Earticle

중국 현대수묵 예술은 현대적 변모 과정을 거치며 다원화된 발전의 예술적 면모를 보여주었다. 그러나 중국 정부의 문예 정책 전환의 영향으로 2013년 이후 획일화된 발 전 경향이 나타났다. 이러한 발전 추세는 중국 현대수묵 자체에 표현의 지체(遲滯) 문제 가 존재함을 시사한다. 이에 본 논문은 형식과 관념의 재구성이라는 관점에서 이 문제 를 연구하고자 한다. 비교 연구법과 도상 분석법을 활용하여, 1985년부터 2013년까지 중국 현대수묵을 대표하는 예술가들의 창작 이념과 작품의 내적 구성 요소를 정리하고 분석함으로써, 중국 현대수묵의 형식과 관념 재구성에 담긴 실천적 논리를 심도 있게 탐구하고 중국 현대수묵 재구성의 발전 이념을 재고찰하는 것을 목적으로 한다.

Modern Chinese ink painting has undergone significant transformations and.has presented an artistic appearance of diversified development. However, due to shifts in China’s governmental cultural and artistic policies, a trend toward homogenization began to emerge after 2013. This development reveals a fundamental problem of delayed or insufficient expression inherent within modern Chinese ink painting itself. Therefore, this paper aims to investigate this issue from the perspective of formal and ideological reconstruction. By employing comparative analysis and visual analysis methodologies, the study systematically examines the creative concepts and internal structural elements of representative modern ink artists active between 1985 and 2013. It endeavors to explore the practical logic behind the reconstruction of form and ideology in modern Chinese ink painting and to re-evaluate its developmental concepts in the context of a pluralistic cultural environment.

中国现代水墨艺术经过现代演变，现代水墨艺术呈现出了多元化发展的艺术面貌。由 于受到中国政府文艺政策转变的影响，在2013年后出现了单一化的发展趋势。这种发展 趋势表明，中国现代水墨本身存在表达滞后问题。因此，本文力图从形式与观念重构的 角度进行该问题的研究，运用比较法和图像分析法，通过对“1985-2013年间”中国现代水 墨代表性艺术家的创作理念与作品内在构成因素的整理和分析，深入剖析中国现代水墨 形式与观念重构的实践逻辑，重新思考中国现代水墨重构的发展理念。

본 연구는 고대 그리스의 4대 제전이 단순한 체육 경기나 종교 의례를 넘어, 반복과 형식을 통해 공동체 정체성을 구성하는 문화적 수행 장치였음을 밝힌다. 『그리스 기행』에서 파우사니아스는 제전의 주기, 공간 구성, 의례 절차, 조형물 배치 등을 세밀히 기록하며, 제전이 일정한 질서와 더불어 각종 시각적 상징과 구조물의 배열 등 감각가능한 요소들을 통해 공동체 질서를 체화시키는 방식을 보여준다. 본 논문은 제전의 반복이 어떻게 신화 속 시간과 현재를 연결하고, 제전의 정형화된 동선과 상징, 공간적 배치가 참가자의 신체적 체험을 통해 윤리와 위계의 내면화를 유도하는지를 분석한다. 이 과정은 감각 을 매개로 기억을 선택하고, 명예를 분배하며, 공동체 정체성을 역동 적으로 재편한다. 제전은 과거를 재현함과 동시에 반복을 통해 매 회 차마다 공동체의 질서를 새롭게 구성하는 수행적 무대로 기능하였다. 본 연구는 이러한 제전의 구조를 통해 고대의 형식이 현대 사회에서 공동체를 조직하고 상상하는 방식에 어떤 이론적 시사점을 제공할 수 있는지를 모색한다.

This study demonstrates that the four major festivals of ancient Greece functioned not merely as athletic or religious events, but as cultural practices that shaped communal identity through repetition and formal structures. In Description of Greece, Pausanias meticulously documents the periodic cycles, spatial organization, ritual procedures, and placement of monuments within each festival, showing how these events embodied communal order through sensorially accessible elements such as visual symbols and architectural arrangements. This paper analyzes how the repetitive structure of the festivals connected mythical time with the present, and how their formalized movements, symbols, and spatial layouts led participants to internalize communal ethics and hierarchy through bodily experience. This process entailed the selective transmission of memory, the distribution of honor, and the dynamic reconfiguration of collective identity. The festivals not only reenacted the past through repetition but also served as performative arenas where social order was continually reconstructed. By examining these structures, this study explores the theoretical implications of ancient formal practices for organizing and imagining community in contemporary society.

그래피티 아트의 기원은 고대에 사람들이 흙벽에 어떤 모양들을 긁어 그리는 것으로부터 비롯됐다. 최근, 뉴욕과 같은 큰 도시에서는 젊은 사람들이 그들의 시위를 위해 도시적 그래피티 그린다. 그래서 초기의 그래피티 예술가들은 도시의 주요 제도에 반한다는 공공기물 파손 죄로 체포되기도 하였다. 도시 거리의 예술가들은 활동적이었지만 생각(사상)없이 작품을 만들고 있다고 인식되어왔다. 본 논문에서는 그래피티 예술가들이 어떤 이론과 같은 근거들을 가지고 있었는지를 찾아보려고 노력하였다. 이를 위해, 잘 알려진 그래피티 예술가 중 한 사람인 키스 해링의 작품을 연구하였고, 그 결과, 해링의 작품들은 로버트 핸리(Robert Henri), 듀뷔페(Dubuffet), 알레친스키(Alechinsky) 그리고 크리스토(Christo)의 이론에 영향을 받은 것이라고 결론지을 수 있다.

The graffiti arts are originated from the ancient times that people have drown some figures with digging earth walls. Recently, in the areas of big cities like New York, some young and minor people have made urban graffiti for their protesting. Therefore the early graffiti artists were sometimes arrested against major systems of the city as a vandalism. The urban street artists were active but made their works without thoughts. In this thesis, I have tried to figure out that the graffiti artists have thoughts of form theories or not. Through the work study of Keith Haring who is the one of well known graffiti artists, I could make conclusion that the works of Haring have shown the real forms under effect of the theories of Robert Henri and works of Dubuffet, Alechinsky and Christo.

이 글에서는 정악 기악곡의 형식을 악곡 유형별로 살펴보았으며, 그 결과는 다음과 같이 정리된다. 먼저 국악 개론서에 소개된 악곡을 조사하여 <문묘제례악>, <종묘제례악>, <사직제례악>, <정 동방곡>, <영산회상>, <평조회상>, <관악영산회상>, <가즌회상>, <보허자>, <낙양춘>, <보허 사>, <밑도드리>, <잔도드리>, <천년만세>, <여민락>, <여민락만>, <여민락령>, <해령>, <수제 천>, <동동>, <자진한잎>, <청성자진한잎>, <대취타>, <취타>, <길군악>, <길타령>, <별우조타 령> 등의 악곡을 정악기악곡으로 이해하고, 이들 악곡을 음악적 성격을 기준으로 제례악 계열, 영산 회상 계열, 보허자 계열, 여민락 계열, 수제천 계열, 행진악 계열 등의 유형별 정악 기악곡으로 구분 하였다. 다음으로, 현행 국악 개론서에 제시된 한국음악의 형식 유형을 검토하고, 유형별 정악 기악곡의 순으로 형식 내용을 살펴보았으며, 그 결과 겉으로 드러나는 외적 형식과 겉으로 잘 드러나지 않은 내적 형식으로 구분될 수 있음을 알 수 있었다. 그중 외적 형식은 단장 형식, 장별 형식, 모음곡 형식 으로 나타나며, 내적 형식으로는 반복의 도드리 형식, 빠르기와 관련된 한배 형식 등의 유형으로 나 타남을 알 수 있었다. 마지막으로 악곡 유형별로 살펴본 결과, 제례악 계열은 모음곡 형식에 주로 해당하고, 수제천 계 열, 여민락 계열, 행진악 계열은 장별 형식에 해당하는 등 주로 외적 형식으로 나타났다. 보허자 계 열은 외적 형식의 장별 형식과 내적 형식의 도드리 형식이 주축을 이루고 있으며, 영산회상 계열은 대부분 외적 형식의 장별 형식과 모음곡 형식, 내적 형식의 한배 형식 등에 모두 해당하는 것으로 파악되었다.

In this article, the format of Jeongak instrumental music was examined by type of music, and the results are summarized as follows. First, by researching the music introduced in the Korean traditional music introductory book, 27 pieces including <Munmyo Jeryeak> were understood as regular instrumental music, and based on their musical characteristics, these pieces were divided into the ritual music series, <Yeongsanhoesang> series, <Boheoja> series, <Yeominrak> series, <Sujecheon> series, and marching music series. It was classified into Jeongak instrumental music by type, such as series. Next, we reviewed the formal types of Korean music presented in the current Korean traditional music introductory book and examined the formal content in the order of Jeongak instrumental music by type. As a result, it was found that it can be divided into an external form that is visible on the outside and an internal form that is not clearly visible on the outside. Among them, the external form appears in the form of a single chapter, a chapter-by-chapter format, and a suite format, while the internal form appears in the form of a repeating dodeuri form and a hanbae form-related tempo form. Lastly, as a result of examining each type of music, the ritual music series mainly corresponds to the suite format, while the <Sujecheon> series, <Yeominrak> series, and marching music series correspond to the chapter-by-chapter format. The <Boheoja> series is mainly comprised of the external chapter-by-chapter format and the internal format of the dodeuri format, while the <Yeongsanhoesang> series is mostly found to correspond to both the external chapter-by-chapter format and suite format, and the internal format of the hanbae format.

Architectural design to make a structure form is accomplished by many variables and combination of the point at issue, each interaction, alternative proposal with analysis. For that reason, even though the condition and variable are in case of same. The method and result to solve the problem vary according to the architect. It is also difficult to explain quantitatively and reasonably as well. So, although it is subjective and analysis by an individual view of the architecture. This paper is of use education and communication through a description about design process for a novice and student who study the architectural design.

This research measured the temperature variations of gang form rebars within the mold during a cold weather condition. The summarized results are as follows: regardless of the diameter of the rebar, it was found to be –13~-15℃ before the sunrise where the outside temperature was around 2℃ which did not seem to affect the rebar temperature. The temperature of rebar was found to be rising beginning 8 AM as the sun rises and reached above freezing temperature two and a half hours later around 10 AM. The temperature began to rise in the order of smaller rebar diameter progressing up to the larger diameter and reached the maximum temperature around 2 PM. The temperature of most rebars decreased close to the outside temperature by 8 PM.

연구목적: 알바알토의 건축적 사고에서 가장 우선시되는 사람과 자연에 대한 해석 및 지역의 전통적 측 면을 고려하여 근대의 사회적 특성과 시대변화가 빛, 형태, 재료 측면에서 건축공간에 어떻게 반영되는 지 분석하고자 한다. 연구방법: 근대의 북구건축 및 핀란드건축의 특성을 파악하고 모더니즘의 관점에 서 알바알토의 건축 어휘를 종합하여 빛, 형태, 재료를 삼각 구도로 잡고 이들의 상호관계를 문헌자료 및 도면을 통해 분석한다. 연구결과: 알바알토의 건축작품은 빛, 형태, 재료, 공간의 다양함을 조합한 것 이 중심을 이룬다. 사회적인 지각이 강조되고 휴먼스케일과 건물 환경이 연결된다. 건축의 기능에 따라 새로운 적용방식으로 이들 요소는 재창조된다. 결론: 알바알토의 건축은 전통과 모더니즘 사이에서 자 연과 문화, 사회와 개인, 표준화와 다양성, 보편성과 지역성, 지적인 것과 감성적인 것, 과학기술과 인간 심리적인 것, 합리성과 직관적인 것 등 서로 이질적이면서 상반된 요소들을 건축공간에 종합적으로 적 용시키고 사회적 변화를 수용하여 건축적 언어의 네트워크를 통해 재통합하는 특성을 갖는다.

Purpose: This study aims to analyze the meaning of architectural space of Alvar Aalto, which is based on architectural theories of periodic flows and the form of the space with the various elements applied to the works. Method: It analyzes the interrelationships of light, form and material in triangular composition by synthesizing the architectural vocabulary of Alvar Aalto from the viewpoint of modernism. Results: The architectural works of Alvar Aalto are centered on the combination of light, form, material, and space diversity, emphasizing social awareness and linking the human scale with the building environment. Conclusion: The structure of the Alvar Aalto is a synonym of nature and culture, society and individuals, standardization and diversity, universality and locality, intellectual and emotional, scientific and human psychological. It is possible to apply reciprocity elements to architectural spaces in a comprehensive manner while being different from each other in terms of rationality and immediacy.

전 세계에서 코로나바이러스의 대유행으로, 보건위생용품인 마스크는 점점 생활 속 필수방역용품으로 바뀌었다. 그래서 마스크는 개인위생용품에서 점차 사회적 용품이 되었고, 디자인에서 ‘사용자 중심디자인’의 경향이 강하다. 본 논문은 우선 시장에서 판매되고 있는 보건용 마스크를 연구대상으로 ‘사용자 중심디자인’의 개념에서 마스크의 외관과 색상 등 디자인 요소를 분석한다. 다음으로, 표본분석법, 페르소나(persona) 분석법, 점 위도 분석법으로 추출한 표본과 수집한 데이터를 대상으로 분석해 '사용자 중심디자인', '구매 경향성' 및 '보건용 마스크' 사이의 관계를 찾아낸다. 사용 자가 마스크를 구매할 때 선택한 디자인 요소를 분석하여 사용자 중심디자인 방안을 탐구한다. 여기에는 사용자가 마스 크를 구매할 때 마스크의 형태와 색상의 선택과 마스크 디자인 요소 간의 상관관계에 관한 연구는 앞으로 마스크 디자 인할 때 디자인의 공백점을 찾을 수 있고 참고할 가치가 있다.

Due to the widespread of COVID-19 pandemics, as the health care supplies. Thus the facial mask has been transformed from personal health product into social epidemic prevention product, and its design is more inclined to be User-centered design. First employed health facial mask which is sold in the market as the method subject, under the concept of “ User-centered design”, this article analyzes the design elements such as appearance and color of the facial mask. Second used the analysis approach of sample, character and positioning map, this article conducts the comparative analysis research of collected sample and data and find the relationship of User-centered design, purchase tendency and health care facial mask. When the users purchase the mask, through the research on the relationship between the choice of form or color of mask and design element of mask， it can compensate for the blank spot of design and has some references.

This study reexamines the relationship between Frank Lloyd Wright and Japanese architecture, moving beyond the conventional dichotomy of “influence” and “confirmation” to focus on the architectural dimension of “form.” Previous studies have generally approached this relationship from two opposing positions: one arguing for a concrete Japanese influence on Wright’s work, and the other asserting that Japanese architecture merely confirmed ideas he had already developed. However, the former does not fully explain how and at what level this influence operated, while the latter relies too heavily on Wright’s own self-narrative. This paper first examines Wright’s encounter with Japanese art and architecture, focusing on ukiyo-e, the Hōōden at the 1893 World’s Columbian Exposition in Chicago, and his first trip to Japan in 1905. It then assesses the contributions and limits of Kevin Nute’s studies. Ultimately, this paper argues that Japanese architecture served Wright not as an external model for imitation, but as a formal reference system through which he reconfigured spatial continuity, the relationship between interior and exterior, and the organic integration of part and whole. Wright’s Imperial Hotel in Tokyo exemplifies this process of formal appropriation and reconfiguration. This perspective provides a critical basis for reevaluating Wright’s architecture as an alternative form of modernity distinct from the International Style.

본 연구는 디자인 경영관점에서 화장품 패키지 디자인의 시각적 요소가 소비자의 인지도와 선호도에 미치는 영향을 분석하였다. 최근 화장품 산업에서는 기능뿐 아니라 심미적 요소가 소비자 선택에 중요한 역할을 하고 있어, 본 연구는 구도, 조형, 색채, 문양의 네 가지 시각 요소에 주목하 였다. 설문조사를 통해 252명의 유효 응답을 수집하였으며, 다중회귀분석(SPSS 25.0)을 통해 데이터 를 분석하였다. 분석 결과, 조형, 색채, 문양은 선호도에 유의한 영향을 미쳤고, 이 중 조형 요소가 가장 강한 영향을 보였다. 인지도에는 구도, 조형, 색채가 유의미하게 작용하였으며, 구도가 가장 큰 설명력을 가졌다. 문양은 두 변수 모두에서 유의한 영향을 미치지 않았다. 이러한 결과는 패키지 디 자인의 시각 요소, 특히 조형성과 구도가 소비자 반응에 전략적으로 작용함을 보여주며, 효과적인 디자인 전략 수립에 유용한 이론적·실무적 시사점을 제공한다.

Based on a design management perspective, this study investigates how visual elements in cosmetic package design influence consumer awareness and preference. Due to the fact that aesthetics plays an increasingly significant role in consumer decision-making, particularly in the cosmetics industry, this study focuses on four visual elements: layout, form, color, and pattern. Using a structured questionnaire, data were collected from 252 respondents and analyzed through multiple regression analysis (SPSS 25.0).　The results indicate that form, color, and pattern significantly influence preference, with form having the greatest impact. Among the factors contributing to awareness, layout, form, and color were significant, with layout having the greatest impact. In neither case did the pattern have a significant impact. According to the research findings, visual design elements, particularly form and layout, play an important role in shaping consumer behavior. A valuable theoretical and practical insight is provided in this study for the development of effective cosmetic packaging strategies.

이 글은 『문학과지성』 동인 김주연・김치수・김현・김병익의 비평에 나타난 한국어 담론과 한국문학에 대한 논의를 고찰하는 데 목적을 둔다. 문학은 언어 로 구성된 예술 장르로서 언어의 문제가 곧 문학성 논의와 직결되므로 한국어 에 대한 문제는 한국문학의 정체성을 확립하는 과정에서 필수적으로 검토되어 야 할 지점이다. 『문학과지성』 동인은 이전 세대와 달리 한글세대로서의 정체성 을 강조하였고 한국어와 한글 표기 문제를 문학의 영역에서 적극적으로 논의하였다. 이 글은 『문학과지성』 동인의 ‘한글세대’라는 호명이 문단의 인정 투쟁을 위 한 모토에 불과했다거나 ‘한글세대’가 오염되지 않은 순수한 한국어를 사유했다 는 비판을 넘어, 『문학과지성』 동인 사이에서도 한국어・한글에 대한 다양한 입 장이 있었으며 그에 따라 문학을 둘러싼 보다 넓은 지평의 사유를 보여주었다는 점을 밝히고자 한다. 김주연은 민족 언어와 민족 문학의 개념에 대항하여 작가 개인의 한국어 문 학에 대한 의식의 구체성을 미시적으로 탐구해야 함을 성찰하였다. 김치수는 언 어와 형식의 관계에 주목하면서 문학 언어로서의 한국어의 형식을 세밀하게 탐 구하였다. 더불어 형식의 차이가 만들어내는 문학 텍스트의 특수성에 주목함으 로써 한국문학의 개성 있는 개인을 발굴하는 작업을 수행했다. 김현은 언어가 인간의 전 영역에 걸쳐 특정한 이념과 사고를 형성하는 체계로 보면서 한글문 학이 우세해진 역사적 맥락을 실증적이고 객관적으로 고찰함으로써 이념을 담 지한 언어로서의 한국어의 역사성을 탐구한다. 김현에게 언어는 문학을 비롯한 인간 역사의 변화를 추동하는 추진력으로 인식되며 언어의 길항 관계에 따라 문학의 이념형이 바뀐다는 점을 강조한다. 김병익에게 언어는 문화라는 자장 속 에서 논의된다. 김병익에게 한국어, 한글, 모국어는 한국 문학, 나아가 한국 문 화의 위상을 보장하는 매개이자 문화 전반의 변화와 한국 문화의 역동적인 수 행성을 담지한 문화적 요소로 인식된다.

This article examines the discussion of the Korean language, Korean writing, and Korean literature in the criticism of Kim Joo-Yeon, Kim Hyun, Kim Chi-soo, and Kim Byong-ik, Literature and Intelligence members of the Hangeul generation. As literature is an artistic genre composed of language, the issue of language is directly related to the concept of literariness, so the question of the Korean language is an essential point to be examined in the process of establishing the identity of Korean literature. Unlike previous generations, the members of Literature and Intelligence emphasized his identity as the Hangeul generation and actively discussed the issue of the Korean language and Hangeul writing in the realm of literature. This article goes beyond the criticism that the ‘Hangeul Generation’ was just a motto for the struggle for recognition of literature or that it sought a pure and uncontaminated Korean language. It shows that the members of Literature and Intelligence held diverse positions on the Korean language and Hangeul, and that they envisioned a broader perspective on literature. For example, Kim Joo-yeon reflected on the need to explore the specific consciousness of individual writers in Korean literature, rather than focusing solely on national language and literature. Kim Chi-soo explored the form of Korean as a literary language in detail, focusing on the relationship between language and form. By focusing on the specificity of literary texts created by differences in form, he was able to highlight the individuality of Korean literature. Kim Hyun explored the historicity of the Korean language as a language of ideology, empirically and objectively analyzing the historical context in which the Korean literature became dominant. He viewed language as a system that shapes specific ideologies and ideas across all areas of human life. For Kim Hyun, language is a driving force behind changes in human history, including in literature, and he emphasized that the ideological form of literature shifts in response to the antagonistic relationship between language and literature. For Kim Byong-ik, language is discussed within the magnetic field of culture. He saw Korean, Hangeul, and the mother tongue as the mediums that guarantee the status of Korean literature and, by extension, Korean culture. These elements also capture the dynamic performativity of Korean culture and reflect the ongoing changes within it.

본고는 값싼 재료와 다량생산이 가능한 제작기법을 사용하는 당대 마이크로 불교미술의 선구라 할 수 있는 모인니상에 대한 기초적 연구다. 모인니상은 진흙에 일정한 형틀이나 도장을 사용해 제작하는 10cm 안팎의 소형 불교미술이다. 모인니상은 값싼 재료를 사용하고, 일정한 형틀과도식을 이용하기 때문에 다량 복제가 매우 용이하다. 본고는 당대에 새롭게 등장하는 마이크로미술의 역사적 의미와 성격을 구명하기 위한 1차 작업으로, 당대 모인니상의 현황을 정리, 분석했다. 먼저, 지금까지 알려진 탁본 자료와 유물 자료들을 광범위하게 수집한 후, 이를 외형에 따라 5 가지 유형으로 분류하고, 각 유형의 도상을 정리했다. 그 결과 외형과 도상 간에 일정한 연관이 있음을 밝혔다. 당대 모인니상은 사찰뿐 아니라 門, 우물, 무덤 등 다양한 장소에서 사용되었으며, 도성 장안성 이외의 인근 지역에서도 제작되었다. 그리고 자은사나 서명사 등의 국가대사는 물론, 인구가 밀집된 西市 부근의 사찰들에서 다수 제작되었다.

This paper is a basic study on the mold-made Buddhist clay tile, which can be considered the pioneer of Tang Dynasty micro-art. The mold-made Buddhist clay tile is a small Buddhist art piece measuring about 10cm in size, made from clay using a mold or stamp. Because the mold-made Buddhist clay tiles use inexpensive materials and use consistent templates and diagrams, they are very easy to replicate in large quantities. This paper is the first work to investigate the historical meaning and characteristics of micro-art that newly emerged during the Tang Dynasty. For this purpose, I organized and analyzed the current status of the Tang Dynasty's mold-made Buddhist clay tiles. First, I collected a wide range of rubbings and artifacts known to date, classified them into five types according to their appearance, and organized the icons of each type. As a result, it was revealed that there is a certain relationship between appearance and iconography. In the Tang Dynasty, mold-made Buddhist clay tiles were used not only in temples but also in various places such as gates, wells, and tombs, and was also produced in nearby areas other than the capital city of Chang’an. In addition, many of them were produced at national temples such as C i’ensi(慈恩寺) Temple and Ximingsi(西明寺) Temple, as well as at temples near the densely populated Xishi(西市).

Product designs play a very important role in the purchasing decision-making process of consumers. Therefore, this study aims to examine how the two factors of product design, "form" and "function," affect consumers' price sensitivity and its mechanism through experimental research. In experiment, this study shows that aesthetically designed products lower the price sensitivity of consumers, while functionally designed products increase the price sensitivity of consumers. In addition, this study indicates that this effect is caused by consumers' emotional state. To be more specific, this study suggests that aesthetically designed products lower price sensitivity by generating consumers' high-arousal emotion, while functionally designed products increase price sensitivity by causing consumers' low-arousal emotion. Finally, this study intends to discuss the theoretical significances and practical implications of the experimental results.

현대의 일러스트레이션 디자인은 독창성을 필요로 하는데, 해양생물의 형태와 색채는 일러스트레이션 창작에 풍부한 소재를 제공한다. 일러스트레이션은 디자인적 창조 가치가 매우 높다. 본 연구는 해양생물을 거울삼아 색채 학적 지식과 시각적 형태설계를 통해 이를 밝히고, 일러스트레이션 디자인과 해양생물을 주요 연구대상으로 하였다. 본 연구목적은 ① 해양생물의 전형적 특징을 색과 형태 중심으로 정리, ② 이를 해양생물을 대표하는 그래픽 기호로 도출하여, ③ 일러스트레이션으로 접목할 수 있음을 해양생물 일러스트레이션 제작으로 사례를 제시하였다. 연구를 통해서 결론을 도출하고, 해양생물과 육지생물을 구분하는 전형적인 특징 중 하나로 곡선적인 특징을 부각시켰다. 열대어 색채 현상에 대한 분류 연구와 비교분석을 통해 도출한 열대어류의 색채 특성을 바탕으로 해수 열대어의 색채를 추출 및 가공하여 일러스트레이션 디자인에 활용할 수 있다.

While modern illustration designs require originality, the shape and color of marine life provide rich materials for illustration creation. Illustration has a very high artistic creation value. Based on the knowledge of color science and visual form design, this study takes illustration design and marine biology as the main research object. The purpose of this study is: ① The typical features of Marine life are sorted by color and form. ② Lead out graphic symbols representing Marine life. ③ Combine Marine life with illustration design to make design cases. Through research, it is highlighted that the curve feature is a typical feature for distinguishing marine organisms from terrestrial organisms. The classification and comparative analysis of the color phenomena of tropical fish help to extract and process the color of marine tropical fish on the basis of understanding the color characteristics of tropical fish, and apply it to the illustration design.

The various forms of architecture result in the cube of its circular, triangular, and square, in particular cube, which has been most widely used for the reason of its utility of rational space utilization. However, research on the diversity of forms based on this is very rare. Therefore, this paper is a study on the diversity of building form based on cube, and the purpose of this paper is to provide data that will be a reference to the design of the building shape considering the urban context. As the review of the study was feared to be limited to diversity only in its form, it was based on the five linear figures presented by Henri Ciriani in the city's fragmentary theory to emphasize the consistency of the original figure's purpose and to seek more detailed forms to respond to the context around the site. The method of study sought diversity by dividing the cube into the x, y, z axis and cross-applying the horizontal and vertical three-dimensional changes of the figure and the changes of fill and emptiness. As a result, various spatial expansion features were found by the upper and lower bifurcation while maintaining the characteristics of the types and figures that could emphasize the original characteristics of the figures. Also found three-way figures missing from Henri Ciriani's five figures, and explored shapes in which a single figure could have two properties. Based on cubes, this study of about 150 forms may be meaningful in that it can be applied to more diverse forms of design suitable for the situation around the site, with variations in the ratio of the mass's bowel, rotation, connection, and opening and closing.

연극은 2015 개정 교육과정에 보통교과의 일반선택 과목으로 개설되어 학습자들에게 연극을 통한 배움 의 기회를 확대하였다. 연극 교과는 학습자들이 직접 체험하고 만들어가는 과정을 통해 창의적 인재로 서의 역량을 함양할 수 있을 뿐만 아니라 연극 감상을 통해 균형 잡힌 사고와 통찰을 할 수 있도록 돕는 다. 연극 교과에 포함된 ‘감상’ 영역은 학습자들의 내적 사고를 확장하고 예술을 향유하며 삶을 누리는 기회를 열어주는 중요한 역할을 하는 통로이다. 그러나 학습자들에게 어떻게 감상을 해야 하는지 제시 하는 ‘감상 교육’에 대한 연구는 희박하다. 본고는 연극 감상 교육의 필요성을 인지하고 연극 감상 교육 의 틀을 삼을 수 있는 기준을 연구한 후 이를 토대로 연극 교과 과정 총론과 천재교과서의 감상 단원 영 역을 분석하였다. 본고는 감상 교육의 조건 연구와 총론 및 교과서의 분석 결과를 토대로 감상 단원을 발전적인 방향으로 안내할 수 있는 필수적인 감상 교육의 조건을 마련하였다. 감상 교육의 조건은 다음 과 같다. 첫째, 공연에 대한 관심과 욕구가 학습자들에게 일어날 수 있는 환경을 마련해야 한다. 둘째, 학 습자들에게 미적 거리에 대한 교육을 제공해야 한다. 셋째, 연극의 형식과 의미의 연결성을 이해할 수 있는 감상 교육이 구성되어야 한다. 본 연구는 학습자들의 연극 감상을 위한 감상 교육의 기준을 제시하 고, 총론과 교과서를 분석하여 감상 단원의 발전 방향을 제언하는데 의의가 있다. 그러나 이는 감상 교육 방향의 토대가 될 수 있는 기준점 중 한 예이므로 앞으로 지속적인 감상 교육 연구가 더해져야한다. 본고 를 계기로 앞으로 학습자들을 위한 감상 교육에 대한 논의가 활발히 지속되기를 기대한다.

Theater subject was included in the 2015 revised National Curriculum as a general elective subject. Theater subject expanded opportunities for students to learn through theater. The process of experiencing and creating plays allows learners to develop creative capabilities, and learners are able to have balanced thinking and insight through theater appreciation. Although appreciation takes on an important role in expanding the inner thinking of learners and gives them a chance to enjoy art, there is very little appreciation education that suggests to learners how to appreciate theater. This study analyzes The General Theory of High School Theater Textbook and Cheonjae Textbook. Based on the standard points of appreciation education and the results of the analysis, the study shows the essential condition of appreciation education that can guide the appreciation unit in theater subjects to an advanced direction. The following conditions should be provided for appreciation education. First, it should be provided with an environment where learners’ interest and desire for theaters can be embraced. Second, education on the aesthetic distance should be provided. Third, the connection of the 'form' and 'meaning' of the play should be educated so that the learners can appreciate theater from their own perspectives. This study presents a clear standard point of appreciation education for learners to appreciate plays and suggests the direction of development of appreciation unit in the theater subject. This study is one of the criteria for appreciation education that can be the basis of appreciation education. Therefore, research for appreciation education should be continued. This study will provide researchers an opportunity for active discussion on appreciation education.

이 글은 듀이의 자연주의 미학이 갖는 특징을 밝히는 데 목적이 있다. 듀이의 사상에는 경험, 자연, 예술이라는 세 개념이 뒤얽혀 있다. 단순히 듀이의 자연주의 사상을 이해하는 것이 목적이라면 경험과 자연의 관계 분석으로도 충분하지만, 자연주의 미학을 이해하는 것이 목적이라면 경험과 자연뿐만 아니라 예술까지 뒤얽혀 있는 실타래를 풀어나가야 한다. 이는 듀이의 자연주의적 사상이 미학의 범위 내에서 색다른 면모를 갖춘다는 것을 뜻한다. 먼저 듀이는 경험과 자연의 관계를 연속성이 있는 것으로 규명한다. 듀이에 따르면 자연은 경험의 객관적 토대일 뿐만 아니라 주체와 상호작용하는 관계에 있다. 나아가 경험은 예술과 동일한 의미로 간주된다. 듀이가 두 개념의 공통점으로 보고 있는 것은 미적 구조이다. 듀이는 미적 구조를 갖춘 경험을 미적 경험이라고 하며, 이것은 예술 분야에서 보면 예술작품이라고 말해지는 것과 같다. 미적 구조는 하나하나의 경험 또는 예술작품 속에서 일련의 과정들을 통해 완결에 이르게 된다. 이때 미적 구조를 갖추는 데 있어 기본 토대가 되는 것은 자연적 배경이며 경험 주체는 지각을 통해 자연과 상호작용한다. 결국 듀이 자연주의 미학의 풍부한 내용은 자연과 주체의 지각작용 사이에서 만들어진다. 다시 말해 자연에 내재해 있는 자연적 리듬으로부터 주체의 지각작용이 반영된 미적 리듬 그리고 리듬의 보유를 통해 결정적으로 경험을 완성시키는 지각적 형식 등이 듀이 미학에서 볼 수 있는 자연주의적 특징이라고 할 수 있다.

The main purpose of this paper is to discuss a characteristic of Dewey's naturalistic aesthetics. Experience, nature, and art are connected with each other complicatedly in the thought of Dewey. If a understanding for the naturalistic thought of Dewey is the only purpose, the work of necessity is just analysis of the relation between experience and nature. But if a understanding for the naturalistic aesthetics of Dewey is the purpose, we should unravel a complicated problem in art as well as experience and nature. This present the unconventional aspect of Dewey's naturalistic aesthetics. It is as in the following. In the first, Dewey investigates a continuity of experience and nature. According to Dewey, on the one hand nature is a objective base of experience, but on the other, nature implicates the interactive relationship with the subject. Furthermore, an experience has the same sense as that of art. This is because of aesthetic structure. Dewey said an experience that constructs through the aesthetic structure is an aesthetic experience or a work of art. And the aesthetic structure has come to a completion through series of process. What is crucially important is that the base of aesthetic structure is nature. And the subject of experience ultimately interacts with nature through the perception. And then the nature and the perceptional reaction of the subject form the abundant content of Dewey's naturalistic aesthetics. But this senses take on complex and profound aspects in Dewey's words, so to speak, rhythm, form, and perception. In other words, the naturalistic rhythm intrinsic in nature, the aesthetic rhythm reflected the perceptional reaction of the subject, and the perceptional form which determinately completes an experience through the possession of the rhythm are the distinct characteristics of Dewey's naturalistic aesthetics.

본고는 동학 몽유가사의 발생 배경과 작품에서 꿈을 활용하는 방식을 찾는데 주목적이 있다. 동학에서 몽유가 사를 활용하여 종교적 깨달음과 후속되는 활동 등에 꿈을 활용하는 작품이 많다는 점에 착안하여 그것이 어떤 배경에서 발생하여 어떤 활용을 통해 어떤 효과를 거두고자 하는지에 대한 논의를 펼친다. 몽유가사가 꿈을 어 떻게든 집어넣어 다룬다는 점에 착안하여 그것이 발생하게 된 배경은 어떤 것이 있으며 그것을 통해 종교적 의 도를 어떻게 성취해 나가는가에 주목한 것이다. 먼저 동학 몽유가사의 발생은 사대부가사와 불교가사에서 주로 활용되던 방식에 영향을 받고 있다. 동학 몽유 가사의 출발 작품인 「몽중노소문답가」는 전대에 이루어진 사대부의 몽유가사인 「길몽가」와 형식적 특성을 공유하고 있다. 두 작품은 꿈을 꿈 이전 - 꿈 - 꿈 이후 등으로 나누어 구성해 놓는다든지 꿈에서 구체적인 인물 을 만나 그로부터 어떤 교훈이 될 만한 내용을 전해 받는다든가 하는 형태를 취하고 있다. 따라서 두 작품에서 는 꿈을 완결된 논리를 갖춘 체계적인 것으로 받아들인다. 이런 점에서 판단한다면 동학 몽유가사는 사대부들 이 주로 창작자로 나서서 그들의 이념을 꿈을 통해 강화하고 그 강화된 이념이 현실에서 다시 전해져야 한다는 의도를 실현하려는 작품으로 창작된 사대부 몽유가사에서 형식적 틀을 가져왔다고 할 수 있다. 그런데 동학 몽 유가사는 내용에서 깨달음을 바라보는 시각을 확실하게 정립하는 것으로 채워져 있어 사대부 가사보다는 같은 시대에 많이 창작되고 유통되고 있었던 불교의 몽환가에서 영향을 더 받았다 하겠다. 불교의 몽환가는 19세기 에 주로 창작되는 경향을 보이는데 이들 작품에는 깨달음을 이루지 못한 상태가 어떤 것이고 깨달음을 이룬 상 태는 어떤 것인지에 대한 것들을 내용으로 구성해 놓고 있다. 세상의 사람들이 크게 깨달은 사람과 깨달지 못한 사람으로 구성되어 있고 그들에게 깨달음의 내용을 전달하려는 것이 불교 몽환가의 주된 내용을 채우고 있다. 다음으로 동학 몽유가사는 꿈을 활용하여 종교적인 문제에 대한 해결책을 마련하려는 의도를 실현하려 한다. 발생작인 「몽중노소문답가」는 종교에서 중요한 깨달음이 본질적으로 어떤 것인지에 대한 답을 꿈에서 찾은 것으로 간주한다. 깨달음은 신비한 요소를 갖고 있으니 이런 신비함을 강화하기 위해서라도 꿈이 가진 체계적 인 특성인 꿈 이전 - 꿈 - 꿈 이후 등이 어떻게 연결되고 변화하는지를 중요한 관심거리로 삼는다. 따라서 일군 의 작품에서는 깨달음의 경지가 어떤 것인지를 꿈을 활용하여 제시하는 것을 작품의 주지로 삼고 있다. 이런 작 품이 동학 몽유가사에는 거의 대부분을 차지하고 있지만 일부의 작품은 깨달음 이후의 깨달음이 어떻게 실천되 고 구현되어야 하는지에 대한 관심을 보이기도 한다. 그런 경향을 지닌 작품은 꿈을 단순히 잠에 해당하는 것으 로 보고 꿈을 깨야 할 일시적인 미몽 상태인 것으로 인식한다. 이런 경향이 동학 몽유가사에는 이어지고 있다.

In this study, it was aimed to find out the background of Donghak Monyu 's lyrics and how to use dreams in his works. In Donghak, many people use dreams for their dreams and follow-up activities by using the monkeys, and they discussed what kind of backgrounds they have and what effects they want to use. I took a look at the fact that Mong Yoo's dreams are handled in some way, and discussed the background of what happened and how he achieved religious intent through it. We conclude by briefly summarizing the achievements of this paper. First, the generation of Donghak Monyu is influenced by the way in which it was mainly used in the Buddhist monks' households and Buddhist monks. The starting work of Donghak Mongyu's song, "Mongchuan no Aroma" shares much of the formal characteristics with "Gilmonga," a monkey's song of the old generation. The two works take the form of dividing a dream into a dream, a dream, and a dream, or a specific person in a dream, and receiving some contents that can be learned from them. In both works, therefore, the dream is regarded as a systematic one with complete logic. Judging from this point, the lyrics of Donghak Mongyu have a formal framework in the Sung Dae-Woo monkeys, which was created as a work in which the sisters became chiefly creative, strengthened their ideals through their dreams, and realized that the strengthened ideals had to be conveyed back to reality. It can be said that it came. However, Donghak Mongyu is filled with a definite view of enlightenment in the contents, and it was influenced more by the dream song of Buddhism that was created and circulated in the same era than the swordsmiths. Buddhist dreams tend to be created in the nineteenth century. In these works, the contents are filled with things about what state of enlightenment is and what state of enlightenment is. It is the main content of the Buddhist dreamer that the people of the world are made up of the enlightened person and the unrealized person and to convey the content of Enlightenment to them. Filled with these contents served as a background for the contents of Donghak Monyu. Next, Donghak Mongyu is realizing the intention of using dreams to solve the religious problems. The origin of the work, "Wan-myeong no Ao-myeonjae," is regarded as an answer to what is essentially an important realization in religion. Enlightenment has a mysterious element. In order to strengthen such a mystery, how systematic characteristics of a dream, such as a dream, a dream, and a dream, are linked and changed is an important concern. Therefore, in a group of works, there is a piece of work that shows the importance of the work in presenting dreams of what the state of enlightenment is. Although these works are almost universal in Dongyak Monyu, some works show interest in how enlightenment after Enlightenment should be practiced and implemented. The work with such a tendency is characterized by the fact that dream is regarded as merely sleep, and it is perceived as temporary moment of dream to be broken.

본 연구는 중국 남북조시대, 특히 6세기에 華北地域을 중심으로 유행했던 불교조상비의 형태, 구성요소, 조성 주체와 기능 등을 고찰, 중국 불교조상비에 대한 종합적 이해를 시도한 것이다. 불교조상비는 인도에서 유래하는 불교에 중국의 전통적인 石碑文化를 결합한것으로, 불교예술의 漢化를 보여주는 대표적 예술이다. 그러므로 형태, 내용, 기능 등 여러 방면에서 중국 전통의 석비문화를 계승하고 있다. 형태는 먼저 四面體型과 石碑型으로 크게 구분할 수 있다. 사면체형은 造像 塔이나 석굴의 中心柱窟에서, 석비형은 중국의 전통적인 石碑에서 각각 유래한다. 6세기 후반에는 석비 형태가 주류를 점하게 된다. 조상비는 대부분 개인이 아니라 지방의 종교적 신앙결사단체인 ‘義邑’에 의해 제작되었다. 북조의 의읍은 지역의 관료나 유력인 등의 在地勢力, 그리고 지방 의 敎化僧侶 등의 주도 아래 지역민을 주요 구성원으로 이루어진 신앙결사단체 로, 국가권력을 대신해 지방민의 융합과 통제에 중요한 기능을 했다. 이를 위해 도로건설 등의 公共事業을 하고 이를 기념하는 조상비를 건립했으며, 또한 불교 大乘思想을 기초로 지역사회 통합에 필요한 종교적 활동의 일환으로 조상비를 제작하기도 했다. 그들은 조상비 안에 불교적 도상과 자신들의 모습을 畵像으로 표현하고, 나아가 중국의 석비문화를 계승해 조상비 건립의 이유, 건립자의 이 름, 그리고 誓願 등을 자세히 기록하였다. 석비는 원래 대중에게 무언가를 알리기 위한 공공적 성격이 강했는데, 조상비 역시 마찬가지였다. 사람들이 다수 모이는 개방적 공간이나 사람들의 왕래가 잦 은 交通路 등의 公共場所에 건립되는 경우가 많았다. 그리고 지역사회의 記念 物로서 지방민들의 佛敎 儀禮活動에서도 중요한 역할을 했다.

This paper discusses the Buddhist stele that was popular in the northern area of China in the 6th century, from various aspects such as its forms, components, patrons and functions. Buddhist stele is a combination of Chinese monumental culture with the Buddhism that was born in India, and it is a representative art showing the Sinicization of Buddhist art. Therefore, it inherits the stele of Chinese tradition in various aspects such as shape, content, and function etc. The shape of Buddhist stele can be divided into a tetrahedral shape and a stele shape. The tetrahedral type originates from the small tower or the central pillar of the grotto, and the monumental form originates from a traditional stone stele in China. Most of the Buddhist steles were made of ‘Yiyi(義邑)’, a local religious association, not an individual. The Yiyi of northern China in the 5th to 6th centuries is a religious association composed mainly of local residents under the leadership of local bureaucrats, local powers and local monks. The Yiyi played an important role in the integration and control of the people in place of their dynasty. To accomplish this, Yiyi did public works on behalf of the state power, and then erected Buddhist stele to commemorate them. They expressed Buddhist icons and described their appearance, and further recorded the reasons for the erection of the stele, the names of the patrons, and their wishes. The stele is a monument of public nature that is erected to tell people something. Buddhist stele have similar functions. Therefore, the Buddhist steles were often erected in public spaces such as well where people gather in large numbers, and traffic routes where people come and go frequently. It also played a major role in Buddhist rituals of local people as a monument to the community.

「조각상」에서 예이츠는 고대 그리스에서 중세 인도를 거쳐 현대 아일랜 드에 이르는 예술의 역사를 형상과 무형상의 변증법이라는 관점에서 추적한다. 그는 피타고라스적인 수, 피디아스의 형상, 불상의 무형상의 형상 그리고 아일랜드의 형상 을 통해 예술의 역사적 변천을 제시한다. 「조각상」은 형상과 무형상 간의 경쟁의 역사 뿐만 아니라 예술에서 형상의 의미에 대한 예이츠의 사색을 잘 보여준다. 그리스의 조 각상에 걸 맞는 아일랜드의 영웅적 행위를 형상화함으로써 그는 아일랜드인의 꿈을 밝게 비추기를 고대한다.

In “The Statues,” Yeats traces a history of civilization through a history of its forms. Focusing on the dialectic between form and formlessness, he explores a movement of forms in civilization—from the Greek sculptural practice shown by Phidias to the intangible form of the Buddha in India in the middle ages and finally to modern Ireland that represents heroic passion associated with Cuchulain. “The Statues” illustrates Yeats’s conception of the meaning of form in art as well as the history of competition between form and formlessness. By embodying the heroic actions of the Irish, which fit the statues of Greece, he hopes to illuminate the Irish dream.