Earticle

This reflection aims to explore the foundations, limitations, and necessity of fashion semiotics, beyond the inertia that still binds it to a mere reinterpretation of Barthesian legacy. On the contrary, fashion semiotics reveals its compelling and contemporary relevance when it is considered in light of the explanatory power granted to a language too often relegated—for commercial reasons or societal conventions—to a marginal or reductionist role, rather than being acknowledged as an active part of present-day expression in all its forms. These include, notably, gender relations, political implications, the dynamics of possible and impossible relations in the context of digital interfaces, the dialectic between conjunctive tensions and the condemnation to disjunction. Desire and resistance will be the two key terms guiding us through this unaligned reinterpretation.

This essay conducts a study of the relation or interaction between body and mind in the nineteenth century novels Dr. Jekyll and Mr. Hyde and The Picture of Dorian Gray. The focus here is on the moral issues raised by the interaction between body and mind, in particular, between body and desire and on the evolutionary issues raised by the transformation and mutation of the body observed in the novels. It seems that Charles Darwin's evolution theory changed not only the ontological status of the people, but also writers' concept of morality. A sense of morality had been deeply rooted in the unconsciousness of the Victorian people for a long time, but the theory began to pull down the solid wall of the moral consciousness. Gray's and Jekyll's attitudes toward life have degenerated slowly but surely. In a sense, the driving force of evolution comes from each individual's desire to survive. The desire is so influential to humans' and nonhumans' lives that it works as a fundamental power sustaining them in social, cultural, and natural environments. Each individual's desire interacts with his or her body in a certain way, which in return responds quickly to the desire. Besides the generally accepted notion that humans are faithful to the instinct and desire, the other law of nature that exercises influence over them is Darwininan evolution to survive, reproduce, and thrive, regardless of morality, in any social and cultural environment. As examined in this essay, nevertheless, it is well revealed in Dr. Jekyll and Mr. Hyde and The Picture of Dorian Gray that Jekyll and Gray seem to live on, simultaneously suffering from, and struggling against, the immoral desires and laws.

본 연구는 데카르트의 『정념론』을 중심으로 욕망(désir/desire)개념을 분석하고, 그 이론적･실천적 함의를 검토하고자 한다. 데카르트는 욕망을 관찰 가능한 생리적인 혹은 기계적인 운동의 결과물로 파악한다. 데카르트에게는 윤리학이 없다는 일반적인 이해와 달리 『정념론』은 윤리학적 기획의 산물이라고 할 수 있는데, 그는 여기서 영혼의 힘, 즉 자신의 의지를 통해 단호히 결단할 수 있는 능력을 누구나 갖고 있음을 자각시킬 수 있는 근거들을 제시하려고 노력한다. 이 과정에서 우연적이고, 수동적이기에 인간의 이성과 자유에 위배된다고 생각하였던 정념은 기존의 부정적 관점을 넘어서 자기보존이라는 일반적 원리로 승격된다. 반면 실천철학적인 차원에서 데카르트는 기존의 종교적 질서와 스토아주의적 윤리관을 답습하면서 근대적 사유체계와 기존의 윤리학적 질서가 충돌하는 양상을 보여준다. 그의 욕망관은 인간 본성에 대한 자연과학적 태도가 기존의 전통적 윤리관과 결합될 때 어떠한 한계를 가질 수 있는지 압축적으로 보여준다.

This treatise is to show Which the concept of desire of Descartes has theoretical and practical meaning concerning with his The Passion of the Soul. Descartes understands that desire is a physiological or mechanical process and its products. People says that Descartes does not have ethics. But His The Passion of the Soul can be called the result of ethical project. He tries to present the foundation that every people can make their mind to do with their will. Usually passion is understood to be accidental and be not consistent with reason and freedom. So passion is regarded as to be overcome. But Descartes appreciates that passion has the universal principle of self-preservation. Nevertheless his ethical position seems to follows the religious doctrine of the middle ages and the traditional ethics of Stoa. From this cause his philosophy is said to includes the conflict between modern thought and traditional value. Especially His view of Desire intensively reveals that natural scientific attitude to desire has a philosophical problem linked with traditional ethics.

본 논문은 20세기 현대인들이 가지고 있는 물질적 욕망의 알레고리와 판타스마고리아에의해 지배되는 모더니티의 세계들을 좀 더 가까이 살펴볼 수 있지 않을까라는 호기심에서부터 출발하고 있다. 왕안이의 장한가를 중심으로 물질적 욕망의 알레고리를 해석함으로써인민 대중들이 속물적 주체가 아니라 역사의 공간에서 자본주의적 신화를 용해하는 주체적타자로서 가능성을 가질 수 있는지 밝히는 것을 목적으로 한다. 모던 상하이라는 도시 위에닿는 풍유자의 각기 다른 시선들은 사회주의 국가로 30년 동안 잠재되어 있던 중국 인민들의자본주의적 욕망을 여실히 보여준다. 미스 상하이 미인대회나 고급아파트 앨리스에서 나타나는 욕망의 도착현상들은 인물들이 미시 파시즘에 길들여지도록 만든다. 이러한 작동원리에 종속되어버린 속물적 주체의 욕망들은 문혁기간을 넘어 여전히 지속되고 있었다. 그러나 1930 년대 모던 상하이와 문혁기간의 상하이를 거치면서 개인이 자본주의적․물질적 욕망에 종속되는 과정을 실제로 겪었던 왕치야오는 상품자본주의의 거짓된 신화를 알아차린다. 폐허가 된파사주들이 더 이상 신화가 아닌 자기파괴의 알레고리라는 것을 깨닫고 신화의 공간을 조용히 해체하려고 노력한다. 그러나 근대도시 공간에 형성된 판타스마고리아의 환상에서 벗어나지 못한 속물적 주체 꺽다리에 의해 살해당하고 만다. 이로 인해 자본주의적 근대성과 물질적욕망에 길들여진 속물적 주체들을 주체적 타자들로 바꾸려는 그녀의 파사주 프로젝트는 실패하고 말았다. 그렇지만 우리는 꺽다리의 행위를 통해 사용가치를 전부 상실하고 모든 것을 교환가치로만 바라보는 속물적 주체의 자기몰락행위를 읽을 수 있다. 타자적 주체로 대변되는왕치야오에 대한 살인행위는 ‘현대적 신화의 자기파괴에 대한 알레고리’일 것이다. 이 안에서우리는 주체적 타자로서 노력한 왕치야오의 잠재된 혁명적 에너지와 그 가능성을 충분히 찾을 수 있었다. 이런 독법을 통해 자본주의 소비사회의 거짓된 신화를 알고 근대성에 대한 변증법적 인식의 전환을 할 수 있을 것이다.

This article starts curiosity about allegory of desire and phantasmagoria that the moderns have these in 20th century, modernities world have been managed by allegory of desire and phantasmagoria. I have been analyze material desire's allegory by focus of WhangAnEe's Changhenge. the people is not snobocracy subject but independent the others in historical space. can they have a possibility that they melt capitalistic myth? this article's subject is explain the meaning of a possibility of independent the others. urban's different perspectives show chinese capitalistic desires in modern shanghai, chinese have this desire in socialistic state during 30 years. It has been showed desire's perversion situations in ‘miss shanghai beauty tournaments’ or high class apartment ‘Alice’, these situations accustom characters to micro-fascism. snobbery people have been subordinated by this mechanism, there desires are keeping over the Red-Revolution but Whangchiwyao know falsity myth of commodity capitalism who experience subordinated process from material & capitalistic desires during from 1930' modern shanghai to Red-Revolution Shanghai. she know ruined passage not myth but self-destruction allegory and try to dismantle myth's space silently but she killed by a gangling guy who has phantasmagoria's fantasy in modern urban space. she tried to turn snobbery subjects in capitalistic modernity & material desire into independent the others but her passage project make a failure. but I can read snobbery subject's self-destroy action through gangling guy's action. the murdered action about Whangchiwyao as independent the other is allegory about self-destroy of modern myth. I can find Whangchiwyao's revolutionary energy and possibility as independent the other. I can know false myth of capitalistic consumption society and change of dialectical recognition through this reading.

철학사에 있어 많은 오해들처럼 에피쿠로스의 쾌락과 욕망이라는 개념도 대비 와 강조를 통한 지나친 단순화에 의해 왜곡되었다. 에피쿠로스의 쾌락과 욕망은 탐닉과 난봉과는 거리가 멀었지만 그렇다고 금욕주의에 가까운 것도 아니었다. 이 글은 에피쿠로스의 쾌락과 욕망이라는 두 개념의 의미를 그의 원전을 중심으로 분 석하고 그것이 현대인들의 쾌락·욕망관과 어떻게 다른지 살펴보는 것을 목적으로 한다.이를 위해 제 2절에서는 에피쿠로스의 쾌락과 고통 개념을 분석한다. 고통으로 부터의 해방이라는 쾌락 개념은 자연학적, 인식론적인 이론에 근거하고 마음의 동 요와 불안이 없는 자족의 상태를 말하며 행위 주체의 뛰어남 특히 실천적 지혜와 긴밀하게 연결되어 있다는 사실을 보인다. 쾌락은 동적·정적 쾌락, 육체적·정신적 쾌락의 구분이 있는데 이 중에서 정적이고 정신적인 쾌락이 우선한다는 점도 보인 다.제 3절에서는 그의 욕망 개념의 구조를 살펴본다. 욕망은 자연적 욕망과 공허한 욕망이 있는데 자연적 욕망은 다시 필연적 욕망과 필연적이지 않은 욕망으로 나눠 지고 필연적 욕망에는 다시 행복을 위한, 몸의 휴식을 위한, 삶 자체를 위한 욕망 의 세 가지가 있다는 점을 보인다. 제 4절에서는 라파엘 울프가 제시한 사례를 중심으로 에피쿠로스의 욕망과 쾌락 개념이 현대인들이 생각하는 것과는 달리 금욕주의도 탐닉주의도 아니며 일정 한 객관적 기준을 제시하는 체계를 전제로 하지 않고 오히려 쾌락은 그 쾌락을 느 끼는주체에 따라 질과 양이 달라진다는 점을보인다. 그에 있어 진정한쾌락을 추 구하는 것은 각 개인이 실천적 지혜를 얼마나 갈고 닦았는가 하는 점과 밀접하게 연관된다. 따라서 에피쿠로스 윤리학은 행위 중심의 윤리가 아니라 인간 중심의 윤리의 차원에서 이해되어야 한다고 주장한다.

Epicurean concepts of pleasure and desire, like many other concepts, have been misunderstood through oversimplification. The concepts are far from overindulgence or dissipation as well as asceticism. In this essay, I analyze the meanings of pleasure and desire in Epicurus according to his writings, and compare them with those of modern times. For these, I analyze the concept of pleasure in Epicurus in chapter two. Pleasure as freedom from agony is based on Epicurus' physical and epistemological theories, and it means a state of self-satisfaction without disturbance or anxiety. It is closely related to virtue(aretē), especially, practical wisdom. Pleasure could be divided into kinetic pleasure(hēdonē kinētikē) and static pleasure(hēdonē katastēmatikē) on the one hand, and physical pleasure(aponia) and mental pleasure(ataraxia) on the other hand. Among the various combinations of these, Epicurus prefers static mental pleasure. In chapter three, I investigate the structure of desire. It has two kinds, empty desire and natural desire. The latter has two kinds again: necessary and non-necessary. Necessary desire is divided into three: desire for happiness, for bodily rest, and for life itself. In chapter four, I show that Epicurean concepts of desire and of pleasure do not involve dissipation as well as asceticism and that its quality and quantity, without any objective standard, depend on its subject who feels them. Seeking a true pleasure is related to how an individual person builds up his or her character with practical wisdom. Epicurean ethics, therefore, should be understood on the horizon of man-based ethics not of act-based ethics.

식물유래담은 꽃이나 나무, 풀의 외양 및 생태에 대한 호기심으로 출발 한 설화의 일종이다. 변신담으로서 식물유래담은 그동안 모종의 실패담으 로 이해되어 온 경향이 있다. 그러나 제대로 발화되지 못한 변신자의 욕 망에 주목하여 이야기들을 다시 듣고 읽어보면, 식물유래담은 단순히 욕 망이 좌절되어 죽음에 이르는 이들의 이야기가 아니다. 오히려 여성의 입 으로 전해지는 여성들의 이야기로서, 오히려 발 붙이고 살 곳 없던 존재 들이 욕망의 관철과 의지를 통해 식물의 몸으로 땅에 뿌리내리는 모습을 담고 있다. 우선 <할미꽃의 유래>, <며느리밥풀꽃의 유래> 유형은 어머 니이자 딸로서, 시어머니이자 며느리로서 ‘가족 되기’의 과정에서 갈등을 겪고 식물로 환생하는 이야기들이다. 이 이야기들은 구연의 도입부에서 꽃의 외양을 묘사하며 시작하며, 꽃의 작명에도 외양과 직관적으로 관련 된 표현이 들어가 있다는 점에서 ‘외적 형상화’의 문제와 관련된다. 다음 으로 <능소화 생긴 내력>, <백일홍 전설>은 연인의 무관심과 모종의 착 오로 인해 더 이상 기다림을 수행할 수 없게 된 여인들이 죽어 꽃이 되는 이야기들이다. <등나무가 된 자매>와 더불어 일련의 서사들은 식물의 생태적인 면모까지도 이야기 속에 녹여내어 구연해왔음을 보여준다 이러한 경향의 연원은 여성과 남성 간 사랑의 결실로서 재생산이라는 생태적인 결합이 좌절되는 양태가 식물의 생태와 관련되어 이해되어 온 경향에 있 다. 다만 남성 화자의 구연이 서사 속 여성 인물들의 결말을 다소 절망적 으로 그리는 반면, 여성 화자의 구연이 공감과 슬픔을 바탕으로 공동체적 으로 향유된다는 점에서 식물유래담은 여성의 못다이룬 욕망의 표현으로 서 이 세계에 뿌리 내린 대안적 삶을 상상하는 서사로서 다룰 수 있다.

A plant-derived story is a kind of narrative that started with a curiosity about the appearance and ecology of flowers, trees, and grass. As a transformational story, plant-derived stories tend to be understood as some kind of failure story. However, if we listen to and read the stories again, paying attention to the desires of the transformers who have not been properly ignited, the story of plant-derived stories is not simply a story of people whose desires are frustrated and die. Rather, it is a story of women told through the mouth of women, and rather, it contains a scene where beings who had no place to live are rooted to the ground with the body of a plant through the fulfillment and will of desire. First of all, the types “The Origin of Halmi Flower” and “The Origin of Daughter-in-law’s Rice Grass Flower” are stories of being reborn as plants after conflict in the process of “being a family” as a mother and daughter, as a mother-in-law and a daughter-in-law. These stories begin with a description of the appearance of a flower at the introduction of the oral story, and are related to the problem of “external imagery” in that the naming of the flower contains expressions that are intuitively related to the appearance. Next, “The History of Trumpet Creeper” and “The Legend of Baek Il-hong” are stories of women who are no longer able to wait due to their lover's indifference and some kind of error, die and become flowers. A series of narratives, along with “Sisters Becoming Wister,” show that even the ecological aspect of plants has been melted into the story and narrated. The origin of this trend is the fruit of love between women and men, and the pattern of frustrating the ecological combination of reproduction has been understood in relation to the ecology of plants. However, plant-derived stories can be treated as narratives that imagine alternative lives rooted in this world as an expression of women’s nailed-down desires, while the male narrator’s narrative depicts the ending of female characters in the narrative somewhat hopelessly.

이 글은 문단에서 주목받지 못한 유미주의와 악마주의를 주장했던 노월 임장화(이하 임노월) 작품을 악마성보다 욕망에 초점을 맞추어 그 가치를 새롭게 독해하고자 한다. 임노월은 당대 계몽성이 짙은 다른 작가들과 달리 시대가 요구하는 문학에서 벗어나 오로지 예술성, 즉 유미주의만을 추구한 작가로 알려져 있다. 작품에 드러난 ‘태도’와 ‘감각’의 문제를 사상이나 이즘이라는 논리적인 측면이 아닌 욕망의 문제로 기존 연구와는 다른 시각으로 접근하고자 한다. 시대와 문단이 요구했던 문학관에서 벗어난 임노월의 작품을 기존의 악마성과 유미주의적인 관점으로 분석한 연구를 토대로 ‘악’의 개념을 ‘욕망’의 차원으로 작품을 분석하고자 한다. 또한 임노월 소설에 주를 이루는 인물을 분열증적 인물로 보고 소설 결말에 나타난 비극적 죽음이 내포하는 모순성을 욕망의 문제와 결부시켜 이해하고, 욕망의 차원에서 결정된 잔혹한 결말을 생성적 차원으로 고찰해보는 것을 목표로 한다.

This study analyzes the value of the work by No-wol Im Jang-hwa (hereinafter referred to as Im No-wol), who argued for aesthetics and demonism that were not noticed in the paragraph, through Del£z's theory. Unlike other works with deep enlightenment of the time, Im No-wol's work as writer is one that deviates from the literature demanded by the times and pursues only artistry, or aesthetics. Rather than the thorough logic shown in the work, he focused on "attitude" and "sense" to claim an aesthetic spirit. This paper would like to analyze this literary museum through dismantling reasons. Based on a study that analyzed Lim No-wol's work, which was largely out of the literary museum demanded by the times and paragraphs, from a previously demonic and aesthetic point of view, this research analyzes the work in the dimension of "desire." In addition, the main character of Im No-wol's novel is a divisive figure, and this research was conducted to understand the contradiction of the tragic death at the end of the novel by linking it to the problem of desire. The goal is to consider the brutal ending determined in terms of desire at a generative level. This research analyzes Im No-wol's work, which did not betray the romanticism of aesthetics and literature, in terms of desire and creation, and explore his literary beliefs that expressed the concept of "Neutron" with a creative sense despite the atmosphere of his time.

이 글은 대진의 윤리사상의 구조와 수욕달정론(遂欲達情論)을 살펴보는데 목적이 있다. 이를 위해 논자는 먼저 대진 윤리사상의 형이상학적 토대가 되는 천도(天道)와 인도(人道) 그리고 인성(人性)의 관계를 살펴본 다음 윤리사상 형성의 기초가 되는 이욕일원론(理欲一元論)과 인의예지론(仁義禮智論) 그리고 윤리적 행위의 기준 및 방법이라 할 수 있는 지인용(智仁勇) 등을 차례로 살펴본다. 마지막으로 대진 윤리사상의 결론이라고 할 수 있는 수욕달정론과 그 의의를 찾아보려 한다. 대진의 윤리사상은 일반 백성들의 생존권 보호와 사회적 불평등의 비판을 강조한 점에서 송명성리학과 차별성을 갖는다. 그는 강희 건륭시대를 살아가면서 성리학적 윤리사상에 근거한 통치계층의 횡포를 보았고 그것을 자신들의 방패막이로 삼는 것도 보았다. 이로부터 그는 정주학자들이 주장한 금욕주의적 윤리사상을 반대하였고 그들의 윤리사상을 일종의 주관적 의견에 불과하다고 주장했다. 대진은 도덕이란 사람들의 욕망을 이루게 해주고 감정을 충분히 발휘하게 하는 것이지 욕망과 감정을 억압하고 소멸시키는 것은 아니라고 생각했다. 그래서 사람이 자신의 욕망과 감정의 상황에 미루어 다른 사람의 상황을 헤아려 간다면 이것은 어떤 일을 처리하든 주관적 의견에 따라 처리하는 것은 아니지만 만일 실제 상황에 근거하지 않고 리(理)만 찾는다면 이러한 리(理)는 개인의 의견이 아닐 수 없다는 것이다. 아쉬운 점은 대진이 절욕(節欲)의 방법과 수양방법 및 그 기준을 말하지 않았던 점이다. 그가 욕망과 감정을 긍정하고 앞세우는 주장 속에는 그것을 조정할 아무런 방법이 언급되어 있지 않다. 그렇다고 하더라도 대진의 윤리사상은 날카롭게 당시 통치계층을 비판하고 서민층을 대변하고 있다는 점에서 그 가치는 과소평가 되지는 않는다. 이 점에서 우리는 대진 윤리사상의 시대적 의의를 찾을 수 있을 것이다.

DaiZhen's moral thought differs from SungMing Neo-Confucianism in that it emphasizes the protection of the people's right to life and the critique of social inequality. As he lived in the K'ang-hsi、Ch'ienlung period, he saw the tyranny of the ruling class based on SungMing Neo-Confucianism, and saw they use it as their shield. For this reason, he opposed the ascetic philosophy of SungMing Neo-Confucianism and argued that their ethical thought was nothing but a subjective opinion. DaiZhen thought that morality was not to impulse and extinguish desires and emotions, but to fulfill people’s desires and make them exercise emotions fully. Unfortunately, DaiZhen did not specify how to regulate desire, how to foster it, and the criteria. In his assertions of desire and emotions, there is no mention of any way to adjust them. Even so, the value of DaiZhen's moral thought is not underestimated in that it criticizes the ruling class at that time and represents the ordinary people. In this regard, we can find the historical significance of DaiZhen’s moral thought.

[목적] 본 연구는 발달장애 청소년 보호자의 운동 프로그램 욕구를 파악하고 그 의미를 분석 및 고찰하여 이를 바탕 으로 소비자 중심의 장애인 운동치료 프로그램의 방향성을 수립하고자 기획되었다. [방법] 이를 위하여 발달장애 자 녀를 둔 보호자들을 대상으로 심층인터뷰를 진행하였으며 수집된 자료에 대한 귀납적 범주분석을 시행하여 분석하 였다. [결과] 내용분석 과정을 통해 발달장애 자녀를 둔 보호자들이 경험한 재활 운동, 재활 운동 프로그램에 대한 인식, 참여 의향 등에 대한 11개의 주제가 도출되었으며 발달장애 자녀의 보호자로서 느끼는 운동 프로그램, 재활 운 동 프로그램의 필요성, 발달장애인 재활 운동 프로그램의 현재에 대한 3개의 범주로 분류할 수 있었다. 소비자 중심 의 장애인 운동치료 프로그램을 만들기 위해서는 첫째, 특성을 이해하고 그에 맞게 프로그램을 구조화해야 하며 둘 째, 발달장애 청소년들이 재활 운동에 참여하는 것이 매우 중요하며 보호자들 역시 그 필요성을 느끼고 있다는 것을 인지해야 한다. 마지막으로 참여를 저해하는 요소들을 인식하고 다방면으로 고려를 해야 한다. 이러한 관점에서 본 연구 결과가 발달장애인의 재활치료 현장에서 활용될 수 있다고 판단된다.

[Purpose] This study was planned to establish the direction of exercise therapy programs for people with disabilities which focused on user-oriented based on investigating, analysing, and consideration of desires of exercise programs for guardians who has youth children with developmental disorder. [Method] For the purposes, in depth-interview were implemented to guardians who had youth children with developmental disorder. Inductive categorical analyses were implemented to analyse the data. [Result] From the process, eleven themes were derived which were experienced by guardians of youth children on rehabilitation exercises, recognitions of rehabilitation exercise programs, intention of participation, etc. And those were categorized in three part which were feelings of exercise program as guardians who have youth children with developmental disorder, necessity of rehabilitation exercises, and present situation of rehabilitation exercise programs. To establish user-oriented therapeutic exercise program for person with disability, first, the program need to be structured based on understanding of characteristics. Second, we have to recognize that the guardians are understanding the necessity of participation and they realize it is very important.

Pinter's play, Old Times, having its own peculiar characteristics, defies any easy categorization into either traditional drama or absurd drama. It can be said that Pinter's plays can and/or cannot be considered one of these two dramatic modes. His unique aesthetic form represents a world governed by the principle of “undecidability”. The linguistic and psychoanalytical perspective of Jacque Lacan provides a very effective approach for unravelling the structural cause of the absurdity of human life as captured by Pinter. From a Lacanian point of view, Pinter's work deals essentially with absurd human conditions in terms of the basic relationships between human subjects and language, that is, the ontological alienation of man as a signifier. Old Times deals with the birth and splitting of the human subject in the most basic part of Lacanian theory, in which a stable dichotomy is impossible. By contemplating the original relationship between the unconscious and language, Pinter shares psychoanalytic concerns about the human condition, and creates a new mode of drama, which is different from other contemporary plays. As Pinter forgrounded subtext, Lacan in his work wished to explore the unconsciousness of human desire and described the intrapsychic realms of the Imaginary, the Symbolic and the Real. Viewing Old Times through Lacan's desire theory, which exhibits Lacan's concept of “objet petit a”, that humans seek in others, this study examines the way in which the characters refuse the fixed gaze of the audience, critics, etc and seem to be reborn. One often reads about the Other, but here, the otherness is within ourselves.

이 연구는 베르나르도 베르톨루치 감독이 자신의 영화 속 인물들의 결핍 및 억압된 욕망 그리고 욕망의 충족과 표출을 어떠한 방식으로 시각화하는지를 살펴보는 데 목적이 있다. 이를 위해서는 한두 작품에 국한된 분석이 아닌 베르톨루치의 작품 전반에 대한 분석을 통해서 공통적으로 시각화하고 있는 주제와 이미지를 살펴보고, 영화 속 인물들의 억압되고 결핍된 욕망의 충족과 표출이라는 기의를 어떠한 기표의 의미작용을 통해 완성하는지 그리고 그것을 어떻게 시각화하는지를 논한다. 이에 필자는 베르톨루치의 영화를 연출 시기와 영화적 주제와 소재에 대한 감독의 관심 변화에 따라 초, 중, 후기로 구분하고 그의 대표작 중 초기의 작품에서는 <순응자(1970)>와 <파리에서의 마지막 탱고(1972)>, 중기의 작품에서는 <마지막 황제(1987)>와 <리틀 부다(1993)>, 후기의 작품에서는 <몽상가들(2003)>을 중심으로 분석을 진행하였다. 그 결과 베르나르도 베르톨루치 감독의 초기 작품에서부터 후기 작품에 이르기까지 수많은 작품에 걸쳐 관통하고 있는 특징은 영화 속 인물들의 무의식에 내재하고 있는 억압된 욕망의 결핍과 그 욕망의 표출 및 자아 주체성의 혼란, 진실에 대한 외면과 직시 그리고 근친상간적인 성적 충동 사이에서의 표류와 오이디푸스 콤플렉스의 시각화라 할 수 있다. 이러한 억압되고 결핍된 욕망의 표출은 등장인물들의 대사나 행동을 통해서 표현되기도 하지만 영화에서 주제를 표상하기 위해 반복적으로 제시되는 이미지인 라이트모티프를 통해 미장센 함으로써 상징적으로 드러내며 시각화하기도 한다. 특히 그의 작품에서 공통적으로 많이 활용하고 있는 이미지는 바로 거울에 비친 이미지, 즉 반사성 이미지라 할 수 있다. 거울의 반사성 이미지의 상징적 의미는 작품 전반에 걸쳐 공통적인 함의를 나타내기도 하였지만 작품에 따라서 이중적이거나 상반되는 의미를 내포하기도 하였다. 따라서 본 연구는 베르톨루치 감독이 꾸준하게 작품 전반에 걸쳐 극 중 인물들을 통해 전달하고자 하는 주제인 결핍 된 욕망의 충족 및 표출과 주체성의 완성이라는 기의를 거울과 반사성 이미지라고 하는 기표를 통해 시각화하고 있다는 것을 규명한 것에 의의가 있다.

This study aims to examine how director Bernardo Bertolucci visualizes the deficient and repressed desires, and the fulfilment and expression of desires through the characters in his films. To this end, this study analyzed the overall works of Bertolucci, to examine the themes and images that are commonly visualized in his works, and discussed how the signifier, fulfilment, and expression of the characters' repressed and deficient desires are completed through the signification of the signifier and how they are visualized in his films. Accordingly, the author divided Bertolucci’s films into early, middle, and later stages according to the period of direction and changes in his interest in cinematic themes and materials. Among his representative works, the analysis focused on his early works <The Conformist (1970)> and <Last Tango in Paris (1972)>, his middle works <The Last Emperor (1987)> and <Little Buddha (1993)>, and his later work <The Dreamers (2003)>. The results showed that the characteristics penetrating through numerous of his early to later works are the visualization of the deficiency of repressed desires inherent in the unconscious of the characters in the film, the expression of those desires and the confusion of subjectivity, the drift between ignoring and facing the truth, the incestuous sexual impulse, and an Oedipus complex. Although these suppressed and deficient desires are expressed through the dialogues and actions of the characters, they are also symbolically revealed and visualized by mise-en-scène through leitmotif, which are images that are repeatedly presented to symbolize the themes in films. In particular, the image commonly used in his works is the image reflected in the mirror, that is, the reflective image. The symbolic meaning of the reflective image of a mirror has a common meaning throughout his work, but it may have double or contradictory meanings depending on the work. Therefore, this study is meaningful in that it revealed that the themes of the signified, the fulfilment and expression of the lacking desires, and the completion of subjectivity, which Bertolucci continuously intends to convey through the characters throughout his works, are visualized through the signifier; the mirror and reflective images.

The purpose of this paper is to analyse what political desire is embedded in the main characters' love in Dido Queen of Carthage. Especially it will be interesting to observe how the contemporary Elizabethan English politic context is connected with the love scenes of the play. This play does not simply present the conflict between love and duty, but the conflict between Aeneas's colonialism to rebuild Troy and Dido's desire to attract European hero. What is important is that the conflict between African and European culture represented by the love of Dido and Aeneas does not only justify the imperial desire but reveal the injustice of the imperial desire and the disaster it causes. It is raised as Aeneas's heroic aspects decline and Dido's heroism rises. This play seems to emphasize the importance of gods' will and the fortune of the country rather than individual desire. Aeneas follows Jupiter's order and leaves Dido to found Rome. It seems to designate that his duty is much greater than the love with a woman. This view makes it possible to insist that Dido's love is not noble but vain and foolish. Dido and her love become just a means for Aeneas to complete his noble duty. However, we can find another desire through the subversive elements in this play. It is the desire to challenge God, to suspect the monarch's authority, and to value the individual and the other. This desire is revealed in the sense that Dido obtains the typical Malovian heroism, and in the sense that the gods are portrayed comically and absurdly. Dido becomes the symbolic means to resist the European imperialism, representing exploited Africa.

본 연구는 유식불교의 ‘변계소집성(遍計所執性)’과 라캉의 ‘상징 계(the Symbolic)’가 ‘심상(心像, saṃjña)’이 언어화되는 양상을 설명 하는 주요 개념이라는 점에 주목하여, 문화를 형성하는 메커니즘에 있어서 인간의 욕망은 어떤 역할을 하며 그 양상은 어떠한지에 대해 논의하고자 한다. 욕망의 극복을 통해 해탈에 이르고자 하는 유식불교와, 욕망 그 자 체의 활약을 분석함으로써 심리현상을 설명하고자 하는 라캉의 이론 은 인간의 욕망에 대해 각기 다른 관점을 보이고 있다. 유식불교는 기 본적으로 욕망에 의해 형성된 모든 결과를 번뇌로 규정한다. 따라서 이것을 소멸시키기 위한 방법으로써 수행을 제안한다. 반면 라캉은 인간이 태어나서 성장하는 과정을 상상계에서 자연스럽게 상징계로 진입하는 것으로 본다. 상징계를 받아들이지 못하고 상상계에 머물러 있을 때 건강하지 못한 상태가 된다는 것이다. 이 때 정신분석가의 역 할이 요구된다. 인간의 욕망은 일상적인 삶을 살아가는 데 중요한 원동력이 될 수 있다. 인간은 언어를 통해 자신의 욕망과 타인의 욕망을 조율하면서 공동체의 규칙 및 문화를 형성하며 살아간다. 하지만 두 이론이 보여 준 바와 같이 욕망의 본성을 간파하지 못하고 욕망의 결과에 집착하 거나 고착화되어 있을 때 번뇌가 생겨나고 병적인 상태에 이르게 된 다. 인간은 자신의 언어로 표현된 욕망의 내용을 스스로 분석할 수 있 을 때, 그는 자신의 욕망을 조율하여 타인과 조화로운 삶을 살 수 있 게 될 것이다. 이것이 유식불교가 제시하는 수행의 효과이며 라캉이 보여준 바와 같이 상징계 속에서 건강한 언어생활을 할 수 있는 방법 일 것이다.

This article is a study analyzing the role and aspect of desire forming the culture. For that I focus on the concept of Yogācāra Buddhist ‘parikalpita-svabhāva’ and J. Lacan’s ‘the Symbolic’ explaining how the image(saṃjña) is verbalized. There is difference in perspective between Yogācāra Buddhism showing the way to nirvana by overcoming desire and the theory of J. Lacan explaining the phenomenon of mind by analyzing the activity of desire itself. All the results of desire are regarded as affliction in Yogāgacāra Buddhism. So Yogāgacāra Buddhism suggest the practice as way to extinct affliction. On the other hand J. Lacan thought the process in which man is born and develops as that in which man goes from ‘the Imaginary’ to ‘the Symbolic’ naturally. When man stays on the ‘the Imaginary’ without receiving ‘the Symbolic’, he comes to be unhealthy. So he needs psychoanalyst’s help. I think that the desire can be a driving force for ordinary life of human beings. Harmonizing the desire between himself and others, man makes living with forming the culture and rule of community. However when man does not look into the nature of desire and clings to the result of that, he comes to be a diseased sate as two theories show. When man is able to analyze the content of desire expressed by his own language, he may live with other people harmoniously. I think that this is the effect of practice as shown by Yogāgacāra Buddhism and this is the way to make healthy language life in ‘the Symbolic’ by J. Lacan.

본 연구는 애니메이션 시리즈“토이 스토리”의 주인공을 비롯한 다른 캐릭터들의 성격 변화 양상에 대해 연구한다. 성격의 변화에 따라 욕구 변화도 분석하며 성격과 욕구의 변화가 있었다면 어떻게 달라졌으며, 그 이유가 무엇인지 연구한다. 분석도구는 에니어그램의 날개이론과 매슬로우의 욕구 5단계 이론을 사용한다. 이렇게 두 가지의 도구를 이용해 분석된 결과로 캐릭터의 성격 변화 양상을 파악할 수 있었으며 앞서 연구하였던 ‘슈렉 시리즈’ 연구와의 비교분석도 가능했다. 분석된 결과는 캐릭터들이 처하는 환경이나 새로운 상대방의 등장으로 인해 성격 변화의 양상을 볼 수 있었다. 성격의 변화와 함께 욕구의 변화도 볼 수 있었는데 하위욕구가 충족되어지면 상위욕구로 변화하였다. 하지만 적대감을 보이는 상대방 캐릭터들은 순차적으로 충족되어야 하는 욕구위계를 무시하고 하위 욕구가 결핍된 상태에서 상위 욕구를 충족하려는 경향이 나타났다.

The purpose of this study is to look into the pattern of changes in characteristics of characters, including the hero of "Toy Story", an animation series. This study presents an analysis of the changes in desire based on the changes of characteristics, examine the pattern of changes if there was any change in characteristics and desire, and looks into the reason. For the analytical tool, the Enneagram wing theory and Maslow's Need Hierarchy Theory were used. Based on the results of the analysis which was conducted by using those two tools, the pattern of changes in the characteristics of the characters could be determined and analyzed through comparison with the study related to Shrek Series which was researched previously. The results of analysis suggested the pattern of changes in the characteristics which arose from the environment surrounding the characters or the emergence of new other counterparty characters. The changes in the desire could be observed, along with the changes in characteristics. The lower desire was found to shift to higher desire when the lower desire was fulfilled. However, the counterparty characters which show animosity had a tendency of attempting to fulfill the higher desire with the lower desire remaining unfulfilled while ignoring the hierarch of desire that needed to be fulfilled successively.

본 논문은 연구자가 직접 제작·연출한 영화 작품의 창작 과정을 탐구한 실기기반 연구(PBR, Practice Based Research)이다. 단편영화 <응시(Gaze)>는 타인을 훔쳐보고자 하는 인간의 욕망적 시선을, 주체이자 동시에 타자인 극 중 인물과 관객의 시선을 통해 시각화함으로써 인간이 지닌 내재적이고 양가적인 욕망을 탐구한 작품이다. 본 연구의 목적은 창작 과정에서 시각화된 인물의 결핍되고 억압된 욕망, 그 욕망을 충족하는 과정에서 발생하는 내적·외적 갈등, 그리고 인물을 타인의 시선으로 응시하는 관객의 욕망을 분석하는 데 있다. 이를 위해 주체의 욕망과 타자의 욕망이 어떻게 교차하는지를 정신분석학 이론을 바탕으로 고찰한다. 인간의 내면에 결핍과 억압 속에서 무의식에 자리하는 욕망은 때로 의식적으로 표출되거나, ‘전위(displacement)’ 과정을 거쳐 외면화된다. 이러한 욕망은 타인에게 피해를 주지 않는 범위에서 자기만족의 형태로 충족되기도 하지만, 때로는 자기 만족적이고, 폭력적이며 타인에게 해를 끼치는 방식으로 발현되기도 한다. 이와 같이 결핍된 욕망의 충족 과정은 객관적 진실을 왜곡하거나 은폐할 수 있으며, 이에 따라 진실을 파악하기 위해서는 주관적 시선에서 벗어나 관조적 태도를 유지하는 것이 필요하다. 이러한 문제의식 아래, 본 연구는 인간의 양가적 욕망과 주체·타자의 시선을 시각화하는 과정을 다음과 같이 고찰하였다. 첫째, 극 중 인물을 응시하는 타자인 관객의 시선을 시각화한 이미지의 상징적 함의를 지그문트 프로이트와 자크 라캉의 정신분석학, 그리고 베르톨트 브레히트의 ‘소격효과(Verfremdungseffekt)’ 이론을 통해 분석했다. 둘째, 극 중 인물이 지닌 양가적 욕망의 시각화를 색채가 내포하는 감성적 이미지를 중심으로 분석했다. 셋째, 욕망의 현실적 한계를 공간의 개방성과 폐쇄성이라는 상반된 공간적 특성을 통해 분석했다. 넷째, 사전제작, 제작, 후반제작의 단계로 나누어 전체 제작 과정과 캐릭터 및 공간 연출, 그리고 내재적 욕망의 시각화 과정을 분석했다. 본 연구는 주체이자 동시에 타자인 인간 욕망의 시각화 과정을 심층적으로 탐구함으로써, 시각화 연출에 대한 실천적·이론적 통찰을 제시한다는 점에서 의의를 지닌다. 다만, 분석의 초점이 시각화된 이미지에 맞춰져 있어 촬영 및 편집 과정에 대한 기술적 분석에는 한계가 있다.

This study is a practice-based research (PBR) project that examines the creative process of a film directed and produced by the researcher. The short film <Gaze> explores the ambivalent and intrinsic nature of human desire by visualizing the voyeuristic gaze—the urge to observe others—through the perspectives of both the on-screen character, who embodies the dual position of subject and Other, and the audience. Grounded in psychoanalytic theory, the research analyzes the protagonist’s repressed and deficient desires, the conflicts arising in their pursuit, and the desires projected by the audience. It examines how the desires of the subject and the Other intersect and become visible. Rooted in lack and repression, these desires may surface consciously or through displacement, manifesting in harmless self-satisfaction or in narcissistic, violent, or harmful behaviors toward others. Such dynamics can distort or obscure objective truth, necessitating a contemplative stance beyond subjective viewpoints. The study employs four analytical approaches: (1) interpreting the symbolic meanings of images visualizing the spectator’s gaze—as the Other—through the psychoanalytic theories of Freud and Lacan, alongside Brecht’s concept of the Verfremdungseffekt (alienation effect); (2) analyzing the emotional symbolism of color in expressing the protagonist’s ambivalent desires; (3) investigating spatial metaphors of desire’s limits via openness and closure; and (4) examining the filmmaking process from pre-production to post-production, focusing on character direction, spatial design, and the visualization of latent desire. By critically exploring the visual articulation of human desire—where the subject is simultaneously the Other—this research offers a practice-informed and theoretically grounded perspective on cinematic visualization and directorial methodology. However, since the analysis centers primarily on visual interpretation, it has certain limitations regarding technical aspects of cinematography and editing.

The purpose of this paper is to apply René Girard's model for the triangle of desire for Hard Times. Girard in his book argues that persons would possess the desire forced by mediators in society and that the desire can be shown through a triangle structure including subject, desire and mediators. If we apply the theory of Girard for Hard Time, Girard's relational geometry diagrams show the relations among Louisa, Mr. Gradgrind, Bounderby, Rachael and Blackpool. The application of Girard for Hard Times reveals another interesting aspect of the industrialized Coketown people's attitude toward marriage and divorce. The abortive struggle to get divorce of the characters, Louisa and Blackpool, shows why Bounderby as a mediator obstructs the achievement of desire of the characters wanting to divorce.

본 논문은 근대 초기인 1910~1930년대 자탄가 중 사별을 제외한 남편의 부재를 다룬 5편의 가사를 연구 대상으로 하였다. 이 시기에는 시대적 영 향으로 남편과의 이별을 다룬 작품들이 집중적으로 출현한다. 작품 속 서 사의 전개와 정조, 화자의 태도 등에서는 이질적 요소들이 혼재되어 나타 나는데, 화자가 내면화한 규범과 감정이 마찰하는 상황을 반영한 결과이다. 작가들은 남편과의 이별을 맞닥뜨리며 느낀 감정을 직설적으로 표현 하면서 자기 존재 및 자기감정을 존중해줄 것을 호소한다. 그리고 부부간 정을 환기하며 육체적 욕망의 결핍을 직접적으로 표현한다. 그리하여 남 편에 대해 동반자로서 함께하며 늙어갈 것을 기대한다. 당대에 근대적 부부 담론의 영향으로 자탄가 작가들은 좀더 수평적이 고 친밀한 관계를 전제로 남편을 향한 기대와 정서적 교감 및 육체적 욕망을 직접적으로 표현한다. 이러한 점에서 1910~1930년대의 자탄가는 가사 작가들의 부부관계에 대한 인식의 변화를 보여준다.

This study examines five jatanga composed between the 1910s and 1930s that deal with the absence of husbands, excluding cases of bereavement. During this period, works portraying separation from husbands appeared intensively, reflecting the socio-historical circumstances of the time. In terms of narrative development, emotional tone, and the speaker’s attitude, these works reveal a mixture of conflicting elements. This reflects the tension between internalized traditional norms and the speaker’s personal emotions. The authors express, in relatively direct terms, the feelings they experienced in confronting separation from their husbands, while appealing for recognition and respect for their own existence and emotions. In particular, they perceive their husbands not merely as patriarchal authorities but as companions, expressing a desire for a lifelong partnership. Furthermore, they emphasize conjugal affection and articulate, with notable directness, the deprivation of physical desire. Situated in the early modern period, the ideological gap between husbands and the female authors appears to widen even further. Under the influence of emerging modern discourses on marriage, the authors articulate expectations toward their husbands on the premise of a more horizontal and intimate relationship. They actively give voice to emotional communion and physical desire. In this respect, the jatanga of the 1910s to 1930s reveal a shift in the authors of gasa’ perceptions of marital relationships.

본고의 목적은 코스가드의 ‘반성적 승인’ 개념에 주목하여 통일사상 가치론에서 제기될 수 있는 규범성 논의를 고찰하는 것이다. 통일사상에 따르면 인간은 자유의 지에 따라 가치를 실현하는 존재다. 그런데 인간이 자유의지를 갖기 위해서는 자아 의식을 바탕으로 자신의 욕망을 반성하는 ‘반성능력’이 요구된다. 따라서 통일사상 의 구조 안에서 인간의 가치판단 과정은 자신의 욕망을 반성하는 자기 반성적 과정 을 포함해야 한다. 그러나 반성 능력을 갖는 존재에게 어떤 규범성이 주어질 때 “왜 그래야만 하는가?”라고 하는 규범성 물음이 제기된다. 이는 통일사상 가치론 안에서 도 제기될 수 있는 문제로, 통일사상은 이러한 규범성 논의에 대해서 답을 제공할 수 있어야 한다. 인간은 자신의 욕망에 따라서 가치판단을 내리기에 앞서 자신의 욕망이 승인될 수 있는 욕망인지 반성하는 ‘반성적 승인’의 절차를 거친다. 본고는 코스가드의 논의 를 활용하여 자기모순에 빠지지 않고, 어떤 욕망이 반성적 승인을 통과하기 위해서는 ‘보편상’과 ‘전체목적’에 기반해야 한다는 점을 논증했다. 인간이 가치를 추구할 수 있는 존재라는 사실은 인간이 갖는 보편상에 의해서 도출되는 것이므로 보편상 과 전체목적을 배반하는 욕망의 추구는 스스로 자신의 가치 추구의 근거를 부인하 는 자기 모순적 행위다. 즉, 통일사상의 구조 안에서 보편상과 전체목적에 우선성을 둬야 한다는 주장은 반성 능력을 갖춘 인간이 자기모순에 빠지지 않고 행위하려면 반드시 보편상과 전체목적에 근거해야 한다는 주장으로 재해석할 수 있다. 마지막으 로 본고는 통일사상의 관점에서 코스가드의 논의가 ‘심정을 근원으로 하는 통전적 인간성’에 의해 보완될 때, 보다 구체적이고 포괄적인 윤리체계로서 정립될 수 있다 고 제안한다.

The purpose of this paper is to examine the discussion of normativity that can be raised within the Theory of Value of Unification Thought, focusing on Korsgaard’s concept of “Reflective Endorsement.” According to Unification Thought, human beings are entities that realize value through free will. However, to possess free will, a “reflective ability” to deliberate on one’s own desires based on self-consciousness is required. Therefore, within the structural framework of Unification Thought, the process of human value judgment must involve a self-reflective process of evaluating one's desires. However, when a normative demand is presented to a being endowed with reflective ability, the “normative question”—“Why should I?”—is inevitably raised. This is a problem that can also emerge within the value theory of Unification Thought, which must be able to provide a sufficient answer to such questions of normativity. Before making a value judgment based on desire, humans undergo a procedure of “reflective endorsement” to determine whether that desire is worthy of approval. Utilizing Korsgaard’s framework, this paper argues that for a desire to pass reflective endorsement without leading to self-contradiction, it must be grounded in the “Universal Image” and the “Whole Purpose.” Since the very fact that humans can pursue value is derived from the “Universal Image” they possess, pursuing desires that betray the “Universal Image” and the “Whole Purpose” is a self-destructive act that undermines the foundation of one‘s own pursuit of value. In other words, the claim that priority must be given to the “Universal Image” and the “Whole Purpose” can be interpreted as: for a reflective human being to act without falling into self-contradiction, their actions must necessarily be based on these two concepts. Finally, this paper suggests that from the perspective of Unification Thought, Korsgaard’s discourse can be established as a more specific and comprehensive ethical system when it is complemented by the concept of ‘holistic humanity rooted in Shimjung (心情).’

21세기 한국 사회는 계층 이동의 경직화와 자본 불평등의 심화 속에서 ‘회귀’와 ‘대리 욕망’이 핵심 동력으로 작동하는 서사물이 대중적 인기를 얻고 있다. 본 연구는 이러한 현상을 전통 환몽 서사의 관점에서 이해하 고자, 조선 후기 대표적 환몽소설 􋺷구운몽􋺸과 현대 회귀물 드라마 <재벌 집 막내아들>의 서사 구조를 비교·분석하였다. 특히 두 작품의 서사를 ‘입몽 전-몽중-각봉 후’로 구성되는 환몽 구조로 재구성하여, 고전의 구 조가 현대 서사에 어떠한 방식으로 계승·변용되었는지 고찰하였다. 연구 결과 􋺷구운몽􋺸과 <재벌집 막내아들>은 모두 현실 세계의 결핍을 꿈·환상·회귀라는 가상 공간에서 보상하는 구조를 공유하며, 욕망 충족의 메커니즘이 서사 전개를 주도한다는 공통점을 보였다. 􋺷구운몽􋺸에서는 성진·양소유의 이중 서사를 통해 불교적 윤회관에 기반한 욕망의 충족과 깨달음이 이루어지는 반면, <재벌집 막내아들>에서는 윤현우·진도준의 서사를 중심으로 미래 기억이라는 특권적 정보 비대칭을 활용한 자본 권력 획득이 핵심 욕망으로 작동한다. 그러나 현대 회귀물은 고전 환몽 서사가 지녔던 성찰성과 초월성의 구조를 충분히 계승하지 못하고, 자본 권력 체제 안에서 욕망 충족의 감각적 쾌감에 머무는 한계를 드러낸다.

In twenty-first-century Korean society, where class mobility has become ingreasingly rigid and economic inequality has intensified, narratives driven by “regression” and “vicarious desire” have gained significant popular appeal. This study examines this cultural trend through the lens of the traditional Korean drema-journey narrative by comparing the narrative structures of the late Joseon dynaty novel Kuunmong and the contemporary regression drama The Youngest Son of a Chaebol Family. By reconstruction both works within the classical dream-journey framework-comprising the stages of pre-dream, in-dream, and post-awakening-this study investigates how the structural principles of the traditional genre have been inherite and transformend in modern storytelling. The analysis reveals that both Kuunmong and The Youngest Son of a Chaebol Family share a compensatory narrative mechanism in which the deficiencies of reality are addressed sithin a virtual space of dreams, fantasy, or regression. In Kuunmong, desire is fulfilled through the dual narrative of Seongin and Yang Soyu, ultimately culmingting in enlightenment informed by Buddhist concepts of reincarnation. In contrast, The Youngest Son of a Chaebol Family centers on the dual identity of Yoon Hyun-woo and Jin Do-jun, whose acquisition of captitalist power is driven by privileged access to future knowledge-an extreme form of informational asymmetry. However, unlike the classical dream-jounery narrative, which leads to introspection and transcendence, the modern regression narrative fail to fully inherit this reflective dimension and remains comfined within the logic of capitalist power, reducing desire fulfillment to sensory gratification.

기형도 시의 수사적 특성은 영화 미학의 핵심 개념인 미장센(mise-en-scène), 특히 언어 외적 연출 방식인 셔레이드(charade)에 기반한다. 그는 위반의 상상력을 통해 시어를 낯설게 배열한다. 그리고 이질적 이미지의 충돌을 유도하여 시적 파열을 연출한다. 이는 기형도가 새로운 존재 양식을 구축하는 방식이다. 본고는 이러한 수사적 특성을 신체, 소 도구, 공간 셔레이드의 세 층위로 유형화하여 고찰하였다. 신체 셔레이드는 클로즈업과 스틸 프레임을 통해 손, 입, 혀 등 특정 부위를 왜곡된 사물로 부각시켜, 굴절된 욕망과 존재 불안을 시각화한다. 소도구 셔레이드는 딥 포커스, 오버래핑 등의 기법을 통해 외투와 모자에 방어적 상징을 덧입힌다. 이로써 외투와 모자는 결핍된 존재가 현실의 위협에 맞서기 위해 둘러쓴 시적 갑옷으로 기능한다. 공간 셔레이드 는 플립 프레임, 수직 반전, 몽타주 기법을 통해 ‘땅/공중’의 위계를 전복하고, 고정된 질서 를 해체한다. 이를 통해 폐허의 지상은 허공의 무대로 전환되며, 존재는 현실의 고정된 질서에서 탈주하여 질적 전환이 이루어지는 시공간으로 옮겨간다. 이처럼 기형도 시의 미장센 시학은 셔레이드 기법을 통해 절망을 희망으로 전환하는 시적 계기를 마련한다. 시적 셔레이드는 이질적 이미지가 만들어내는 미학적 긴장 속에서 불안정한 존재 상태를 낯설게 드러낸다. 특히 정지된 순간과 파편화된 장면은 현실의 위계 와 통념을 교란하며, 그 틈에서 존재론적 질문을 제기한다. 셔레이드 기법을 통해 제기된 이러한 질문은, 새로운 존재 방식을 사유하고 형상화해 나가는 수사적 동력이자, 기형도가 독자적인 시적 미학을 구축하는 기반이라 할 수 있다.

The rhetorical characteristics of Gi Hyeong-do’s poetry are grounded in the cinematic concept of mise-en-scène, particularly in the non-verbal staging technique of charade. Through an imagination of violation, he arranges poetic language in a defamiliarized manner and induces collisions between heterogeneous images to produce poetic rupture. This rupture functions as a threshold through which Gi constructs new modes of existence. This study classifies these rhetorical characteristics into three layers of charade— the body, props, and space—and explores each in detail. Bodily charade employs close-up and still-frame techniques to render specific body parts—such as hands, mouths, and tongues— into distorted objects, thereby visualizing displaced desire and existential anxiety. Prop charade utilizes cinematic devices like deep focus and overlapping to inscribe defensive symbolism onto coats and hats, which serve as poetic armor donned by the deprived self in an act of self-defense against the threat of reality. Spatial charade uses flip frames, vertical reversals, and montage to overturn the spatial hierarchy between “ground” and “air,” disrupting the order of fixed coordinates. Through this spatial inversion, the ruined ground is transformed into a stage suspended in the air, and the self is relocated to a space of qualitative transformation beyond the constraints of reality. In this light, Gi Hyeong-do’s poetics of mise-en-scène offers a poetic moment in which despair is transformed into hope through the technique of charade. Poetic charade visually reveals unstable states of existence through the aesthetic tension generated by heterogeneous images. In particular, still moments and fragmented scenes disrupt conventional hierarchies and norms of reality, thereby raising ontological questions. Evoked through the technique of charade, these questions serve as a rhetorical impetus for contemplating and shaping new modes of being, ultimately forming the foundation of Gi Hyeong-do’s distinctive poetic aesthetics.