Earticle

음악학이 음악을 대상으로 연구하는 학문이라고 한다면, 음악교육학은 음악을 교육적으로 다루는 학문이라고 정의할 수 있다. 음악교육학은 아직 신진 학문 분야이다. 그러므로 음악교육학 영역에서는 아직 연구하여야 할 수많은 과제들이 산재해 있다. 음악을 지도하는 교사들이 음악교육학적인 사고를 기르는 것은 매우 중요하다. 그 이유는 좋은 음악 교사가 되기 위해서는 음악교육적인 사고가 필수적인 요소이기 때문이다. 음악교육적인 사고를 기르기 위해서는 먼저 음악교육학에 대한 이론적 접근이 요구된다. 이러한 점을 염두에 두고, 이 논문은 음악교육학이 하나의 독립된 학문 분야로서 어떠한 기본적인 구조를 갖추고 있는 지를 파악하기 위하여 독일 음악교육학자 놀테(Nolte)가 정리한 음악교육학적 연구와 미국의 음악교육학자 콜웰(Colwell)이 정리한 음악 교수 및 학습 방법의 연구, 그리고 한국의 음악교육학적 사례들을 고찰해 보았다. 이들의 음악교육학적 학문의 구조에 대한 설명은 매우 이론적일 수 있지만, 이러한 이론을 통해서 음악 교육을 연구하는 이들에게 학문적으로 깊이 생각할 수 있는 여지를 제공해 주리라 생각한다.

Music pedagogy can be defined as a science using music educationally while musicology is a science researching for music. Music pedagogy is still a budding field of study. Therefore there are many challenges in music pedagogy to be researched yet. It is very important to cultivate music pedagogic thought for teachers instructing music. Because music educational thought is essential for being a good music teacher. To cultivate music educational thought theoretical approach toward music pedagogy is required first. With this point in mind, this study considered music pedagogic research arranged by German music educationist Nolte and research cases about music teaching and instructional methods arranged by American music educationist Colwell to understand what fundamental structure is made for music pedagogy as an independent field of study. Their description on the structure of music pedagogic study might be very theoretical, however it is thought that it would leave place to make people who research music education think deeply through those theories.

이 논문에서는 학생들의 음악 인지 능력을 향상시키기 위해 음악비평 활동을 활용한 음악과의 교수·학습 프로그램을 개발하였다. 음악비평이 음악 작품과 음악과 관련된 제반 현상에 대한 가치평가를 언어적으로 표현하는 것이다. 음악 및 음악과 관련된 가치평가의 대상에 대한 다각적인 관찰과 사고, 그리고 표현의 경험은 학생들의 소리를 통한 음악적 체험을 다시 경험하게 한다. 또한 음악을 바라보는 시각의 범위를 확대해 줄 수 있다. 이러한 음악비평의 교육적 가치를 실현하기 위해서는 현장 적용을 위한 다양한 연구가 필요하다. 이 연구에서는 비평의 여러 유형, 즉 규칙에 의한 비평, 맥락 비평, 인상주의 비평, 내재적 비평, 의도주의 비평 등을 활용하였다. 학생들에게 비평의 유형을 제시하지 않고 각 유형과 관련된 표현이 이루어질 수 있는 질문을 개발하여 활용하였다. 개발된 프로그램은 음악적 대상에 대한 인지 범위를 확대하기 위해 다양한 시각에서 음악에 대해 접근하여 사고하고, 표현하도록 하였다. 또한 폭넓은 시각의 확대를 위해 수업시간을 통하여 활발한 상호작용이 이루어지도록 유도하였다. 가창, 기악, 창작, 감상 등과 같은 음악활동을 통한 미적 체험이 학생들에게 줄 수 있는 가치는 대단히 크다. 더불어 그들이 경험한 음악의 즐거움과 아름다움의 본질을 탐구하고, 분석하며, 평가하는 활동은 학생들의 음악적 경험을 더욱 가치로운 것으로 만들어 줄 수 있을 것이다.

In this research, I created a music learning and teaching program using music criticism activities. For this program, I researched the musical cognitive abilities which are expected to be improved the most through the musical criticism activities in school. Music criticism is a linguisticexpression about an estimate of music works and the related phenomenon. Estimating music or the music related contents can not only provide musical experiences but also expand the range of the cognition about music to students. In order to realize the educational value of the music criticism need the various researches to apply on the educational field. There are several types of criticism are applied in this research such as rules criticism, context criticism, impressionism criticism, intrinsic criticism, and intentional criticism. Also the questions which are available to express the related music criticismare applied in this research without presenting any type of criticism to students. This program was designed to expend the musical target’s recognition scope, also the musical target could be thought and expressed with the various points of view. Also lively interactions were performed to broaden the scope of view in class. The education value of artistic experiences though activities likes singing, instrumental music, and music creation for students is huge. All the music activities what students were experienced including researching, analyzing, and evaluatingof music would be able to make their experiences more valuable. It seems that the necessity and interests in using criticism in music class are gradually being increased. I expect that students’musical thinking abilities would be improved throuth various theoretical and practical researches on the music criticism as a part of music activities and there would be many discussions on music in our living.

우리가 국공립 극장과 예술단체에 거는 기대는 민간부문보다 월등한 인적, 물적 자원을 기반으로 창작과 향유의 중심 역할과 함께 공공재원의 안정적인 지원을 기반으로 예술성과 공공성을 추구할 수 있다는 점이다. 그러나 우리 국공립극장과 예술단체는 기대와는 달리 전근대적인 운영의 틀 속에서 제 역할을 못하고 있다는 비판을 받아온 지 오래다. 운영 예산이 왜소하고, 그만큼 활동량도 적고, 예술성과 공공성에 관한 비판이 있어왔으며, 관객기반 또한 취약하기 그지없다. 이 연구는 국공립예술단체의 운영혁신을 위한 논점을 단체 내부의 혁신, 전속극장과의 관계재정립 등으로 제시하고 있다. 내부적인 혁신은 예술적 역량 혹은 수준을 높이는 일이다. 이런 일들을 제대로 하기 위해서는 그만큼의 예산도 있어야 한다. 투자가 있어야 예술적 성과도 있는 것이다. 우리 국공립예술단체는 모기관인 극장에 상주, 혹은 전속단체로 있으면서 극장의 프로그램운영이 예술단체 중심이 아닌 극장 중심으로 기획과 대관에 의존하는 비율이 커서 예술단체의 존재감이 매우 미약하다. 예술단체의 예술적 역량이 강화되고 활동도 확대된다면 이제 이런 관행은 역전이 되어야 할 것이다. 모기관인 극장과 국공립예술단체의 관계 재설정을 논할 때 독립법인화 문제도 빼 놓을 수 없다. 물론 법인화를 성공적으로 추진하기 위해서는 활동을 뒷받침할 합당한 예산의 안정적인 지원, 독립성과 전문성을 보장하는 장치의 마련이 가장 중요한 일이다.

We expect that the public arts companies and theaters pursue artistic and public services with creative works based on more plentiful human, material resources and stable public funds than in commercial sectors. Despite of such expectations, however, they have been criticised so long by that they had not played their roll well without enough budgets for artistic activities and enough audience supported base under the premodern operation. This study is to raise some logical points on operational innovation for the public arts companies and theaters through their internal reformation and reconstruction of mutual relation between them. Enhancing their artistic level is one, operating focused on arts companies not on theaters is the other. And the proper financial aid by government will be able to do such innovation. Public arts companies belong to their mother theaters as in-house paid or unpaid ensembles and so their brand value is very low. Even their mother theaters' season programings depend on presenting outside works, not on their own. This customs is to be reversed as long as their artistic level gets higher and their activities becomes more. When we discuss the problems about relation between public arts companies and their mother theaters, we don't have to skip making the companies independent as well. To make the independence successful, it is most important to assist their artistic activity with proper volumes of budgets and guarantee of independent operation.

영화 <사이코>는 아직도 서스펜스 스릴러의 최고봉으로 여겨지는 공포영화이다. <사이코>가 이러한 평가를 받게 되는 데에 큰 역할을 한 것이 소름이 끼치게 만드는 배경 음악이다. 버나드 허먼은 <사이코>의 주인공들이 가지는 광기, 강박관념, 영화의 공포스러운 분위기들을 위하여 불협화음과 복조성, 반음계주의, 오스티나토 등 여러 가지 방법들을 사용하였으며, 이러한 방법은 현재까지도 다른 영화 음악가들의 모델이 되고 있다. 영화에서 음악은 매우 중요하다. 영화에서 아무리 배우가 연기를 잘해도 음악이 그 영화의 스토리와 등장인물의 심리를 잘 묘사해주지 못하면 좋은 영화가 될 수 없다. 이러한 면에서 버나드 허먼은 히치콕 감독의 서스펜스 영화를 위한 최고의 영화음악가라 할 수 있겠다.

Anyone would agree that the best director of classic movie is Alfred Hitchcock. About when sound films appeared, <Blackmail(1929)> made him recognized in the field of film making. He also established "Hitchcock Touch" which is a directing method that leads people into anxiety. After mid-1950's, he released masterpieces such as <Vertigo(1958)>, <Psycho(1960)>, <The Birds(1963)> which led him to the time of flourish as a film director. In most of Hitchcock's movies, Bernard Herrmann participated as a music composer. Herrmann composed concert music and film music, of which nine are for Hitchcock's films. Just like Hitchcock was a film master of his time, Herrmann was also a talented composer who used many musical techniques to effectively create a tense atmosphere. This paper will discuss about the kinds of techniques Herrmann used to make psychological suspense and what effects those techniques have throughout Hitchcock's <Psycho> which is a representative horror movie. Herrmann's <Psycho> film score is typical among his works but unique compared to other composer's music. The unique part about this film score is that he only used string instruments. Hitchcock shot <Psycho> in black-and-white for fearful atmosphere, and Herrmann only used string instruments to make harmony with black-and-white screen. He also used the seventh chord, dissonances and polytonality, chromaticism, repetition technique with ostinato to make suspense and horror. Especially, he used small clusters of notes to make audiences fearful and describe the character's suspense. They were developed and transformed throughout the film to connect the events. On the narrative aspect of the film, Herrmann played the same music several times to give a hint to the audiences that a specific situation related to the music will repeat later on. <Psycho> influenced other film music composers as well as Herrmann himself.

정보통신기술과 미디어의 발전에 따른 매체의 변화는 대중의 문화소비 패턴까지 급격한 속도로 변화시키고 있다. 대중과의 소통을 중시하는 엔터테인먼트 산업 또한 이러한 변화 속에서 다양한 국면을 맞고 있다. 하지만 이런 급격한 변화 속에서도 엔터테인먼트 산업의 핵심인 ‘스타연예인’의 가치가 높아지면서 연예 매니지먼트사는 방송사, 외주제작사, 스타연예인과 함께 방송 콘텐츠의 제작과 유통에서 핵심적 요소를 차지하고 있으며, 엔터테인먼트 산업의 발전에는 다양한 요소가 작용하겠지만, 산업의 속성상 ‘스타연예인’의 상품가치와 매니지먼트사와의 관계는 회사의 경영뿐 아니라 국내 문화산업 전반에도 큰 영향을 미치고 있는 실정이다. 이러한 ‘스타연예인’을 만들고 그들을 통해 수익을 창출하는 매니지먼트 산업은 기업화, 금융화, 세계화를 향하여 꾸준히 발전하고 있으나 여전히 비합리적인 경영 시스템과 불공정 계약의 관행으로 전근대적인 요소를 안고 있는 것이 사실이다. 이에 본 연구에서는 대중문화의 중심에 서있는 국내 대중가수를 중점으로 한국 연예 매니지먼트 산업의 특성과 현황에 대해 조사함으로써 본 산업의 현실을 조명해보고 발전적인 미래를 살펴보는 계기를 마련해 보고자 한다.

The change in media due to development of information and communication technologies rapidly changes culture consumption pattern of the masses. The entertainment industry which values communication with the masses is taking various aspects in the midst of such change. In this rapid change, however, entertainment management companies takes important role in production and distribution of broadcasting contents with broadcasting company, outsourcing production and star entertainer as the value of 'star entertainer', the core of entertainment industry gets higher. Even though there are many elements affecting the development of entertainment industry, the commercial value of 'star entertainers' and their relationship with management company influence on entire domestic culture industry as well as the management of company itself due to the attributes of the industry. The management industry which makes those 'star entertainers' and makes profits from them is gradually developing into incorporation, financing and globalization but still has premodern elements of irrational management system and usual practice of unfair contract. This study, therefore, investigates the characteristics and current state of Korea entertainment management industry centered on domestic pop singers who stand in the middle of pop culture so as to consider the reality of the industry and to look for hopeful future.

본 연구의 목적은 부산지역 구 문화회관의 현황 및 실태를 파악하고 이를 바탕으로 구 문화회관을 활성화하기 위한 방안 제시를 통해 지역문화발전을 모색하는데 있다. 21세기 문화의 시대에 그 중요성이 더욱 강조되고 있는 구 문화회관은 지역민들의 문화 향유 기회를 확대하고 지역예술인들의 문화 창작 의욕을 고취하며 나아가 다목적 복합문화거점으로서 문화 복지를 실현하는 역할을 지니고 있다는 점에서 중요한 의미를 지닌다. 그러나 대부분의 구 문화회관은 비전문적인 인력, 열악한 재정상황, 프로그램 제공기능의 부족, 홍보․마케팅 부족 등으로 인해 활성화되지 못하고 침체되어 있다는 문제가 있다. 부산지역에는 금정문화회관, 동래문화회관, 해운대문화회관, 을숙도문화회관, 북구문화빙상센터 등 5개의 구 문화회관이 있으나 인력의 전문성 부족으로 인한 시설관리 및 대관위주의 운영, 예산부족으로 인한 사업 추진의 어려움, 소극적인 홍보․마케팅으로 인한 지역민 및 지역예술인들의 참여 부족 등의 문제를 지니고 있는 것으로 나타났다. 이에 본 연구는 인력 및 운영주체, 재정관리, 프로그램관리, 홍보 및 마케팅 등의 측면에서 구 문화회관을 활성화하기 위한 다양한 방안들을 모색해 보았다. 이는 보다 많은 지역민들이 구 문화회관을 편안한 공간으로 여기고 보다 많은 사람들이 구 문화회관을 중심으로 소통함으로써 구 문화회관을 통해 지역 문화정체성을 확립하고 나아가 지역문화발전을 도모하기 위함이다.

In 21st century which is called the era of culture, the significance of Territorial Cultural Centers is more emphasized to meet the needs of the times. Especially, Territorial Cultural Centers have significant meanings because they play an important role to expand the chances of cultural enjoyment of regional people, inspire the will to create of regional artists, and be the multi cultural base to realize the cultural welfare. However, most territorial cultural centers seem to have leveled off recently because of many factors like unprofessional staff members, poor financial condition, shortage of the program services, and insufficiency of advertising and marketing. In Busan, there are five territorial cultural centers including Gum-Jung Cultural Center, Dong-Rae Cultural Center, Hae-Un-Dae Cultural Center, Ul-Suk-Do Cultural Center, and Buk-Gu Culture & Ice Center. But these facilities have many problems that impede the original intentions and efficiency of local cultural center. For example, the management of centers focuses on just lending or caring facilities for the insufficiency of the highly skilled staff members. Also, there are difficulties to promote business for the short budget and the participation of regional residents and artists is low for the passive marketing and publicity. In these circumstances, this study aims to search alternative policies to revitalize the territorial cultural centers for the development of regional culture through the examining the actual condition of those centers.