Earticle

본 논문은 지난 30여 년 간 한국 독립영화가 내용적인 층위에서 지속적으로 다루어온 빈곤에 대한 연구이다. 빈곤을 주제나 소재로 다루는 일련의 경향은 시대적 조건의 영향을 받아 각 시기별로 다르게 나타난다. 1980년대 말 이후로 민중 운동과 결합한 한국 독립영화는 도시 빈민에 대한 다큐멘터리를 다수 제작했으며, 일부 극영화를 중심으로 민중이 겪었던 정치적․경제적 박탈감을 다루기도 했다. 2000년대 중엽 이후로는 일인제작 시스템, 시민 사회의 성장, 신자유주의 경제 체제로부터의 영향으로 인해, 과거 민중 중심의 일의적인 빈곤 이미지 생산에서 벗어나 다의적인 빈곤 이미지를 생산하는 쪽으로 방향을 바꾸었다. 한편, 2000년대 후반부터 오늘날까지 극영화를 중심으로 빈곤과 폭력의 관계 내지는 빈곤과 청년 세대의 관계를 다룬 작품들이 출연해 빈곤이라는 주제를 계승해 나가고 있다. 이어서 본고에서는 민중, 노동, 청년이라는 각각의 모티브를 중심으로 빈곤을 재해석하고 있는 세 감독의 작품들을 집중적으로 분석하였다. 김태일 감독의 경우 가족 제작 시스템이라는 대안적인 방식을 통해 정치적으로나 경제적으로 차별받는 민중들의 삶을 중층적으로 기술하였다. 김미례 감독은 1인 제작 방식으로 노동 현장에서 벌어지는 근로 빈곤, 장기 투쟁, 노동자 의식의 보수화를 비판적으로 성찰하였다. 끝으로, 김태용 감독은 자신의 자전적인 영화 <거인>을 통해 한 청년이 가족이라는 공통 영역의 붕괴와 사회복지 제도로부터 배제당하는 절망적인 상황 속에서 차츰 이기적인 주체로 변화해나가는 과정을 그렸다. 이 세 명의 감독들은 빈곤에 대한 개인적인 경험, 빈곤을 바라보는 시선, 그리고 영화를 제작하는 방식 등에서 차이점을 갖고 있었다. 그러나 이들은 빈곤이라는 주제를 통해 사회 구조의 문제점과 그것을 개선해나갈 방향에 대해서 비판적으로 성찰했다는 공통점을 갖고 있다. 결과적으로, 빈곤은 한국 독립영화의 내용적 층위에서 전통성을 갖고 있는 동시에 현 시대에 대해 새로운 해석의 틀을 제시할 수 있는 하나의 프레임이라고 할 수 있다.

This article focuses on analyzing and interpreting Korean independent films which have covered poverty issues for past thirty years. Under the influences of periodic changes, ways of tendencies dealing with poverty issues have been different according to the times. For instance, in late 1980s, Korean independent movie circle made documentary films about the urban poor, and some film plays concerned about the dumb millions’ comparative deprivation sense due to political and economic inequalities. From middle 2000s, independent films began to produce poly-semantic images about poverty issues which traditionally confined to the univocal image related to the poor strata. Then from late 2000s to the present, play movies about poverty issues have tended to deal with violence issues and generation theories. In addition, this study conducted an in-depth analysis about three movie directors who re-interpreted the poverty with the people, labour issues, and young generations, respectively. Firstly, Tae-il Kim depicted the discriminated strata with thick descriptions using an alternative method called ‘family- producing system’. Secondly, Mi-re Kim captured symptoms of the conservatization of Korean labor society from long-term struggles and the working poor. Finally, Tae-yong Kim, cast light upon family break-ups and exclusions from social welfare systems from his movie <Set Me Free> with an egoistic young man’s character. With covering the poverty, three directors tried to reflect on structural problems of Korean society, and to suggest alternative ways, although each viewed from different angles based on personal experience, ways of directing movies, and personal views regarding this issue. In short, this paper suggests that the poverty issue has contributed to construct traditionality of Korean independent movie circle, while providing an alternative frame of interpretation viewing Korean society.

본 논문은 영화의 목소리를 발화 행위의 매개로 간주하고 그 행위를 둘러싼 청각적 경험에 주목한다. 좀 더 구체적으로, 그러한 경험을 둘러싸고 변화, 조직되는 공간(영화적 세계)의 특징을 살펴봄으로써 그를 통해 열리는 영화적 사유의 본질을 추측하고자 한다. 이미지를 기반으로 하는 영화에서 소리는 어느 한 공간과 시간에 기반을 두지 않음으로써 실체를 지닐 수 없는 ‘타자’지만, 다른 한편으로는 카메라-이미지라는 물적 존재로서의 시각이미지를 특정 장소에 위치시키는 역할을 한다. 하지만 목소리가 내포하는 ‘간극’은 분열과 확장의 공간으로서 영화적 경험을 감각과 의식 사이의 사이-공간으로 재평가하게 하는데, 따라서 영화의 목소리는 주체와 탈-주체라는 타협될 수 없는 양가성을 지닌다. 이는 결국 영화가 고정된 주체에 종속되지 않은 채 사유를 반영하고 증폭시키는 모델이 될 수 있음을 암시한다. 영화의 청각적 경험이 시각적 재현의 합일성에 기여한다는 전통적 시각에서 벗어나, 목소리를 공간적 의미에서 양면적이고 양가적인 사유 주체의 모델로 제시하는 데, 이 글이 선택한 경로는 크게 두 가지다. 정신분석적 사고는 영화의 목소리가 어떻게 자기 안의 구멍을 상기시킴으로써, 자기 분열의 트라우마를 증언하는지 설명해줄 것이다. 한편, 완전영화라는 측면에서 동기화(synchronization)의 기술은 주체를 외부에 설정함으로써 재현한다. 동기화된 목소리는 영화 안의 주체(디제시스 속 주체)와 밖의 주체(관람 주체)를 관통하는 이상적 주체의 가능성을 암시하고 있는데, 이는 자율적으로 사고하는 기계적 사유의 신화와 다시 연결된다. 인간의 사유마저 복제하는 완전 영화의 신화는, 끊임없이 내부와 외부가 중첩되는 분열의 중핵을 상기시킨다. 본 연구의 가장 큰 의미는 자아중심적 시선에 근거한 영화 이미지론을 극복하고, 의미 중심적 언어학적 체계를 넘어 잃어버린 시간과 공간을 매개하는 역할로서 목소리를 재발견하는 데 있다. 소위 ‘완전 영화’의 신화를 추종하는 오늘날의 영화가 현존하는 소리를 반영하는 것, 즉 시각이미지와 청각이미지를 동기화하는 것은 당연하다고 여겨지는 것에 비해, 이러한 청각이미지가 어떤 방식으로 ‘의미화’되는지에 대한 연구는 부족했기 때문이다. 이글은 영화에서 동기화가 규범이 된 것은 그것이 ‘자연스런’ 현실의 경험과 일치하기 때문이라기보다, 청각의 감각이 억압된/상실된 기원을 감추면서도 그 빈틈을 드러내기 때문이라 주장한다. 다양한 소리들이 투사되는 공간으로서의 영화의 시각 이미지는 그 생생함의 여부에 관계없이 이미 과거의 상태를 전제할 뿐만 아니라 그 대상과의 물리적 거리를 증명한다. 그렇게 영화의 소리는 그 내재적 비동시성을 통해 언어와 사유 주체 사이의 관계를 재현하고 있다.

This essay focuses on auditory experiences around acts of addressing through various voices of cinema. More specifically, it contemplates the essence of cinematic reason or thinkability that opens up through different levels of spaces constructed by such addresses. Voice in cinema is objet a which does not have a clear image, but functions as a locator of camera-image in a specific space and time at the same time. Nevertheless, gaps inherent in cinematic sounds prove themselves in-between places between sense and reason where the cinematic subject expands his/her being and/or alienates him/herself. Which explains the ambivalence of cinematic effect as subjectification and de-subjectification. In other words, the cinema reflects reasons without subjecting to one master Subject. This article presents voice an ambivalent model of thinking reflecting two different perspectives: the one from psychoanalysis and the other from the idea of total-cinema. The former explicates the way in which cinematic voices testify to the trauma of self-alienation by revealing the black-hole in the infantile memory. The latter provides the technique of synchronization for locating the subject outside the cinematic text. That is, synchronized voices presuppose an ideal subject connecting both the subject in diegesis and the empirical subject outside, which concerns the myth of automatic thinking as the ultimate form of world representation. In the course, we are reminded of the kernel of split where the interior and the exterior constantly overlap. To sum up, the meaning of this study lies in its attempt to overcome theories biased upon visual images, and to rediscover the role of sounds mediating time and space lost in the meaning-centered system of language. Synchronization becomes norm in cinema not because it resembles our 'natural' experiences which are continuous, but because it hides what is repressed, i.e. the lost origin. More importantly, voice opens up an impossible space for the subject where he/she manages to face his/her ideal self. Likewise, through the inherent non-synchronicity the sound in the cinema represents the relation between language and the thinking subject.This article presents voice an ambivalent model of thinking reflecting two different perspectives: the one from psychoanalysis and the other from the idea of total-cinema. The former explicates the way in which cinematic voices testify to the trauma of self-alienation by revealing the black-hole in the infantile memory. The latter provides the technique of synchronization for locating the subject outside the cinematic text. That is, synchronized voices presuppose an ideal subject connecting both the subject in diegesis and the empirical subject outside, which concerns the myth of automatic thinking as the ultimate form of world representation. In the course, we are reminded of the kernel of split where the interior and the exterior constantly overlap. To sum up, the meaning of this study lies in its attempt to overcome theories biased upon visual images, and to rediscover the role of sounds mediating time and space lost in the meaning-centered system of language. Synchronization becomes norm in cinema not because it resembles our 'natural' experiences which are continuous, but because it hides what is repressed, i.e. the lost origin. More importantly, voice opens up an impossible space for the subject where he/she manages to face his/her ideal self. Likewise, through the inherent non-synchronicity the sound in the cinema represents the relation between language and the thinking subject.

이 논문은 다큐멘터리의 매체성을 장-뤽 낭시의 ‘영화의 증거’론의 관점에서 고찰하면서, 영상 이미지가 세계와 맺는 관계에 대한 이해로부터 다큐-미디올로지를 사유한다. 낭시가 논하는 영상 이미지의 ‘증거’로서의 작용은 어떻게 일어나며, ‘보기의 윤리학’이 다큐-미디올로지를 어떻게 이룰 수 있을까? 이 논문은 낭시의 영화 이미지론이 다큐멘터리 매체를 어떻게 비추어주는지 살펴보며, 후쿠시마 원전사고에 관한 다큐멘터리 및 그와 연관된 문학 텍스트를 매체학적/비교문학적으로 분석한다. 후쿠시마 원전 사고 후 외딴 격리의 삶을 살고 있는 사고지역 사람들을 영상으로 증언하는 미야케 교코의 <쓰나미 후에 오는 것들>과, 후쿠시마 원전사고에 관한 만들어지지 못한 어느 다큐멘터리에 관한 생각으로부터 고리 원전사고라는 가상의 사태를 상상해 쓰인 박솔뫼의 소설 󰡔겨울의 눈빛󰡕이 고찰 대상이 된다. 장-뤽 낭시가 압바스 키아로스타미의 <그리고 삶은 계속된다>를 보며 ‘영화의 증거’를 논했을 때, 다큐적 영상매체의 이미지가 지닌 ‘증거’로서의 역할은 영화미학의 사실주의 이론 너머로 새롭게 떠올랐다. 영화 이미지는 삶과 세계를 재현하는 것이 아니라 증명하는 매체라는 것이다. 그 이미지를 봄으로써 타자성 속에 머물렀던 먼 삶은 우리에게 와서 지금 여기의 세계에 ‘접촉’한다. 접촉 속에서 함께 대화하며, 그를 통해 영상은 ‘눈빛’과 접촉하는 ‘눈빛’이 된다. 미야케 교코가 자신의 고향인 나미에 마을을 멀리 런던에서부터 찾아가 자신의 이모를 만나 함께 살피며 영상으로 담아 보여준다면, 박솔뫼는 미처 볼 수 없었던, 만들어지지 않은 후쿠시마 원전 사고에 관한 다큐멘터리에 관한 생각에서 시작해, 그러한 사고가 바로 ‘우리’의 일이 될 수도 있다는 어떤 ‘접촉’ 속에서 가상의 고리 원전 사고에 관한 다큐멘터리를 소설 속에서 묘사하고, 그것을 자신의 일처럼 가까이 그려본다. 우리가 직접 찾아갈 수 없는 어떤 곳들에서, 다큐멘터리 영화의 영상이 우리에게 온다. 그것은 우리와 만나고 접촉하며, 우리에게 세계의 증거로서 작용한다. 그때 우리는 비로소 먼 곳의 외딴 삶들을 우리와 무관한 것이 아닌, 우리와 연결되어 있으며 우리에게도 일어날 수 있는 우리의 삶으로 인지할 수 있다. 영화는 그렇게 세계에 참여하며, 우리를 세계에 참여시킨다는 것이 장-뤽 낭시의 ‘영화의 증거’론이다. 다큐멘터리는 오늘 그렇게 세계의 몸을 영상으로 쓰며 증언하는 주체적이고 매개적인 매체로 인식될 수 있다. 잠겨 있는 먼 곳을 열어 친밀하게 느끼게 하고 그럼으로써 타자성 너머 ‘함께-있음’으로 우리를 열어내는 다큐-매체성은 영화가 우리에게 무엇을 증언하는지 일깨운다.

This paper examines the mediality of documentary film from the perspective of Jean-Luc Nancy’s The Evidence of Film, focusing on Kyoko Miyake’s documentary Beyond the Wave (2013) with Bak Solmay’s novel Snowlight of the Winter (2013). Jean-Luc Nancy suggests that film medium functions as the evidence of the world, more precisely, as the exposure on to the bodily world. The cinematic image as the evidence is the aesthetic presence, that enables the viewer to look at and touch ‘the real’ of existence, especially the remote lives. Beyond the Wave (Surviving the Tsunami：My Atomic Aunt/ Meine Tante aus Fukushima), the documentary which carries away the life of people in Fukushima area, after the nuclear plant catastrophe, and Snowlight of the Winter, the novel which talks about the virtual documentary on the (unhappened) nuclear plant catastrophe in Korea, are from this perspective co-analyzed and compared, in order to consider the process of action of documentary medium, in light of Nancy’s thought of film. In Nancy’s thought of film, the real in the film is understood as the access to the real itself. Documentary is, in this sense, the active medium, which opens up the truth of the world. The documentary images carry away the real to the viewers and let them feel the others close to themselves. This process is also to explain in the consideration to Nancy's thoughts of corpus and community, for the evidence of film enacts the being-with and touching, which compose the docu-mediality.

본 연구는 니콜라 레의 실험영화 <안더스, 몰루시아>의 반미적 형식과 의미를 분석하고자 질 들뢰즈의 몽타주 개념의 ‘무리수적 절단’과 아도르노, 로젠크란츠 그리고 할 포스터가 정의하는 예술에서의 반미학개념을 해체주의적 관점으로 다루었다. <안더스, 몰루시아>는 안더스의 1931년도 소설 『몰루시아 카타콤』을 바탕으로 한 영화로 1920년대 전후 전체주의와 독재주의로 가득했던 유럽을 비판하는 동시에 패러디한 소설이다. 이 소설은 당시 러시아어 이외의 다른 나라 언어로 번역이 되지 않았으며 90년대에 와서 독일어로만 번역이 되었다. 니콜라 레는 소설의 일부분을 발취해 실험적 형식으로 파편화된 이미지와 구조주의적 형식을 계승해 16mm 필름으로 제작했다. 연구 방법으로 실험영화의 변증법적 몽타주 기법의 반미적 형식과 의미에 관한 해석을 위해 1960년대 (문학에서 먼저 시작해 모더니즘 예술에 영향을 준) 해체주의 개념을 들뢰즈의 몽타주 개념과 함께 다루었다. 들뢰즈의 무리수적으로 절단된 몽타주 개념을 탈-몽타주를 이루는 이미지와 내러티브의 종속적인 관계를 절단하는 행위로서 고찰하고 파편화와 해체 그리고 재구성의 변증법적 구조는 팬텀 세계의 시공간에 대한 구축으로 논의하였다. 그리고 변증법적 구조의 반미적 알레고리의 생성은 무리수적으로 절단된 몽타주와의 연결에서 돌출되며 시지각적으로 부조화를 이루는 내레이션의 혼합과 영화적 흐름에서 불연결성 또는 부조화의 독특한 느낌을 연결성과 조화로 유도/구축하는 해체주의적 형식을 반미적 개념으로 제시하였다. 해체주의와 반미적 관점을 아도르노, 로젠크란츠, 그리고 포스터의 개념을 통해 반미적 형식과 의미에 대한 연구 분석이 앞으로의 실험영화 연구에 있어서 매체 유물론적 분석에서 더 나아가 철학적 관점으로의 논의 가능성을 내포하고 있음을 주장하며 실험영화, 해체주의, 그리고 반미의 관계에 대한 또 다른 연구 가능성 제시한다.

This paper examines the anti-aesthetic form and meaning of Nicolas Rey’s experimental film Differently, Molusia (2012) to propose the ideas of Gilles Delueze’s ‘irrational-cut’ and clashing representations of iconic images with audio-visual relationship. Differently, Molusia is visualized experimental film from a book of Gunther Anders’ fiction, ‘The Molussian Catacomb/Die molussische Katakombe’(1931); the story is based on Fascism in Europe around 1920’s. The book was never translated in other language except German later in 90’s. The story is about freedom and anti-Fascism against dictatorship. Nicolas Rey’s Differently, Molusia introduces the characters from the book as part of filmic fragments. The analysis on the film focuses on those fragments of clashing visual-images and to argue the form of experimental film; when not only material-focused analysis is introduced but supportive analysis of philosophical aspects are required for another phase to understand Differently, Molusia. Therefore Delueze term of ‘irrational cut’ in film montage was partly implied to understand the de-constructive film image to discuss and to define the ‘Anti-’ notions in experimental film as an analytic method. In further discussions on allegory images of anti-forms when de-constructivism in film images of Nicolas Rey’s reflects surrealism and abstractionism as well as when the visual-images becomes conceptualized with hand-processed films to create the effects to visualize ‘Rey’s Molusia’. By discussing anti-aesthetic notions starting with T. Adorno, K. Rosenkranz and Hal Foster to introduce ‘anti-aesthetics’ in art and this paper will suggests ‘anti-’ notion in the phantom world of Molusia and this notion represents experimental films in future discussions that exists further after.

본 논문은 청소년을 대상으로 한 VIE 프로그램의 교육성과를 바탕으로 텍스트와 이미지와의 언어와 문학적 관계를 연구한 결과다. 디지털 영상 시대를 맞아 올바른 이미지 리터러시 교육이 필요한 시점에서 텍스트와 이미지를 활용한 VIE 프로그램의 결과는 양자간의 기호학과 문학적인 관계와 기능을 보여준다. 텍스트와 이미지의 통합으로 메시지가 창출되는데 이 때 퍼스(Peirce)의 텍스트와 이미지의 상호 관계를 정의한 세 분류인 도상, 지표, 상징이 등장한다. 텍스트와 이미지의 상호간의 우선권에 따라 결정되는 이 3가지 종류의 분류는 학생들의 작품에도 적용될 수 있다. 학생들의 영상 이미지와 연결된 시를 보면 이미지에 직설적으로 연결된 도상과 같은 작품에서부터 이미지와 시어가 전혀 동 떨어져 보이지만 1차 의미작용을 넘어 은유적 연결 접점을 찾아 상징으로 발전한 작품까지 볼 수 있었다. 이를 바탕으로 제시할 수 있는 영상활용교육(VIE)의 발전적 지향점은 영상 이미지의 도상성 속에 내재된 지표적 특성을 활성화시키고, 시어는 이미지와의 연결성을 위해 상징적 특성을 지표적 영역으로 이동시키는 교육적 전략이다. 여기서 핵심 사항은 사진의 도상성과 시의 상징성을 어떻게 적절히 유지하면서 은유적 긴장미를 지속시켜 나가느냐에 있다. 이점이 VIE 교육에서 이미지 리터러시가 뒷받침되어야 하는 이유다. 본 연구는 학생들의 작품을 기호학적으로 고찰함으로써 텍스트와 이미지를 활용한 청소년들의 언어적 창의성에 대해 알아보고 이를 이미지 리터러시 측면에서 의미를 전환시키려 한다. 결과적으로 이미지는 일상의 실제 대상물을 담아내는 것에만 그치지 않고 기호학적으로 구체적 내용과 함축된 의미를 가진 표현물이며 문자와 언어가 가지는 차이를 초월해 감성적이고 문학적인 커뮤니케이션을 가능케 해준다. VIE 리터러시 교육은 이미지의 상상력과 문학적 텍스트의 건강한 언어적 기능까지 포괄하는 통합적 영상 미디어 교육이다.

This thesis is a result of my research about the linguistic relationship between text and image, which is based on an educational product of the VIE(Videography In Education) program aimed at youths. At the times of needs in proper image-literacy education, especially at this video era, the result of VIE program through text and image shows semiologic and linguistic relationship and functions between the two of them. While literary message is generated from the combination of text and image, Peirce's 3 types of classification can be referred to – Icon, Index, and Symbol - which defines interrelation of text and image. Those 3 types are determined by mutual priority of text and image, and also can be applied to works of students. In the student’s images and poems, We can find very developed works from Iconic works which are directly linked to images to symbolic works which are searching for the metaphorical linking point beyond first signification even though images and poetic words look like that they don’t have anything in common. Developmental orientation that take advantage of this VIE activities can be presented with educational strategies. those are activation of indicator characteristic which is in the iconography of video images and moving symbolic characteristics to the realms of indication for the connection of images and poetic words. The Key points are how to continue the tensional beauty of metaphor maintaining appropriate iconography of photography and symbolism of poet. This advantage is why image literacy should back up education in VIE. This study finds out youths' linguistic creativity making best use of text and image, in semiotic consideration of works of students. Thus, it has meaning in terms of the aspect of visual literacy education. As a result, the images do not only contain the representation of reality in every life, but express specific information and semiotic implications. and images also enable us to have emotional and literary communication over the difference of text and languages. The VIE is an integrated media literacy education covering a healthy imagination and linguistic features of literary text in the image.

21세기 이후 부산은 기존의 성장 패러다임에서 벗어나 도시 발전의 새로운 희망을 찾고자 노력하는 과정에서, 기존의 도시자원들을 활용하고 창의적인 인재들이 모여들도록 하는 창조도시 전략을 도시발전의 핵심전략으로 추진하고 있는데, 부산의 창조적인 도시발전의 원동력이 바로 영화이다. 우선 부산이 ‘영화도시’로 자리매김하게 된 데에는 물론 부산국제영화제와 부산영상위원회가 거둔 놀라운 성공이 직접적인 출발점이 되었지만, 그 배경에는 잘 알려지지 않은 부산과 영화 간의 긴밀하고도 깊은 역사가 배경으로 작용했다고 할 수 있다. 또한 부산은 아시아 지역의 영화문화와 영상산업의 발전과 교류에서 수행해온 구심적 역할을 토대로 부산은 2014년 12월에 유네스코에 의해 ‘영화창조도시’로 지정되었다. 이제 부산은 문화와 영상산업을 중심으로 한 아시아 지역 연대에 있어서 주도적인 역할을 수행해가는 동시에 국제적 네트워크 구축을 위한 첨단기지의 역할을 해 나가야 한다. 그러나 현재 ‘영화도시’로서의 부산의 위상은 국내외적으로, 산업적․정치적 맥락에서 여러 가지 위기와 도전에 직면해 있다. 따라서 본 논문은 ‘영화도시’로 시작된 부산의 도시 이미지와 정체성이 현재 ‘아시아영화의 허브’라는 역할을 해나가는 데에 있어서, 그리고 이를 기반으로 ‘유네스코 영화창조도시’의 비전으로 나아가는 데에 있어서 어떤 가능성과 과제를 안고 있는지에 대하여 모색해보고자 한다.

Since the beginning of 21th century, the concept of ‘Creative City’ has provided Busan with the driving strategy to exploit its existing resources and to build an infra-structure for its development. Film has been the main gear at the center of all the actions toward ‘Creative City’. The enormous success of Busan International Film Festival helped the city to gain the public recognition as a film city domestically as well as internationally. In addition, other film related organizations such as Busan Film Commission have played an important role for Busan. However, one should not fail to acknowledge the fact that the history of the close ties between Busan and film also attributed to the glorious status of Busan as a film city. Busan was entitled as ‘Creative City of Film’ by UNESCO in December, 2014. The entitlement was based on the significant role that Busan has played for the development of Asian film industries and the interchange of film culture among Asian countries. Now it is time that Busan should lead Asian countries to unite and form a strong bonding for the international network of film. However, the status of Busan as ‘city of film’ is now faced with several crises and challenges due to the political and industrial circumstances. This article is to figure out possibilities and tasks that Busan holds in order to play the role of ‘Hub of Asian Film’ and to proceed with the vision of ‘UNESCO Creative City of Film.’

오늘날 영상매체들에서 현실과 가상에서의 시․공간이 끊임없이 복잡하게 혼재되는 양상을 보인다. 대중들에게 큰 사랑을 받으며 동명의 애니메이션 개봉을 앞두고 있는 웹툰 <타이밍>에서도 현실과 가상의 시․공간 혼재양상이 등장한다. 이에 본고에서는 웹툰 <타이밍>의 주인공 박자기의 ‘꿈’과 ‘기억’이라는 키워드를 중심으로 한 텍스트 분석을 통해 작품에서 보여지는 독특한 시․공간 재현방식에 대해 살펴보고자 한다. 우선 <타이밍>에서는 ‘꿈’이라는 장치를 활용해 현실과 꿈을 오가는 환몽구조 플롯을 형성하며, 현실과 가상의 시․공간을 치환시키고 있다. 그리고 이 과정에서 주인공의 자아성찰과 성장을 그리고 있다. 작품 속 ‘꿈’이 가지는 함의는 시간과 공간으로 이루어진 세계가 객관적인 실체가 아닌 우리의 마음과 연계되어 인간이 세계를 바라보는 형식이라는 동양의 불교사상, 서양의 칸트이론과 연계되는 지점이 있다. 또한 작품에서 ‘기억’이라는 장치는 꿈이 또 다른 현실의 양태로서 존재하고, 현실과 가상의 시․공간이 치환되는 전제조건으로서 작용한다. 박자기가 자신의 꿈을 기억해내는 순간에야 비로소, 그녀의 끔찍했던 꿈은 가상으로 존재할 수 있는 것이다. 작품 속 기억의 의미는 삶의 지속 관점에서 과거와 현재를 연속시키는 매개로서 기억에 대해 연구한 베르그송의 이론과 연계되는 지점이 있다. 결과적으로 <타이밍>에서는 또 다른 가능성을 가진 현실을 경험하는 통로로 꿈이, 그 꿈을 현실과 연속시키는 매개로 기억이 설정된다. 작품에서 보여주는 현실과 가상의 시․공간 혼재양상은 가상의 개념이 현실에 내포된 또 다른 현실로서의 잠재성일 수 있다는 인식에서 비롯되는 것이다. 그리고 작품에서 그려지는 현실과 가상의 복잡한 관계는 결국 우리가 살아가는 현재에 대한 관심을 반영이라고 할 수 있다.

Now, as reality is virtualized and virtuality is realized, the perception that mixes up reality and virtuality is rendered in various ways through several visual media. The mixup of reality and virtuality also appears in Timing, a webtoon. In this thesis, I focus on the ‘dream’ and ‘memory’ of Park Ja-ki, the character from the webtoon Timing to see how the relationship between reality and virtuality is delineated in the work. First of all, ‘dream’ appears as the medium for experiencing reality as actuality and reality as possibility. Since the complex circuit between reality and dream or vice versa builds on the relationship between reality and virtuality and on their mediation by dream, one sees that the entire plot of the story has a structure that is similar to an illusory framework. We can link it to the Buddhism and Kantian idealism in that dream as virtuality implies potentiality as another reality. Also, ‘memory’ is a major premise for Park Ja-ki being able to exist as another aspect of reality. Not until Park Ja-ki remembers her dream can her horrifying dream exist as virtuality. In this sense, one may associate the meaning of memory in the work with the Bergsonian idea of time in which he argues time as continuum between past and present is consciousness that has derived from memory.