Earticle

이 글은 한류 혹은 포스트-한류 시대의 대표적인 문화적 표현물이자 상품인 케이팝(K-Pop)의 문화적 지형과 그 ‘생산-분배-소비’를 둘러싼 동학(dynamics)에 대한 시론적인 고찰을 목표로 한다. 우선, 최근 급격히 진행되고 있는 케이팝의 ‘인터 아시아(inter-Asia)화’를 넘어선 ‘탈 아시아화’ 과정은 ‘혼종성(hybridity)' 개념에 대한 보다 집중적인 관심을 요구한다. 대중문화 텍스트로서 케이팝 혹은 한국 대중음악의 지속적인 혼종성은, 문화-경제적 연예산업 시스템으로서 한류의 최근 '글로컬(glocal)' 전략/전술과 상보적 관계를 구축하고 있다. 즉 케이팝은 혼종적인 문화적 텍스트이면서, 동시에 글로벌과 로컬이 복합적으로 상호 작동하는 탈국적인 사회문화적, 경제적 장(field)으로 변모하고 있는 것이다. 한편으로 당대의 케이팝에 대한 고찰은 생산과 유통 과정 뿐 아니라 지금까지 상대적으로 주목받지 못했던 소비의 의미에 대한 고민하게 한다. 맹목적인 팬돔(fandom)을 넘어서는 적극적인 문화적 실천으로서 케이팝의 초국적 소비와 수용의 사례들은, 문화산업으로서 케이팝 혹은 한류에 대한 이해가 단순히 그 생산과 분배/유통에 대한 분석 혹은 그 과정을 둘러싼 담론에만 국한될 수 없음을 보여준다. 정교해지고 대규모화된 케이팝이라는 대중음악 텍스트 혹은 문화산업 구조물은 글로벌-로컬, 혼종성-순혈적 민족주의, 탈국적성-국지성이라는 상반된 문화적 개념과 사회경제적 범주들이 공존하며 뒤섞여 있다. 따라서 생산과 유통에서 소비에 이르는 케이팝의 상호 연관되고 일관된, 하지만 유동적이고 복합적인, 동학에 대한 체계적인 고찰이 요구된다.

As an international cultural sensation since the late 1990s, Hallyu (Korean Wave) has been the center of attention from both academia and media in Korea. While, in a circle of inter-Asia cultural studies, it has been discussed in the context of its socioeconomic and cultural impacts on other East Asian countries including China and Japan, Hallyu has also been presented as an important nationalist marker when promoted by Korean media and the government. Among a variety of the Hallyu items, K-Pop is perhaps the most powerful and popular genre nowadays. As it has gained a huge popularity around and across the border of Asia, K-Pop is transforming the landscape surrounding culture industry and popular culture in and outside of Korea. This paper examines such cultural and socioeconomic landscape of K- Pop while exploring the dynamics of its production, distribution and consumption in the 'post- Hallyu' era. First of all, in order to understand the transnational process of K-Pop production and distribution across and beyond the continental Asia, it is all the more necessary to dig into the notion of hybridity. Continuous hybridity of K-Pop or Korean popular music as a popular cultural text is now interwoven into the recent 'glocal' strategies of Hallyu as a system of cultural and economic entertainment industry. That being said, K-Pop is not only a hybrid cultural text, but also a complex transnational field where 'global' and 'local' interact each other socioculturally as well as economically. On the other hand, an inquiry into contemporary K-Pop makes us pay attention to the meaning of consumption which has been usually overshadowed in comparison to that of production and distribution as far as popular cultural studies is concerned. Several cases of transnational consumption and reception of K-Pop exemplify very active cultural practices beyond blind devotion of typical teenaged fandom to idol stars. It suggests that, in order to understand K-Pop or Hallyu as culture industry, the research should not be confined to simple analysis of its production and distribution/circulation, or the discourse surrounding them. The more K-Pop is elaborated as a cultural text, the bigger it gets in its scale as a construct of culture industry. It is a field where coexist and mingle each other contrasting cultural concepts and socioeconomic categories such as global and local, hybridity and pure nationalism, and transnational and regional. Therefore, it is required to thoroughly examine the interconnected and coherent, but fluid and complex, dynamics of K-Pop from its production and distribution to consumption and reception.

영화 <사이코>는 아직도 서스펜스 스릴러의 최고봉으로 여겨지는 공포영화이다. <사이코>가 이러한 평가를 받게 되는 데에 큰 역할을 한 것이 소름이 끼치게 만드는 배경 음악이다. 버나드 허먼은 <사이코>의 주인공들이 가지는 광기, 강박관념, 영화의 공포스러운 분위기들을 위하여 불협화음과 복조성, 반음계주의, 오스티나토 등 여러 가지 방법들을 사용하였으며, 이러한 방법은 현재까지도 다른 영화 음악가들의 모델이 되고 있다. 영화에서 음악은 매우 중요하다. 영화에서 아무리 배우가 연기를 잘해도 음악이 그 영화의 스토리와 등장인물의 심리를 잘 묘사해주지 못하면 좋은 영화가 될 수 없다. 이러한 면에서 버나드 허먼은 히치콕 감독의 서스펜스 영화를 위한 최고의 영화음악가라 할 수 있겠다.

Anyone would agree that the best director of classic movie is Alfred Hitchcock. About when sound films appeared, <Blackmail(1929)> made him recognized in the field of film making. He also established "Hitchcock Touch" which is a directing method that leads people into anxiety. After mid-1950's, he released masterpieces such as <Vertigo(1958)>, <Psycho(1960)>, <The Birds(1963)> which led him to the time of flourish as a film director. In most of Hitchcock's movies, Bernard Herrmann participated as a music composer. Herrmann composed concert music and film music, of which nine are for Hitchcock's films. Just like Hitchcock was a film master of his time, Herrmann was also a talented composer who used many musical techniques to effectively create a tense atmosphere. This paper will discuss about the kinds of techniques Herrmann used to make psychological suspense and what effects those techniques have throughout Hitchcock's <Psycho> which is a representative horror movie. Herrmann's <Psycho> film score is typical among his works but unique compared to other composer's music. The unique part about this film score is that he only used string instruments. Hitchcock shot <Psycho> in black-and-white for fearful atmosphere, and Herrmann only used string instruments to make harmony with black-and-white screen. He also used the seventh chord, dissonances and polytonality, chromaticism, repetition technique with ostinato to make suspense and horror. Especially, he used small clusters of notes to make audiences fearful and describe the character's suspense. They were developed and transformed throughout the film to connect the events. On the narrative aspect of the film, Herrmann played the same music several times to give a hint to the audiences that a specific situation related to the music will repeat later on. <Psycho> influenced other film music composers as well as Herrmann himself.

본 연구의 목적은 지방자치제 이후 지역축제를 통한 축제브랜드화에 성공적인 성과를 거두고 있는 ‘보령머드축제’와 ‘안동국제탈춤페스티벌’의 성공요인을 분석하여 축제브랜드화의 전략적 방안을 도출하여 지방자치단체의 지역축제 운영에 적용하고자 함이다. 보령머드축제와 안동국제탈춤페스티벌은 성공적인 축제운영으로 2011년 두 축제 모두 대한 민국 명예 대표축제로 선정되었다. 이들 축제의 성공요인을 분석해보면 다음과 같다. 첫째, 지역자체만의 고유한 주제와 지역대표성이 드러나고 있다. 보령머드축제에서는 ‘머드’ 라는 지역자원을 이용하였고, 안동국제탈춤페스티벌에서는 ‘탈춤’이라는 문화자원을 이용하여 축제의 대표성을 드러내고 있다. 둘째, 지역만의 특성화된 프로그램이다. 지역만이 가지고 있는 고유성과 향토성이 반영될 때 특성화된 프로그램이라 할 수 있다. 셋째, 지역의 특성을 살린 연 계상품의 개발이 뒤따라야 한다. 보령머드축제는 보령머드화장품과 관광 상품을 개발하여 지역 경제에 이바지 하고 있다. 안동국제탈춤페스티벌 또한 지역문화관광여행 상품을 개발하여 축제 와의 연계를 구축하고 있다. 넷째, 두 축제 모두 축제와 관련된 문화마케팅 홍보를 강화하고 있 다. 단순한 축제의 홍보뿐만 아니라 관광, 특산물, 브랜드상품 등을 홍보하고 있다. 다섯째, 축제 전반에 걸쳐 축제개최목표에 부합하는 일관성을 유지하고 있다. 축제의 근본취지인 전통문화계 승 및 지역화합 관광객 유치 등 축제전반에 걸친 차별성과 독창성을 일관되게 유지하고 있다. 지역브랜드의 가치를 높이는 것은 지방자치단체의 성장과 관련이 있다. 현재 개최되고 있는 지역축제에 대한 문제점과 과제를 해결하기 위해서는 지역과 지역축제를 브랜드의 시각에서 새 롭게 계획하고 평가하는 작업이 이루어져야 할 것이다. 이를 바탕으로 지역축제가 성공적으로 개최된다면 지역 이미지 제고 및 지역의 경제 활성화에도 도움을 주는 ‘축제브랜드’가 정착 될 수 있을 것이다.

The purpose of this study is to find the strategies of festival branding applicable to the festival management of local governments by investigating factors contributing to the success of two representative local festivals, 'Boryeong Mud Festival' and 'Andong International Mask Dance Festival'. For their successful operation and management, both of the festivals, respectively held in Boryeong and Andong, were all designated as Korea's most honorable festive events in 2011. This study found that the following factors contributed to the success of the two local festivals. First, it is to use native subjects that can reveal local uniqueness. 'Boryeong Mud Festival' utilizes 'mud' that is the most representative natural resource of Boryeong in order to show how the festive event is differential. In a similar vein, 'Andong International Mask Dance Festival' focuses on 'mask dance', a cultural resource that best represents Andong. Second, it is to establish local festivals as programs that are based only on the unique characteristics of their region's own. To be recognized as truly unique programs, local festivals should reflect characteristics native to regions where they are held. Third, it is to develop local products that have something to do with local festivals. In connection with the mud festival, Boryeong mud cosmetics and other tourist goods were developed, contributing to regional economic growth. In Andong, the cultural tours of that region were devised as products that can be connected with the international mask dance event. Fourth, it is to strengthen cultural marketing and sales promotion activities in connection with local festivals. Boryeong and Andong are not only making public relations about their festivals, but also working on the marketing and sales promotion of tourist, special and brand products in relation to the events. And fifth, it is to keep local festivals consistent with their basic goals. The two local festivals have been seeking to achieve basic objectives that local festivals usually have such as the succession of traditional culture, regional coherence and the attraction of tourists, while keeping even more different and even more unique in all aspects than any other local festive events, while Raising the value of local brands is positively related with the growth and development of local governments. Currently, there are lots of local festivals in Korea. Many of them have problems and challenges. To resolve these, those local festive events need to be evaluated and reorganized from the perspective of branding. If this move can lead to successful local festivals, it would help improve the image and economic growth of regions where the festivals are held, firmly establishing the events as local brands.

본 연구의 목적은 협동학습이론을 적용한 음악과 창작수업의 구조를 분석함으로써 협동학습 모형 이론이 음악과 수업에 적용되는 방법과 의미를 밝혀 보다 발전된 형태의 음악과 수업 모형 을 만들고 음악과 수업을 발전시키는 데 시사점을 제공하는 데 있다. 연구의 내용은 협동학습 및 수업 모형과 관련된 일반 문헌에 기초하여 협동학습 이론을 정리하고 개념 및 특징에 대해 고찰하며, 협동학습 이론을 적용한 창작 음악 지도안의 구조를 분석하였다. 연구 방법은 협동학습 이론 중 LT, STAD, GI모형을 적용한 창작 음악 지도안을 모둠구성, 학습단계, 학습형태, 활동 주체 및 역할, 활동영역 등의 요소로 나누어 분석하였다. 연구의 결과 로는 협동학습이론을 적용한 수업의 경우 다음의 특징이 있음을 알 수 있었다. 첫째, 모든 수업 에서 구성원의 모둠 활동이 활발히 이루어진다. 둘째, 수업 중 학생이 중심이 되어 활동하는 비 중이 높았다. 셋째, 통합적 교육이 이루어지고 있는 수업이 주를 이루고 있다. 본 연구를 통하여 협동학습 이론의 중요한 요인인 학생 중심, 모둠 활동, 이질적인 모둠 구성 등이 음악과 창작 수업에 적용되어 있다는 사실을 발견할 수 있었다.

For achieving these purposes, this study arranged cooperative learning theories, considered its concepts and characteristics and analyzed the structure of creative music guidance plans that applied the cooperative learning theory, based on normal literature concerning cooperative learning and class model. As a research method, then, this study divided creative music guidance plans that applied LT, STAD and GI models of the cooperative learning theory, into several elements such as grouping, stages of learning, styles of learning, activity subject and role and fields of activity to analyze. The results of this study are as follows. First, in all classes, all members participated in group activities, lively. These group activities helped students create songs with a higher degree of completion than individual activities. During this process, students can exchange their opinions with each other, get over limits of individual capabilities and accept abilities of other members. Secondly, student-centered activities occupied a higher proportion of class. Not the cramming or instructor-led class, the cooperative learning model-based class which assigns lots of roles to students and centers on their activities, can help them complete creative results by themselves, by activating their musical thinking. Third, the integrated education was carried out throughout the music class applying the cooperative learning model. In particular, singing, instrumental music, creation and appreciation that are fields of musical activities, were evenly included in the class for the integrated education. These results demonstrate that student-centered activity, group activity and heterogeneous grouping which are crucial factors of the cooperative learning theory, were applied to the creative music class.

이 연구의 목적은 플립러닝을 활용한 음악감상수업의 적용이다. 연구의 목적을 이루기 위해 연구자는 이론적 배경을 마련하였다. 이론적 배경에서는 음악감상수업에 관한 고찰, 플립러닝에 관한 고찰, 타교과 수업에서 플립러닝을 활용한 사례를 고찰하였다. 타교과 수업에서 플립러닝을 활용한 사례의 고찰은 연구를 진행하면서 검색한 301편의 타 교과에서의 사례에서 8편의 사례를 엄선한 것이었다. 그리고 연구된 8편의 사례에서 장점만을 선별하였고, 연구결과에서 플립러닝을 활용한 음악감상수업의 설계에 반영하였다. 플립러닝의 수업 기법은 수업 전(교실-밖-학습), 수업 중(교실-안-활동), 수업 후(교실-밖-학습)로 구성하였으며, 음악감상수업은 내용에 따라 음악을 수 용하고 사고하며 음악에 대한 생각과 느낌을 표현하는 단계, 음악적 감수성과 이해와 공감을 바 탕으로 소통 능력을 기르는 단계로 구성하였다. 이를 정리하면 다음과 같다. 첫째, 이 연구는 음 악감상수업이 소극적으로 이루어지고 있는 문제점을 해결하기 위하여 플립러닝 교수 기법을 활 용하였다. 둘째, 플립러닝을 활용한 음악감상수업을 통해 학습자들이 능동적이고 활동적으로 참 여할 수 있도록 적용 방안을 제시하였다. 이에 이 연구에서는 다음과 같이 제언한다. 첫째, 플립 러닝 수업에 적합한 학교 시스템을 갖출 필요가 있다. 둘째, ICT 활용을 위한 교사와 학생의 소양 교육이 이루어질 필요가 있다.

The purpose of this study is to apply flipped learning to music appreciation lessons. For this purpose, the investigator established a theoretical background, which covered music appreciation lessons, flipped learning, and its utilization cases in lessons of other subjects. The investigator came across 301 cases of flipped learning used in lessons of other subjects in the research process and selected eight carefully. Their advantages were identified and reflected in the design of flipped learning-based music appreciation lessons. Flipped learning-based lesson techniques were divided before lessons(learning outside the classroom), during lessons(activities inside the classroom), and after lessons(learning outside the classroom). Music appreciation lessons were organized in two stages: one concerned accepting music and thinking according to content and expressing ideas and feelings about music, and the other concerned the cultivation of communication skills based on musical sensitivity, understanding and empathy. The findings were as follows: first, the study applied the teaching techniques based on flipped learning to solve the problems around passive music appreciation lessons; and second, the study proposed application plans so that students could take aggressive and active part in flipped learning-based music appreciation lessons. Based on these findings, the study proposed a need to install a school system fit for flipped learning-based lessons and provide teachers and students with ICT literacy education to promote their utilization of ICT.

이 연구의 목적은 케이 팝의 음악적 특징을 분석하여 음악교육에 수용 가능성을 탐색하려고 한 것이다. 연구의 주요 내용은 케이 팝의 의미를 문헌을 통해 정리하는 것, 케이 팝의 음악적 특징을 분석하는 것이었다. 연구 대상은 케이 팝이라고 불리는 음악 중 한국인이 만들었고 연주하고 있으며 외국에서 크게 인기를 얻었던 9곡으로 하였다. 분석 내용은 악곡들의 리듬, 가락, 화성적 특성이었다. 연구의 결론은 첫째, 케이 팝은 대중 음악, 유행 음악, 상업 음악으로 분류되지만 음악교육의 목적을 달성하는데 활용할 수 있는 소재가 될 수 있고, 둘째, 케이 팝은 음악교육에서 지도하고자 하는 다양한 음악적 개념을 담고 있는 음악이며, 셋째, 케이 팝은 현재 우리나라의 음악과 관련된 사회나 문화를 설명할 수 있는 좋은 소재라고 볼 수 있다.

The aim of this study is to inquire into the possibility of accepting the K -pop as music education in school by analyzing the characteristics of K-pop. The major contents of this study include arrangement of the meaning of K-pop and analysis of musical characteristics of K-pop. This study set 9 pieces of music ,which were made and played by Koreans and won a great popularity overseas among the music called K-pop, as its research subjects. The contents for analysis were rhythm, melody, and harmonic properties. The conclusions of this study are as follows: First, K-pop is pop music for commercial purposes, but it can be a proper material enough to be applied to achieving the purpose of music education in school. Second, K-pop contains a diversity of musical concepts which music education intends to guide. Third, K-pop is a good material for explaining the current society or culture related to music of our country. In addition, this study makes three suggestions as follows: First, it's imperative for us to look for a plan to narrow the space from the music in the midst of life so that music education can be closely connected with life. Second, it's necessary for us to proceed with the case study so that K-pop can be practically used. Third, this research hopes that there will be developed a plan for K-pop to be used in subject-inclusive class.