Earticle

본 연구는 문화복지의 개념, 현황, 경향성, 그리고 과제에 대해서 살펴보고, 바람직한 문화복지를 위한 음악예술의 과제가 무엇인지에 대해서 함께 생각할 수 있는 동기를 부여하고자 하였다. 사회의 발전과 더불어 야기되는 강력범죄의 증가, 학교폭력, 사회 노령화 등과 같은 여러 가지 현상은 복지문제 특히, 문화복지의 중요성을 증대시켰다. 문화복지는 넓은 의미로 모든 국민의 문화적 욕구를 이끌어 내고 격에 맞는 문화서비스를 제공함으로써 보다 질 높은 삶을 누리게 한다 뜻을 가지고 있다. 또 좁은 의미로는 소외계층을 대상으로 이들의 문화욕구를 이끌어 내고 그에 맞는 문화서비스를 개발, 제공하는 것을 의미한다. 우리나라의 문화복지는 문화체육관광부, 교육과학기술부, 보건복지부 등의 정부 측면과 그 산 하 기관인 한국문화예술교육진흥원이나 각 지방자치단체, 문화재단, 복지시설 등을 중심으로 개 발 및 운영되고 있다. 그러나 아직까지 양적팽창과 실적위주의 사업이 문제점으로 지적되고 있다. 따라서 우리나라의 문화복지가 올바른 모습으로 정착하기 위해서는 첫째, 양적으로 팽창된 사 업들을 점검하고 다듬어 내실화를 추구해야 한다. 둘째, 다문화 사회 및 노령화 사회에 걸맞은 문화복지 프로그램이 개발되어야 한다. 셋째, 사회계층 또는 세대 간의 갈등을 풀 수 있는 문화 복지 프로그램이 개발되어야 한다. 그리고 마지막으로 문화예술 교육에 종사하는 전문가들의 문 화현상 및 문화복지에 대한 인식의 전환과 더불어 정책에 대한 적극 참여와 문화복지가 필요한 현장에서 희생과 나눔을 실천하는 자세가 필요하다.

This study aims at examining the concept, current status, trends and tasks of cultural welfare in order to provide the motivation for everyone to think about what the tasks for musical art as desirable cultural welfare are. There are various results accompanying the development of society such as the increase of violent crimes, school violence, and aging societies. This has increased the importance of the welfare issue, and in particular, that of cultural welfare. Cultural welfare, in the big picture, refers to bringing out the cultural desire of the entire nation and to provide suitable cultural services so that the people may enjoy a higher quality of life. More narrowly, it refers to bringing out the cultural desires of the more alienated class and to develop and provide cultural services fitting to it. Korea's cultural welfare is being developed and operated by government institutions such as the Ministry of Culture, Sports and Tourism, Ministry of Science, Education and Technology, and the Ministry of Health and Welfare, as well as other organizations such as the Korea Arts & Culture Education Service, and provincial organizations, cultural foundations and welfare facilities. However, there are still being problems pointed out above the business that focuses on quantitative growth and performance-based projects. Therefore, in order to establish proper cultural welfare in Korea, it is first necessary to inspect the quantitatively grown projects and take necessary measures to make the sustainable. Second, cultural welfare programs fitting to the multi-cultural and aging society must be developed. Third, cultural welfare programs that can resolve conflicts between social classes and generations must be developed. And lastly, there needs to be a change in the mindset of on cultural phenomena and cultural welfare among experts who work in culture and arts education, while also having an attitude for practicing sacrifice and sharing in places where cultural welfare is needed, not to mention more positive participation related to policies.

서울시 무상급식 지원범위에 관한 주민투표를 시작으로 최근 대선 공약에 이르기까지 가장 논란이 되는 것이 복지와 관련한 정책과 제도이다. 문화정책에서도 ‘문화복지정책’이 삶의 질’ 제고가 중요해지고 있는 정책기조와 맞물려 양적, 질적으로 다양한 변화를 겪으며 중요 정책으 로 자리를 잡아가고 있고 예산의 규모면에서 확대되고 있다. 반면 문화복지의 개념과 정책대상, 정책적 지향점에 대한 논쟁은 여전하다. 이러한 논쟁은 ‘문화복지’의 이상적인 모델에 대한 현실 적 정책의 구체화 및 한계와 관련된 문제라 할 수 있다. 이러한 한계에 기인하는지는 모르지만 정부에서 현재 진행하고 있는 문화복지정책과 관련된 각종 사업들은 ‘문화복지’라는 단어가 내 포하고 있는 보편적 성격보다는 협의로서 사회적 약자를 대상으로 하는 정책 위주로만 초점이 맞혀져 있다. 복지정책은 일반적으로 국민 전체를 대상으로 하거나 혹은 사회적 취약계층을 겨 냥하는 이원적인 접근을 시도하여야 하나 문화인프라 건설을 제외한 현재까지 시행되는 거의 대부분의 문화복지정책은 협의의 문화복지에 초점이 맞추어져 있는데 그 대표적인 그 사업이 ‘문화바우처’ 사업이다. 또한 그 궁극적 지향점은 다를지 모르나 일명 ‘문화복지사’ 사업도 문화 바우처 사업의 효율적 운영을 위해 시범사업으로 태생하였고, 현재의 역할에 국한해 본다면 이 또한 협의의 문화복지정책의 일환이라 할 수 있다. 본 연구에서는 선행연구 된 이론적 배경의 바탕 위에 아직 시행되지 않은 예술인 복지법은 제외하고, 문화체육관광부의 문화복지정책 중 문화복지와 관련된 부산문화재단 주요사업의 실 제사례를 이론적 배경의 바탕에서 소개하고, 사업이 가지고 있는 과제와 나아가 과제를 해소할 수 있는 대안까지 제언해 보기로 한다. 다만 본 연구가 발제를 위한 연구이므로 이론적 배경에 한계가 있으며, 추가연구가 있을 때까지 인용을 자제해 주길 바랍니다.

Starting off with the referendum for the range for supporting free school meals in Seoul up to the recent campaign pledges for the presidential elections, one of the most controversial issues are policies and programs related to welfare. Also in cultural policies, together with the policies basis that claims that 'cultural welfare policies' are growing in importance, they are undergoing diverse qualitative changes, becoming established as major policies, and increasing in terms of budget scope. On the other hand. there are still disputes over the concept of cultural welfare, subjects of policies, and policy goals. Such disputes are issues related with the limitations and realistic materialization of policies for the ideal model of 'cultural welfare'. Though it is uncertain whether they contribute to such limitations, the various programs related to cultural welfare policies currently being conducted by the government is focused more on policies for the socially vulnerable, rather than being a universal term of 'cultural welfare'. Welfare policies should be set forth for the entire nation or be attempted from a dualistic approach targeting the socially vulnerable class. However, most cultural welfare policies, excluding the construction of cultural infrastructure, are focused on an agreed-upon cultural welfare, and one representative project is the ;culture voucher' project. Furthermore, while the ultimate goal may differ, the so-called 'cultural welfare giver' program was also created as a test project for the efficient operation of the culture voucher project, and when examining just its current role, this can also be deemed as another agreed-upon cultural welfare policy. Excluding the Artist Welfare Act, which has yet to been executed, on the basis of the theoretical background that was studied first, this study introduces actual cases of major projects of the Busan Culture Foundation related to cultural welfare among the cultural welfare policies of the Ministry of Culture, Sports and Tourism, and examines the tasks of the projects, while suggesting alternatives that could resolve such tasks. However, because this study is for the purpose of proposing a subject for research, there are limitations in theoretical backgrounds, and therefore, I ask that readers refrain from citing this study until further additional research is conducted.

오케스트라 활동을 통한 문화예술교육은 성장시기의 청소년들에게 다양한 경험을 제공함으 로써, 감수성을 발달시키고 잠재된 음악성을 개발하고 창의력을 신장시키는 효과 뿐 아니라, 바 른 인성의 함양과 공동체 활동을 통해 서로를 배려하고 함께 나눌 수 있는 긍정적인 효과를 가져 오게 한다. 2011년 전국의 문화소외지역을 중심으로 초․중․고등학교 65개교의 선정을 시작으로 2012 년 상반기 85개교 추가, 하반기 150개교 추가로 현재 300여개 학교에서 학생오케스트라 사업이 진행되고 있다. 학생오케스트라와 관련한 문화예술교육정책은 교과부에서 진행되어온 공급 중 심의 이전의 사업과 달리 수요 중심에서 진행되었다. 이를 통해 문화소외지역의 학생들이 공교 육 안에서 문화예술을 경험할 수 있는 좋은 기회를 가지고 있다. 본 논문에서는 오케스트라를 통한 문화예술교육의 의미를 찾아보고, 현재 활발히 진행되고 있 는 학생 오케스트라 사업의 실태를 분석하여 그 개선 방안을 논의하였다. 이를 통해 특히 문화소 외지역의 학교를 선정하여 운영되고 있는 학생오케스트라 사업이 앞으로 나가갈 방향을 제시하 였다.

It is clear that the year of 2011 is the very special year in terms of culture and arts education of korean schools. As a matter of fact, in school education, the policy of culture and arts education was not a serious issue before 2011. The student orchestra project has great implication when the project started at 65 culturally underprivileged schools (including elementary, middle, high schools) in 2011, and additionally expanded 235 selected schools in 2012. This policy of culture and arts education through student orchestra project is not based on supply side as was the past policy, and fully based on demand side. Most of all, by acquiring sensitivity education supported by creativity and sensitivity, students of underprivileged regions have good opportunity of experiencing culture and arts within public education, escaped from learning by rote before. The arts education through orchestra activity offers growing students various experiences ,so that students can get benefit by not only developing sensitivity, potential musicality, and creativity, but also developing good personality, and caring and sharing each other through community lives. Especially, in case of student orchestra project, it has significant meaning that schools of culturally underprivileged regions are selected as student orchestra. On the other hand, even though this student orchestra project taken effect for a year has good intention and purpose, there are some room for improvements as follows; First, in order to firmly establish and continuously develop this student orchestra in school, the education ministry should not focus on quantitative expansion of schools like present. Second, proper selection of operating schools is necessary. Third, the standardized manual on the basis of understanding about culture and arts education is necessary. Fourth, for students, the program that can raise artistic sensitivity and proper personality altogether should be needed. Fifth, for the education, it is very important for teachers to have enough qualification and specialty. Teachers, conductors, instructors running student orchestra should develop good qualification and specialty through various and concrete training programs. Sixth, various events and concert should be planned to have more chances for students to play in stages. Seventh, support funds allocated to each school should be effectively used.

본 연구의 목적은 지방자치제 이후 지역축제를 통한 축제브랜드화에 성공적인 성과를 거두고 있는 ‘보령머드축제’와 ‘안동국제탈춤페스티벌’의 성공요인을 분석하여 축제브랜드화의 전략적 방안을 도출하여 지방자치단체의 지역축제 운영에 적용하고자 함이다. 보령머드축제와 안동국제탈춤페스티벌은 성공적인 축제운영으로 2011년 두 축제 모두 대한 민국 명예 대표축제로 선정되었다. 이들 축제의 성공요인을 분석해보면 다음과 같다. 첫째, 지역자체만의 고유한 주제와 지역대표성이 드러나고 있다. 보령머드축제에서는 ‘머드’ 라는 지역자원을 이용하였고, 안동국제탈춤페스티벌에서는 ‘탈춤’이라는 문화자원을 이용하여 축제의 대표성을 드러내고 있다. 둘째, 지역만의 특성화된 프로그램이다. 지역만이 가지고 있는 고유성과 향토성이 반영될 때 특성화된 프로그램이라 할 수 있다. 셋째, 지역의 특성을 살린 연 계상품의 개발이 뒤따라야 한다. 보령머드축제는 보령머드화장품과 관광 상품을 개발하여 지역 경제에 이바지 하고 있다. 안동국제탈춤페스티벌 또한 지역문화관광여행 상품을 개발하여 축제 와의 연계를 구축하고 있다. 넷째, 두 축제 모두 축제와 관련된 문화마케팅 홍보를 강화하고 있 다. 단순한 축제의 홍보뿐만 아니라 관광, 특산물, 브랜드상품 등을 홍보하고 있다. 다섯째, 축제 전반에 걸쳐 축제개최목표에 부합하는 일관성을 유지하고 있다. 축제의 근본취지인 전통문화계 승 및 지역화합 관광객 유치 등 축제전반에 걸친 차별성과 독창성을 일관되게 유지하고 있다. 지역브랜드의 가치를 높이는 것은 지방자치단체의 성장과 관련이 있다. 현재 개최되고 있는 지역축제에 대한 문제점과 과제를 해결하기 위해서는 지역과 지역축제를 브랜드의 시각에서 새 롭게 계획하고 평가하는 작업이 이루어져야 할 것이다. 이를 바탕으로 지역축제가 성공적으로 개최된다면 지역 이미지 제고 및 지역의 경제 활성화에도 도움을 주는 ‘축제브랜드’가 정착 될 수 있을 것이다.

The purpose of this study is to find the strategies of festival branding applicable to the festival management of local governments by investigating factors contributing to the success of two representative local festivals, 'Boryeong Mud Festival' and 'Andong International Mask Dance Festival'. For their successful operation and management, both of the festivals, respectively held in Boryeong and Andong, were all designated as Korea's most honorable festive events in 2011. This study found that the following factors contributed to the success of the two local festivals. First, it is to use native subjects that can reveal local uniqueness. 'Boryeong Mud Festival' utilizes 'mud' that is the most representative natural resource of Boryeong in order to show how the festive event is differential. In a similar vein, 'Andong International Mask Dance Festival' focuses on 'mask dance', a cultural resource that best represents Andong. Second, it is to establish local festivals as programs that are based only on the unique characteristics of their region's own. To be recognized as truly unique programs, local festivals should reflect characteristics native to regions where they are held. Third, it is to develop local products that have something to do with local festivals. In connection with the mud festival, Boryeong mud cosmetics and other tourist goods were developed, contributing to regional economic growth. In Andong, the cultural tours of that region were devised as products that can be connected with the international mask dance event. Fourth, it is to strengthen cultural marketing and sales promotion activities in connection with local festivals. Boryeong and Andong are not only making public relations about their festivals, but also working on the marketing and sales promotion of tourist, special and brand products in relation to the events. And fifth, it is to keep local festivals consistent with their basic goals. The two local festivals have been seeking to achieve basic objectives that local festivals usually have such as the succession of traditional culture, regional coherence and the attraction of tourists, while keeping even more different and even more unique in all aspects than any other local festive events, while Raising the value of local brands is positively related with the growth and development of local governments. Currently, there are lots of local festivals in Korea. Many of them have problems and challenges. To resolve these, those local festive events need to be evaluated and reorganized from the perspective of branding. If this move can lead to successful local festivals, it would help improve the image and economic growth of regions where the festivals are held, firmly establishing the events as local brands.

본 연구의 목적은 디지털 교과서의 개념과 특성을 살펴보고 이것을 바탕으로 초등학교 5학년 음악교과의 디지털 교과서의 인터페이스를 분석하여 디지털 음악 교과서의 개발에 시사점을 제 공하는데 있다. 연구의 대상은 한국교육학술정보원(이하 KERIS)에서 개발한 초등학교 5학년 디 지털 음악 교과서 중, 초등학교 5학년 디지털 음악 교과서의 전통음악 단원을 제외한 서양음악 단원에서 가창 영역 중심 내용의 차시이다. 연구의 내용은 디지털 교과서의 개념과 특성을 정리 하고, 디지털 음악 교과서의 인터페이스를 교수설계․기능․내용적 측면에서 분석을 실시하였 다. 연구의 방법은 초등학교 5학년 디지털 음악 교과서의 서양음악 단원 중 가창 영역 중심의 내용을 포함하고 있는 차시를 대상으로 교수설계적 측면과 기능적 측면, 내용적 측면으로 나누 어 분석하였다. 본 연구 결론은 첫째, 교수설계적 측면에서 디지털 음악 교과서는 체계적인 설계를 가지고 있 었다. 둘째, 기능적 측면에서 디지털 교과서는 다양한 기능을 수용하고 있었다. 셋째, 내용적 측 면에서 디지털 교과서는 학생의 흥미를 끌 수 있는 콘텐츠를 수용하고 있었다.

The aim of this study is to provide implications for development of digital music textbooks, by considering concepts and properties of digital textbook and analyzing interface of it for the fifth grade of elementary school. This study was targeted at the signing(vocal) area of Western music unit of digital music textbook for the fifth-grade students of elementary school excepting traditional music developed by Korea Education Research Information Service(KERIS). For the research, functions and contents of the class containing the signing(vocal) area of Western music unit of digital music textbook for the fifth grade of elementary school were analyzed. The results of this study are as follows. First, digital music textbook had a systematic design, from the perspective of instructional design. Second, digital textbook had a variety of functions Third, digital textbook contained contents to arouse students' interest.

본 연구의 목적은 협동학습이론을 적용한 음악과 창작수업의 구조를 분석함으로써 협동학습 모형 이론이 음악과 수업에 적용되는 방법과 의미를 밝혀 보다 발전된 형태의 음악과 수업 모형 을 만들고 음악과 수업을 발전시키는 데 시사점을 제공하는 데 있다. 연구의 내용은 협동학습 및 수업 모형과 관련된 일반 문헌에 기초하여 협동학습 이론을 정리하고 개념 및 특징에 대해 고찰하며, 협동학습 이론을 적용한 창작 음악 지도안의 구조를 분석하였다. 연구 방법은 협동학습 이론 중 LT, STAD, GI모형을 적용한 창작 음악 지도안을 모둠구성, 학습단계, 학습형태, 활동 주체 및 역할, 활동영역 등의 요소로 나누어 분석하였다. 연구의 결과 로는 협동학습이론을 적용한 수업의 경우 다음의 특징이 있음을 알 수 있었다. 첫째, 모든 수업 에서 구성원의 모둠 활동이 활발히 이루어진다. 둘째, 수업 중 학생이 중심이 되어 활동하는 비 중이 높았다. 셋째, 통합적 교육이 이루어지고 있는 수업이 주를 이루고 있다. 본 연구를 통하여 협동학습 이론의 중요한 요인인 학생 중심, 모둠 활동, 이질적인 모둠 구성 등이 음악과 창작 수업에 적용되어 있다는 사실을 발견할 수 있었다.

For achieving these purposes, this study arranged cooperative learning theories, considered its concepts and characteristics and analyzed the structure of creative music guidance plans that applied the cooperative learning theory, based on normal literature concerning cooperative learning and class model. As a research method, then, this study divided creative music guidance plans that applied LT, STAD and GI models of the cooperative learning theory, into several elements such as grouping, stages of learning, styles of learning, activity subject and role and fields of activity to analyze. The results of this study are as follows. First, in all classes, all members participated in group activities, lively. These group activities helped students create songs with a higher degree of completion than individual activities. During this process, students can exchange their opinions with each other, get over limits of individual capabilities and accept abilities of other members. Secondly, student-centered activities occupied a higher proportion of class. Not the cramming or instructor-led class, the cooperative learning model-based class which assigns lots of roles to students and centers on their activities, can help them complete creative results by themselves, by activating their musical thinking. Third, the integrated education was carried out throughout the music class applying the cooperative learning model. In particular, singing, instrumental music, creation and appreciation that are fields of musical activities, were evenly included in the class for the integrated education. These results demonstrate that student-centered activity, group activity and heterogeneous grouping which are crucial factors of the cooperative learning theory, were applied to the creative music class.

이 연구의 목적은 음악을 전공하는 학생들에게 실시되고 있는 직업교육의 현실을 알아보고 음악분야 직업의 다양화와 새로운 직업군 모색을 위한 교육의 방향을 제시하려는 것이다. 지금까지 음악전문교육을 받는 많은 학생들이 접할 수 있는 교육과정은 대부분 연주자 양성 위주의 교육과정으로 이루어져 왔으며, 이것은 대학마다 차별화되지 못하고 통일화된 교육과정 을 만들어내어 다양한 음악관련직업에 대한 경험을 제공하지 못하고 있는 실정이다. 그러므로 사회의 변화에 따른 음악전문인력의 수요를 인식하고 그에 따른 전문 인력 배치와 음악직업군의 확장이 절실히 필요하다. 이에 본 연구는 음악전공자에 대한 사회적 활동과 직업인으로서의 역할을 감당할 수 있도록 하기 위하여 다음과 같은 대안을 제시하였다. 첫째, 대학 및 중등교육단계에서의 교육과정과 직 업교육에 대한 적극적인 변화와 시도가 필요하다. 이러한 노력의 일환으로 대학에서는 음악과 관련된 직업에 대하여 탐색하는 과정을 이수하도록 제도화가 요구된다. 둘째, 타전공에서 이미 실행되고 있는 산학협력을 통해 현장참여의 기회를 주어 새롭고 풍부한 경험을 제공하는 것이 다. 셋째, 사회에서 활동하고 있는 선배들을 초청하여 멘토링 프로그램을 운영하거나 넷째, 타전 공과의 연계 프로그램을 실시하여 새로운 직업군이 모색되도록 하는 것이다. 다섯째, 예술계 고 등학교에서 현실적인 진로교육과정을 실시하고 여섯째, 사회의 변화에 따른 음악전문인 수요와 요구를 인식하는 일이다. 이러한 작업은 다양하고 독창적인 음악의 컨텐츠를 개발하고 음악전문 인에 대한 수요를 인식하는 것에서부터 시작될 수 있겠다.

The purpose of the study is to research a reality of vocational education for music majors, to suggest new directions of education for diversity of occupations, and seeking new occupational clusters in the music field. Until now, most of the curriculum for music majors is consistent with the training courses for performing artists. It has caused standardized curriculum not to make distinctions and doesn't provide exposure to diverse occupations related to the music field. Through this study, the following suggestions that could accommodate social activities and professional roles for music majors are provided. First, active reform in curriculum and vocational education in colleges and secondary education institutions. The institutionalization that could complete the exploration process of the occupations and professions related to music. Second, the opportunities for field practice with new and rich experiences through industry-academy cooperation should be provided. Third, the operation of a mentoring program with the seniors participating in social activities is a necessity. Lastly, is the need to research new occupational clusters through the programs connected with other majors. This work can be started from developing the contents of diverse and creative music, and recognizing the demand of educated musicians.

본 논문은 18세기 프랑스 희극 오페라인 오페라 코미크의 역사적 변천과정에 대한 연구이다. 보드빌 코메디에서 출발한 오페라 코미크가 프랑스의 국민 오페라로까지 발전하는 과정을 시기 별로 대본가, 작곡가, 작품의 연구를 통해 고찰하였다. 시기 구분은 부퐁논쟁을 중심으로, 크게 부퐁논쟁 이전과 부퐁논쟁 발단에서부터 프랑스 혁명 시기까지의 두 시기로 나누었다. 부퐁논쟁 이후 오페라 코미크는 음악과 주제에서 중요한 변화 를 겪으며 사회 다양한 계층으로부터 호응을 얻게 되었다. 첫째, 음악적인 면에서 루소의 <마을의 점쟁이>를 계기로 새로운 형식의 오페라로 발전하였 다. <마을의 점쟁이>에서는 기존 보드빌 코메디에서 사용하던 대사 대신 새롭게 작곡된 음악이 극 전체에 사용되었고, 작곡가의 역할이 더욱 중요해졌다. 둘째, 대본가에 의해 당시의 사회 분위기를 반영한 다양한 주제의 오페라 코미크가 시도되었 다. 희극적 특징보다는 진지한 사회적 · 정치적 요소를 결합하여 역사극이나 서정적 성격의 오페 라 코미크로 점차 나아갔다.

This study is on the historical development of opéra comique, a genre of French opera that contains spoken dialogue and arias, to evolve as national opera of France, focusing on the works of librettists and composers. Opéra comique originated from vaudeville comedy of the Fair Theatres of St. Germain and St. Laurent in the early 18th century. At that time, the role of librettists were more important than that of the composers as vaudevilles comedy used already existing music for their comic play. From the middle of the 18th century, with the influence of Italian opera and J. J. Rousseau's <Le Devin du village>(1752), composers started to compose original music instead of using existing tunes. This form of opéra comique was often known as comédie mêlée d'ariettes. With librettists, in close cooperation with composers, starting to treat diverse subjects comprising moral obligation, critic on upper class, interest in history, opéra comique as a comédie mêlée d'ariettes changed its comic nature to more serious nature opera incorporating turbulent political and social changes of France. Thus, opéra comique evolved into historical drama or lyric drama, expanding audience in both citizens and the novelty. For the study purpose, the relevant periods are divided into two - before Buffon Quarrel and between Buffon Quarrel and Revolution(1752-1789). The works of the prominent librettists- like Charles Simon Favart, Michel-Jean Sedaine, Jean-Francois Marmontel- and the composers - like Duni Egidio Romoaldo, Francois-Andre Danican Philidor, Monsigny Pierre-Alex-Andre- were studied to find out their cooperation and contribution for treating diverse subjects and experimenting different musical style, to establish opéra comique as national opera style of France.