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한국문화관광정책연구원에서 발표한「2005 공연예술 실태조사」에 의하면 연간 공연예술관객이 1,300만명에 이르는 것으로 나타났으나, 관객들이 어떤 부분에 대해 만족 또는 불만족하는지에 대한 정확한 통계 자료가 없는 실정이다. 따라서 이들에 대한 만족도를 측정하는 것은 공연예술기관의 운영을 활성화하는 것을 넘어서서 국민들에게 더욱 더 수준 높은 문화향수기회를 제공할 수 있는 계기를 마련하는 것이며, 국가경쟁력을 높이는 일이기도 하다. 따라서 정기적인 관객 만족도 측정은 대단히 중요한 일이며, 공연 관객에 대한 만족정도를 파악하여 충성도를 높여 나가는 것은 그 무엇보다 필요한 일이다. 그러나 우리나라 공연예술기관의 현실에 맞는 관객 만족도 측정도구가 개발되어 있지 않아 제대로 관객만족 정도를 측정할 수 없었다. 이에 본 연구에서는 70여명의 전문가들로부터 자문을 받아 공연예술기관의 관객만족을 측정할 수 있는 도구를 개발하고, 이 도구를 이용하여 5개 공연예술기관의 관객을 대상으로 조사를 한 결과를 분석하였고, 향후 공연예술기관의 운영활성화와 국민들의 문화적 삶의 질을 높여 나가기 위한 여러 가지 관객 만족도 제고 방안을 제시하였다.

According to the report published by the Korea Culture & Tourism Policy Institute entitled 「2005 Performing Arts Research」, approximately 13 million people went to see performing arts in 2005. However, we do not have any precise statistical figures showing which aspects of the performing arts the audience enjoyed or were dissatisfied with. As such, a study measuring the satisfaction level of the audience will offer a basis not only for injecting new life into the performing arts institutions but also for going beyond it by giving the public an opportunity for enjoying culture of higher standard. Such a study will also contribute to the raising of the competitiveness of the country. Thus, measuring the satisfaction level of the audience on a regular basis is an important undertaking, and strengthening the loyalty of the audience of performing arts by understanding their satisfaction level is indispensable. However, the satisfaction level of the audience could not be properly measured until now because there was no device for measuring such a variable which was also applicable in the context of our country's performing arts institutions. Accordingly, this study has developed a device that is able to gauge the audience satisfaction in performing arts institutions and has employed it to analyze the results of the survey taken among the audience in 5 performing arts institutions. Based on this survey, this study was able to identify the dominant social group in those institutions and suggests new directions to enhance the operations of the performing arts institutions and to raise the level of audience satisfaction. This will in turn help improve the quality of the cultural activities as engaged by the people.

본 연구에서는 오페라 관람객들의 라이프스타일 유형별 오페라 선택의 중요성과 추구편익의 차이를 확인하여, 오페라 시장의 세분화를 통해 차별적 마케팅전략을 제공하는 것이 목적이다. 분석 결과, 오페라 관람객들의 라이프스타일 유형은 ‘자기중심형’, ‘과시성향형’, ‘문화지향형’ 그리고 ‘가족중심형 등 네 가지로 구분되었다. 라이프스타일 유형 가운데 ‘과시성향형’이 이용의 편의성, 작품의 품질 그리고 촉진활동 등 모든 면에서 가장 중요하다고 평가하였다. 또한 추구편익에 있어서는 목적지향형인 경우는 ‘자기중심형’ 라이프스타일이 가장 높았으나, 문화생활 추구형과 여가생활형에서는 ‘과시성향형’이 가장 높게 나타났다. 이러한 연구의 결과는 오페라 관람 고객들의 행동 연구에 기초 자료가 되며, 또한 오페라 시장에서는 유용한 전략적 시사점을 제공할 수 있다.

This study aims to provide discriminatory marketing strategy through segmenting the opera market by corroborating the importance of opera selection according to lifestyle type of the opera audience and the difference of their convenience pursuits. The result of the questionnaire survey analysis shows the lifestyle types of opera audiences can be classified as the 'self-centered type', 'displaying tendency type', 'culture-oriented type' and 'family-centered type'. Among these four lifestyle types, the 'displaying tendency type' is valued as the most important one in every aspect, like convenience of use, quality of works and promotion activity. Also with regard to their convenience pursuits, the 'self-centered type' lifestyle is the highly appraised factor for the purpose-oriented type and the 'displaying tendency type' is the most important element for the cultural life pursuit type and the convenience life type. The result of this research can serve as basic material for the behavioral study of opera audiences and can provide useful strategic suggestions in the opera market.

본 연구는 해방이후부터 현재까지의 음악교육정책이 각 분야별로 어떠한 변화를 보이는지를 고찰하였다. 이것은 다양한 자료들을 통한 문헌연구를 중심으로 하였으며, 음악교육정책 중 교육과정, 교과용 도서, 교원 양성, 교원 임용, 교원 연수, 교구 및 시설의 6가지 정책을 중심으로 살펴보았다. 음악교육정책의 분야는 여러 가지로 세분화 할 수 있으며, 각 분야는 서로 긴밀한 상호작용이 이루어져야 한다. 또한 각 분야에 대한 더욱 심도 있는 연구가 필요하다. 다양한 각도에서 음악교육의 현재를 살펴보고, 앞으로의 발전방향을 제시함으로 음악교육의 발전을 모색해야 할 것이다.

This study looked into educational policies to date from the liberation from Japanese colonial rule and investigated what impacts music educational policies have had by field and how they changed. This study was carried out by mainly literature research through various data, and the following six music education policies were examined: curriculum, textbooks for music subject, teacher education, teacher appointment, in-service teacher training and educational tools and facilities. The music education policy fields can be segmented diversely and each field has to closely interact one another. Also, in-depth research of each field is required. The development of music education should be pursed by presenting a future development direction, after investigating the current music education from various angles.

본 연구는 풍부한 음악적 경험을 제공하는 초등학생의 관현악 합주 활동이 인지능력 발달에 미치는 영향을 알아보는데 목적을 두었다. 부산 해운대구에 소재한 ‘B 초등학교’의 교내 관현악단 단원으로 합주 활동에 참여하고 있는 학생 60명과 그들의 담임교사 20명을 대상으로 설문조사를 실시하였다. 설문 조사는 선행연구를 참고하여 인지능력을 학업성취, 학습동기, 학습태도, 학습습관, 학습기술 5가지 하위영역으로 세분화한 뒤, 각 영역별로 설문 문항을 만들어 관현악합주 활동을 하기 전과 후를 비교하였다. 또, 관현악단 단원을 맡고 있는 담임교사와의 심층 인터뷰를 통하여 설문조사의 의미를 명료히 하고 그 원인을 찾아내어, 초등학교 교육 현장에서의 합주 활동의 중요성을 재확인시키고자 하였다.

This study attempts to clarify the importance of orchestra activities in elementary school, by examining the positive influence of orchestra activity on the development of cognitive ability among elementary school students. Furthermore, it aims at reminding of the teachers, students, and their parents of the positive impact that can be earned from participating in orchestra activity and further to promote an active participation of more teachers and students in orchestra activities by providing music educational evidences. The research contents include a literature review about the educational significance of orchestra, music education and cognitive development and a survey analysis that examines the impact of orchestra activity on the cognitive ability of the elementary school students. The research subject consists of sixty students who are playing in a school orchestra in B elementary school located in Haewoondae-gu, Busan along with twenty homeroom teachers who are teaching the members of the orchestra. For the survey analysis, the cognitive ability was specified in the following five sub domains, based on previous literature: academic performance, learning motivation, learning attitude, learning behavior, and learning skill. For each domain, four questions were created that were designed to compare before and after of the students’ participation in orchestra activities. The students were asked to answer the questionnaire with total of twenty questions. After the survey was completed, in-depth interview was conducted with homeroom teachers who are the members of orchestra, which provided further information that is useful in interpreting and finding out the reasons behind the survey results. The study results can be summarized as follows. First, the orchestra activities of elementary school students always have a positive impact on academic performance of the students. As for the effect of academic performance improvement through the orchestra activity, 100% of teachers and 89.2% of students responded positively. Second, orchestra activity of elementary school students helps giving learning motivations to the students. As for the provision of learning motivation through the orchestra activity, 100% of teachers and 89.6% of students responded positively. Third, orchestra activity of elementary school students has an influence on positive change in learning attitude. As for the effect of changing learning attitude of the orchestra activity, 97.5% of teachers and 83.6% of students responded positively. Fourth, orchestra activity of elementary school students helps changing their learning behavior. As for the effect of changing learning behavior of the orchestra activity orchestra activity, 100% of teachers and 84.7% of students responded positively. Fifth, orchestra activity of elementary school students has a positive impact on developing learning skills. As for the effect of obtaining learning skill through the orchestra activities, 100% of teachers and 89.1% of students responded positively. Hence, it is important to support orchestra activities in elementary schools using after school activity hours or other extracurricular activity hours. The elementary schools should provide the students with wide-open opportunities so that they can actively participate in orchestra activities.

본 연구는 코다이의 교육철학, 코다이 솔페이지 이론, 초등학교 3학년의 음악적 특성 등을 고찰하고, 초등학교 3학년 학생들의 음악적 능력에 맞는 코다이 솔페이지 학습지도 방안을 연구하여 제시함으로써, 학생들의 음악적 기초 기능 향상은 물론, 창의적인 표현력과 사고력을 길러 음악적 성장을 이루고, 그들이 음악을 즐기며 음악을 생활화하는데 도움을 주는데 그 목적이 있다. 코다이 솔페이지는 헝가리를 비롯하여 세계 여러 나라에서 적용되어 음악교육의 기초를 이루고 있으며, 그 효과가 여러 문헌이나 자료를 통해 이미 입증되었다. 본 연구에서는 코다이 솔페이지 교수법의 ‘계이름과 이동도법’, ‘손 기호’, ‘나는 음표와 음계 사다리’, ‘리듬이름과 리듬학습’, ‘노래 부르기와 민요의 역할’ 등의 원리를 분석하고, 초등학교 3학년 학생들의 음악적 능력에 맞는 다양한 활동을 통한 통합적인 코다이 솔페이지 학습지도 방안을 제시하고자 한다. 이를 통해 초등학교 음악교육에서 코다이 솔페이지의 중요성을 알고, 그 내용이 학교 현장에 좀 더 많이 적용되고 연구되어 지길 바란다.

This study aims at not only improving the students’ basic musical competences, but also at helping them develop the ability to express themselves in creative ways and the ability to think so that they can grow up in a musical sense, and aims at encouraging them to enjoy music and make music a part of their daily life, by examining Kodaly educational philosophy, Kodaly Solfege theory, and the musical characteristics of the third graders in elementary schools, and by studying and suggesting Kodaly Solfege teaching method, which is fit for the musical ability of the third graders of elementary schools. Kodaly Solfege’s theory has been applied in many countries all over the world, including Hungary, and established the foundation of music education. Its effects have been already proved in different documents and data. In this study, the principles of Kodaly Solfege’s teaching method, such as ‘syllable names and movable do’, ‘hand signs’, ‘flying notes and a scale ladder’, ‘rhythm names and learning rhythms’, ‘the functions of singing songs and folk songs’ were analyzed, and a more integrated Kodaly Solfege’s teaching method was presented through various activities, which were appropriate for the musical ability of the third graders of elementary schools. It is expected that this would make Kodaly Solfege’s importance in the field of music education in elementary schools become known more, and its contents would be applied and studied into more in schools.

음악용어 ‘두엣’은 그 개념이 생성된 중세로부터 오늘날에 이르기까지 수많은 미해결의 요소들을 가진 채 존재하며, 그 주된 원인은 양대 연주매체인 성악과 기악의 이원화와 동시에 혼용에 있다. 어원상으로 볼 때 ‘두엣’은, 전 세계적으로 거의 대부분의 사전들이 ‘두오’(Duo)를 채택하고 있으나, 실제로는 이탈리아어 ‘due'로부터 파생(축소) 되었으며, 양식적으로는 원래 성악곡의 명칭이었던 ’두오‘와 불가분의 쌍을 이룬다. 19세기를 통해 지배적이었던 두엣의 개념의 형성에 가장 큰 영향을 미친 것은 이탈리아 실내이중창들(duetti da camera)이며 (특히 Agostino Steffani), 그것들의 가장 큰 특색은 푸가적인 응답이 있는 성부유도 형태다. 이 경우 두 성부 사이의 동등권이 내재하는 것으로 간주되었고, 따라서 화현적인 독일의 가곡 이중창(Liedduett)은 엄격한 구분 시 두엣의 범주에 들지 못했다. 그것들은 이성부 가곡(zweistimmiges Lied)으로 분류 및 명명되었다. 그러나 이탈리아 실내이중창 역시 서정시를 그 가사로 하고 있기에, 그 장르에 내재하는 이중적인 “나”에 대한 미학적 문제들은 여전히 미해결 상태로 존재한다. 서정시를 그 가사로 하는 두엣의 경우 화현적인 이성부 가곡(zweistimmiges Lied)이 미학적인 설득력을 더 많이 갖는다. 오랜 세월에 걸친 수많은 이론가들의 이상적인 두엣에 대한 주장들은 합일을 보지 못한 채 오늘에 이르고 있다. 이것은 두엣이 성악앙상블장르들 가운데 가장 난해함을 암시하고 있다.

The use of the term “Duet” from the late middle ages to present often hasn’t been consistent, because of the mixed instrumentation and the different terms used for compositions in two parts. “Duet” is derived from “due” although it can be found in most musical encyclopedias as diminutive of “Duo”. The definition of “Duet” was influenced by Johann Mattheson, who had a preference for the Italy chamber duet. In the 19th century “in two voices” was understood as contrast to the so called “duet with fugal answer”, like “song in two voices” (zweistimmiges Lied). In the same context “Zwiegesag” is used as stylistic opposite to the term “duet”, even if it is only the German term for “duet”. The Italy chamber duet was considered as typical while the duet sung in churches (Kirchenduett) or song-duet (Liedduett) was considered as not typical. However, the ideal of the formal principles of the duet, the equal status of both voices, is only achieved on the sheets of music, not in the music itself, because the higher voice always draws the attention of the listeners more than the deeper voice.

조지 크럼은 비서국적 음악적 요소들을 도입한 최초의 서구작곡가들중 하나이다. 그는 단지 비서구적 음악의 물질적인 요소뿐 아니라 비서구적 음악의 철학과 사운드등까지도 자신의 음악에 도입했다. 서구의 음악의 경향은 비논리적인 음악에서 논리적인 음악으로, 조성의 발전을 통해클라이막스를 만드는 방법과 그것을 잘 해결하는 것을 강구해 왔다. 이것을 우리는 목표지향적인 음악이라고 볼 수 있을 것이다. 그러나 조지크럼은 또 다른 방법의 방향성을 제시한다. 마치 아르스노바의 마쇼처럼 모자이크적인 아이디어를 도입하고, 비서구적 사운드를 탐험해 나간다. 이 글은 크럼의 실현하는 과정을 마크로코스모스 3의 분석을 통해 추적한다. 그리고 마크로코스모스 3에 대한 분석이다. 1악장은 이 곡 전체에 대한 기본적 모티브, 음계를 제공하는 역할을 하고, 2악장은 그의 특징적인 ‘소리만들기’외에 모자이크 아이디어를 사용해서 작곡되었다. 3악장은 그자신의 곡인마크로코스모스II에서 인용되는 구절을 사용하며, 4악장은 이소리듬기법으로 작곡되었다. 5악장은 이 곡에 대한 완결로서도 중요하지만, 전체 마크로코스모스의 완결로서의 역할도 담당한다.

George Crumb is considered as one of the first Western composers who used Non-Western musical elements. Not only he used Non-Western elements, but also adapted their concept of music which is different from that of Western Music. The Western concept of music evolved from non directional to directional music, that is to say the goal oriented music. Here, in this piece Crumb suggested another way of evolving. He used mosaic idea like Machaut of ars noval era and also used new timbres imitating Non-Western music. This article track the process of composition in realizing these ideas. The influences to Crumb’s music is summarized as this: 1. The natural atmosphere where he was born 2. Poetry 3. Quotation 4. The great composers: Chopin, Bartok, Debussy 5. His character: exploration beyond the boundary The first movement provide the basic materials to entire piece, 2nd movement gives the idea of mosaic organization as well as his own timbre effect. 3rd movement used quotation from his own piece, Makrokosmos II, 4th movement are composed through the technique of isorhythm, and the final movement is conclusion of this piece as well as this Makrokosmos series.