Earticle

이 연구의 목적은 케이 팝의 음악적 특징을 분석하여 음악교육에 수용 가능성을 탐색하려고 한 것이다. 연구의 주요 내용은 케이 팝의 의미를 문헌을 통해 정리하는 것, 케이 팝의 음악적 특징을 분석하는 것이었다. 연구 대상은 케이 팝이라고 불리는 음악 중 한국인이 만들었고 연주하고 있으며 외국에서 크게 인기를 얻었던 9곡으로 하였다. 분석 내용은 악곡들의 리듬, 가락, 화성적 특성이었다. 연구의 결론은 첫째, 케이 팝은 대중 음악, 유행 음악, 상업 음악으로 분류되지만 음악교육의 목적을 달성하는데 활용할 수 있는 소재가 될 수 있고, 둘째, 케이 팝은 음악교육에서 지도하고자 하는 다양한 음악적 개념을 담고 있는 음악이며, 셋째, 케이 팝은 현재 우리나라의 음악과 관련된 사회나 문화를 설명할 수 있는 좋은 소재라고 볼 수 있다.

The aim of this study is to inquire into the possibility of accepting the K -pop as music education in school by analyzing the characteristics of K-pop. The major contents of this study include arrangement of the meaning of K-pop and analysis of musical characteristics of K-pop. This study set 9 pieces of music ,which were made and played by Koreans and won a great popularity overseas among the music called K-pop, as its research subjects. The contents for analysis were rhythm, melody, and harmonic properties. The conclusions of this study are as follows: First, K-pop is pop music for commercial purposes, but it can be a proper material enough to be applied to achieving the purpose of music education in school. Second, K-pop contains a diversity of musical concepts which music education intends to guide. Third, K-pop is a good material for explaining the current society or culture related to music of our country. In addition, this study makes three suggestions as follows: First, it's imperative for us to look for a plan to narrow the space from the music in the midst of life so that music education can be closely connected with life. Second, it's necessary for us to proceed with the case study so that K-pop can be practically used. Third, this research hopes that there will be developed a plan for K-pop to be used in subject-inclusive class.

이 글은 한류 혹은 포스트-한류 시대의 대표적인 문화적 표현물이자 상품인 케이팝(K-Pop)의 문화적 지형과 그 ‘생산-분배-소비’를 둘러싼 동학(dynamics)에 대한 시론적인 고찰을 목표로 한다. 우선, 최근 급격히 진행되고 있는 케이팝의 ‘인터 아시아(inter-Asia)화’를 넘어선 ‘탈 아시아화’ 과정은 ‘혼종성(hybridity)' 개념에 대한 보다 집중적인 관심을 요구한다. 대중문화 텍스트로서 케이팝 혹은 한국 대중음악의 지속적인 혼종성은, 문화-경제적 연예산업 시스템으로서 한류의 최근 '글로컬(glocal)' 전략/전술과 상보적 관계를 구축하고 있다. 즉 케이팝은 혼종적인 문화적 텍스트이면서, 동시에 글로벌과 로컬이 복합적으로 상호 작동하는 탈국적인 사회문화적, 경제적 장(field)으로 변모하고 있는 것이다. 한편으로 당대의 케이팝에 대한 고찰은 생산과 유통 과정 뿐 아니라 지금까지 상대적으로 주목받지 못했던 소비의 의미에 대한 고민하게 한다. 맹목적인 팬돔(fandom)을 넘어서는 적극적인 문화적 실천으로서 케이팝의 초국적 소비와 수용의 사례들은, 문화산업으로서 케이팝 혹은 한류에 대한 이해가 단순히 그 생산과 분배/유통에 대한 분석 혹은 그 과정을 둘러싼 담론에만 국한될 수 없음을 보여준다. 정교해지고 대규모화된 케이팝이라는 대중음악 텍스트 혹은 문화산업 구조물은 글로벌-로컬, 혼종성-순혈적 민족주의, 탈국적성-국지성이라는 상반된 문화적 개념과 사회경제적 범주들이 공존하며 뒤섞여 있다. 따라서 생산과 유통에서 소비에 이르는 케이팝의 상호 연관되고 일관된, 하지만 유동적이고 복합적인, 동학에 대한 체계적인 고찰이 요구된다.

As an international cultural sensation since the late 1990s, Hallyu (Korean Wave) has been the center of attention from both academia and media in Korea. While, in a circle of inter-Asia cultural studies, it has been discussed in the context of its socioeconomic and cultural impacts on other East Asian countries including China and Japan, Hallyu has also been presented as an important nationalist marker when promoted by Korean media and the government. Among a variety of the Hallyu items, K-Pop is perhaps the most powerful and popular genre nowadays. As it has gained a huge popularity around and across the border of Asia, K-Pop is transforming the landscape surrounding culture industry and popular culture in and outside of Korea. This paper examines such cultural and socioeconomic landscape of K- Pop while exploring the dynamics of its production, distribution and consumption in the 'post- Hallyu' era. First of all, in order to understand the transnational process of K-Pop production and distribution across and beyond the continental Asia, it is all the more necessary to dig into the notion of hybridity. Continuous hybridity of K-Pop or Korean popular music as a popular cultural text is now interwoven into the recent 'glocal' strategies of Hallyu as a system of cultural and economic entertainment industry. That being said, K-Pop is not only a hybrid cultural text, but also a complex transnational field where 'global' and 'local' interact each other socioculturally as well as economically. On the other hand, an inquiry into contemporary K-Pop makes us pay attention to the meaning of consumption which has been usually overshadowed in comparison to that of production and distribution as far as popular cultural studies is concerned. Several cases of transnational consumption and reception of K-Pop exemplify very active cultural practices beyond blind devotion of typical teenaged fandom to idol stars. It suggests that, in order to understand K-Pop or Hallyu as culture industry, the research should not be confined to simple analysis of its production and distribution/circulation, or the discourse surrounding them. The more K-Pop is elaborated as a cultural text, the bigger it gets in its scale as a construct of culture industry. It is a field where coexist and mingle each other contrasting cultural concepts and socioeconomic categories such as global and local, hybridity and pure nationalism, and transnational and regional. Therefore, it is required to thoroughly examine the interconnected and coherent, but fluid and complex, dynamics of K-Pop from its production and distribution to consumption and reception.

본고는 5-6학년 교과서에 반영된 생활화 영역 파악을 위해 2007년 개정 초등 음악과 교육과정에 근거하여 범주화하여 분석하고 이를 토대로 결과 및 그 시사점을 언급하였다. 각 교과서별 단원 구성 체제는 주제중심과 악곡 중심, 그리고 생활화 중심단원과 생활화와의 통합단원의 양상 속에서 생활화 요소는 평균 17.63번 제시되었고, 그 중 ‘음악을 즐기는 태도 갖기’의 횟수가 가장 많았고, ‘우리 음악의 가치 인식하기’가 가장 적었다. ‘학교 내외에서 발표 및 참여하기’와 ‘생활 속에서 음악활용하기’는 음악 문화 향유의 장을 제공하는 기회를 하는 긍정적 작용을 하는 요소이다. 생활화 각 요소들의 구분이 모호한 것은 정의적 영역에 기인한 것이지만 이를 교과서에 충분히 반영하려면 교육과정 상의 그 구분을 명확히 해야 하며, 각 요소들 간의 균형을 고려하여야 할 것이다. 각 교과서들에 제시된 생활화 중심 활동 대부분이 비슷한 방식을 갖고 있다. 이러한 관점에서 교과서 재구성을 위한 대안으로 교육과정 상의 지침을 효과적으로 담아낼 수 있는 장치가 필요하며, 학생의 흥미와 수업환경을 고려한 맞춤형 활동의 전개 및 음악적 요소에 근거한 사항만을 가르치는 것, 악곡 중심내용만으로 조직하는 획일성의 탈피가 용이해 질 것이다.

The purpose of this study is to analyze how the contents of 'music in daily life' among the domains of the contents in 2007 revised music curriculum, appear in elementary school music textbooks for the 5th grade and 6th grade, focusing learning activities of 'music in daily '. The results can be summarized as follows: Fist, the textbook section can be divided into the subject-centered section and the musical pieces-centered section according to the organization system. Second, the learning activities were showed an average of 17.63 times in the field of ‘music actualization’ of the textbooks. Third, ‘having attitude to enjoy music’ was presented most and ‘recognizing the value of Korean music’ was presented least among the learning activities of the field of ‘music in daily life’. Fourth, most of the textbooks have selected and presented similar contents, organizing system, and learning activities in ‘music in daily life’ domain. ‘music in daily life’ will be an opportunity for more active and progressive appearance of today’s school music education, if those are possible such as making research meeting for music actualization, sharing the information about the strength and weakness of the teaching methods and results, exploring the directions of better lessons, and constant improving the problems that happen in real education.

본고는 음악학 및 음악미학 분야에서 이른바 ‘언어와 음악의 관계’(Wort-Ton-Verhältnis)라는 개념으로 통용되는 하나의 주제를 다룬다. 고찰의 대상은 슈만의 리트들로서, 각각 두 곡씩의 솔로리트(Sololied)와 리트두엣(Liedduett)이 선정되었다. 작곡자는 이 네 곡의 리트에 공히 장ㆍ단조 혼합기법을 사용하고 있으며, 그 방식은 서로 다르다. 슈만은 우선 장ㆍ단조성 체계가 허용하는, 또는 그 자체의 특성들 가운데 하나인 자연법칙을 이용하는데, 그것은 단조의 악곡에 장조선율이 담길 수 있다는 사실이다. 이러한 악곡의 경우, 장조 선율은 악곡의 기초가 되는 단조 화성체계에 묻혀버리기 십상이지만, 기발한 성부유도기법으로 그것을 두드러지게 할 경우, 슈만 자신의 정의에 따른 장조와 단조의 ‘행동하는 남성’ 내지 ‘허용하는 여성’의 특성이 동시에 드러나 악곡에는 일종의 상반감정병존의 상황이 연출된다. 만약 장조의 악곡에 단조를 담아야 할 경우, 슈만은 딸림7-9화음을 선택하며, 그 가운데 단편(斷片)의 형태로 도출 가능한 단조 선율들을 적절히 이용한다. 본고에서 필자는 위와 같은 슈만 자신의 장ㆍ단조 조성, 트리토누스, 그리고 사-단조 조성에 대한 정의를 바탕으로 각각의 리트 속에서 암시적으로 역할을 수행하고 있는 남성과 여성의 짝개념 또는 남ㆍ여 관계 모델들을 도출하는 시도를 한다. 여기에는 가사, 작곡가의 생애 및 발언등에 명시적 또는 암시적으로 나타나 있는 요소들과 순수한 음악적 요소들, 곧 작곡기법들이 모두 동원된다. 아울러 이러한 악곡분석 과정에서 드러나는 여러 가지 부수적 작곡기법들도 본고에서 고찰된다. 이상과 같은 여러 가지 관점들에서 도출되는 작곡자 특유의 작곡기법들은, 궁극적으로 슈만 자신이 정의한 “음들은 보다 차원 높은 말이다”와 “음악은 시의 보다 차원 높은 잠재력이”라는 말을 증명하는 데 기여한다. 리트의 이러한 최종단계에서 가사와 작곡기법은 니체의 표현처럼 “오로지 물질적 차원에 머무는 것들로서, 모욕적인 외모”에 속할 수 있다.

Schumann's originality in his much praised songs may be due to the fact, that he was not primarily thinking of musical logic, but that the music should have more meaning than the words. The frequent unexpected turns can also be understood in this context. One of the most distinctive set of techniques in its single-and multi-part songs is the major-minor combination, the introduction of major in the minor sentences. It is often referred to the variable ratio between male and female gender either directly or symbolically. The mother-son- relationship with the major vocal-melody is accompanied by a minor composition. At the bride- bridgeroom-relation major is mixed synchronically with minor (V7 9). Lovesick lovers are tied diachronically with major and minor melodies. The mother-father relationship for a sick child parallelizes major and minor third intervals of melodies. In addition, counterpoint techniques such as mirror canon, rewind, or change of tone, variation, seventh ninth, tritone and space-time-gender- symbols are used.

노래는 가장 사람들을 감동시키며 매료시키는 하나의 예술이다. 그것은 노래 속에 가사가 담겨있고 가사의 내용에 감정을 실어 노래로 표현되기도 한다. 오늘날 성악가들의 중요한 과제는 어떻게 노래를 정확하고 풍부한 감정으로 불러 대중들의 공감을 불러일으키는가 하는 것이다. 또 나라마다 다른 언어가 존재하기에 노래를 배우는 사람들은 많은 노력을 해야 한다.

As time goes by, society and civilization have undergone substantial alteration. If we look to the history of vocal music, we will realize that the art of vocal music has changed rapidly as well. However, the extent, to which research on human voice production, which is the most significant matter in the progress of vocal music, is always a hard topic to be discussed. Therefore, we vocalists, research on more concerted and systematic vocalization methods. We canot expect to find or establish any certain vocalization methods for the time being, but the research on the right method of vocalization must be continued. Vocal music is not an exact science. It requires much time, practice, experiment, and patience. The method of vocalization is based on the knowledge of physical activity and it has scientific aspects nobody can explain. No other arts are as simple and easy as music, but no other arts are as complicated and difficult as vocal music. Vocal music is the greatest kind of music. Moreover, vocal music is the most lowbrow kind fo music, but at the same time it is also the most aristocratic kind of music. Therefore, beginners in singing must have knowledge of physiology about the organ of vocalization and basic theory of vocal production. I analyzed and researched into the problems that occur in vocalization in general, and I found a rational way to produce voice and also the basics of far better method of vocalization.

본 연구는 20세기 초 부산음악문화를 부산일보의 기사 색인을 참고하여 그 음악적 양상을 살펴보았다. 첫째, 1910년대는 일본 성악인 요곡회가 자주 열렸으며, 양악은 그 활동이 미미하였다. 1910년의 일본음악은 쟁(箏)․비파(琵琶)․척팔(尺八)․금(琴) 등이 주로 연주되었다. 대부분 음악회의 무대는 부산좌를 중심으로 열렸으며, 부산공립고등여학교와 사립부산실습여학교가 주축이 되어 음악회를 열었음을 알 수 있다. 일본의 무대예술인 가무기(歌舞伎)가 첫 선을 보이기 시작하였으며, 1915년 피아노가 부산공립여학교에서 연주되고 있었으므로 부산에서 피아노 유입은 1915년 전후로 볼 수 있다. 둘째, 1920년대는 전 시대에 비하여 음악적 활동이 활발하였으며, 연주회의 횟수도 늘어났음을 알 수 있다. 그리고 연주주체가 다양화되었고, 음악회의 내용도 오페라․메조소프라노․바리톤의 출연으로 다양해 졌다. 하모니카의 음악이 유행하여 대중적 인기를 얻고 있었으며, 권번의 기생들의 음악이 소개되기 시작한 것도 이 때의 일이다. 그리고 그들이 일본에까지 해외공연을 다녔다는 것은 무척 이채로운 현상이었다. 그리고 외국 음악가가 내한하여 부산공연에서 공연을 가지기도 하였으며, 악기점이나 일간지들이 음악회를 후원하기도 하였다. 셋째, 1930년대는 일제의 한국민족말살정책과 전시체제돌입으로 사회전체가 위축되었다. 그러므로 전대에 비해 음악회가 활발히 이루어지지 않았다. 요곡이 다시 유행하였고, 하모니카음악은 인기가 여전하여 자습서가 편찬되었다. 또한 부산에서 첼로연주자가 처음 등장한 것이 이때의 일이다. 부산라디오가 개국하여 군가․양악 등의 중앙방송을 중계하기 시작하였다. 또한 이례적인 일로 동래권번기생들이 라디오에 출연하여 현금(거문고)․가야금․양금․장고․단소로 편성된 정악을 들려주었으며, 영주동의 봉래권번의 기생들은 판소리 중 적벽가와 가야금산조을 들려주었다. 또한 초량의 부산권번은 음악회와 무용회의 후원으로 간접적인 음악활동을 하였다.

This study took a look at the Busan music culture in the early 20th century with focus on the articles related to music printed in the Busan Ilbo by dividing it into each period and genre. It can be summed up as follows: In the 1910s, there was often held "yogokhoi"-Japanese vocal music society while Western music was insignificant in its activities. The Japanese music at that time featured the playing of gong, lute, Shakuhachi[a kind of Japanese pipe],traditional string instruments, etc. Most of the music stages were held centering on the present Busan theater, and Busan public girls' high school and private Busan girls' practice school were playing a key role in holding the music concert. In addition, the Japanese stage art- the kabuki made its first appearance at that time, and in 1915, the piano music was performed in Busan public girls' school, so the influx of the piano in Busan was made presumably before or after 1915. It is believed that In the 1920s, musical activities were brisker than its previous period, and the number of the times of music concerts increased as well. In addition, the contents of music concerts featured vocal music including operas, mezzo soprano, baritone, etc. Further, harmonic music was gaining popularity with the harmonic music catching on, and it was at that time that the gisaeng music at gwonbeon[gisaeng exchange]was introduced. Particularly, it is really an unusual thing that the troupe of gisaeng went on an overseas music tour even in Japan. In addition, foreign musicians visited Korea to give a music performance in Busan, and musical instrument shops and daily papers once sponsored the music concerts. In the 1930s, the whole society was shrunk due to the Japanese empire's extermination policy against the Korean people and plunging into a war footing. Thus, the musical activities at this period were less brisk than the previous period. Yogok was prevalent and harmonica music still remained popular, so even its self-teaching book was compiled. It was in the 1930s that a cellist made first appearance. With the opening of the Busan Radio broadcasting, it began to relay the military songs and Western music aired by the Central Broadcasting. In addition, as an unusual thing, the gisaeng from Dongrae gisaeng exchange appeared on the radio to play a court music formed by geomungo, gayageum, yanggeum, and danso while the gisaeng at Bongrae gisaeng exchange at Youngju-dong played jeokbeokga and gayageum sanjo among pansori. Additionally, Busan gisaeng exchange at Choryang did indirect music activities by sponsoring of music concerts or dance performance. As mentioned above, during the Japanese colonial era, the focus of the music culture in Busan was on the transplant of Japanese culture into Korea centering on Japanese society. Subsequently, a new sect of "yogokhoi" was active and it once occupied the largest portion of performance of all music concerts. In addition, after the 1920s, the Western music was revitalized. At that time, the Japanese traditional instrument 'shakuhachi' and Western instrument violin music was much performed. Traditional music was retained mostly by the gisaeng at gisaeng exchange, especially by Dongrae gisaeng exchange and Bongrae gisaeng exchange whose musical activities were noticeable. Ultimately, the introduction of the military songs and Western music through the radio broadcasting brought about an indiscriminate culture clash beyond the limit of district and objects.

한류와 국악은 문화 수출 및 교류라는 공동 목표를 가지고 있고 한류는 어느 정도 가시화된 성과를 이루었다고 보여 진다. 이러한 한류는 한국문화의 세계화에 분명한 기회를 제공할 것이며 국가브랜드 창조와 문화 성장의 원동력이 될 것이다. 더불어 국악 세계화의 방법을 한류에서 찾을 수 있고 한류의 장기화에 필요한 콘텐츠 및 문화 가치를 국악이 제공할 수 있는 상호보완 관계도 가지고 있다. 본 연구는 한류와 국악의 목표 측면에서 ‘경제 이익과 문화 가치 창출’ 및 ‘대중성과 예술성’, 그리고 내용 측면에서 ‘동·서양 문화사조’ 및 ‘동질감과 이질감’이라는 특징을 역학(상호 작용) 관계로 규정하여 살펴보겠다. 첫째, 한류는 치밀하고 체계적인 문화 마케팅 전략을 통해 경제 이익 창출이라는 목표를 이루어 왔다. 이러한 한류의 마케팅 전략은 국악의 세계화에 큰 밑거름을 제공할 수 있고 전통예술인 국악의 문화 가치 창출 목표는 한류가 보다 다양하게 발전하는데 기여할 수 있다. 둘째, 한류는 보다 많은 소비자 확보를 위해 철저한 다문화적 대중성을 근간으로 하는 작품을 생산하고 있다. 특히 최근 한류 시장의 영역을 유럽과 미국으로 확대한 신한류(k-pop)의 대중성은 오랜 시행착오를 거쳐 형성된 것으로 국악의 세계화와 현지화를 위한 창작에 필요한 음악적 요소가 무엇인지를 보여준다. 국악의 역사성과 예술성은 k-pop을 한국적 개성을 가미한 작품으로 변화 발전시킬 수 있다. 셋째, 국악은 한국을 넘어 아시아 문화의 광범위한 수용을 통해 형성되었다. 국악의 동양 문화 사조 대표성은 아시아에서는 동질감으로 유럽에서는 이질감으로 받아 들여져 유대감과 신비감의 문화로 인식된다. 한류는 한국의 문화임에도 불구하고 장르나 구성에서 서구 문화 사조를 가지고 있어 국악과는 반대의 느낌을 소비자에게 제공한다. 이러한 문화 사조와 질감은 각 국가나 민족(소비시장)마다 다른 결과와 효과를 만들어내기 때문에 적절이 두 요인을 조화시켜 접근하면 문화 수출에 성공할 수 있다. 국악은 세계화를, 한류는 시장의 확대와 장기화를 필요로 한다. 두 현상이 가진 각 요인들을 조직적으로 활용하면 한류의 과거는 국악의 미래, 국악의 현재는 한류의 미래를 밝게 할 수 있다. 가장 중요한 것은 한국의 예술인, 기획자, 정책자들이 두 현상의 상호 보완적인 관계를 정확히 인식하고 문화의 생산에 적극 활용하는 것이다.

Both Gugak(the Korean traditional music and dance) and Hanryu(the Korean cultural wave) share a common goal of the international cultural export and exchange. Hanryu will provide a clear chance for the globalization of Korean culture and become the driving force for the cultural development and creation of Korean national brand. Also, Hanryu can guide the globalization of Gugak, while adapting the additional contents from Gugak for its long lasting in a complementary relationship. This study focuses on the characteristics of 'Economic gain and creation of cultural value' and 'Popularity and artistic value' as its target, and 'Cultural trend of the East and West' and 'Senses of the similarity and dissimilarity' as its contents, in their interactions. First, Hanryu has achieved economical success by applying detailed and systematical marketing strategies. Gugak may adapt this for its globalization and development while enriching the Hanryu contents by providing an additional diversity. Second, in the effort of securing more global consumers, Hanryu has thoroughly produced their contents based on the multi-cultural popularity. Specially, recent success of New Hanryu (K-pop ; new korean cultural wave : korean pop music) in Europe and North America was only possible through out the years of trials and errors. This may suggest a direction for Gugak composers what kind of elements should their music include for the globalization and localization. Also, the history and artistic value of Gugak may provide the K-pop an additional Korean characteristics in their contents. Third, Gugak was formed partially in the result of wide adapting of Asian culture. The cultural trend of Gugak presents a similarity in Asia, while does the opposite in Europe as a culture of mystique uniqueness. The origin of Hanryu is Korea for certain, but its genre and trend are mainly belong to the Western sense away from Gugak. This kind of cultural sense and trend requires the different approach for each nations and ethnic groups for the success. Gugak requires the world wide reorganization while Hanryu seeks the expansion and long run of its market. A mutual and systematic adapting between these two phenomenon suggests a promising future. Most importantly, the Korean artists, producers, and administrator must clearly recognize the situation and put their effort on this complementary relationship for their benefit.