Earticle

본 연구는 2007년 개정 음악과 교육과정의 개정 중점 사항인 세계 음악 문화에 대한 이해력 증진 취지를 잘 구현하고 있는지를 파악하기 위해 초등 3, 4학년 음악교과서 및 교사용 지도서의 세계음악 이해 단원을 분석 대상으로 하여 전체 악곡에서 세계음악이 차지하는 비중과 그 내용 특성을 살펴보았다. 내용 특성은 선행연구들의 학습모형을 토대로 이해 및 활동 요소, 맥락적 요소, 생활화 요소들로 구분하여 분석하고 그 결과를 통해 음악 교육적 시사점을 언급하였다. 전반적으로 세계음악 이해 단원에 제시된 이해및 활동요소는 가창활동 위주의 악곡 제시수준에 한정되어 있어서 다른 활동영역과의 통합 학습을 위한 재구성이 필요하다. 맥락적 요소는 해당국가의 참고자료에 대한 현장에서의 활용성에 초점을 두고 제시해야하며, 생활화 요소는 주로 민속 놀이(춤)활동을 통한 다른 나라 문화에 관심 갖기로써 내면화하고 있다. 음악의 생활화 관점에서 연계성은 있지만 이에 대한 배경지식과 통합적 활동내용들에 대한 충분한 안내가 부족하여 현장에서 교재 연구 및 재구성에 대한 어려움을 갖게 한다.

The aim of this study is to analyze the two units, in elementary school music textbook for the 3rd-4th grdes effectively improves the ability of children’ understanding of music and cultures of other countries, in accordance with the text book's songs in an main point of the 2007 Revised Curriculum, ‘n Acceptance of Various Musical Cultures.’ The results are as follows: In the musictextbook for the 3rd-4rth grades in elementary school the proportion of songs related to world music is 8.6%, which indicates that, its weight is distinctively low. The activity elements in relation to world music are completely constituted of singing activities in which there is no musical piece related to creating, playing, and listening. In the contextual elements, the explanation of the contents of a song in a different country is too brief, and it is written in Korean according to Korean pronunciation of the original language of the song and translated into Korean. In the elements of it a way of life, there are songs with a educational course of making it familiar with oneself and doing some folk games and dances in case of the 3rd grade textbook and in case of the 4th there are songs in doing so.

한국의 축제는 지난 10년 동안 기하급수적으로 증가하여 최근에 와서는 일년에 1,200여개가 열린다. 이 연구는 그 안에서 음악축제의 현황과 위상을 조사한 것이다. 필자는 음악축제 100선을 목록화하여 음악축제의 역사, 개최지역의 분포, 그 핵심장르와 그 분포, 그리고 전반적 특성을 살펴보았다. 1950년대에 생성된 전국민속예술축제와 밀양아리랑축제를 시작으로 음악축제가 특이할 만큼의 증가한 시기는 지방자치제가 시작된 1995년 이후 5년과 2004/5년이었다. 100개의 음악축제 정보를 분석한 결과는 우리의 음악축제문화의 특징들, 그리고 변화하는 양상이 음악회장의 공연무대나 방송 프로그램의 추세와 변화와 유사하다는 것을 보여준다. 축제문화에서도 공연문화에 있었던 서양예술/국악/대중음악이라는 기존 삼분법에서, 장르적 구분에서, 점점 하위단위에 있어서, 장르의 다양화로 진행되는 방향성이 느껴진다. 모든 장르를 섞어 묶는 열린음악회 형태와 더불어 락, 댄스뮤직 축제가 증가하고 있으며 뮤지컬, 퓨전, 재즈축제도 새롭게 축제문화에 발을 디디기 시작하였다. 그리고 국제적인 관심도 증가해서 세계전통음악 또는 월드뮤직(국제적 대중음악)을 핵심장르로 내건 축제들이 2000년대 들어 생겨나기시작하였다. 이러한 분류는 우리 주변에서 쉽게 찾을 수 있는 음악회와 크게 차별화되지 않는다는 문제의식을 갖게 한다. 이러한 문제의식은 음악축제가 축제문화 안에서 성장한다는 것이 무엇을 의미하는가의 새로운 질문과 연결된다. 축제문화에서의 음악은 축제장에 들어오는 대상에게 단순한 음악회가 아닌 새로운 무엇이어야 한다. 축제문화에서의 음악축제의 정체성과 위상에 대한 점검은 그러므로 미래사회에서의 음악의 역할과 기능을 탐색하게 해준다.

The number of festivals in Korea has grown exponentially during the last decade, and now 1200 events are held every year. This study examines current status and phase of music festivals. The author compiled a list of 100 music festivals held in Korea, based on which she attempted to answer such basic inquiries as: 1) rough history of music festivals in Korea, 2) their core genres, 3) their geographical distribution, 4) general characteristics. Beginning with the National Festival of Folk Arts and Miryang Arirang in 1950s, drastic increase appeared during the five years after 1995, when a local self-governing system began effected, and 2004/5. The major genres for which the music festivals were held could be roughly divided into the three divisions: Korean music, Western classical music, and popular music. There added are the types of open (genre-free) concert, incidental music(for movie, drama, dance, and ceremony), and the specialized genres such winds or percussions. This kind of division of music festivals is not much differed from that of general concert-life around us. This led to the question to what is the real meaning of the music festivals? If the music scenes be a new venue within festival culture, they should be renewed entity, not a simple concert where there is only one-way communication from the artists and audiences. The serious inquiry of the current status and phase of music festivals in general festival culture will allow us to meditate the functions and use of music in our future society.

영화에서 음악의 역할은 무엇일까? 영화에서 음악의 역할은 얼마나 중요할까? 영화와 음악의 관계는 얼마나 긴밀할까? 본고에서는 엔니오 모리꼬네의 <석양의 무법자>를 예를 들어 이 질문들에 대한 답을 찾았다. 엔니오 모리꼬네는 400곡 이상의 영화음악을 작곡하여 20세기 영화음악계에서 매우 중요한 역할을 하는 작곡가이다. 그는 세르지오 레오네 감독과 스파게티 웨스턴 3부작을 작곡하여 상업적으로 대성공을 거두었다. 본 고에서는 영화 <석양의 무법자>에 나타나는 모리꼬네의 여러 가지 영화음악 기법들을 고찰하였다. <석양의 무법자>에는 중세 선법의 영향, 현대음악적 요소, 대중음악적 요소, 민속적 요소 등이 나타나 있으며. 주인공의 운명이 어떻게 될지 모르는 상황을 나타내기 위하여 모호한 조성이 사용되었다. 세르지오 레오네 감독이 사용한 대사를 절제하고 등장인물들의 눈빛이나 표정을 극단적으로 클로우즈 업 하여 감정을 표현하는 연출기법을 뒷받침하기 위하여 모리꼬네는 크레센도, 점점 부가되는 악기들의 연주, 긴장감을 표현하는 오스티나토 등을 사용하는 등 영화의 내러티브를 음악적으로 잘 반영하였다.

What is the role of the Music in the film? How much important is the music in the film? How much is close the relationship between music and film? In this study, I surveyed each cues of The Good, the Bad and the Ugly to get the answers of these question. Ennio Morricone is one of the most important composers in the 20th century. He is an Italian and famous after the collaboration with Sergio Leone. Sergio Leone directed three Westerns, A Fistful Of Dollars (1964), For a Few Dollars More (1965), The Good, the Bad and the Ugly(1966) and Morricone composed film scores. They winned sucess commercially. Main title is heard in the great parts of cues in The Good, the Bad and the Ugly. The motive of the Min title is played with different instrument. Different instrumentation stands for different character respectively. There are various techniques those are concrete music, minimal music, ethnic element, ostinato, serialism, tremolos in the film music of The Good, the Bad and the Ugly. Concrete music, minimal music and serialism show that Morricone is under the influence of modern elements. Ostinato, serialism and tremolos are the technique to make suspense in the film. Music in the film is more than listening. It expresses the background of time and space, and suggests what will be happen. Morricone mixed visual image what director intends and auditory image into one vessel and influenced the film scores of other composers.

본 연구에서는 학생들이 일상 생활 속에서 겪게 되는 여러 가지 상황 속에서의 자신의 경험 과 느낌을 가능한 모든 음악적 도구를 활용하여 표현할 수 있도록 하는 매개체를 음악극으로 보고, 카겔의 기악극에서 보여지는 음악의 시각화와 음악적 구성 원칙에 초점을 맞추어 그것의 교육적 활용의 의미에 관해 연구하였다. 음악 교육에서 중요한 목표 중의 하나는 창의성 계발인데, 음악극은 창의적인 음악체험을 가능하게 하고 연주 활동에 적극적으로 참여할 수 있는 기회를 제공할 수 있을 것이다. 이 연구에서 특히 초점을 맞춘 것은 카겔의 기악에 대한 의미로 그의 작품에서 악곡 구성과 특징들을 살펴보고 교육적 활용 요소를 추출하였다. 이 작품들에서 기악은 전통 악기에 한정되는 것이 아니라, 일상 생활의 모든 소품들 및 사람의 목소리를 비롯해 음향을 낼 수 있는 모든 가능한 도구와 음향을 내지 않더라도 음악적 원칙을 제시하는 영역까지를 포함한다. 이를 바탕으로 카겔은 음악적 시각화를 추구하며 극적이고 종합적인 곡을 작곡하였고, 뛰어난 상상력과 작품에서 보여지는 유머로 현대 음악극의 기수라는 평가를 받고 있다. 그의 기악극의 특징은 무한한 잠재력을 가진 학생들에게 그들의 상상력과 표현력을 펼쳐줄 매개체의 역할을 충분히 할 수 있을 것이다. 음악극 활동은 음악의 생활화와 밀접하게 관련을 가지고 있으며, 음악의 여러 활동들을 종합할 수 있는 장점이 있어 교실 안에서의 활용 가치가 높다. 카겔의 기악극을 활용한 음악극의 적용 활동은 학생들의 음악적 개념 형성과 음악의 생활화 및 음악적 창의성과 표현력의 향상에도 도움이 될 것이다.

This research recognizes the medium for students by using musical instrument expressing their experiences and feelings through various circumstances in every daily lives as music drama, and it examined educational usage by focusing on visualization of music and structural principle of music shown in Kagel's instrumental theatre. The development of creativity is one of the most important purpose in music education. The music drama provides creative musical experiences and opportunity to actively participate in performance. This research especially focuses on the meaning of Kagel's instrumental music, so the research looks into musical structure and characteristics of Kagel's instrumental theatre pieces and takes out educational usage factors. Through Kagel's pieces, instrumental music doesn't confine to traditional music, and includes areas which not only show sounds such as varous instruments and human voices, but also show musical principle with no sounds. In this method, Kagel pursues visualization of music and composes dramatic and synthetic pieces, so he is called the frontier of modern music drama through his outstanding creativity and great humors shown in his pieces. His instrumental theatre plays enough role in giving the medium of imagination and expressiveness to students with infinite potential. Instrumental theatre's activity has close relationship with the way of life of music, and plays a role in classroom because it combines various music activities. In music education, the contents of the way of life and expression activity are very relevant to those of Instrumental theatre. Thus, in the future, if the education method about contents related to Instrumental theatre is adopted in school, it is quite helpful for students to form musical concept, and to improve the way of life of music and musical creativity and expressivness.

관장은 극장의 최고 경영자이다. 관장은 조직구조를 재설계함으로 조직의 효율성을 높이고, 직원들이 업무를 잘 수행할 수 있도록 인력을 적절히 배치해야 하며, 활기차고 재미있는 그리고 보람과 긍지를 갖고 일할 수 있는 조직문화를 창출해야 한다. 또한 관장은 문예회관의 환경요소라 할 수 있는 관객, 정부, 후원자, 예술가 및 단체, 관련조직 등과의 유기적인 협력관계를 형성하고 지속적으로 확충할 수 있는 전략을 추진해야 한다. 관장은 문화예술회관의 존재이유에 대해 깊은 성찰을 통해 철학을 가져야 하고, 극장의 미래에 대한 비젼과 꿈을 가지고 장기적인 극장 운영의 마스터 플랜을 수립함으로 일관성 있게 극장경영을 해 나가야 한다. 아울러 전문성을 함양하기 위해 부단한 노력을 아끼지 말아야 하며, 조직의 생산성을 향상하고 일할 맛이 나는 직장분위기를 만들어 나가는 동시에 직원들의 애로사항을 경청하는 등 조직통솔을 위한 리더십을 발휘해야 한다.

The director is the theater's chief executive officer. The director should improve the effectiveness of the organization by re-designing the organization structure, appropriately deploy employees so that they can successfully perform their jobs, and create a vibrant and fun organization culture instilling pride in and rewarding the employees. Also, the director should pursue strategy that form and constantly seek to expand close cooperative relationships with environment factors such as the audience, government, sponsors, artists, groups, and related organizations. The director should possess a philosophy derived through deep thoughts regarding the reason for the existence of cultural and arts center and establish the theater's long-term operation master plan which reflects its future vision and dream to consistently carry out theater management. In addition to not sparing any efforts to cultivate expertise, the director should not only improve the organization's productivity and create a fun, working atmosphere but also display leadership for organizational direction by engaging in activities such as listening closely to the difficulties of the employees.

이 논문은 실추된 지역축제 이미지 회복과 축제경영활성화를 위한 방법으로 성공한 외국축제 사례를 통해 도출된 시사점을 바탕으로 운영방법 연구 및 이를 지방자체단체가 개최하는 지역축제에 적용하고자 하였다. 성공적인 축제경영 운영사례로서 세계적인 축제인 아비뇽 페스티벌, 니스 카니발, 망똥 레몬 축제, 에딘버러 군악대 축제, 에딘버러 프린지 축제, 잘츠부르크 페스티벌 등을 살펴보았다. 이러한 축제들을 통해 살펴본 바로는 성공적인 외국 지역축제들은 각기 지역발전의 의미로서 나름의 구조를 지닌 채 사회문화적, 경제적, 정치적 역할과 효과를 보여주고 있다. 성공적인 외국축제의 운영사례에서 도출된 시사점을 토대로 현재 처해 있는 축제의 문제점을 극복하고 새로운 지역축제 경영 활성화 방안을 위한 전략적 방법으로 다음과 같은 조건이 충족되어야 할 것이다. 첫째, 축제경영 전문 인력의 양성이 필요하며 둘째, 특화된 축제프로그램개발을 함으로 서 축제프로그램연구개발과 특화된 축제 소재의 개발이 따라야겠으며 셋째, 홍보와 마케팅전략 넷째, 축제참가자 만족도 제고 다섯째, 축제전문평가단 구성이 따라야겠다. 이 논문은 축제경영의 중요성을 부각시키고 성공적인 외국축제 운영사례를 통하여 실무적 차원에서 지역축제 활성화의 기반으로서 나아갈 방향에 대해 새로이 정립해 보는 계기가 되었다. 현재 처해 있는 문제점들에서 발견한 여러 사항들을 극복하고 지역 축제경영의 새로운 방안을 위한 전략을 제시하였으며, 이러한 전략을 보완․발전 시켜 나간다면 지역축제 활성화와 더불어 지역정체성의 확립, 지역민의 화합, 지역경제 및 국가관광자원의 개발․발전에도 이바지 할 수 있으리라 기대된다.

The purpose of this study is to provide strategies that can promote the tour of regional festivals held in Korea and further contribute to regional economy. For the purpose, this researcher examined a few examples of successful foreign festivals to get suggestions about how to restore the image of regional festivals and facilitate their management and how to raise the quality of the regional events to be more satisfactory to festival participants. Foreign festivals that were considered successful and examined by this study include Festival d' Avignon, Carnaval de Nice, La Fête du Citron, Edinburgh Military Tattoo, Edinburgh Festival Fringe and Salzburger Festspiele. The study found that those foreign festive events, well-organized and successfully managed, have socio-cultural, economic and political roles and effects that contribute to developing regions where they are held. Considering suggestions from the examples of the above successfully managed foreign festivals, now, this study would propose the following strategical ways to which can solve the current problems of regional festivals held in Korea and promote and improve their management. First, it's needed to bring up experts in the management of regional festivals. Second, regional festival programs that are differentiated with special themes and subjects should be developed. Third, public information and marketing strategies that are best fit for each regional festival should be built up. Fourth, it's need to find how to raise festival participants' satisfaction. And fifth, panels who professional evaluate regional festivals should be organized. In summary, this study was an attempt which aimed to make properly recognized the importance of festival management and find practical, new ways and direction to promote regional festivals of this nation with reference to successful foreign festivals. Specifically, the study proposed strategies in order to solve current problems of regional festivals held in this country and facilitate the management of the festive events. If supplemented and advanced. those strategies would be able to help establish regional identity, put in harmony regional residents and develop and improve both regional economy and national tourist resources, in addition to the promotion of regional festivals.

트로트음악을 음계와 리듬만을 기준으로 분석한다면, 일본과 서양의 대중음악 양식이 혼합된　퓨전장르라고 할 수 있다. 그러나 오랜 세월동안 대중이 수용한 트로트음악에는 음계와 리듬 외에, 꾸밈음이 부각되는 입체적 창법, 그리고 대중과 밀착된 내용의 단순 명료한 가사의 어법, 다시 말해서 한국적 정서가 내재되어 있다. 이러한 역사의 부침 속에서 태어난 트로트음악은 시대의 발전에 따라 회생의 몸부림을 치게 된다. 많은 사람들의 어두운 사랑을 한 몸에 받았으며 군부독재의 탄압 또한 피하지 못하게 된다. 그리고 70~80년대 청바지 문화와 함께 들이닥친 통기타 음악에 의해 위기를 맞이하고 90년대 전자 사운드로 무장한 댄스음악에 의해 또 한 번의 위기를 맞는다. 하지만 특유의 자생력에 힘입어 트로트음악의 그 특유의 질감을 유지한 채 외적인 면모를 탈바꿈하는 유연성을 보이며 대중문화의 한 부분으로 거듭나게 된다. 이처럼 트로트음악은 우리나라 사람들에 의해서 만들어지고 불리어졌다. 그리고 대중의 취향을 의식하며 끊임없이 변화와 발전을 해왔기 때문에 수용자가 거부감 없이 받아들일 수 있었다. 이것은 트로트음악의 자생력이며 대중적 음악장르로서 자리할 수 있는 가장 큰 이유라 생각된다.

In the field of a study on Korean Trot Music, quite a lots of scholar have studied of the transition. I would like to point out that some kinds of music genre was derived from a hymn which has began from the late period of the Choseon Dynasty and the spread of Chang-ga which is Japanese version of the Korean style singing. Thanks to an inflow of a score which is sort of musical notation after the cultural open, the learning of Western musical theory and advent of the foreign instrument. it was assimilated as a Trot music in Korean society. Of course, Pansorri and Korean　Traditional Song which had been consisted of mainstream began to be pushed out by Korean Lied or New Folk Song and a various genre which has include lots of song of special composer. A popular song in the early period was settled as an waltz rhythm which has similar figure with the Korean traditional music. But this popular song accommodated trot rhythm that of western in 1930s to keep a popularity from another music genre. As a production of trot rhythm based song, Korean Trot Music began to be gradually located in domestic. After 1950s, we could observe the great change of Trot music. It was　affected by not a western popular song like a hymn in the early period　but that which boosted splendid figure. Trot music was absolutely upheld by Korean people because it's heartstrings was tallied with particular situation of that time. As the inflow of advanced pop music of US, however, came to be at a crisis, composers tried to actively accommodate which of western rhythm fast speed and to possibly grow out from the five musical scale. Because of that, trot music developed as a very wide genre which has　a various rhythm. Until 1990s, however, a popularity of trot was threatened by rehabilitation of dance music as another policy of the cultural open, again, it came to up to people with high-end sound which could be equal to dance music. A distinctive future of this time was that trot singer had came to posses a　Just like a dance singer. This time, people experienced the great change which is that the huge stage became needless when these trot singer performed. As like these, with the effort of that trying to equip with good aspect of other popular music, trot that coming up to the mass of people. As a result of that, it is reach point that people accept it selectively. Through "A Study on Historical Transition of Korean Trot Music", I want to look for the identity of trot music which was sang by Korean people at present. And it is another effort of trot music related group who think that the historical issues and social one is closely connected with trot music. Trot music which has repeatedly experienced　the change and development with differentiation and integration over again, it has the style combination like other art genre. We need to grasp the essence of our own culture through understand trot music as a part of Korean music. This study is a one of these endeavor.

Randall Snyder(1994~)는 미국의 클래식 재즈 작곡가로 1993년 한국 정부가 선정한 9명의 미국작곡가와 연주가에 선정되어 6주간 서울에서 이루어진 전통 공연 예술 강습회에 참가하여 한국전통음악을 접하게 되었다. 이 기간 동안 Snyder는 판소리, 대금, 장고, 목탁 등을 배웠고 한국전통음악과 전통적 양식에 영감을 받아 ‘낙성대의 꿈(1993)’ ‘남대문(1993)’ ‘늙은 양반(1994)’ 등 여러 작품을 작곡하였다. ‘남대문’은 그 중 한 곡으로 Snyder가 한국에 체류하면서 남대문과 남대문 주변의 모습과 환경, 그리고 남대문 시장이 세계에서 가장 큰 시장중의 하나라는 것에 감명을 받고 한국의 민속 음악에 대한 관심을 표면화 시키려는 의도에서 미국의 재즈음악과 한국 전통음악을 접목하여 쓴 관현악 작품이다. 본 논문에서는 한국 전통음악적인 요소를 다루고자 한다. ‘남대문’은 122마디의 9개 섹션으로 형성되어있다. 국악적인 요소로는 전반부의 느리고 장엄한 부분에서 점점 시나위를 표방하는 빠른 속도의 즉흥 연주적 성격이 강한 후반부로 나뉘어지는데 이는 국악에서 ‘한배에 따른 형식’이라고도 한다. 타악기의 리듬은 9박에 강세가 있는 것을 특징으로 하는 굿거리나 자진모리 장단을 기본으로 하고 있고 남도 계면조가 많이 사용되었다. 섹션Ⅷ를 제외한 나머지 섹션들은 하강종지를 하고 있고 특히 마지막 마디인 122마디의 타악기에서 점점 작아지는 연타음으로 종지를 한다. 이것은 한국의 전통 민속악의 종지적 특징이라 할 수 있다. 또한 트릴과 글리산도의 연주 기법을 이용하여 국악의 요성, 추성, 퇴성 등을 나타냄으로 국악적인 분위기를 드높이고 있다. 그러나 외국작곡가이기 때문에 한국 전통음악에 대한 이해부족으로 계면조를 정확하게 표현하지 못하였고, 일본 음계인 미야꼬부시가 나타나는 등 한, 두 가지 아쉬움이 있었다. 앞으로 외국 작곡가가 한국 전통음악의 음악어법을 활용하여 작곡하기를 원한다면 한국 전통음악의 음악적 구조와 표현방법 등을 올바르게 이해하여 정확한 표현으로 작곡되어지기를 바란다. 그래서 한국 작곡가뿐 아니라 외국 작곡가들을 통해서도 한국 전통음악이 세계 속에 널리 알려지기를 희망한다.

As an American classic jazz composer, Dr. Randall Snyder was selected in 9 American composers and performers, who were chosen by the Korean government in 1993, and came to face Korean traditional music by participating in the traditional performing art session in Seoul for six weeks. During this period, Dr. Snyder learnt Pansori, Deageum, Janggo and Moktak, and was inspired by Korean traditional music and mode, thereby having composed several pieces of works such as Dream of Nakseongdae(1993), Namdaemun(1993) and 'Old Man(1994)'. As one piece out of those, Namdaemun is an orchestra piece that Dr. Snyder composed by integrating American jazz and Korean traditional music with the intention of allowing the interest in Korean folk music to be re-surfaced while being impressed by the looks and environment in Namdaemun and in circumference around Namdaemun, and by what Namdaemun free market is one of the biggest markets in the world during his stay in Korea. Namdaemun is composed of wood winds, brass, strings which are much used even in jazz along with tom-tom, bass drum, wood block and percussions such as Gong in Korea traditional instruments, it can be known to be harmonized together with Korean traditional music and jazz. Namdaemun is formed with 9 sections in 122 measures. The part element in Korean traditional music is divided into magnificently slow in the introduction and gradually in the development part, which is strong in improvisational character in fast tempo of standing for Sinawi. Rhythm in percussion is based on Gutgeori or Jajinmori beat, which is characterized by strong beat in the 9th-beat. The primary key is Namdo Gyemyeonjo centering on C, F, B♭, E♭. Except the section VIII, most of sections are characterized by the descending cadence, especially ended repeated notes of getting decresendo in the last measure which is the 122th measure of percussion. This is cadencial characteristic in Korean folk rhythms. Also, the mood in Korean traditional music is being enhanced by indicating Yoseong, Chuseong, and Toeseong in Korean traditional music through using the performing technique in trill and glissando. Still, given saying one or two kinds of inconvenience, it is a point that was misunderstood Gyemyeonjo in Korean traditional modal and Namdo Gyemyeonjo. Secondly, it is what the Miyakobushi mode was indicated by omitting 3rd tone and 7th tone in scale of C Phrygian. Probable, I guess Dr. Snyder confused with 5 tones scale of oriental music. Therefore, I desire it would be understood correctly Korean traditional music when foreign composers will work in the future.