful mountains, his postical inspiration during the period of wandering around the country. He does not stay with using simple subject matters for his poetry in this part, but recites his contemplation of the image of dynamic rise when climbing a higher place. Their spiritual meanings lie writer's frustration that he was not able to speak of his aspiration, and his spiritual overcome for it.

텔레비전 뉴스의 시각적 요소들이 수용자들에게 언어텍스트에 못지않은 영향력이 있으며, 더 많은 정보량을 가지고 있을 것이라는 막연한 주장들이 있었지만, 시각적 요인과 청각적 요인의 영향력을 분리한 실증연구는 그리 많지 않다. 따라서 본 연구에서는 최근 많은 사회적 이슈가 되고 있는 환경관련 뉴스를 중심으로 ‘텔레비전 뉴스의 영상과 자막이 수용자들의 환경단체에 대한 태도변화에 영향을 미치는지’, 그리고 ‘수용자의 관여도에 따라 영상과 자막이 주변 단서(peripheral cue)로써 수용자의 태도변화에 미치는 영향에 어떤 차이가 있는지’ 점화효과 이론과 정교화 가능성 모델 이론을 배경으로 살펴보았다. 노출빈도와 노출형태를 달리한 6개 피험자 집단을 대상으로, 텔레비전 뉴스의 비디오 클립들을 시청하게 하였다. 4주간의 실험을 기준으로 1주일 전과 1주일 후 실시된 설문조사 결과를 바탕으로 집단 간 수용자의 태도를 비교 분석하였다. 분석결과, 대기오염, 수질오염 등 환경관련 텔레비전 뉴스가 환경단체에 대한 수용자의 태도에 영향을 미치며, 그 과정에서 영상과 자막이 수용자의 태도변화에 영향을 미치는 ‘시각적 점화효과(visual priming)’를 발견하였다. 그리고 수용자들의 환경관여도에 따라 텔레비전 뉴스의 시각적 요소가 환경단체 지지도에 미치는 영향에 차이가 있는 것으로 나타났다. 즉, 정교화가능성 모델 이론과 합치되게 관여도가 높은 집단보다 관여도가 낮은 집단에게서 영상과 자막이 통합적 주변단서로써 환경단체에 대한 태도에 더 큰 영향을 미친 것이다. 그러나 영상이 독립적 주변단서로써 환경단체에 대한 태도에 미치는 영향은 없는 것으로 나타났다.

There were not so many empirical researches which differentiate the effect of visual cues and auditory cues, even when there were vague claims that visual cues might have stronger effect than language text. This research explores the effect of visual cues such as imagery and subtitle of TV environmental news on the viewer's approval rating of environmental movement organization and also explores the interaction effect between issue involvement and visual cues with the theoretical background of priming and elaboration likelihood Model. The experimental design for this research is 2 frequencies × 3 exposure types. Therefore six experimental groups composed by 335 university students were exposed to each video clip which includes 3 political, 3 economic, 4 environmental items with different frequency and different type. The results of this experiment research showed that there was a clear effect of TV imagery and subtitle as visual cue on the viewers' approval rating of environmental movement organization. And it also showed an interaction effect between issue involvement and subtitle, imagery and subtitle as a unified peripheral cues on the viewers' approval rating of environmental movement organization. However the hypothesis of interaction effect between issue involvement and imagery as independent peripheral cues was rejected.

Donne’s poetry was a good example to the modernists in the early 20th century. It is because of his peculiar imagery which was originated from his wide knowledge of new science of those renaissance days. All of the peculiar imagery in Donne’s poems are related with his curiosity for the newly found science and geography. For example, the passion and desire for women are expressed with every image using the new science things. The telescope, compass, magnet and the alchemistic knowledge are good devices for his poems: these new things were revived in his poetry as good images. In his love poems he does not moan or admire like the other sonnet poets of Elizabethan period. He persuades women with logical dialogues and uses scientific things to express his emotion. His poetic dictions and phrases are colloquial and they are similar to the dialogues of a drama. As if the heroes of Shakespeare talk on the stage, Donne’s poetic speakers persuade their lovers with logics. As a conclusion, we can tell Donne a poet not of heart but of logical mind. Imagery from his logical mind and colloquial expressions made Donne the best example that in the early 20th century the modernists imitated.

Shakespeare repeats in the fifth act earlier situations and images to bring Coriolanus’s story full circle; he also creates reversals in the direction of action, the tenor of images, and the predominance of certain word-patterns to show the changes in that story. The two principles lend a conclusiveness to the fifth act. One of the two principles at work in the ending of Coriolanus is called “repetition.” Caius Martius rises to the first peak when, lord of the field, he receives the same Coriolanus and returns triumphant to Rome. Then he sinks back into wrangling with the tribunes and plebeians, finally falling into the degradation of banishment. In the repetition of this sequence, almost entirely played out in the fifth act, but from this pitch he once again falls, this time into the degradation of death. The dramatic technique of repetition, however, is not the only principle at work in the play’s conclusion, and if we examine the fifth act from a different vantage point, we shall perceive the lineament of another structure underlying the design of the mirrored pyramids. The other principle in the ending of the play, though not so dominantly as repetition, might be variously called reversal. The boomerang of reversal in the ending of Coriolanus is most obviously seen in its pattern of action. Looking at what happens in the play through the lens of reversal gives a different, larger structural image. That is, banishment of Coriolanus, the decision to join with Aufidius, and the return of Coriolanus. This broad pattern of action is reversal in its most general sense.

본 연구는 외상으로 인한 침투적 심상의 처리에 효과적으로 활용될 수 있는 심상 재각본(imagery rescripting; IR) 기법의 치료적 메커니즘과 적용 및 연구에 대해 구체적으로 살펴보았다. 심상 재각본은 외상적인 심상에 노출한 상태에서 심상의 내용을 수정하는 과정을 통해 정서적인 조절과 부적응적인 신념을 변화시킬 수 있게 한다. 이는 심상의 활용을 통한 정서적 정보 처리, 교정적 심상의 구성을 통한 무조건 자극(외상 경험) 평가 및 인지 도식의 수정이라는 기제를 통해 설명할 수 있다. IR은 PTSD의 치료에 주로 적용해 왔으나, 사회불안, 악몽, 우울장애, 성격장애 등 여러 장애에서 침투적 심상을 처리하기 위해 적용해 왔으며, 그 효과를 밝히는 연구가 다수 이루어져 왔다. IR은 심상을 활용하기 때문에 창의적인 적용이 가능하고, 재각본 단계를 통해 개입의 고통을 감소시킬 수 있다는 장점이 있다. IR을 장애 특성에 따라 개발하고 적용하는 것은, 심리치료에서 핵심적인 외상 심상을 다루는데 있어 유용한 도구가 될 것이다. 또한, 향후 IR 연구에 있어 IR을 활용한 치료적 개입의 근거 기반을 마련할 수 있는 치료 효과 및 메커니즘에 관한 연구를 제안하였다.

This study reviews the therapeutic mechanisms, applications and studies of imagery rescripting (IR) therapy. IR is a treatment that can be used effectively to deal with traumatic and intrusive images. IR treatment promotes the modification of the imagery while exposed to the traumatic imagery, which can control emotions and change maladaptive beliefs. This has been found to be possible through the mechanisms of emotional information processing through the use of images, evaluation of unconditioned stimulus (trauma experience), and modification of cognitive schema. IR has been mainly applied to the treatment of PTSD, but has been applied to deal with intrusive images in various disorders. Using images can be creatively applied and can reduce the pain of interventions through rescripting phases. Therefore, developing and applying IR according to the disability characteristics may be a useful tool for dealing with traumatic imagery. And this article also suggests future researches on IR intervention.

Three cued recall experiments were conducted to investigate the effect of the imagery of the input cues on the retrieval processes. In Experiment 1, imagery of the input cues, types of retrieval cues, and input word order were varied. In Experiment 2 and 3, presentation rates and retrieval time were additionally varied respectively. The results indicated that cued recall depends on the specific input conditions. Under the high imagery input cue condition, intralist cuing was superior to extralist cuing, whereas under the low imagery input cue condition, extralist cuing was superior to intralist cuing. Additionally controlled variables did not have any significant effects on this finding. The results generally support the encoding specificity theory, but it also shows some limits of the 'superiority of intra list cuing' assumption of this theory. The 'non-superiority of intralist cuing' and the tendency of faster and better recall under the low imagery input cue condition was interpreted as the result of the different nature of the encoding of the target words paired with high imagery input cues and that of the target words paired with low imagery input cue.